회화에서 가장 유명한 실내화 100선

#1

1. 아를의 반 고흐의 방

반 고흐는 1888년 아를의 노란 집에 있는 자신의 방을 그렸고 여러 버전을 제작했습니다. 고의적으로 불안정한 관점, 단순한 가구, 대담한 색상은 휴식을 암시했을 것입니다. 그러나 경사진 벽과 약간 오프셋 된 물체는이 빈 내부에 강렬한 심리적 존재를 부여합니다: 방은 얼굴없는 자화상이됩니다.

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#2

2. 메니나스

벨라스케스는 인판타 마거리트와 그녀의 추종자들, 개, 궁정 구성원들로 둘러싸인 마드리드의 알카사르 방에서 자신이 그림을 그리는 모습을 묘사합니다. 왕과 왕비가 거울에 나타난다. 1656 년에 그려진 "Les Ménines"는 누가 누구를 바라 보는지 질문합니다: 궁전은 표현,힘 및 존재의 복잡한 기계가됩니다.

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#삼

3. 아르놀피니 배우자

Van Eyck은 Giovanni Arnolfini와 한 여성을 브뤼헤의 부르주아 방에 배치하고 그 의미가 여전히 논쟁의 여지가 있는 물건들로 둘러싸여 있습니다. 볼록 거울은 두 명의 방문객을 반사하며 작가의 유명한 서명을 담고 있습니다. 1434 년에 그려진 이 그림은 내부를 증거의 공간으로 변형시킨다: 모든 세부사항은 그 상태를 확실하게 드러내지 않고 결합을 문서화하는 것처럼 보인다.

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#4

4. 우유 짜는 여인

베르메르는 하인이 간단한 부엌에 우유를 붓는 모습을 보여줍니다. 빵, 바구니, 구멍이 뚫린 벽, 측면 조명은 액션에 기념비적인 위엄을 더해줍니다. 아무것도 장관이지만 우유의 물방울은 시간을 중단시킵니다. 내부는 평범한 삶의 기이함보다는 가사 노동의 집중을 드러낸다.

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#5

5. 회화의 예술

"회화의 예술"에서 베르메르는 역사의 뮤즈인 클리오를 대표하는 모델을 마주하는 예술가를 뒤에서 보여줍니다. 합스부르크 문장이 있는 연합 지방과 샹들리에 지도는 작업장을 정치적 기억으로 넓혀줍니다. 그려진 커튼은 관객을 무분별한 방문객으로 변화시킨다: 그림은 지식과 환상의 무대가 된다.

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#6

6. 폴리스-베르제르의 바

마네는 1882 년 폴리스-베르제르 카운터 뒤에 수존을 그렸다. 거울은 군중, 조명 및 병을 배가 시키지만 그 반사는 웨이트리스의 위치와 정확히 일치하지 않습니다. 이러한 불일치는 현대 광경의 중심에 있는 고독을 가시화합니다. 바는 동시에 상업의 장소이자 사교계이자 광학 장치입니다.

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#7

7. 붉은 작업장

Matisse는 Issy-les-Moulineaux에 있는 자신의 작업장을 연속적인 빨간색으로 덮고 가구, 그림 및 조각품은 얇은 색상으로 표시됩니다. 1911 년에 그려진 "L'Atelier rouge"는 전통적인 깊이를 거의 폐지합니다. 내부는 과거 작품의 목록이 되어 원근감보다는 색상으로 구성된 공간을 드러낸다.

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#8

8. 쪽모이 세공 대패

Caillebotte는 파리 아파트에서 쪽모이 세공 마루 바닥을 계획하는 세 명의 직원을 대표합니다. 1875년 살롱에서 저속한 주제로 간주되어 거부된 이 그림은 그럼에도 불구하고 거의 고전적인 정확성으로 작품을 보여줍니다. 급락하는 원근법, 마루판, 창문의 빛은 부르주아 인테리어를 건설 현장으로 변화시키고 그 몸짓에 기념비적인 존엄성을 부여합니다.

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#9

9. 댄스 수업

드가는 오페라 방에서 줄스 페로가 이끄는 댄스 수업을 관찰합니다. 발레리나는 모든 춤을 추는 대신 옷을 스트레칭하거나 기다리거나 조정합니다. 바닥과 대각선은 이러한 가동 중지 시간을 분배합니다. 내부는 발레의 대중적 우아함 뒤에 숨은 작품, 규율, 피로를 드러냅니다.

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#10

10. 밤새

호퍼는 1942년 텅 빈 거리에서 본 한 야간 식당에 네 사람을 그렸습니다. 큰 창은 시청자로부터 고객을 분리하는 동안 고객을 노출시킵니다; 눈에 보이는 문은 출입을 허용하지 않습니다. 인공 조명은 도시 한가운데에 있는 취약한 피난처를 뚫고 들어갑니다. 현대적인 인테리어는 실제 의사소통 없이 근접성의 이미지가 됩니다.

참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.

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#11

11.창문에 E-reader 가

베르메르는 열린 창문 앞에 한 젊은 여성을 옆모습에 올려놓고 편지에 흡수됩니다. 최근 복원 작업을 통해 큐피드의 그림이 벽에 오랫동안 덮여 있어 낭만적인 해석이 더욱 강화되었습니다. 커튼, 테이블, 독자의 성찰은 여러 계획을 구성합니다. 내부는 친밀한 메시지를 보호하는 동시에 눈에 전달합니다.

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#12

12. 콘서트

"The Concert"에서는 세 명의 캐릭터가 세련된 실내에서 음악을 연주합니다. 바부렌의 매춘 장면을 포함해 벽에 걸려 있는 그림들은 낭만적인 풍자를 소개한다. 1990년 이사벨라 스튜어트 가드너 박물관에서 도난당한 베르메르는 어디에도 남아 있지 않습니다. 그의 침묵의 공간은 또한 진정한 부재의 이미지가 되었다.

