유럽 · 1890–1914 · 선의 예술
물결 모양의 머리카락과 장식용 꽃을 가진 여성보다 훨씬 더: 아르누보는 그림, 포스터, 건축물 및 일상적인 물건을 동일한 현대 언어로 모으고 싶었습니다.
파리에서 빈까지, 이 가이드는 역사적 운동을 진부한 표현과 구별하고, 작품을 읽는 방법을 보여주며, 무하, 클림트 및 동시대 사람들을 국제 네트워크에 배치합니다.
단정하지 않고 정의하기
미술과 장식 예술의 경계를 거부하는 운동
아르누보는 단순한 그림의 스타일이 아닙니다. 그것은 더 넓은 욕망에서 태어났습니다: 현대 생활의 전체로 예술을 가져오려는 것입니다. 포스터,외관, 스테인드 글라스 창문,가구 조각,책 또는 캔버스는 동일한 선,동일한 패턴 및 동일한 야망을 공유 할 수 있습니다. 따라서 제작자는 이젤 페인팅을 응용 예술 위에 두는 계층 구조에 도전합니다.
자연은 줄기와 덩굴, 붓꽃, 양귀비, 깃털, 날개, 머리카락처럼 쉽게 알아볼 수 있는 소재를 제공합니다. 그러나 화가는 식물학자처럼 식물을 복사하지 않습니다. 형태를 단순화하고 늘리고 반복하여 구조로 만듭니다. 유명한 채찍 곡선은 빠르게 뻗다가 갑자기 방향을 바꿉니다.
빅토리아 앨버트 박물관에 따르면 아르누보라는 용어는 1880년대 벨기에 잡지에서 사용되었습니다: 《라르 모데른》 은 레 뱅 그룹의 작품을 설명하면서 이 말을 썼습니다. 프랑스에서는 지크프리트 빙이 1895년 12월 파리에 아르 누보라는 갤러리를 열어 명칭의 대중화에 크게 기여했습니다. 1900년 만국박람회는 국제적인 무대를 제공했습니다.
이 운동은 단일하지 않으며 프랑스에 국한되지도 않습니다. 독일어권의 유겐트슈틸, 영국의 모던 스타일, 빈의 제체시온슈틸, 이탈리아의 스틸레 리베르티처럼 지역마다 이름과 성격이 다릅니다. 일부 중심지는 식물의 곡선을 중시하고, 빈에서는 각진 기하학과 촘촘한 장식 표면이 자주 나타납니다.
순환의 현대성
산업과 자포니슴, 새로운 도시 관람층
1900년경 아르누보는 도시화와 백화점, 삽화가 있는 출판물, 컬러 복제 기술로 달라진 사회에서 발전했습니다. 수공예와 산업을 단순하게 대립시켜서는 안 됩니다. 화가들은 높은 재료의 품질을 추구하면서도 포스터와 출판을 이용해 훨씬 더 넓은 대중에게 다가갔습니다.
실험실로서의 포스터
컬러 석판화는 거리를 갤러리로 바꿉니다. 멀리서 보이는 세로형 화면에는 명확한 실루엣이 필요합니다. 행인은 브랜드나 공연, 상품을 빠르게 알아봐야 합니다. 무하와 쥘 셰레, 외젠 그라세, 툴루즈 로트레크는 이미지와 글자를 흔히 하나의 전체로 구상합니다.
일본 판화는 중요한 역할을 합니다. 균일한 색면과 선명한 윤곽, 잘린 구도, 비대칭, 얕은 공간은 아카데미 회화의 원근법에 대안을 제시합니다. 로코코와 채색 필사본, 켈트 및 비잔틴 미술도 이러한 표현에 영향을 줍니다. 아르누보는 하나의 기원에서 나온 것이 아니라 여러 전통을 당시의 상황에 맞는 형태로 재조합합니다.
이 옛것과 새것의 동맹은 양면성을 설명해줍니다. 포스터는 대량생산된 상업적인 물건이지만 수집도 가능합니다. 실내 장식은 특정 스폰서를 위해 디자인되었지만 완전한 미적 라이프스타일 모델을 제공합니다.
표면을 읽으십시오
아르누보를 알아보는 여섯 가지 기준
사진은 다음 작품을 보여줍니다: 《베토벤 프리즈》 의 전시 공간입니다. 건축과 함께 구상한 회화의 개념을 보여줍니다. 아래 여섯 카드는 일반적인 기준이며 사진 속 번호가 붙은 지점에 해당하지 않습니다.
표현선
윤곽은 시선을 이끌고 속도를 바꾸며 구성을 통합합니다.
보이는 표면
균일한 색면과 무늬는 벽이나 캔버스, 종이의 평면성을 적극적으로 드러냅니다.
변화된 자연
꽃, 잎, 동물은 장식적인 리듬으로 단순화됩니다.
