100 개의 그림 - 사물이 작용합니다
가장 유명한 100 가지 정물화
카라바조의 과일부터 세잔의 사과까지, 네덜란드 테이블부터 입체파까지: 사물이 아무 말도 하지 않고 할 말이 많은 100점의 그림.
꽃, 과일, 식사, 두개골, 악기 및 익숙한 물건은 5 세기의 그림에 걸쳐 있습니다.사과는 우주에서의 경험이 될 수 있으며 레몬은 약간의 태양과 테이블은 아무도 청소할 생각을하지 않은 극장을 설정합니다.
탁자 위의 세계
왜 정물화는 주요 장르인가
정물화는 거의 아무것도에서 시작 보인다: 몇 과일,유리, 꽃다발,때로는 책이나 두개골. 그러나,그것은 그림의 큰 질문을 집중 - 빛,공간, 재료,색상과 지속 시간.
사물을 움직이지 않게함으로써 화가는 그들을 비활성화시키지 않습니다: 그는 그들의 무게, 그들의 연약함 및 그들의 이상한 존재를 드러냅니다.
세심한 트롱프뢰유부터 마티스의 평평한 지역까지, 장르는 어휘를 바꾸지만 동일한 호기심을 유지합니다: 화가가 그것을 실제로 보기로 결정하면 평범한 것이 어떻게 될까요?
그림으로 보는 100가지 정물화
반 고흐부터 카라바조까지 장르의 역사와 뗄 수 없는 이미지가 되었습니다.
#1
해바라기
반 고흐는 노란 집에있는 폴 고갱의 방을 장식하기 위해 아를에서이 버전의 "Tournesols"를 그렸습니다. 꽃은 피는 것에서 건조 해지는 것으로 바뀌어 여러 시대의 삶을 같은 꽃병에 모았습니다. 범위 거의 완전히 노란색은 매일의 꽃다발을 색상의 급진적 인 경험, 희망하는 우정과 연약함으로 변화시킵니다.
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#2
과일 바구니
1596 년경에 그려진 "과일 바구니"는 단순한 바구니에 자율적 인 주제의 존재를 부여합니다. Caravaggio 는 마른 잎,얼룩진 사과 및 익은 포도를 불완전 함을 교정하지 않고 묘사합니다. 풍요는 이미 시간에 의해 위협 받고 있습니다. 이러한 촉각적 진실은 이 작품을 유럽의 정물화 확언에 있어 중요한 이정표로 만듭니다.
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#삼
사과 바구니
세잔은 병을 기울이며 접시를 기울이며 동시에 여러 가지 관점을 보여줍니다. 테이블은 불안정 해 보이지만 사과는 모든 것에 다채로운 일관성을 부여합니다. 1893 년경에 그려진 "사과 바구니"는 그렇지 않습니다 완벽한 환상을 찾지 마십시오: 그것은 시선이 공간을 재구성하는 방식을 폭로하여 입체파 연구를 발표합니다.
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#4
레이
1728 년 왕립 아카데미에서 샤르댕의 리셉션을 위해 선보인 "라 라이"는 동물의 열린 몸으로 국내 식기와 대결합니다. 매달린 살,모양 고양이 및 부엌 물건은 거의 연극적인 긴장감을 조성합니다. 디드로는 아름다움과 혐오감 사이의 위계 없이 물질을 느끼게 만드는 이러한 능력에 감탄했습니다.
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#5
레몬, 오렌지, 장미가 있는 정물
1633 년,Zurbaran 은 명확하게 분리 된 4 개의 그룹을 정렬했습니다: 레몬,잎, 컵 및 장미와 오렌지. 빛은 침묵의 의식에서와 같이 검은 배경의 각 모양을 잘라냅니다. 그림은 그것을 통해 처녀를 불러 일으킬 수 있습니다 순수함, 다산, 사랑, 그러나 그 힘은 또한 사물에 대한 절대적인 관심에서 비롯됩니다.
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#6
사과와 오렌지가 있는 정물
이 정물화에서 세잔은 사과,오렌지, 접시 및 직물을 볼륨의 풍경처럼 정리합니다. 직물의 접힌 부분은 트레이가 곧게 펴지는 동안 과일을 보는 사람 쪽으로 밀어냅니다. 관점을 응시하는 것이 아니라 독특하게도,화가는 몇 가지 연속적인 인식을 추가합니다. 고전적 안정성은 역설적으로 움직이는 공간에서 탄생합니다.