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#13

13. 저울을 가진 여인

한 여성이 최후의 심판 그림 앞에서 빈 저울을 들고 있습니다. 보석, 빛과 거울은 물질적 부, 자기 지식 및 영적 운명에 반대합니다. 베르메르는 그러나 단순한 도덕성을 피한다: 정지된 제스처는 여러 판독 사이의 균형을 유지한다. 국내 내부는 신체적, 도덕적 의미 모두에서 측정 장소가 됩니다.

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#14

14. 편지를 읽고 있는 푸른 옷을 입은 여인

베르메르는 거의 완전히 닫힌 방에서 파란색 옷을 입고 편지를 읽는 여성을 그립니다. 벽에 있는 지도는 멀리서 보낸 사람을 암시하는 반면, 차가운 빛과 헐렁한 옷은 많은 가설을 불러일으켰습니다. 계정이 확인되지 않았습니다. 방은 간단한 시트에 집중된 침묵의 긴장으로 대기를 변환합니다.

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#15

15.편지를 쓰는 여인과 그 종

한 여자가 글을 쓰고 있는데 하인은 창가에서 기다리고 있습니다. 땅바닥에 구겨진 봉인이나 종이는 교환이 막 이루어졌음을 암시합니다. 베르메르는 여주인의 집중된 활동과 하인의 움직이지 않는 존재를 대조합니다. 내부는 따라서 보이지 않는 순환을 조직합니다: 편지는 곧이 작품을 부재중인 수신자에게 연결할 것입니다.

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#16

16. 음악 수업 - 요하네스 베르메르

베르메르의 음악 수업에서는 여자가 남자 앞에서 처녀 역을 맡는다. 악기 위의 거울은 그의 얼굴과 다리의 일부를 반사하여 시야를 복잡하게 만듭니다. 처녀의 라틴어 비문은 음악과 기쁨을 결합합니다. 연극은 조화를 묘사하지만, 인물들 사이의 거리는 두 인물의 관계의 본질을 열어줍니다.

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#17

17. 레이스메이커

베르메르는 레이스 쿠션 위에 기대어 있는 젊은 여성을 격리시킵니다. 촘촘한 프레임과 감소된 피사계 심도는 이 작은 그림에 탁월한 강도를 제공합니다. 빨간색과 흰색 실이 거의 추상적인 자료처럼 전경에 흐릅니다. 내부는 정확한 제스처 뒤에 사라집니다: 수동 작업은 공간 자체가됩니다.

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#18

18. 천문학자

천문학자는 왼쪽에서 불이 켜진 방에서 천구를 향해 몸을 기울입니다. 지도, 책, 도구는 관찰, 계산, 탐사를 연결합니다. 베르메르는 화려한 발견을 보여주는 것이 아니라 손과 시선이 아이디어를 검증하는 순간을 보여준다. 배운 내부는 세계에 대한 지식의 차분한 실험실이됩니다.

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#19

19. 사랑의 편지

하인이 류트를 들고 있는 여자에게 편지를 가져오고, 반쯤 열린 커튼이 그 장면을 드러낸다. 배경의 해저 그림은 종종 사랑을 불확실한 여행과 연관시킵니다. 빗자루, 바구니, 문턱은 우리에게 국내 현실을 상기시켜줍니다. 베르메르는 개인 메시지가 일반적인 작업을 방해하는 일련의 통로로 내부를 구성합니다.

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#20

20. 인테리어에 즐거운 회사

Pieter de Hooch는 문, 창문, 타일 바닥의 깊이가 풍부한 인테리어에 회사를 모았습니다. 캐릭터는 술을 마시고 대화를 나누지만 건축은 그들의 관계를 규제합니다. Vermeer와 달리 de Hooch는 방, 안뜰 및 거리 사이의 순환을 주장합니다. 집은 그림의 진정한 사회적 주제가 됩니다.

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#21

21. 식료품 저장실에 아이와 함께 여자

한 여성과 어린이가 신중하게 주문한 식료품 저장실을 차지하고 있습니다. De Hooch는 가족 돌봄과 가정의 물질적 관리를 결합합니다: 컨테이너, 식량, 임계값 및 빛은 국내 경제를 설명합니다. 아이는 관찰을 통해 배웁니다. 따라서 네덜란드 내륙은 몸짓과 책임을 매일 전달하기 위한 틀 역할을 합니다.

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#22

22. 풍부한 인테리어에 카드 플레이어

카드 플레이어는 대리석, 그림, 가구가 전시되는 풍부한 인테리어를 배경으로 합니다. De Hooch는 관점을 사용하여 놀이, 대화 및 주변 공간을 연결합니다. 카드는 매우 질서정연한 집에 기회와 전략을 도입합니다. 우아한 사교성은 설정의 숙달과 게임의 불확실성 사이의 이러한 긴장에 기초합니다.

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#23

23. 어머니가 아이를 현혹

어머니는 밝은 네덜란드 인테리어에서 아이를 기쁘게합니다. 가정 도덕뿐만 아니라 위생과도 관련된 돌봄의 몸짓은 종교적 이상화 없이 다루어집니다. 타일, 문 및 연속적인 방은 겸손한 행동에 규모를 부여합니다. De Hooch는 청결과 모성애를 가정의 눈에 보이는 기초로 삼습니다.

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#24

24. 인테리어에 우아한 회사

Ter Borch는 새틴 직물, 측정된 몸짓 및 외관에 드러나는 것보다 더 많은 것이 포함되어 있는 인테리어에 우아한 회사를 그립니다. 장르 장면은 사회 코드의 장면이 된다. 공간은 등장인물들을 하나로 모으지만, 공손함은 거리를 유지합니다. 각 개체는 의미가 의도적으로 모호하게 유지되는 대화에 참여합니다.