화면에 통합된 인물
의류, 머리카락, 환경은 선과 패턴을 공유합니다.
구조를 만드는 테두리
테두리와 메달리온, 띠가 작품을 감상하는 순서를 만듭니다.
선택된 재료
금,은, 유리,에나멜 또는 착색된 잉크는 빛을 변경합니다.
알폰스 무하
쉽게 알아볼 수 있으면서도 장식에 그치지 않는 이미지
무하 양식과 그 기능
1860년 모라비아에서 태어난 무하는 사라 베른하르트의 포스터 덕분에 파리에서 결정적인 성공을 거두었습니다 지스몬다 1894 년. 긴 형식은 여배우의 실루엣과 일치했습니다. 확고한 윤곽,음소거 된 색상,아치 및 꽃무늬가 쇼의 이름을 지우지 않고 이미지를 구성합니다.
풍성한 머리카락의 여성들은 무하의 상징이 되었지만, 그의 작품을 하나의 공식으로 축소할 위험도 있습니다. 무하는 포스터와 장식 패널, 보석, 책, 실내 장식, 스테인드글라스도 구상했습니다. 매체에 따라 구도를 조정했으며, 달력은 연극 포스터나 거실용 패널과 다른 시각적 우선순위를 필요로 합니다.
다음 연작은《사계》 1896 년부터는 이러한 유연성을 명확하게 보여줍니다. 네 개의 인물이 봄,여름, 가을,겨울을 의인화합니다. 테마는 오래되었지만 장식 패널의 선,색상 및 재현성은 현대적입니다. 이미지는 별도로 또는 사이클로 즐길 수 있습니다.
나중에 무하는 특히 역사적, 정치적 프로젝트로 전환했습니다 슬라브 서사시. 이러한 발전은 파리의 상업 아르누보가 그 야망을 요약하지 않는다는 것을 상기시켜 줍니다.
구스타프 클림트와 빈
회화가 벽면과 모자이크, 기호가 될 때
클림트는 현대 예술가들에게 독립적인 플랫폼을 제공하기 위해 1897 년에 설립된 빈 분리파의 창립자이자 초대 회장 중 한 명입니다. 그의 작품은 상징주의 회화,아르누보, 지나치게 경직된 범주를 넘어서는 빈 현대성의 교차로에 위치해 있습니다.
금이 회화를 지우지는 않습니다
클림트의 아버지는 금 조각사; 예술가 자신이 응용 예술 학교에서 교육을 받았다. 그의 황금 기간 동안 그는 금박,은 및 기타 금속을 표면에 통합했다. 비잔틴 모자이크,일본 예술 및 역사적 모델은 열린 창문의 환상과 모순되는이 해결책을 키운다.
초상화에서 얼굴과 손은 섬세한 입체감을 유지하는 반면 옷과 배경은 무늬가 됩니다. 이 대비는 현실과 장식을 단순히 나누지 않습니다. 개인과 사회적 지위, 의뢰된 공적 이미지 사이에 긴장감을 만듭니다.
키스는 1908~1909년에 그려졌으며 벨베데레에 소장되어 있습니다. 이 시기의 상징이 된 작품이지만, 그 명성 때문에 정사각형 풍경화와 도발적인 알레고리, 다음 작품을 잊어서는 안 됩니다: 《베토벤 프리즈》 1902 년부터,분리파의 전시를 위해 디자인되었다. 후자에서는 건축,조각, 음악 및 회화가 공통의 경험을 목표로했다.
회화에서 총체예술로
브뤼셀의 스토클레 궁전에서 클림트는 요제프 호프만과 빈 공방이 설계한 건축 환경에 맞추어 작업했습니다. 식당의 패널들은 완성 후 벽에 건 독립적인 그림이 아니라 비례와 재료, 위치가 공간에 대응하도록 제작되었습니다.
이러한 개념, 즉게잠트쿤스트베르크, 총체예술은 핵심적인 개념입니다. 회화 속 아르누보를 이해하려면 액자와 벽, 가구, 글자, 관람자의 이동도 함께 관찰해야 하는 이유를 설명합니다.
이 작품들을 화가의 삶에 담으려면 읽어보세요 구스타프 클림트 안내 글.
국제적인 운동
네 중심지, 네 가지 성격
수많은 교류가 있지만 각 도시는 자체 기관,자료 및 어휘를 개발합니다. 하나의 "국수 스타일"에 대해 이야기하면 이러한 다양성이 사라질 것입니다.
파리
포스터와 출판, 빙의 갤러리, 1900년 만국박람회. 무하와 그라세, 셰레, 드 푀르는 이미지와 글자, 장식을 연결합니다.
브뤼셀
레 뱅과 빅토르 오르타, 앙리 반 더 벨더는 구조와 가구, 장식이 함께 주거 공간을 구성하는 개혁을 지지합니다.