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#7
레드 트롤리
마티스는 식당을 벽지와 식탁보가 동일한 파란색 패턴을 공유하는 광대 한 붉은 표면으로 변형시킵니다. 창문은 정원으로 열리지만 내부와 외부는 동일한 장식 계획에 속하는 것으로 보입니다. 1908 년에 그려진 " 레드 트롤리는 색상이 전통적인 관점을 따르지 않고도 공간을 구성할 수 있다고 말합니다.
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#8
모과, 양배추, 멜론, 오이
산체스 코탄은 모과,양배추, 멜론과 오이를 식료품 저장실의 어두운 틀에 매달아 놓습니다. 곡선은 거의 기하학적인 진행을 따라가며,매달린 과일에서 가장자리에 놓인 조각까지 이어집니다. 1602 년경,이 극단적인 경제는 영적인 강렬을 음식에. 공허는 바닥이 아니다: 그것은 거리,리듬 및 기다림을 조절한다.
참조 이미지; 공지사항: 샌디에이고 미술관.
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#9
올드 바이올린
Harnett 은 바이올린,활, 악보 및 낡은 문이 실제로 벽을 차지한다고 믿게 만드는 지점까지 트롱프뢰유를 밀어 넣습니다. 1886 년에 그려진 "The Old Violin"은 환상주의 기교와 시간에 대한 명상을 결합합니다: 나무 표시가 있고 누렇게 변한 종이와 조용한 악기는 이미지가 생성할 수 없는 음악의 기억을 보존합니다.
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#10
열린 창문 앞의 정물, 라비냥 광장
후안 그리스는 몽마르트르 중심부의 라비냥 광장이 내려다보이는 창문 앞에 신문, 설탕에 절인 과일 제조기, 병, 유리를 놓습니다. 1915 년에 제작된 이 작품은 입체파 절단과 도시를 향한 빛나는 개방을 결합한 작품이 아닙니다 용해: 내부 테이블과 도시 풍경 사이에서 엄격한 건축물에 따라 독특한 기호가 재구성됩니다.
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#11
정물 - 파블로 피카소
1922 년의 이 "정물화"에서 피카소는 1910 년대의 가장 단편적인 실험 이후 입체파의 친숙한 대상을 차지한다. 단순화된 모양,윤곽 및 평평한 영역은 테이블의 몇 가지 가능한 판독값을 유지한다. 작품은 입체파가 단지 외모의 파괴가 아니라는 것을 보여줍니다: 그것은 사물을 재구성하기위한 지속적인 문법입니다.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
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#12
과일과 현악기가 있는 정물
브라크는 과일과 현악기를 오일이 모래와 섞이는 구도로 결합합니다. 이 거친 소재는 표면이 순수한 환상이 되는 것을 막고 그림의 물리적 현실을 회상합니다. 1938 년 옛 언어 입체파는 여전히 활동적입니다: 사물, 그림자, 평면은 음악 구성의 뚜렷한 목소리처럼 서로 맞물립니다.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
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#13
정물 - 조르지오 모란디
모란디는 병,상자 및 꽃병을 조용한 모양의 공동체로 축소합니다. 이 1955 년 그림에서 높이,톤 및 간격의 작은 차이는 컨테이너의 실제 정체성보다 더 중요합니다. 명백한 겸손은 지각에 대한 지속적인 검색을 숨 깁니다: 오랜 시간을 찾는 것은 몇 가지 평범한 물건을 정신적 인 풍경으로 변화시킵니다.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
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#14
옥양목 장미가 달린 소 두개골
1931 년,오키프는 사막에 표백된 두개골을 인공 직물 장미와 연관시켰다. 이미지는 단순히 죽음을 축하하는 것이 아니다: 뼈는 미국 풍경의 지속적인 표시가 되는 반면,꽃은 색과 모호함을 도입한다 장식적인. 정면 구성은 자연과 인공물,남서부의 가혹함과 대중 문화의 반대를 좌절시킵니다.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
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#15
죽은 자고새, 철제 건틀릿, 석궁 볼트
1504 년으로 날짜가 기입된,Jacopo de' Barbari 에 의하여 이 패널은 르네상스의 첫번째 자치 trompe-l'oeils 의 한으로 수시로 간주됩니다. 죽은 자고새,gauntlet 및 도와는 벽의 앞에 걸기 위하여 보입니다. 그림자 던지기 및 작은 페인트 메모는 실제 개체, 사냥 트로피 및 이미지의 힘의 데모 사이에서 주저하게 만듭니다.