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#25

25.편지

Ter Borch에서는 한 글자만으로도 내부를 정지된 이야기로 바꾸는 데 충분합니다. 직물의 품질과 자세의 정확성은 특권적인 환경을 제공하는 반면, 메시지는 부재 중인 사람에게 방을 열어줍니다. 화가는 사교 행사의 작은 몸짓을하는 데 탁월합니다: 읽기, 받기 또는 응답은 평판, 욕망 및 결정을 관여시킬 수 있습니다.

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#26

26. 음악 수업 - Gerard ter Borch

Ter Borch는 음악 수업을 학습, 사회적 지위 및 유혹 가능성 사이의 조용한 협상으로 취급합니다. 악기와 악보는 근접성을 정당화하고 직물과 가구는 라벨을 유지합니다. 내부는이 이중 언어를 구성합니다: 음악은 공식적으로 거기에서 가르쳐 지지만 관중은 제스처를 읽도록 초대됩니다.

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#27

27.하인과 함께 그녀의 화장실에서 젊은 여자

젊은 여자는 하인의 도움으로 자신을 씻는다. Ter Borch는 상태를 설명하기 위해 새틴, 거울 및 소품을 사용하지만 서비스 관계는 고급 스러움보다 장면을 더 많이 구성합니다. 내부는 사회적 외관에 필요한 작업을 드러낸다: 완성된 우아함 뒤에는 준비 제스처가 거의 보이지 않는다.

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#28

일하는 어머니 28

샤르댕은 소박하고 질서정연한 방에서 아이의 일을 감독하는 어머니를 묘사합니다. "일하는 어머니"라는 제목은 가정 활동과 교육을 모두 중요하게 생각합니다. 빛, 가구, 물건은 광경을 추구하지 않습니다. 그들은 가정이 규율과 자율성을 전달하는 일상에 조용한 중력을 부여합니다.

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#29

29. 부엌 시녀

샤르댕의 하인은 캐리커처로 전락하지 않고 요리 작업을 수행합니다. 기구, 음식, 표면은 그림과 같은 주의를 기울여 칠해져 있습니다. 인테리어는 재료와 노력의 세계가 된다. 가사 노동에 부여된 이러한 존엄성은 샤르댕을 용감한 장면 및 위대한 역사화와 구별합니다.

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#30

30. 토톤 아이

아이는 테이블 위에서 토톤의 회전을 관찰합니다. Chardin은 인내, 균형 및 호기심의 경험에 방 전체를 집중시킵니다. 책과 학교 자료는 일시적으로 잊혀진다. 장난감은 신중한 은유가됩니다: 어린 시절은 또한 세상이 한 지점에 서있을 때 가장 단순한 현상에 대한 관심을 통해 배웁니다.

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#31

31.편지 봉인으로 바쁜 여인

샤르댕은 편지를 봉인하는 여성을 보여줍니다. 편지를 쓰고 보내는 사이의 중요한 순간입니다. 왁스, 종이 및 액세서리는 여전히 비밀스러운 통신을 볼 수있게합니다. 인테리어는 이 제스처를 보호하면서 보는 이의 호기심을 자극한다. 내용은 아직 알려지지 않았습니다; 주제를 만드는 것은 사적인 생각에서 외부 세계로의 전환입니다.

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#32

32. 방탕한 가족

Jan Steen은 "The Dissolute Family"를 집의 혼란에 대한 코믹한 경고로 바꿉니다. 음료, 어른을 흉내내는 아이들, 버려진 물건 등은 젊은이들이 어른들의 모범을 따른다는 속담을 잘 보여준다. 내부는 휴식의 증거를 축적합니다. 그러므로 관객의 웃음은 교육과 책임에 대한 도덕성과 분리될 수 없다.

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#33

33.식사 전 기도

"식사 전 기도"에서 Steen은 테이블 주위에 모인 가족을 보여줍니다. 헌신은 음식, 어린이, 가구 사이의 일반적인 몸짓의 일부입니다. 불안한 인테리어로 유명한 작가는 집단적 규율을 준수하는 방법도 알고 있습니다. 집은 신앙을 나타내기보다는 매일 실천하는 장소가 됩니다.

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#34

34. 부엌의 내부

Jan Steen의 주방은 활동, 대화, 종종 통제되는 장애를 위한 공간입니다. 도구, 음식, 동물 또는 캐릭터가 여러 단편 소설을 구성합니다. 작가는 다큐멘터리의 중립성을 추구하지 않는다: 모든 세부 사항은 도덕적 또는 코믹한 의미를 전달할 수 있다. 내부는 삶이 규칙을 넘어서는 장면처럼 기능합니다.

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#35

35.농민이 먹고 마시는 실내

농부들은 재료 밀도가 유쾌함을 강화하는 실내에서 먹고 마십니다. Steen은 태도, 식욕 및 교환을 이상적인 인물로 바꾸지 않고 관찰합니다. 식사는 사회적 구경거리가 된다. 이 작품은 신체를 하나로 모으지만 행동의 차이, 과잉 가능성, 동료애의 즐거움도 드러냅니다.

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#36

36. 화가의 작업장

쿠르베는 자신의 스튜디오 중앙에 벌거벗은 모델, 어린이, 친구, 후원자 및 사회적 인물로 둘러싸인 풍경을 그립니다. 1855년 사실주의 전시관에서 발표된 이 작품은 7년간의 예술 생활을 담은 "진짜 우화"입니다. 워크숍은 정치적, 사회적, 자서전적 세계가 됩니다.

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#37

37. 그의 작업실에 있는 아티스트

렘브란트는 거의 텅 빈 스튜디오에서 원격으로 설치된 대형 캔버스를 바라보며 자신이나 예술가를 표현합니다. 화가는 거장 제스처에 포착되지 않습니다: 그는보고,측정하고 생각합니다. 벌거벗은 공간은 이 펜던트 빛을 눈에 보이게 합니다. 창조한다는 것은 또한 뒤로 돌아가서 일의 규모에 따라 몸을 기다리고 직면하는 것을 의미합니다.

