100선 — 아르누보
아르누보: 회화 100점과 모티프
클림트, 뭉크, 크노프, 르동, 호들러와 유럽의 동료들: 회화는 선이 개성을 잃지 않고도 물결칠 수 있음을 발견합니다.
아르누보는 금빛에 감싸인 몸과 리듬 있는 풍경, 불안한 신화, 비밀을 간직한 얼굴을 그립니다. 꽃들은 때로 군대 같은 규율로 자라지만, 그림은 언제나 그 규율에서 벗어날 만큼의 자유를 유지합니다.
선이 무대에 등장하다
장식이 건축이 될 때
1880년대부터 제1차 세계대전까지 아르누보 회화는 몸과 자연, 신화, 현대의 삶을 통합할 수 있는 형태를 찾습니다. 빈과 브뤼셀, 뮌헨, 바르셀로나, 프라하, 헬싱키에서 클림트, 크노프, 폰 슈투크, 카사스, 갈렌칼렐라는 매우 다른 해답을 만듭니다. 전면적인 장식과 불안한 상징주의, 사교적 초상화, 민족의 전설, 리듬 있는 풍경입니다. 이 그림 100점은 미술 운동에 놀라운 다양성을 부여한 장식과 이야기, 초상화, 풍경 사이의 교류를 따라갑니다.
아르누보는 현대성 위에 꽃 몇 송이를 얹지 않습니다. 똑바로 걷기를 정중히 거부하는 선으로 벽과 글자, 심지어 머리 모양까지 다시 그립니다.작품 이미지로 이동
선정 작품
이미지로 보는 작품
현대성의 상징들
클림트, 뭉크, 크노프, 르동, 호들러가 세기말에 얼굴을 부여한 회화로 감상 여정을 엽니다.
#1
구스타프 클림트1. 키스
클림트는 황금빛 시기의 절정인 1907~1908년 《키스》를 그립니다. 직사각형과 원으로 덮인 망토는 모자이크처럼 연인을 감싸고, 발은 꽃 핀 풀밭의 가장자리에 머뭅니다. 포옹은 영원해 보이지만 균형은 매력적일 만큼 아슬아슬합니다.
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#2
에드바르 뭉크2. 절규
뭉크는 오슬로의 피오르 위를 산책하다 자연을 가로지르는 절규를 느꼈다고 말한 경험에서 《절규》를 구상합니다. 인물은 소리를 지르는 것이 아니라 귀를 막는 것일지도 모릅니다. 물결치는 하늘은 개인적인 위기를 현대의 불안을 나타내는 보편적인 이미지로 바꿉니다.
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#3
구스타프 클림트3. 아델레 블로흐바우어의 초상 I
산업가 페르디난트 블로흐바우어가 주문한 이 1907년 초상화는 황금빛 화면 한가운데 그의 아내 아델레를 담고 있다. 클림트는 유화 물감과 금속박, 라벤나의 모자이크에서 영감을 받은 모티프를 결합했다. 얼굴과 손만이 강렬한 존재감을 드러낼 뿐, 몸은 거의 장식 속으로 사라진다.
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#4
프란츠 폰 슈투크4. 죄
1893년 처음 전시된 《죄》는 프란츠 폰 슈투크에게 명성을 안겨 주었다. 뱀에 몸이 감긴 나체의 여인이 거의 검은 배경에서 모습을 드러낸다. 이 그림은 성서 속 죄의 이야기를 들려주기보다 욕망과 위협, 정면을 향한 시선이 불안하게 마주하도록 구성한다.
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#5
페르낭 크노프5. 나는 나 자신에게 문을 잠근다
크노프는 크리스티나 로세티의 시에서 제목을 가져와, 1891년 백합과 히프노스의 흉상, 브뤼주의 거리 사이에 홀로 있는 여인을 그렸다. 모든 사물이 개인적인 기억에 속한 듯 보인다. 닫힌 문은 방보다는 정성스럽게 잠가 둔 내면의 세계를 지킨다.
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#6
오딜롱 르동6. 키클롭스
르동은 1914년경 꽃으로 덮인 언덕 뒤에서 잠든 갈라테이아를 바라보는 폴리페모스를 상상했다. 《오디세이아》의 외눈박이 거인은 더 이상 난폭한 괴물이 아니다. 그의 거대한 눈은 수줍기까지 한 호기심을 드러낸다. 그러나 환한 색채 속에서도 꿈은 은근한 열기를 머금는다.
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#7
페르디난트 호들러7. 밤
호들러가 1891년 《밤》을 전시하자 제네바에서는 누드가 물의를 빚는다고 판단해 작품을 철거했다. 화가는 잠든 사람들 사이에서 죽음을 상징하는 검은 형상 때문에 깨어난 자신의 모습을 그렸다. 반복되는 신체는 함께 누운 잠자리를 수면과 연약함을 다루는 프리즈로 바꾼다.
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#8
악셀리 갈렌칼렐라8. 삼포의 수호
갈렌칼렐라는 《칼레발라》에서 소재를 가져와, 로우히가 탐내는 마법의 맷돌 삼포를 지키는 베이네뫼이넨을 그렸다. 붉은 돛 아래 거친 바다에서 전투가 벌어진다. 핀란드의 민족 전설은 이 작품에서 거대한 현대적 모험이 지닌 날카로운 활력을 얻는다.
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#9
구스타프 클림트9. 베토벤 프리즈
1902년 빈 분리파의 베토벤 전시를 위해 제작된 이 프리즈는 인류의 고통을 거쳐 행복을 찾아가는 여정을 보여준다. 클림트는 교향곡 제9번과 요제프 호프만의 건축에 호응하면서, 관람객을 적대적인 힘들로부터 마지막 포옹 장면으로 이끈다.
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#10
악셀리 갈렌칼렐라10. 아이노 삼면화
《아이노 삼면화》는 《칼레발라》의 세 장면, 즉 베이네뫼이넨과의 만남, 아이노의 도주, 그리고 물속으로 사라지는 모습을 이야기한다. 갈렌칼렐라는 핀란드 민속 미술에서 영감을 받은 모티프로 이야기를 둘러쌌다. 목가적인 자연은 비극적인 거부가 펼쳐지는 무대가 된다.