빈
빈 분리파와 빈 공방은 클림트, 호프만, 모저를 연결합니다. 기하학은 금과 상징에 자주 어우러집니다.
글래스고
찰스 레니 매킨토시와 마거릿 맥도널드는 수직선과 격자, 양식화한 장미, 희미한 인물들을 일관된 전체로 결합합니다.
거리를 두고 인물 살펴보기
새로운 여성, 여배우, 우화 및 환상
여성 인물은 아르누보 포스터,보석 및 그림에서 상당한 위치를 차지합니다. 그녀는 계절,브랜드, 음악,도시 또는 욕망을 구현할 수 있습니다. 그녀의 머리카락은 예술가들에게 식물과 프레임으로 확장되는 자연스럽게 움직이는 라인을 제공합니다.
여성 인물의 광범위한 등장은 중립적이지 않습니다. 남성의 시각을 반영하면서 몸을 장식이나 상업적 이미지의 바탕으로 바꾸는 경우가 많습니다. 인어와 스핑크스, 팜 파탈은 성과 여성의 해방을 둘러싼 세기말의 불안도 드러냅니다.
메트로폴리탄 박물관은 그러나 벨 에포크 포스터에서 특정 국내 이상을 거부하는 "새로운 여성"부터 데미 몽드의 모습에 이르기까지 여성 역할의 다양성을 강조합니다. 사라 베르나르 는 무하 가 사용하는 얼굴 일뿐만 아니라: 여배우,감독 및 후원자 인 그녀는 자신의 공개 이미지를 적극적으로 통제합니다.
현재 독서는 그러므로 두 가지 지름길을 피해야 한다: 어떤 표상을 해방적인 것으로 축하하거나,어떤 장식적인 인물을 수동적인 것으로 비난하는 것,우리는 누가 작품을 의뢰하는지,어떤 청중에게 다루어지는지,어떤 역할이 명명되는지,그리고 그 인물이 어떻게 이 역할을 지지하거나 좌절시키는지 물어봐야 한다.
회화, 포스터 또는 상징주의?
의도적으로 열어둔 경계
아르누보는 상징주의와 우화,꿈 그리고 암시에 대한 취향을 공유한다. 나비스와 후기 인상주의와 함께 그는 평탄함과 장식적인 표면에 대한 관심을 공유한다. 따라서 작품은 모순없이 여러 이야기에 속할 수 있다.
| 외관 | 회화에서 | 포스터와 판화에서 | 공통점 |
|---|---|---|---|
| 선 | 윤곽, 아라베스크, 구도 내부의 리듬. | 멀리서도 읽을 수 있는 실루엣과 이미지와 글자의 연결. | 라인은 자율적인 힘으로 작용합니다. |
| 색상 | 상징적인 색채 조화, 금속, 선택적인 입체감 또는 균일한 색면. | 제한된 인쇄 횟수, 선명하거나 차분한 색조. | 색면은 자신의 평면성을 적극적으로 드러냅니다. |
| 인물과 소재 | 초상화, 우화, 신화, 때로는 인물이 없는 풍경. | 여배우, 소비자, 의인화 또는 브랜드 엠블럼. | 몸은 프레임과 모티브와 대화한다. |
| 바탕과 매체 | 캔버스, 패널, 벽면 프리즈, 건축 장식. | 종이, 책, 달력, 재현 가능한 장식 패널. | 형식이 구성을 결정합니다. |
| 사용 장소 | 살롱, 전시회, 개인 의뢰 공간 또는 공공 건물. | 거리, 극장, 상점, 가정의 실내 또는 소장품. | 작품은 상황적인 시각적 경험을 구성합니다. |
복제화와 함께하는 생활
방을 무대 장식처럼 만들지 않고 아르누보 작품 걸기
장식적인 풍부함은 차분한 환경에서 만날 때 가장 잘 작동합니다. 꽃,금도금 및 곡선을 어디에서나 반복 할 필요가 없습니다: 단일 작업으로 톤을 설정할 수 있습니다.
형식을 선택합니다
무하의 포스터는 세로 구도가 잘 어울리고, 클림트의 정사각형 풍경화는 좁은 벽에 적합하며, 프리즈에는 넓은 벽이 필요합니다.
색 하나 가져오기
전체 팔레트를 복사하지 않고 세이지 그린, 오래된 핑크 또는 직물의 보조 황토를 가져옵니다.
차분한 액자 선택하기
짙은 나무와 은은한 황동, 무광 검정, 단순한 틀은 그림 속에 이미 그려진 테두리가 돋보이게 합니다.
부드럽게 조명하기
따뜻한 측면 조명은 금색과 평평한 영역을 드러냅니다. 직사광선과 정면 반사를 피하십시오.