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#38

38.닥터 툴프의 해부학 레슨

Nicolaes Tulp 박사는 암스테르담 외과의사 길드 회원들 앞에서 죄수의 팔을 해부합니다. 1632년 렘브란트는 지식의 표현으로 변형된 집단 초상화를 그렸습니다. 시체, 해부학 서적, 수렴하는 시선이 원형 극장을 구성합니다. 제도적 내부는 과학, 명성, 죽음의 현장이 됩니다.

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#39

39. 포목 길드의 이사

1662년에 렘브란트는 등록부를 검토하는 포목 길드의 지도자들을 대표했습니다. 그들의 명백한 중단은 마치 시청자가 방금 방에 들어간 것처럼 보입니다. 테이블, 목공예 및 책은 전문적인 권위를 강화합니다. 집단 초상화는 계층 구조를 동결시키지 않습니다; 그는 공유된 결정의 순간을 만들어냅니다.

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#40

40.마랏의 죽음

데이비드는 1793년 욕조에서 살해된 마라트를 그리는데, 소박한 방을 혁명적 순교의 이미지로 변화시킵니다. 상자, 편지, 칼은 살인 다큐멘터리의 정확성을 제공하고 포즈는 죽은 그리스도를 회상합니다. 시선을 신체와 기억의 정치적 구성에 집중시키기 위해 내부는 거의 지워진다.

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#41

41. 우르비노의 비너스

티치아노는 베네치아 궁전에 벌거벗은 여자를 설치하고 관객을 직접 바라보고 있습니다. 하단에는 두 명의 하인이 가슴에 있는 옷을 찾아 누드를 가정 및 결혼 생활 인테리어와 연결합니다. 1538년경에 그려진 "우르비노의 비너스"는 욕망, 충실함, 다산을 결합합니다. 방은 실제 근접성으로 인해 우화를 혼란스럽게 만듭니다.

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#42

42. 올림피아

1863년에 마네는 "우르비노의 비너스"의 자세를 취했지만 대중의 시선을 지지하는 동시대의 창녀를 선보였습니다. 하인은 고객으로부터 꽃다발을 가져오고, 검은 고양이는 충실한 개를 대신하고, 빛은 몸을 납작하게 만듭니다. 부르주아 살롱은 거래 장소가 되었고, 1865년 살롱에서 스캔들을 일으켰습니다.

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#43

43. 위대한 오달리스크

Ingres는 가상의 하렘 내부에 누워 있는 오달리스크를 그립니다. 의도적으로 길쭉한 해부학적 구조, 직물 및 동양화 액세서리는 사실주의보다 선과 욕구를 선호합니다. Caroline Murat의 의뢰로 제작된 이 작품은 이 작품을 오늘날 이국주의에 대한 비판적 해석과 분리할 수 없는 동양에 대한 유럽의 환상으로 변화시킵니다.

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#44

44. 터키식 목욕탕

Ingres는 마치 구멍이 있는 것처럼 보이는 원형 욕조에 수많은 여성 누드를 모았습니다. 수십 년에 걸쳐 개발된 디자인으로 1862년에 완성된 이 작품은 아라베스크 바디를 선호하여 거의 모든 일관된 깊이를 제거합니다. 동양주의적 내면은 남성의 시선과 작가의 기억으로 구성된 폐쇄적인 세계가 된다.

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#45

45. 압생트

드가는 근접성에도 불구하고 헤어진 파리 카페에 여성과 남성을 배치합니다. 압생트 유리, 대리석 테이블, 비스듬한 프레임은 놀라운 순간의 느낌을 줍니다. 모델은 배우 Ellen Andrée 와 조각사 Marcellin Desboutin 입니다. 공공 인테리어는 술에 대한 일화를 넘어 현대적인 고립의 이미지가 됩니다.

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#46

46. 뉴올리언스의 면화 사무실

1873년 드가는 뉴올리언스에서 부모님의 면화 사업을 대표했습니다. 사업가, 샘플, 신문은 각 인물이 업무에 몰두하는 것처럼 보이는 사무실을 차지하고 있습니다. 내부에는 노예 경제를 연상시키는 세계 면화 무역과 그 네트워크가 기록되어 있습니다. 작품의 현대성은 무거운 역사를 가리고 있다.

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#47

목욕 후 47

목욕 후, 여자는 건조 또는 비정상적인 각도에서 본 친밀한 공간에서 그녀의 머리를 않습니다. 드가는 누드의 신화적인 포즈를 거부합니다: 몸은 행동에 종사하고 있으며 때로는 프레임에 의해 압축됩니다. 화장실 내부는 움직임과 파스텔의 실험실이 되며, 작가가 반이상적이라고 묘사한 근접성을 관찰합니다.

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#48

48. 밀리너에서

모자 제작업체에서 Degas는 외관 제조 전용 사업에 고객, 모자, 거울을 한자리에 모았습니다. 프레임에 의해 절단된 물체는 일본 사진과 인쇄물을 연상시킵니다. 내부는 부르주아 여가만큼이나 여성의 노동을 보여준다. 모자를 선택하는 것은 색상, 외모 및 사회적 지위의 장면이됩니다.

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#49

49. 댄스센터에서의 리허설

드가는 무대 뒤 작업 공간인 댄스 로비에서 리허설을 지켜본다. 발레리나, 마스터, 반주자가 비대칭 위치를 차지함; 어떤 사람은 춤을 추고 다른 사람은 기다립니다. 쪽모이 세공 마루 바닥과 개구부가 깊이를 구성합니다. 내부는 광경의 완벽한 통일성과는 거리가 먼 형성의 불연속적인 시간을 드러냅니다.