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#11
페르낭 크노프11. 애무
1896년에 그린 《애무》에서 오이디푸스는 치타의 몸과 크노프의 여동생 마르그리트에게서 영감을 받은 얼굴을 지닌 여성 스핑크스와 마주한다. 고대의 수수께끼는 위험한 친밀함으로 바뀐다. 뺨에 얹힌 손은 다정함과 지배, 함정 사이를 오간다.
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#12
오딜롱 르동12. 감은 눈
르동은 1890년경 아내 카미유에게서 영감을 받아 눈을 감은 얼굴을 그렸다. 초기의 어두운 목탄화 이후, 여기서는 매우 절제된 색채를 도입한다. 눈에 보이는 세계가 살짝 물러나면서 잠과 명상, 내면에 떠오르는 환영이 서로 분리할 수 없는 것이 된다.
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#13
에드바르 뭉크13. 마돈나
《마돈나》는 뭉크의 《생의 프리즈》에 속한다. 눈을 감은 여인이 붉은 후광 앞에서 몸을 뒤로 젖히며 황홀과 불안 사이에 놓인다. 화가는 수태와 사랑, 죽음을 하나의 이미지에 결합했다. 이 작품의 회화와 판화 버전은 오랫동안 성스러움의 경계를 흔들었다.
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#14
프란츠 폰 슈투크14. 루시퍼
폰 슈투크는 루시퍼를 행동하는 악마보다 앉아 있는 군주로 제시한다. 육중한 몸은 어둠에 스며들고, 두 눈은 관람객을 똑바로 응시한다. 이 부동의 자세는 위협을 더욱 강하게 만든다. 악은 자리에서 일어날 필요조차 없다.
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#15
카를로스 슈바베15. 죽음과 무덤 파는 사람
슈바베는 한 세계의 종말을 보여주기 위해 1895년 《죽음과 무덤 파는 사람》을 그렸다. 초록빛 천사가 눈 덮인 묘지 한가운데서 가녀린 불꽃을 들고 땅을 파는 남자에게 내려온다. 겨울과 피로, 희망이 만나지만 그 긴장은 해소되지 않는다.
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#16
라몬 카사스16. 탠덤 자전거를 탄 라몬 카사스와 페레 로메우
바르셀로나의 카바레 엘스 콰트레 가츠를 운영한 라몬 카사스와 페레 로메우는 1897년 탠덤 자전거를 탄 자신들의 모습을 그렸다. 이 그림은 공식 초상화를 풍자하는 동시에 도시의 근대성을 찬양한다. 자전거를 탄 두 보헤미안만으로 카탈루냐 모더니즘의 가장 유쾌한 선언이 탄생한다.
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#17
앙리 드 툴루즈로트레크17. 물랭 루주에서: 카드리유가 끝난 뒤
툴루즈로트레크는 물랭 루주에서 카드리유 춤이 끝나고 무용수와 손님들이 흩어지는 모습을 관찰한다. 잘린 인물의 윤곽과 비어 있는 마룻바닥은 공연 자체보다 그 여운을 보여준다. 화가는 이 단골들을 잘 알고 있으며, 그들을 구경거리로 만들지 않고 피로를 이야기한다.
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#18
앙리 드 툴루즈로트레크18. 물랭 루주에서
1892년경에 그린 《물랭 루주에서》에는 카바레의 여러 인물이 모인다. 잔 아브릴이 화면을 가로지르고, 라 굴뤼가 거울에 비치며, 오른쪽 가장자리에는 조명 때문에 얼굴이 초록빛으로 물든 메이 밀턴이 나타난다. 로트레크는 파리의 밤을 담은 본격적인 군상 초상화를 구성한다.
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#19
구스타프 클림트19. 유디트 I
클림트는 황금 시기가 시작될 무렵인 1901년 유디트를 그렸다. 성서의 여주인공은 홀로페르네스의 머리를 한쪽 구석에 밀어 둔 채 거의 드러내지 않으며, 자신의 얼굴이 화면을 지배한다. 정치적 승리는 관능적 권력의 이미지로 바뀌고, 금목걸이는 거의 갑옷처럼 보인다.
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#20
구스타프 클림트20. 유디트 II
첫 번째 작품으로부터 8년 뒤에 그린 《유디트 II》에서 클림트는 여주인공의 몸을 길게 늘이고 손을 더 날카롭게 표현한다. 장식 모티프도 한층 긴장감을 띤다. 흔히 살로메라고 불리는 이 인물은 이야기가 잘린 머리로 끝나는 두 팜므 파탈 사이에 의도적으로 놓여 있다.
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#21
구스타프 클림트21. 해바라기가 있는 농가 정원
1907년경 클림트는 아터제 호수 근처의 이 정원을 세로로 긴 태피스트리처럼 그렸다. 눈에 보이는 지평선 없이 작은 꽃들이 빽빽한 가운데 해바라기가 위로 솟아오른다. 농가는 식물 속에 거의 사라진다. 풍경은 벽지보다 훨씬 자유분방한 살아 있는 벽이 된다.
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#22
앙리 드 툴루즈로트레크22. 물랭 루주에 들어서는 라 굴뤼
로트레크는 춤이 시작되기 전, 물랭 루주에 들어서는 순간의 라 굴뤼를 포착한다. 화면의 구도와 알아볼 수 있는 실루엣은 격식을 갖춘 포즈 없이도 루이즈 베베르의 명성을 드러낸다. 이 스타는 거울과 조명, 관객만큼이나 그 장소의 일부다.
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#23
구스타프 클림트23. 세레나 퓰리처 레데러
클림트는 가장 유명한 작품들에서 금빛을 풍성하게 사용하기 전인 1899년에 세레나 퓰리처 레데러의 초상화를 그렸다. 흰 드레스는 창백하고 거의 액체처럼 흐르는 분위기 속에서 도드라진다. 유명한 수집가 가문의 일원인 세레나는 과시하기보다 절제된 우아함을 보여준다.