조율하기 전에 관찰하라
매우 수직적인 작품은 입구에 높이를 부여하거나 책장과 함께 할 수 있습니다. 조경 된 사각형은 책상이나 독서 코너를 안정시킵니다. 소파 위에는 수평 구성이나 한 쌍의 패널이 좁은 포스터가 손실 된 것처럼 보이지 않도록합니다.
복제화는 원작의 가로세로 비율을 지켜야 합니다. 포스터를 잘라내면 구도의 핵심 요소인 글자나 테두리가 사라지기 쉽습니다. 클림트 작품에서는 금빛과 황토색, 검정, 살색의 차이를 확인하세요. 화면을 균일한 노란색으로 표현하면 표면의 시각적 우선순위가 무너집니다.
마지막으로,이미지 주위에 공간을 남겨주세요. 아르누보는 이미 완전한 시스템입니다; 그것은 오프 화이트,미네랄 베이지,회색 녹색 또는 매우 둔한 자두 벽에서 호흡하는 이점을 얻습니다.
무하와 클림트의 복제화 모음. 크기와 판매 여부는 각 상품 페이지에 표시됩니다.
무하와 클림트를 비교하는 4개의 복제품
그들은 이 선의 네 가지 다른 용도를 보여줍니다: 연극 초상화, 국가적 우화, 상징주의 프리즈 및 풍경.
공식 기관의 자료
연구를 계속하기 위한 7가지 참고자료
미술관과 기록관, 재단의 자료를 통해 운동의 기원과 포스터, 무하, 클림트, 빈 분리파를 확인할 수 있습니다.
용어를 사용한 잡지:《라르 모데른》, 레 뱅, 국제적 확산, 지역적 변형.
메트로폴리탄 미술관지크프리트 빙의 갤러리, 영향 관계, 그래픽 미술, 1900년 만국박람회에서의 반응.
국립 미술관회화, 그래픽 아트, 가구 및 건축을 통한 국제 운동 발표.
오르세 미술관그라세, 보나르, 툴루즈 로트레크, 무하 작품에서 글자와 포스터의 역할.
무하재단지스몬다, 사라 베르나르, 무하의 파리 성공을 이끈 화면 형식의 선택.
벨베데레 박물관, 빈클림트의 교육과 분리파 창립, 황금기, 다음 작품의 위상: 《키스》.
빈 분리파제작과 재료의 역사, 현재 전시 방식: 《베토벤 프리즈》(1902년).
자주 묻는 질문
여덟 가지 대답으로 아르누보
아르누보의 시기는?
그것의 국제적인 성장은 주로 1890 년대와 제 1 차 세계 대전 사이에 일어났다. 시작은 더 일찍 나타 났으며 그의 유산은 1914 년 이후에도 잘 계속되었습니다.
아르누보 그림을 인식하는 방법은 무엇입니까?
구불구불하거나 기하학적인 선,평평한 부분,양식화된 자연,활성 프레임 및 형상과 장식의 융합을 관찰하십시오. 모든 작업에서 모든 기준이 필요한 것은 아닙니다.
아르누보는 단지 장식적인 스타일일까요?
아니요. 그는 미술, 공예, 건축 및 일상 생활을 하나로 모으려는 개혁 프로젝트를 수행합니다. 장식품은 종종 보충이 아닌 그곳에서 작업을 조직합니다.
아르누보와 상징주의의 차이점은 무엇입니까?
상징주의는 제안,신화와 내면성을 선호한다; 아르누보는 국제적인 형식적 언어와 예술의 종합에 보다 직접적으로 관계한다. 클림트 같은 예술가들은 두 이야기 모두에 참여한다.
알폰스 무하가 아르누보와 연관되는 이유는 무엇입니까?
그의 파리 포스터는 기념비적 인 실루엣,유동적 인 윤곽,식물 모티프,메달리온 및 타이포그래피를 결합합니다. 그러나 그의 작품은이 공식을 뛰어 넘고 장식,물체, 스테인드 글라스 창문 및 주요 역사적주기를 포함합니다.
구스타프 클림트는 아르누보 화가인가?
네,그는 빈 분리파와 아르누보의 주요 인물입니다. 하지만 그의 작품도 빈 상징주의와 현대성의 일부입니다. 하나의 레이블로는 그것을 소진시키기에 충분하지 않습니다.
왜 여성 인물이 그렇게 자주 등장하나요?
배우와 고객, 알레고리, 새로운 여성, 상상 속 인물로 등장합니다. 이러한 다양성은 작품의 의뢰 배경과 당시의 사회적 시각을 함께 고려해 분석해야 합니다.
아르누보 복제를 선택하는 방법은 무엇입니까?
무하의 긴 세로와 클림트의 사각형을 포함한 원래의 형식을 존중하십시오. 테두리,타이포그래피, 금색 및 보조 색상의 충실도를 확인하십시오.
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