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#50

50. 아이러너

아이러너는 열, 피로, 증기가 거의 감지되는 작업장에서 반복적인 노력을 하는 중에 붙잡힙니다. 드가는 별로 가치가 없는 여성 직업에 큰 회화적 야망을 쏟고 있습니다. 테이블과 린넨은 공간을 구성하고, 경사진 몸체는 작업 내부가 공간을 차지하는 공간과 물리적으로 무게를 두고 있음을 보여줍니다.

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#51

51.인테리어 - 에드가 드가

이 "인테리어"에서 드가는 가구, 문, 프레임을 사용하여 이야기가 부분적으로 숨겨져 있는 상황을 만듭니다. 이 작품은 중립적 인 배경 역할을하지 않습니다: 그것은 인물을 분리하고, 특정 시선을 차단하고, 무엇이 빠져 나가는지를 제안합니다. 이러한 모호함은 확실한 설명 없이 현대 생활을 심리극으로 변화시킵니다.

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#52

52. 물랑루즈에서 춤을 춘다

툴루즈 로트렉은 물랑루즈를 인공 조명, 춤, 거의 가면을 쓴 얼굴의 세계로 묘사합니다. 유명한 카바레 피규어는 고객과 어울리고, 전경의 녹색 얼굴이 잘려 현장을 불안정하게 만듭니다. 야행성 내부는 사회적 기이함만큼이나 현대적인 광경을 드러냅니다.

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#53

카페-콘서트에서 53

마네는 대중, 웨이트리스, 예술가들이 붐비는 공간을 공유하는 카페 콘서트를 관찰합니다. 반사, 테이블 및 조명 조각 비전으로 중앙 판독을 방지합니다. 그림은 새로운 파리의 여가 문화를 포착합니다: 모든 사람이보고 볼 수 있지만 군중은 지속적인 관계를 보장하지 않습니다.

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#54

54. 오페라에서 가면 무도회

오페라 가면 무도회에서 마네는 검은 코트를 입은 남자들이 의상을 입은 여성들을 둘러싸고 있는 모습을 보여줍니다. 프레임은 몸을 자르고 현대적인 프리즈처럼 공간을 압축합니다. 명백한 파티 아래에는 시선과 유혹의 시장이 있습니다. 공공 내부는 계급, 욕망, 익명성이 협상되는 장소가 됩니다.

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#55

55.그림읽기

"Reading the Illustrated"에서 Manet은 내부에 들어가 여가 동작을 수정하는 현대적인 인쇄물을 보여줍니다. 독자는 오래된 책을 참조하지 않고 텍스트와 이미지가 빠르게 순환하는 출판물을 참조합니다. 장면은 새로운 시각 문화를 보여줍니다: 복제를 보는 것은 독서와 마찬가지로 일상적인 활동이됩니다.

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#56

56. 더 로지

르누아르는 1874년 극장 상자에 니니 로페즈와 에드몬드 르누아르를 그렸습니다. 여자는 대중의 눈에 자신을 바치고 남자는 쌍안경을 사용하여 다른 곳을 관찰합니다. 드레스, 꽃, 금박은 드레스룸을 두 번째 장면으로 만듭니다. 연극적 내부는 보이지 않는 광경만큼이나 시선의 순환을 조직한다.

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#57

57. 피아노에서 어린 소녀들

두 어린 소녀가 부르주아 인테리어에서 피아노를 연주합니다. 1892년에 국가의 의뢰를 받은 이 작품은 여러 버전으로 존재합니다. 르누아르는 음악 학습을 몸짓, 직물, 색상의 조화로 취급합니다. 이 작품은 여성 교육에서 음악이 차지하는 위치를 보여주면서 가정의 반복을 공모의 이미지로 변화시킵니다.

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#58

카페에서 58

Caillebotte는 고객뿐만 아니라 프레임의 테이블, 거리 및 컷에도 많은 중요성을 부여하는 카페를 그립니다. 공공 인테리어는 반드시 신체를 하나로 모으지 않고도 신체를 하나로 모읍니다. 반사와 가파른 각도는 도시의 현대적인 경험을 반영: 자신의 궤적에 갇혀있는 동안 다른 사람 사이에있는.

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#59

59. 인테리어,창문가의 여자

한 여성이 아파트와 도시 사이의 문턱인 창문 근처에 서 있습니다. Caillebotte는 종종 이 모티브를 사용하여 도시의 시선을 반영합니다: 인물은 참여하지 않고 관찰하는 반면 관객은 이를 차례로 봅니다. 내부는 보호하지만 외부 세계와의 거리를 민감하게 만드는 경계가 될 수도 있습니다.

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#60

60. 피아노에서 젊은 남자

피아노를 연주하는 청년은 Caillebotte가 놀라운 공간적 정확성으로 그리는 가족 세계에 속합니다. 악기, 가구, 자세는 콘서트 예의 없이 현대적인 인테리어에 음악을 배치합니다. 성능은 비공개로 유지됩니다. 그림은 예술이 어떻게 부르주아 가정 내에서 일상적인 관행이자 교육의 징후가 되는지 보여줍니다.

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#61

61. 스토브 작업장 인테리어

Caillebotte는 스토브로 가열되는 작업장을 대표하며, 창작물은 재료의 편안함, 온도 및 물체의 구성에 따라 달라집니다. 이젤이나 작품만으로는 장소를 정의하기에 충분하지 않습니다. 작가의 인테리어는 작품과 수납, 일상의 중간쯤에 있는 진정한 중고 작품으로 나타난다.

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#62

62. 아이의 목욕

Cassatt는 일본 판화에서 영감을 받은 조감도에서 아이의 발을 씻어주는 여성을 보여줍니다. 가까이서 본 그릇, 카펫, 시체는 기념비적인 구조로 처리되었습니다. 1893년에 그려진 내부는 일상적인 세면도구가 역사적 장면과 동일한 형식적 야망을 가질 수 있다고 주장합니다.