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#24
구스타프 클림트24. 요람
1917~1918년경 완성된 《요람》은 다채로운 천이 산처럼 쌓여 아기의 모습을 거의 모두 가린다. 클림트는 담요와 쿠션을 장식적인 피라미드로 바꾼다. 꼭대기의 작은 얼굴만이 이 화려한 직물 구성이 결국 누군가를 잠들게 해야 한다는 사실을 상기시킨다.
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#25
구스타프 클림트25. 메다 프리마베시
클림트가 1912~1913년 메다 프리마베시를 그렸을 때 소녀는 겨우 아홉 살이었다. 흰 드레스와 당당한 자세는 매우 선명한 꽃무늬 배경과 대조된다. 빈의 후원자 부부의 딸인 소녀는 당시 아동 초상화에서 보기 드문 자립적인 태도로 시선을 마주한다.
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빈에서 바르셀로나까지, 예술가들은 모델과 무용수, 작가, 새로운 사교 공간을 관찰한다.
#26
산티아고 루시뇰26. 미켈 우트리요의 초상
루시뇰은 파리에서 지내던 시절 물랭 드 라 갈레트에서 친구 미켈 우트리요를 그렸다. 비평가이자 엔지니어인 그는 담배 연기가 자욱한 카바레의 분위기에 잠겨 있다. 이 초상화는 몽마르트르의 보헤미안 문화와 곧 엘스 콰트레 가츠를 중심으로 형성될 카탈루냐 모더니즘을 연결한다.
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#27
조반니 세간티니27. 알프스의 한낮
세간티니는 1891년 《알프스의 한낮》에서 수정처럼 맑은 고산의 빛 아래 양치기 여인과 양 떼를 그렸다. 분리된 작은 붓질은 공기와 풀의 강렬함을 높인다. 시골의 노동은 산이 동물들과 함께 숨 쉬는 듯한 범신론적 광경으로 바뀐다.
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#28
프란츠 폰 슈투크28. 시시포스
폰 슈투크는 영원히 바위를 밀어 올려야 하는 시시포스의 신화를 다룬다. 팽팽하게 긴장한 몸은 캔버스의 거의 전부를 차지하며 형벌을 힘에 대한 탐구로 바꾼다. 정상은 어디에도 보이지 않는다. 이 거대한 노력은 바로 끝내 결실을 맺지 못할 노력이다.
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#29
에드바르 뭉크29. 키스
《키스》에서 뭉크는 창가에 선 연인의 얼굴을 하나로 융합한다. 포옹은 연인들을 바깥세상으로부터 보호하지만, 두 사람의 정체성은 어두운 덩어리 속으로 사라진다. 여러 버전으로 그려진 이 장면은 욕망과 자아의 상실 사이에 놓인 《생의 프리즈》에 속한다.
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#30
페르디난트 호들러30. 대칭으로 반영된 툰 호수
호들러는 거의 완벽하게 대칭을 이루는 반영을 중심으로 툰 호수의 풍경을 구성한다. 산과 물, 하늘은 그의 평행주의 원리에 따라 서로 호응한다. 스위스의 풍경은 단순히 그림 같은 경치를 넘어, 자연의 반복을 매우 질서 있게 성찰하는 장면이 된다.
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#31
악셀리 갈렌칼렐라31. 레민케이넨의 어머니
《칼레발라》에서 레민케이넨의 어머니는 죽은 자들의 강가에서 갈기갈기 찢긴 아들의 몸을 찾아 되살리려 한다. 갈렌칼렐라는 1897년 신의 징조를 기다리는 순간을 그렸다. 창백한 젊은이와 침묵하는 하늘은 신화에 어머니의 고통을 생생하게 부여한다.
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#32
산티아고 루시뇰32. 아란후에스의 정원
루시뇰은 카스티야에 머물며 아란후에스의 정원을 발견했고, 이를 주요 주제로 삼았다. 산책로와 분수, 다듬어진 나무들은 옛 궁정 사람들이 떠난 뒤처럼 비어 있다. 정원의 기하학적 질서 속에 지극히 근대적인 우수가 깃든다.
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#33
앙리 드 툴루즈로트레크33. 그르넬에서, 압생트를 마시는 여인
툴루즈로트레크는 그르넬에서 압생트를 마시는 여인을 카바레의 떠들썩하고 이색적인 분위기 없이 그렸다. 여인은 정겹지 않은 공간에 둘러싸여 고독에 잠겨 있다. 술잔은 도덕적 판단을 위한 소품이 아니다. 아주 가까이에서 관찰한 한 삶의 일부다.
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#34
페르낭 크노프34. 누가 나를 구해 줄 것인가?
크노프는 크리스티나 로세티에게서 《누가 나를 구해 줄 것인가?》라는 제목을 가져와, 인물에게 거의 갇힌 듯한 존재감을 부여한다. 침묵의 공간에 고립된 얼굴은 이야기의 답을 전혀 내놓지 않는다. 그림 전체는 도망치고 싶은 욕망과 자발적인 은둔 사이의 기다림에 담겨 있다.
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#35
앙리 드 툴루즈로트레크35. 물랭 루주에서: 여성 광대 샤위카오
물랭 루주의 공연자이자 여성 광대인 샤위카오는 로트레크가 즐겨 그린 모델이었다. 그는 노란색과 검은색 의상을 입은 그녀를 공연을 의식하면서도 공연에만 갇히지 않는 인물로 보여준다. 묵직하고 품위 있는 존재감은 밤의 세계를 다루는 흔한 캐리커처에 맞선다.
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#36
에곤 실레36. 추기경과 수녀(애무)
실레는 1912년 클림트의 《키스》를 변형해 《추기경과 수녀》를 그렸다. 그는 성직자처럼 옷을 입은 자신과 발리 노이칠을 뻣뻣하고 불안한 포옹 속에 담았다. 검은 배경은 사랑의 몸짓을 죄와 고백, 혹은 예고된 이별로 바꾼다.
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#37
앙리 드 툴루즈로트레크37. 침대에서, 키스
《침대에서, 키스》는 로트레크가 사창가의 사적인 공간에서 두 여인을 관찰한 연작에 속한다. 두 몸은 고객을 위한 선정적인 연출 없이 가까워진다. 이 순간의 다정함은 그 장소의 가혹한 사회적 현실과 대조된다.
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#38
앙리 드 툴루즈로트레크38. 물랭 루주에서 춤추는 두 여인
《물랭 루주에서 춤추는 두 여인》은 무도장 가장자리에서 바라본 움직임을 보여준다. 로트레크는 치마와 다리, 대각선을 이용해 리듬을 되살린다. 그는 완벽한 포즈를 추구하지 않는다. 춤은 이어지는 불균형 속에 존재한다.
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#39
프란츠 폰 슈투크39. 유디트와 홀로페르네스
폰 슈투크는 유디트가 홀로페르네스의 머리를 드러내는 순간을 선택한다. 여주인공은 연약하지 않다. 그녀의 몸은 조각을 연상시키는 당당함으로 도드라진다. 성서의 이야기는 유혹과 폭력, 여성의 권력이 맞서는 장면으로 바뀐다.
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#40
프란츠 폰 슈투크40. 유디트와 홀로페르네스 II
《유디트와 홀로페르네스 II》에서 폰 슈투크는 더 극적인 긴장 속에 여주인공을 다시 그린다. 어두운 대비는 몸과 전리품 주변으로 사건을 압축한다. 이 주제를 반복한 것은 승리한 여성이 세기말 문화에 얼마나 큰 매혹을 불러일으켰는지 보여준다.
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#41
알폰스 무하41. 보헤미아에 보내는 프랑스의 입맞춤
무하는 프랑스와 체코의 문화적 유대를 배경으로 《보헤미아에 보내는 프랑스의 입맞춤》이라는 알레고리를 그렸다. 두 여성 인물이 두 나라를 상징한다. 꽃 장식은 단순한 꾸밈에 그치지 않고 외교를 애정 어린 몸짓으로 바꾼다.
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#42
프란츠 폰 슈투크42. 스핑크스의 키스
폰 슈투크의 《스핑크스의 키스》는 남자와 신화 속 존재를 치명적인 포옹으로 결합한다. 스핑크스는 더 이상 자신의 수수께끼를 풀어 주길 기다리지 않고 희생자를 삼킨다. 그림은 욕망에 스스로 다가가는 위험이라는 매우 직접적인 형태를 부여한다.
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#43
앙리 드 툴루즈로트레크43. 물랭 루주에 도착하는 잔 아브릴
《물랭 루주에 도착하는 잔 아브릴》은 무대에 오르기 전, 아직 거리의 움직임 속에 있는 무용수를 보여준다. 로트레크는 그녀의 가느다란 실루엣과 긴장된 몸가짐을 즉시 알아본다. 이 전환의 순간은 포스터의 상징 뒤에 있는 한 사람을 드러낸다.
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#44
프란츠 폰 슈투크44. 사랑의 봄
《사랑의 봄》에서 폰 슈투크는 생기 넘치는 자연 속에 나체의 연인을 배치한다. 꽃과 젊은 몸은 계절과 욕망, 새 출발을 연결한다. 장식의 부드러움 아래에서도 포옹은 뮌헨 화가 특유의 육체적 힘을 간직한다.
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#45
앙리 드 툴루즈로트레크45. 물랭 루주 입구에서 장갑을 끼는 잔 아브릴
로트레크는 물랭 루주 입구에서 장갑을 끼는 잔 아브릴의 순간을 포착한다. 일상의 동작이 스타의 포즈를 대신한다. 공연 직전의 이 순간은 완벽하게 꾸민 초상화보다 그녀의 우아함과 직업적 태도를 더 잘 전한다.
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#46
라몬 카사스46. 야외
라몬 카사스가 1890~1891년경 그린 《야외》는 바르셀로나의 테라스에 있는 여인을 보여준다. 빛과 가구, 밝은 드레스는 가정생활 속에 근대성을 들여놓는다. 제목은 탁 트인 공기뿐 아니라 도시에서 살아가는 새로운 방식도 찬양한다.
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#47
프란츠 폰 슈투크47. 키르케로 분한 틸라 뒤리외
폰 슈투크는 배우 틸라 뒤리외를 《오디세이아》의 마법사 키르케로 그렸다. 위엄 있는 옆얼굴과 화려한 의상은 초상화를 하나의 배역으로 바꾼다. 현대의 유명인은 남자를 동물로 바꾸는 것으로 알려진 고대의 여인과 만난다.
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#48
오딜롱 르동48. 브르타뉴의 어촌
르동은 브르타뉴에 머문 적이 있으며, 신화적 환상보다 현실적인 색조로 이 어촌을 그렸다. 그러나 집과 해안, 하늘에는 여전히 고요한 낯섦이 남아 있다. 현실을 꿈의 기슭에서 바라보는 듯하다.
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#49
프란츠 폰 슈투크49. 샘가에서(귀 기울이는 님프)
《샘가에서》는 물의 속삭임에 귀 기울이는 님프를 보여준다. 폰 슈투크는 신화의 속도를 늦춰 듣는 장면으로 만든다. 인물과 풍경은 같은 평온을 공유하며, 그의 다른 작품들을 채우는 켄타우로스의 전투와는 거리가 멀다.
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#50
구스타프 클림트50. 아담과 이브
《아담과 이브》는 1918년 클림트가 죽었을 때 미완성으로 남았다. 밝게 빛나며 정면을 향한 이브는 그늘 속 아담을 거의 가린다. 전통적인 위계의 역전은 최초의 여성을 죄의식보다 관능과 신비로움이 두드러지는 장면의 중심에 놓는다.
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유디트와 여성 스핑크스, 아마존, 내면의 환영은 근대의 아름다움이 위험한 영역에도 얼마나 이끌리는지 보여준다.