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#63

드레스룸에서 63

카사트는 쌍둥이를 손에 들고 탈의실에 나타나고, 다른 탈의실의 남자가 그를 관찰한다. 장면은 여성 모델의 일반적인 수동성을 뒤집는다: 그녀는 적극적으로 쇼를보고 그녀가 지켜보고 있다는 것을 안다. 극장 내부는 감시, 욕망, 시각적 자율성의 네트워크가 됩니다.

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#64

64. 차 한잔

차 한 잔을 마시면서 Cassatt는 부르주아 내부의 여성 사교성을 관찰합니다. 도자기, 의복, 설치는 단순한 위로의 표시가 아닙니다; 그들은 성문화된 만남을 규제합니다. 명백한 평온함은 심리적 관심으로 이어집니다. 테이블에 없는 대화는 제스처로 재구성되어야 합니다.

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#65

65.드레스 룸에서 진주 목걸이를 가진 여자

진주 목걸이를 한 여성이 사람들이 보는 것만큼이나 많은 것을 보러 오는 극장 상자를 차지하고 있습니다. Cassatt는 미러링과 프레이밍을 사용하여 관점을 배가합니다. 주얼리와 의상은 사회적 이미지를 구축하지만, 모델의 시선은 스펙터클로 축소되는 것을 방지하는 적극적인 존재감을 유지합니다.

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#66

66. 에드워드 달리의 딸들이 마신다

Sargent는 파리 아파트의 넓은 로비에서 Edward Darley의 네 딸 Drink를 그립니다. 두 아이는 가까이 남아 있고, 장로들은 거대한 일본 꽃병 사이의 그림자 속으로 물러납니다. "메니나"에서 영감을 받은 이 구성은 마치 공간이 이미 성인기로의 전환을 알리는 것처럼 그룹 초상화를 분리 연구로 변환합니다.

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#67

67. 회색과 검정색으로 배열 no. 1: 휘슬러의 어머니

휘슬러는 런던 스튜디오에 옆모습으로 앉아 있는 그의 어머니 안나 맥닐 휘슬러를 묘사합니다. "회색과 검은색의 배열"이라는 제목은 음색 비율을 강조하지만, 포즈의 절제 덕분에 이 작품은 효도의 아이콘이 되었습니다. 엄숙한 인테리어는 개인의 초상화, 장식적인 추상화, 가족의 기억을 결합합니다.

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#68

68. 콘서트 가수

Eakins는 공연 당시 콘서트에서 가수를 보여주며 악보, 호흡 및 청중의 존재에 주의를 기울입니다. 내부는 사회적인 거실이 아니라 음향 작업 공간입니다. 제스처의 정확성에 매료된 작가는 음악을 장식적인 우아함이 아닌 신체적 훈련으로 취급합니다.

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#69

69. 요람

모리조는 1872년에 그의 여동생 에드마가 그의 딸 블랑쉬를 지켜보는 모습을 그렸습니다. 요람 베일은 엄마와 잠자는 아기를 연결하면서 공간을 나눕니다. 첫 인상파 전시회에서 선보인 이 작품은 가족실을 경계의 이미지로 변화시킨다. 내부는 근접성을 표현하지만 잠으로 인한 깨지기 쉬운 분리도 표현합니다.

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#70

70. 태양 광선의 먼지

Hammershøi 는 거의 텅 빈 방의 피사체로 햇빛 한줄기 속에 먼지 입자를 보이게 한다. 빛은 땅을 비추는 만큼 공기, 시간, 침묵을 측정합니다. 스토리텔링의 부족은 문과 벽에 강렬한 존재감을 부여합니다. 내부는 일화 없는 인식의 경험이 된다.

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#71

71. 뒤에서 본 젊은 여자와 인테리어

뒤에서 본 젊은 여성이 함메르쇠이의 아파트에 서 있는데, 종종 그의 아내 이다. 그의 숨겨진 얼굴은 직접적인 심리를 거부합니다. 문, 회색 벽 및 가구는 그림만큼 중요한 간격을 그립니다. 내부는 수수께끼처럼 만들면서 사생활을 보호한다: 가까이 있다는 것은 접근을 갖는 것을 의미하지 않는다.

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#72

72. 피아노와 블랙에서 여자와 인테리어

피아노와 검은 옷을 입은 여자는 선택한 색상의 방을 차지합니다. Hammershøi 는 활기찬 음악 장면을 피합니다: 닫혀 있거나 침묵하는 악기는 큰 기하학적 질량이됩니다. 종종 뒤에서 보이는 그림은 동일한 모양의 순서에 속합니다. 내부는 기다림 속에 담긴 부재한 음악을 암시한다.

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#73

73. 인테리어,스트랜드게이드 30

코펜하겐의 아파트인 Strandgade 30 에서 Hammershøi 는 문,벽 및 창문을 일반적인 의미로는 결코 설명하지 않는 정밀도로 칠합니다. 방은 연속적인 개구부를 통해 소통하지만 침묵을 유지합니다. 실제 장소는 빛과 거리가 이야기를 거의 완전히 대체하는 정신적 건축물이 됩니다.

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#74

74. 휴식

"Rest"에서 Hammershøi는 맨 방에 완전히 갇혀 있는 여성이 뒤에서 앉아 있는 모습을 보여줍니다. 목, 드레스, 의자는 물리적인 존재감을 주는 반면, 얼굴이 없으면 거리가 유지됩니다. 휴식은 수면이나 여가라고 선언된 것이 아닙니다: 내부가 지속 시간을 측정하는 정지입니다.

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#75

75. 눈먼 사람의 방에서 태양

Anna Ancher는 시각 장애인 여성과 관련된 방에 강력한 직사각형의 햇빛을 가져옵니다. 제목은 가슴 아픈 역설을 만들어냅니다: 보는 사람이 존경하는 빛은 주민이 같은 방식으로 경험하지 않는다는 것입니다. 내부는 인식에 대한 반성이 되어 그림이 공유할 수 없는 경험을 가시화할 수 있음을 보여줍니다.