#51
에드바르 뭉크51. 불안
《불안》은 《절규》의 세계에 있던 다리와 붉은 하늘을 다시 사용하지만, 고립된 인물 대신 우리 쪽으로 다가오는 군중을 배치한다. 창백한 얼굴들은 서로 소통하지 않는다. 이렇게 뭉크는 개인의 불안을 집단의 불편함으로 바꾼다.
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#52
에곤 실레52. 고뇌(죽음의 투쟁)
실레는 1912년 담요 아래 서로 붙어 있는 두 인물로 《고뇌》를 그렸다. 제목과 수척한 얼굴은 질병과 죽음, 혹은 정신적 이별을 떠올리게 한다. 몸은 가까이 있지만, 각진 선은 손쉬운 위안을 허락하지 않는다.
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#53
오딜롱 르동53. 알레고리: 햇빛 때문에 붉어진 것이 아닌 붉은 나무
이 붉은 나무의 알레고리에서 르동은 색을 자연의 논리로부터 해방한다. 불꽃처럼 붉은 나무는 뚜렷한 설명 없이 꿈같은 풍경 속에 서 있다. 검은색으로 작업하던 세월을 지나, 화가는 눈부신 색도 그만큼 신비로울 수 있음을 발견한다.
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#54
구스타프 클림트54. 조각의 알레고리
《조각의 알레고리》는 클림트의 초기 장식 주문 작품에 속한다. 한 여성이 고전적인 상징물에 둘러싸여 조형 예술을 구현한다. 이미 실제의 몸은 장식적 표면과 대화를 나누며, 훗날 빈에서 선보일 대규모 장식 작품을 예고한다.
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#55
오딜롱 르동55. 알자스
르동은 《알자스》에서 특정한 역사적 장면보다 풍경과 기억, 분위기를 결합한다. 형태들은 색채의 안개 속에서 떠오르는 듯하다. 작품은 애국적인 삽화에 갇히지 않고, 정체성이 깃든 꿈속의 땅을 암시한다.
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#56
에곤 실레56. 연인들
《연인들》에서 실레는 얽힌 팔다리와 긴장된 윤곽선으로 친밀함을 구성한다. 그대로 드러난 종이는 연인을 세상으로부터 고립시킨다. 포옹은 평온하지도, 사교적이지도 않다. 두 몸의 연약한 무게가 온전히 걸려 있다.
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#57
프란츠 폰 슈투크57. 부상당한 아마존
폰 슈투크의 《부상당한 아마존》은 강인함이 연약함으로 바뀌는 순간의 여전사를 보여준다. 운동선수 같은 몸은 상처에도 불구하고 기념비적인 존재감을 유지한다. 신화는 화가가 고대의 영웅주의와 관능적 긴장을 결합하도록 해 준다.
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#58
프란츠 폰 슈투크58. 전투 중인 아마존
《전투 중인 아마존》은 한창 행동하는 여전사를 포착한다. 폰 슈투크는 몸과 무기에 에너지를 집중하기 위해 배경을 단순화한다. 신화의 한 장면은 근육이 이야기를 대신하는 움직임의 탐구가 된다.
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#59
구스타프 클림트59. 여자 친구들 I
《여자 친구들 I》에서 클림트는 모티프로 가득 찬 공간에 서로 가까이 있는 두 여인을 그린다. 드레스와 꽃무늬 배경은 깊이감을 거의 없앤다. 친밀함은 인물들의 가까운 거리뿐 아니라 같은 장식적 직물을 공유하는 데서도 전해진다.
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#60
프란츠 폰 슈투크60. 아마존과 켄타우로스
《아마존과 켄타우로스》는 육체적인 동시에 상징적인 대결을 벌이는 두 신화적 인물을 모은다. 폰 슈투크는 여전사의 절제된 기량과 동물적인 힘을 대비한다. 구성은 충돌 직전에 조각된 결투처럼 승패를 미정으로 남긴다.
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#61
오딜롱 르동61. 아네모네와 튤립
르동은 자유로운 색채로 아네모네와 튤립을 그려 꽃다발을 환영으로 바꾼다. 꽃들은 식물 표본처럼 분류되지 않고 생동하는 공간에 떠 있다. 그의 후기 작업은 식물의 세계에서 끝없는 낯섦의 원천을 발견한다.
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#62
에드바르 뭉크62. 재
《재》에서 뭉크는 사랑의 만남 뒤 풀이 죽은 남자와 머리카락이 흐트러진 여자를 보여준다. 숲은 아무 설명 없이 그들의 혼란을 둘러싼다. 제목은 욕망이 약속보다 빨리 타 버렸을 때 남는 것을 암시한다.
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#63
오딜롱 르동63. 아폴론
르동의 아폴론은 고고학에 따라 묘사된 신이 아니다. 그는 다채로운 빛 속에서 밝음의 힘으로 나타난다. 화가는 신화를 통해 태양의 기운을 자신의 내면 세계에 있는 괴물과 그림자에 맞세운다.
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#64
오딜롱 르동64. 뱀 피톤을 물리치는 아폴론
《뱀 피톤을 물리치는 아폴론》은 델포이에서 벌어진 신의 근원적인 전투를 다시 다룬다. 르동은 사건을 색채의 구름 속에 녹인다. 승리는 군사적인 것이 아니라 어둠에서 밝은 의식으로 천천히 옮겨 가는 과정처럼 보인다.
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#65
에곤 실레65. 거리의 수레
실레의 《거리의 수레》는 평범한 운송 수단을 긴장되고 고립된 형태로 바꾼다. 바퀴와 수레 몸체, 거리는 그의 인물화와 같은 선의 긴장을 품는다. 모델이 없어도 도시는 조금 불안한 몸을 지닌 듯하다.
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#66
오딜롱 르동66. 출현
《출현》에서 르동은 규정되지 않은 공간으로부터 한 인물을 떠오르게 한다. 이미지가 기억과 환영 사이에서 망설이는 듯 윤곽은 의도적으로 불안정하다. 그림은 설명서를 내놓지 않은 채 바라보도록 이끈다. 그 방식은 작품에 꽤 잘 어울린다.