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#76

식사 때 76

Anna Ancher는 식사를 테이블, 몸짓, 빛이 커뮤니티를 구성하는 평범한 순간으로 표현합니다. 인물들은 가족 초상화를 위해 포즈를 취하지 않습니다; 그들은 활동의 리듬을 따릅니다. 스카겐의 내부는 이러한 절제된 관찰을 통해 그 존엄성을 획득합니다. 함께 식사하는 것은 일상의 필수품인 동시에 사회적 건축물이 됩니다.

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#77

아픈 사람의 머리맡에서 77

마이클 앤처는 아픈 사람의 침대 곁에 모인 친척들을 보여준다. 방은 시체를 조이고, 외모와 침묵은 기다림을 눈에 띄게 만듭니다. 어떤 영웅적인 몸짓도 상황을 해결할 수 없습니다. 가족 내면은 질병이 공유되는 장소가 되어 신중한 형태의 존재와 무력감을 드러냅니다.

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#78

78.작업장에서의 자화상

Carl Larsson은 Karin Larsson과 함께 전체 예술 작품으로 변모시킨 Sundborn의 집 중심부에 있는 자신의 스튜디오에서 자신을 대표합니다. 가구, 직물, 도구는 직업만큼이나 삶의 방식에 대한 이야기를 들려줍니다. 자화상은 예술가를 자신의 환경과 분리시키지 않습니다: 집단적으로 생각되는 공간에 거주하기 위한 수단을 만드는 것입니다.

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#79

79. 피아노를 치는 브리타

Carl Larsson의 딸인 Brita는 Sundborn의 가족 실내에서 피아노를 연주합니다. 수채화, 가구, 장식은 예술 교육이 일상생활에 속하는 전체를 형성합니다. 이 작품은 또한 그들의 앨범을 통해 널리 전파된 Larsson 국내 이상을 기록합니다. 집은 친밀한 기억만큼이나 스웨덴 현대성의 모델이 됩니다.

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#80

아픈 아이 80

뭉크는 1877년 결핵으로 사망한 여동생 소피의 병에 대해 평생 이야기합니다. "아픈 아이" 에서 방은 안정성으로 묘사되지 않습니다: 얼굴, 시트 및 빛은 기억에 의해 소비되는 것처럼 보입니다. 아이와 여자의 몸짓은 작별을 집중시킨다. 내부는 관찰되기보다는 재구성된 충격적인 공간이 된다.

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#81

81.병실에서 죽음

"병실에서의 죽음"은 가족의 기억을 부재로 인해 얼어붙은 그룹으로 바꿉니다. 죽어가는 사람은 거의 카메라 밖에 있다; 뭉크는 특히 남아 있는 사람들을 보여주는데, 각자는 자세에 갇혀 있다. 이 작품은 고통을 결합하지 않고 몸을 하나로 묶습니다. 애도는 병치된 고독들로 이루어진 집단적 경험으로 나타난다.

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#82

82. 모라의 샬레 내부

Zorn은 목공예품, 직물, 북유럽의 빛에 주의를 기울여 모라의 샬레 내부를 그립니다. 이곳은 예술가가 수집하고 홍보하는 스웨덴의 물질 문화를 증언합니다. 내부는 사물의 축적으로 민속적이지 않습니다: 그것은 건축, 사용법 및 지역 기억이 어떻게 삶의 방식을 구성하는지 보여줍니다.

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#83

83.그린 인테리어

Vuillard는 "The Green Interior"를 벽, 가구, 옷, 인물이 서로 반응하는 패턴의 표면으로 변형합니다. 색상은 단지 방을 설명하는 것이 아닙니다; 주민과 장식 사이의 경계가 거의 사라지게 만듭니다. 이 융합은 나비의 친밀감을 표현합니다: 집은 몸짓과 사람을 직물 기억처럼 보존합니다.

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#84

84. 여섯 개의 캐릭터로 이루어진 위대한 인테리어

"6명의 캐릭터가 있는 멋진 인테리어"는 관계가 긴장되고 모호한 공간에서 Vuillard와 가까운 여러 사람들을 하나로 모읍니다. 각 인물은 그 자체의 침묵에 사로잡혀 있는 것처럼 보이며, 설정은 그들을 시각적으로 연결합니다. 형식의 웅장함은 역사적인 장면을 생산하지 않습니다: 그것은 사적인 원의 감정적 인 복잡성을 기념비적으로 만듭니다.

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#85

85. 인테리어: 작가의 어머니와 여동생

Vuillard는 종종 어머니의 재봉 작업장과 연결된 가족 아파트에서 어머니와 여동생을 그립니다. 드레스, 벽지, 가구의 패턴으로 인해 신체는 장소와 거의 분리될 수 없습니다. 이 시각적 근접성은 강렬한 가족 역사를 반영합니다: 내부는 동시에 집, 작업 공간 및 공유 메모리입니다.

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#86

86.인테리어 속의 캐릭터: 일

"Le Travail"에서 Vuillard는 국내 또는 장인 활동에 종사하는 인물을 보여줍니다. 방은 보조 설정 역할을하지 않습니다: 그 패턴과 가구는 가능한 제스처를 결정합니다. 이 작품은 여성스럽고 반복적이며 신중한 인테리어 작품을 눈에 띄게 만드는 동시에 타이트한 회화적 구성으로 변형시킨다.

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#87

87. 피아노에 미시아 나탄손과 인테리어

"La Revue blanche" 서클의 뮤즈인 Misia Natanson은 음악, 우정, 지적 생활이 결합된 실내의 피아노로 표현됩니다. Vuillard는 공식 초상화에서 그를 고립시키지 않습니다: 악기, 카펫 및 벽은 그의 실루엣을 부분적으로 흡수합니다. 개성은 그 장소에 거주하고 활력을 불어넣는 방식을 통해 드러납니다.