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#67
구스타프 클림트67. 비 온 뒤
《비 온 뒤》는 빈 초상화의 금빛과 거리가 먼 클림트를 보여준다. 젖은 풍경은 작은 붓질과 식물의 덩어리로 구성된다. 씻긴 공기와 어두워진 길은 아터제 주변 대기의 변화에 기울인 그의 관심을 드러낸다.
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#68
에곤 실레68. 흔들리는 대기 속 가을 나무(겨울 나무)
실레는 이 가을 나무를 바람에 시달리는 생명체처럼 그렸다. 가느다란 가지들이 거의 빈 배경을 향해 뒤틀린다. 풍경은 그의 인간 신체가 지닌 연약함을 되풀이하지만, 버티려고 애쓸 뿌리가 있다.
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#69
오딜롱 르동69. 푸른 하늘의 나무들
《푸른 하늘의 나무들》은 르동의 색채 시기에 속한다. 줄기와 잎이 비현실적인 빛 속으로 솟는다. 자연의 소재는 관찰한 세계와 내면의 환영 사이를 잇는 통로가 되며, 두 세계 사이에 급격한 단절은 없다.
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#70
구스타프 클림트70. 아터제
클림트는 여름마다 아터제 근처에 머물며 정사각형 화면에 호수를 그렸다. 지평선은 높아지고, 물은 작은 붓질로 덮이며, 원근의 거리는 줄어든다. 풍경은 관광용 파노라마보다 명상을 위한 표면이 된다.
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#71
라몬 카사스71. 물랭 드 라 갈레트에서
라몬 카사스는 파리에 머물던 시절 물랭 드 라 갈레트에서 몽마르트르의 사교 문화를 관찰했다. 무도장은 화려한 포스터와 달리 절제된 방식으로 다뤄진다. 이 카탈루냐 화가는 그곳에서 바르셀로나로 가져갈 근대성을 배운다.
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#72
얀 토로프72. 브루크 인 바터란트
얀 토로프는 《브루크 인 바터란트》에서 집과 운하, 하늘을 유연한 리듬으로 단순화했다. 네덜란드 마을은 평온함을 유지하지만, 물결치는 선들이 거의 유기적인 생명력을 부여한다. 풍경은 아르누보의 조형 언어에 온전히 참여한다.
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#73
페르디난트 호들러73. 나무꾼
호들러는 도끼가 내려치는 바로 그 순간 나무꾼을 기념비적인 인물로 만든다. 노동자는 캔버스를 채우고, 풍경은 그의 몸짓으로 압축된다. 스위스 지폐를 위한 이 주문 작품은 일상의 노력을 국가적 상징으로 바꾼다.
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#74
에드바르 뭉크74. 생의 춤
《생의 춤》은 오스고르스트란의 해변에 사랑의 여러 시기를 모아 놓는다. 흰옷을 입은 여인이 다가오고, 가운데서는 연인이 춤추며, 검은 옷의 인물은 멀어진다. 뭉크는 누구를 위해서도 멈추지 않는 원무 속에 욕망의 탄생과 소유, 고독을 구성한다.
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#75
앙리 드 툴루즈로트레크75. 집시 여인
1899년에 그린 《집시 여인》은 조명을 벗어난 공연 예술가들에 대한 로트레크의 관심을 보여준다. 모델은 압도적인 카바레 배경 없이 직접적인 존재감을 유지한다. 빠른 붓질은 이색적인 유형보다 한 사람의 개성을 포착한다.
이 작품의 복제화 주문하기 →풍경과 유럽의 모더니즘
알프스의 호수와 정원, 도시, 민족의 전설은 새로운 선의 여정을 파리와 빈 너머 먼 곳까지 이끈다.
#76
페르낭 크노프76. 마르그리트의 초상
크노프는 흰 드레스를 입은 여동생 마르그리트를 닫힌 문 앞에 똑바로 서 있는 모습으로 그렸다. 정면성과 간결한 구성은 초상화에 거의 의례적인 거리감을 부여한다. 화가의 작품에 자주 등장하는 그녀는 여기서 접근할 수 없고 완전히 침묵하는 이상적 아름다움을 구현한다.
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#77
에곤 실레77. 앉아 있는 연인
《앉아 있는 연인》에서 실레는 각자의 개성을 지우지 않고 두 몸을 맞물리게 한다. 옷과 팔다리는 아무것도 그려지지 않은 종이 위에서 단단한 구성을 이룬다. 친밀함은 실제처럼 보이지만, 주변의 빈 공간은 그 가까움이 얼마나 연약한지 상기시킨다.
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#78
페르디난트 호들러78. 병든 발랑틴 고데다렐 부인
호들러는 발랑틴 고데다렐이 1915년 목숨을 잃게 되는 병을 앓는 동안 그녀를 그렸다. 공식 초상화와 거리가 먼 이 연작은 동반자의 쇠약해지는 모습을 가슴을 울리는 정직함으로 따라간다. 이 이미지는 죽음과의 대면이자 곁을 지키는 행위다.
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#79
에곤 실레79. 사랑에 빠진 두 여인
실레의 《사랑에 빠진 두 여인》은 밀착된 자세에 욕망과 연약함을 결합한다. 각진 윤곽은 이미지가 장식적으로 흐르는 것을 막는다. 두 인물은 주변의 사회적 관습에서 떨어져 자신들만의 공간을 차지한다.
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#80
알폰스 무하80. 비잔틴 황제로 즉위하는 세르비아 차르 스테판 두샨의 대관식
이 장면은 무하가 슬라브 민족들의 역사를 이야기하기 위해 그린 기념비적 연작 《슬라브 서사시》에 속한다. 스테판 두샨의 대관식은 의상과 상징으로 가득한 공동체의 의식이 된다. 화가는 여기서 포스터를 떠나 대규모 역사화로 나아간다.
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#81
에곤 실레81. 초승달 모양의 집들(작은 도시 V)
《초승달 모양의 집들》에서 실레는 어머니의 고향인 크루마우를 관찰한다. 빽빽한 정면 벽들이 생명체처럼 지형의 곡선을 따른다. 주민이 거의 전혀 보이지 않아 작은 도시는 기묘한 자율적 생명력을 얻는다.
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#82
에곤 실레82. 초승달 모양의 집들 II(섬의 도시)
《초승달 모양의 집들 II》는 정면 벽들의 병치를 강조하며 섬의 도시를 다시 그린다. 지붕과 창문, 벽은 불규칙한 모자이크가 된다. 실레는 건축을 몸들의 집합처럼 다루며, 각각은 저마다의 피로에 따라 기울어 있다.
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#83
알폰스 무하83. 크르지슈키에서의 회합
《크르지슈키에서의 회합》은 체코의 기억을 다루는 무하의 역사화에 속한다. 모인 사람들과 풍경은 정치적 발언을 공동체 속에 자리 잡게 한다. 장식적인 선은 여기서 파리의 광고보다 민족의 이야기를 위해 쓰인다.
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#84
에곤 실레84. 죽은 도시 III(푸른 강 위의 도시 III)
《죽은 도시 III》는 크루마우를 물가에 거의 버려진 도시처럼 보여준다. 다닥다닥 붙은 집과 탁한 색채는 장례를 연상시키는 존재감을 만든다. 실레는 폐허를 그린 것이 아니다. 사람이 사는 도시에 이미 오래전 기억처럼 보이는 모습을 부여한다.
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#85
에곤 실레85. 겨울의 집들(작업실에서 바라본 풍경)
실레는 작업실에서 겨울에 갇힌 집들을 바라본다. 어두운 정면 벽들이 차가운 빛 아래 늘어서 있고, 인간의 일화는 없다. 동네는 각 건물이 저마다의 방식으로 계절을 견디는 듯한 집단 초상화가 된다.
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#86
알폰스 무하86. 사막의 여인
무하의 《사막의 여인》은 알레고리적 인물이 양식화된 풍경을 지배하는 작품군에 속한다. 의상과 베일, 물결치는 선은 그의 장식 패널보다 서사적인 광경을 만든다. 인물의 고독은 배경에 감정의 척도를 부여한다.
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#87
스타니스와프 비스피안스키87. 촛불을 끄는 소녀
비스피안스키는 집 안의 잠깐 머무는 빛 속에서 촛불을 향해 몸을 숙인 소녀를 포착한다. 불을 끄는 동작이 초상화의 중심이 된다. 파스텔은 방이, 어쩌면 어린 시절 자체가 어둠으로 넘어가기 직전의 순간을 붙잡는다.
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#88
레온 박스트88. 이다 루빈스타인
박스트는 발레 뤼스의 무용수 이다 루빈스타인을 그녀에게 명성을 안겨 준 길고 우아한 모습으로 그렸다. 초상화는 사교계의 개성과 무대의 존재감을 결합한다. 의상과 자세, 선은 모델을 한 배역으로 축소하지 않으면서 현대적인 환영으로 바꾼다.
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#89
페르디난트 호들러89. 성스러운 시간
《성스러운 시간》은 반복을 바탕으로 한 호들러의 상징적 구성에 속한다. 여성 인물들은 거의 음악적인 고요한 프리즈를 이룬다. 화가는 정신적 경험을 표현할 수 있는 눈에 보이는 질서를 찾는 이 탐구를 평행주의라고 부른다.
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#90
라몬 카사스90. 돌격
바르셀로나 노동자 시위가 진압된 뒤 그린 《돌격》은 말을 탄 경비원이 군중을 흩어 놓는 모습을 보여준다. 카사스는 중앙의 폭력 주변에 넓은 빈 공간을 남긴다. 정치적 사건은 권력과 공포를 강렬하게 담은 이미지가 된다.
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#91
유제프 메호페르91. 뮤즈
《뮤즈》에서 메호페르는 초상화와 알레고리, 꽃 장식을 결합한다. 인물은 실제 실내에 속하면서도 예술적 영감을 구현하는 듯하다. 폴란드 모더니즘의 선과 색채는 인간의 존재를 장식적 리듬으로 바꾼다.
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#92
얀 토로프92. 새로운 세대
토로프의 《새로운 세대》는 그의 구불구불한 선이 어떻게 사회적·정신적 관념을 담을 수 있는지 보여준다. 인물들은 같은 나무의 가지처럼 서로 호응한다. 제목은 세기말 상징주의의 밀도를 버리지 않으면서 미래를 바라본다.
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#93
에드바르 뭉크93. 사춘기
뭉크는 1894년경 《사춘기》를 그렸다. 거대한 그림자 앞에 나체의 소녀가 앉아 있다. 정면을 향한 자세와 교차한 팔, 꾸밈없는 침대는 갑자기 자신의 몸을 의식하게 된 순간을 표현한다. 그림자는 모델보다 빠르게 자라는 듯한데, 이는 그 나이를 꽤 잘 요약한다.
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#94
악셀리 갈렌칼렐라94. 요우카하이넨의 복수
《칼레발라》에서 요우카하이넨은 베이네뫼이넨과의 노래 대결에서 패한 뒤 복수를 준비한다. 갈렌칼렐라는 얼어붙은 풍경 속에서 팽팽하게 긴장한 궁수를 그렸다. 전설은 여기서 날아가기 직전 화살의 고요한 정밀함으로 나아간다.
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#95
악셀리 갈렌칼렐라95. 케이텔레 호수
1905년에 그린 《케이텔레 호수》는 긴 은빛 흔적이 가로지르는 핀란드의 수면을 보여준다. 이 띠들은 바람이나 베이네뫼이넨이 지나간 자취, 혹은 빛의 현상을 떠올리게 한다. 실제 풍경은 이렇게 은밀하게 민족 신화로 열린다.
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#96
페르디난트 호들러96. 셰브르에서 바라본 레만 호수
호들러는 셰브르의 높은 곳에서 레만 호수를 바라보며 호수와 산, 구름을 평행한 띠로 정돈한다. 반복은 풍경을 빈약하게 만들지 않으면서 단순화한다. 양쪽 기슭은 넓고 안정적이며 거의 음악적인 광경 속에서 서로 호응한다.