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#88

등불 아래서 점심식사 88

Bonnard는 인공 조명이 테이블, 그릇, 인물 및 그림자를 하나로 모으는 램프 아래에서 점심을 그립니다. 매일의 식사는 색채의 경험이 되며, 즉각적으로 포착되는 것 이상의 기억으로 재구성됩니다. 내부는 친숙하지만 불안정한 상태로 남아 있습니다: 각 물체는 그것에 주어진 관심에 따라 장소를 바꾸는 것처럼 보입니다.

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#89

89. 식탁에서 여자와 개

Bonnard's에서는 여성과 개가 테이블을 공유하여 대가족과 가정 세부 사항 사이의 계층 구조를 폐지합니다. 동물은 기대, 근접성 및 유머를 소개합니다. 테이블은 공간을 줄이고 동일한 다채로운 리듬으로 존재감을 하나로 모읍니다. 내부는 명성이 아니라 그곳에서 반복되는 습관으로 정의됩니다.

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#90

화장실에서 90

화장실에서 보나르는 외부 증인의 안정적인 관점을 채택하지 않고 시체, 거울, 물을 관찰합니다. 반사와 프레임이 조각을 조각화합니다. 그녀의 반복되는 모델인 마르테는 시간과 기억이 가득한 매일의 의식에 등장합니다. 친밀한 내부는 거의 떠다니는 지각 경험이 됩니다.

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#91

91. 인테리어 - 피에르 보나르

Bonnard의 "Interior"는 단순히 적절하게 측정된 방이 아닙니다. 테이블, 문, 색상 및 그림은 사후 재구성된 비전에 따라 재배포됩니다. 시선은 중심 하나 없이 순환한다. 이러한 불안정성은 집을 기억의 저장소로 만들고, 현재가 오래된 습관과 혼합됩니다.

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#92

92. 쾌적한 인테리어

"즐거운 인테리어"라는 제목은 아마도 Matisse의 Nice 인테리어를 주저하게 번역한 것과 일치할 것입니다. 작가는 창문, 천, 색상 영역으로 작품을 구성하여 설명보다 시각적 즐거움을 우선시합니다. 가정용 공간은 사람이 거주할 수 있는 베어링을 잃지 않으면서 개방적이고 통기성이 뛰어나며 장식적입니다.

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#93

93. 금붕어 워크숍

"L'Atelier aux Poissons Grasses"에서 Matisse는 식물, 가구 및 작품이 서로 반응하는 공간 중앙에 항아리를 배치합니다. 물고기는 조용하고 주기적인 움직임을 소개합니다. 작업장은 생산의 장소 일뿐만 아니라: 그것은 색채와 이전 창조물의 존재에 의해 구성된 관조 세계가됩니다.

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#94

94. 가지의 내부

마티스는 벽, 스크린, 식탁보, 풍경 사이의 경계를 없애는 모티프로 "가지가 있는 내부"를 덮고 있습니다. 가지는 이 장식적인 풍요로움의 한가운데에 콘크리트 닻을 제공합니다. 1911 년에 제작 된 대형 패널은 방을 연속적인 표면으로 변형시켜 고전적인 관점없이 깊이가 존재합니다.

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#95

95. 피아노 레슨

"피아노 레슨"에서 마티스는 악기와 창문의 기하학적 엄격함을 아들 피에르와 대조합니다. 메트로놈과 가혹한 조각상은 규율과 제약을 불러일으킵니다. 1916년에 그려진 이 작품은 르누아르의 웃는 친밀감과는 거리가 먼 음악 학습을 긴장된 구성으로 변화시킵니다.

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#96

96.니스의 인테리어

니스에서 마티스는 창문, 커튼, 양탄자 및 모델을 사용하여 지중해의 빛이 들어오는 내부를 만듭니다. 방은 닫혀 있지 않습니다: 바다, 발코니 또는 하늘과 대화합니다. 이러한 투과성은 공간이 장식적인 층으로 펼쳐지는 그의 니스 시대의 중심 주제가 됩니다.

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#97

97. 붉은 인테리어,파란 테이블 위에 정물화

마티스는 방의 빨간색과 테이블의 파란색을 대조하여 정물화에 건축적 강렬함을 더해줍니다. 물체는 여전히 알아볼 수 있지만 색상은 더 이상 사실적인 조명에 의존하지 않습니다. 내부는 거주 가능한 반음계 협정이 됩니다. 테이블은 공간에 맞지 않습니다: 그것은 그것을 생산하는 데 도움이됩니다.

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#98

98. 바이올린의 내부

바이올린은 마티스의 내부에 음악의 조용한 존재를 소개합니다. 곡선 모양은 방의 패턴, 가구 및 개구부에 반응합니다. 시선을 정리하기 위해 악기를 연주할 필요는 없습니다. 국내 공간은 가능한 소리와 눈에 보이는 색상이 일치하는 구성이 됩니다.

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#99

99. 개의 내부

"Interior to the Dog"에서 Matisse는 동물에게 영웅적인 주제라기보다는 친숙한 존재의 표시인 가구와 패턴에 필적하는 위치를 제공합니다. 개는 일상생활에서 구성을 고정시킵니다. 그의 주변에는 색상이 실제로 사람이 거주하는 공간의 느낌을 없애지 않으면서 방을 변화시킵니다.

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#100

100. 작은 파란색 인테리어

"리틀 블루 인테리어"는 마티스의 예술을 겸손한 형식으로 응축합니다: 몇 가지 가구, 물건 및 표면은 방을 존재하게하기에 충분합니다. 블루는 표준화 없이 통합되어 각 다채로운 악센트가 제 역할을 할 수 있도록 합니다. 이 작품은 규모가 줄어들더라도 인테리어의 관계가 엄청날 수 있다는 생각으로 여정을 마무리합니다.

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