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#97
에드바르 뭉크97. 이별
《이별》은 《생의 프리즈》에 속한다. 남자는 몸을 돌리고, 밝게 빛나는 여인은 물가에 남아 있다. 그녀의 머리카락은 아직 그에게 닿는 듯하다. 뭉크는 이별의 이야기보다 떠난 뒤에도 계속되는 육체적 고통을 그린다.
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#98
에드바르 뭉크98. 흡혈귀
《흡혈귀》는 남자의 목 위로 몸을 숙인 여인을 보여준다. 뭉크는 처음에 이 작품을 《사랑과 고통》이라고 불렀지만, 친구가 더 자극적인 제목을 붙였다. 붉은 머리카락은 두 사람을 감싸며 질문을 열어 둔다. 위로하는 입맞춤일까, 지배일까, 아니면 상처일까.
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#99
페르낭 크노프99. 침묵
《침묵》은 닫힌 옆얼굴과 절제된 몸짓, 명확한 서사가 없는 공간이라는 크노프의 예술을 압축한다. 인물은 단순히 조용히 하라고 요구하지 않는다. 침묵을 거의 물질처럼 만든다. 작품은 잠긴 문만큼 효과적으로 자신의 신비를 지킨다.
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#100
스타니스와프 비스피안스키100. 이중 초상
이 《이중 초상》에서 비스피안스키는 파스텔로 공식적인 화려함 없이 두 사람의 존재를 포착한다. 가깝지만 서로 다른 얼굴들은 빠른 선과 친밀한 구도로 연결된다. 폴란드 모더니즘은 여기서 함께 나누는 시선의 문제가 된다.
이 작품의 복제화 주문하기 →그림들이 드러내는 것
그림 100점, 오래 이어지는 세 가지 흐름
이 여정은 겉보기보다 훨씬 다양한 운동을 보여준다. 빈은 몸을 장식으로 덮고, 브뤼셀은 침묵을 가꾸며, 뮌헨은 신화를 깨운다. 북유럽의 모더니즘은 풍경에 기억을 부여한다.
표면이 능동적으로 작용한다
모티프와 색채, 윤곽은 대상을 꾸미는 데 그치지 않고 그 존재를 결정한다.
신화가 현재로 돌아온다
유디트와 오이디푸스, 아이노, 시시포스는 19세기 말의 불안에 말을 건넨다.
풍경이 생각한다
호수와 정원, 도시는 기억과 감정을 담을 수 있는 리듬이 된다.
아라베스크로 이어지는 연대기
회화를 따라가는 다섯 가지 시점
호들러는 잠과 죽음에 대한 두려움을 거대한 인간의 프리즈로 바꾼다.
폰 슈투크는 뮌헨에서 기념비적이면서도 불안을 불러일으키는 상징주의 회화를 확립한다.
클림트와 빈의 동료들은 건축 및 장식과 결합하는 자유로운 예술을 요구한다.
회화와 음악, 전시 공간이 하나의 총체 예술 작품 속에서 서로 호응한다.
《키스》와 《아델레 블로흐바우어》는 회화적 장식을 상징적인 강렬함으로 끌어올린다.
선의 깊이
아르누보는 왜 여전히 매력적일까?
회화에서 아르누보는 하나의 공식으로 설명되지 않는다. 클림트는 캔버스를 관능적인 모자이크로 바꾸고, 크노프는 정신의 방을 만들며, 폰 슈투크는 신화에 육체적 힘을 부여한다. 호들러는 반복을 통해 몸과 풍경을 정돈한다. 이들의 공통점은 꽃 모티프보다 화면 전체를 작동시키려는 의지에 있다.
상징주의는 이 여정의 상당 부분을 가로지른다. 르동은 현실을 꿈으로 열고, 뭉크는 불안에 눈에 보이는 형태를 부여하며, 슈바베는 자연을 정신적 존재들로 채운다. 이들에게 곡선은 멋을 부리는 장식이 아니다. 몸의 윤곽을 훨씬 넘어서는 감정과 몸을 연결한다.
바르셀로나에서 카사스와 루시뇰은 근대 사회의 카페와 정원, 정치적 긴장을 관찰한다. 핀란드에서 갈렌칼렐라는 《칼레발라》를 이미지로 된 민족의 역사로 만든다. 폴란드에서 비스피안스키와 메호페르는 초상화와 기억, 장식을 결합한다. 이 운동은 잘 여행하며, 다행히 모든 꽃에 같은 여권을 요구하지 않는다.
마지막으로 풍경도 핵심적인 역할을 한다. 클림트는 정원과 호수를 태피스트리처럼 압축하고, 호들러는 기슭과 산에서 질서를 찾으며, 실레는 나무와 집에 인물의 연약함을 부여한다. 자연은 결코 단순히 얌전한 배경이 아니다. 저마다의 성격을 지닌다.
감상을 위한 네 가지 열쇠
아라베스크 너머를 바라보기
첫눈에 들어오는 아름다움이 문을 연다. 이어 리듬과 상징, 재료, 자세가 이 그림들이 계속 시선을 붙잡는 이유를 설명한다.
반복을 따라가기
몸과 나무, 직물, 지평선이 어떻게 박자를 만드는지 관찰한다.
이야기를 알아보기
뱀이나 꽃, 호수는 신화적 기억이나 개인적인 기억을 담을 수 있다.
표면을 비교하기
금과 두터운 물감, 파스텔, 평평한 색면은 각 유파에 고유한 무게를 부여한다.
침묵을 읽기
닫힌 표정이나 멈춘 몸짓은 종종 배경보다 더 많은 것을 이야기한다.
자유로운 선의 서가
마지막 아라베스크 뒤에도 계속하기
예술가와 컬렉션, 미술관, 자료는 작품들을 역사 속에 다시 놓는다. 선은 자유롭게 떠돌면서도 확인할 수 있는 주소를 지닐 수 있기 때문이다.
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