참조 이미지; 공지사항: Alte Pinakothek, 뮌헨.
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#16
마실 뿔이 달린 정물
칼프는 화승총 길드에서 마시는 경적,랍스터, 유리,카펫 및 부분적으로 껍질을 벗긴 레몬을 수집합니다. 각 재료는 다른 빛을받습니다. 그러나이 풍부함은 안정적이지 않습니다: 열린 과일,요리 실향민과 쇼는 시간의 흐름을 암시한다. 네덜란드의 사치는 경고만큼이나 스펙터클이 된다.
참조 이미지; 공지사항: 런던 내셔널 갤러리.
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#17
바이올린과 유리공의 허영심
피터 Claesz 는 갈색에 의해 지배 구성에 두개골,바이올린, 시계 및 유리를 배치합니다. 유리 공은 방을 반영하고,아마도, 그의 이젤 앞에 화가. 이 작은 존재는 허영심을 복잡하게: 예술가 음악, 부, 삶이 지나간다는 것을 알고 있지만 그럼에도 불구하고 그림은 그들의 이미지를 보존하려고 노력합니다.
참조 이미지; 공지: Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg.
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#18
치즈, 아티초크, 체리가 있는 정물화
클라라 피터스는 치즈, 버터, 아티초크, 체리 및 귀중한 식기를 매달린 식사의 요소로 배열합니다. 금속 표면과 유리는 그 기교를 보여주는 반면 음식은 쉬운 테이블에 정보를 제공합니다 17 세기 네덜란드에서. 특정 사물에 반영된 그의 작은 자화상 또한 전문 화가로서의 그의 정체성을 은밀하게 확인시켜준다.
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#19
유리 꽃병에 꽃의 꽃다발
Bosschaert 는 같은 계절에 자연적으로 피지 않는 같은 꽃병에 꽃을 함께 가져옵니다. 꽃다발은 따라서 축적 된 관찰의 결과 인 학술적 구성입니다. 희귀 한 튤립,곤충 및 물방울이 축하합니다 세상의 다양성은 있지만, 떨어진 꽃잎과 유리의 취약성은 이러한 완벽함을 유지하는 것이 불가능하다는 것을 상기시켜 줍니다.
참조 이미지; 공지사항: 워싱턴 국립미술관.
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#20
게임, 야채, 과일이 있는 정물
이 식료품 저장실에서 Sanchez Cotân 은 거의 금욕주의적인 정밀도로 매달려있는 게임,야채 및 과일을 결합합니다. 물체는 큰 간격의 그림자로 구분되는 기하학적 공간을 차지합니다. 풍요는 연회가 아닙니다: 질서와 무게와 침묵이 됩니다. 이 절제는 스페인의 정물화와 북부의 호화로운 전시를 깊이 구별합니다.
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#21
정물: 연회 장면
Jan Davidsz de Heem 은 과일,굴, 유리 제품 및 귀금속이 테이블에서 넘쳐나는 연회를 만듭니다. 어두운 피부,반사 및 투명 필름 사이에 빛이 순환합니다. 이 풍부함은 무역과 번영을 축하하지만 열린 음식, 기울어진 유리잔 및 곤충은 시간성을 소개합니다: 모든 풍요는 이미 그것의 해체의 징후를 지니고 있습니다.
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#22
간식 끝
헤다는 간식의 잔해를 그립니다: 거꾸로 된 유리,껍질을 벗긴 레몬,주석 접시 및 구겨진 식탁보. 거의 단색 팔레트는 화려한 반짝임없이 모든 반사를 이끌어냅니다. 부재중인 식사는 그 흔적을 통해 보입니다. 따라서 이 작업은 일상적인 정확성과 소비된 즐거움 및 경과 시간을 측정하는 교훈을 결합합니다.
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#23
꽃과 과일이 있는 정물
Rachel Ruysch 는 구부러진 줄기,곤충 및 이미 시든 잎으로 채워진 활기찬 대각선을 따라 꽃과 과일을 혼합합니다. 세심한 식물 학자이자 작곡가 인 그녀는 다양한 계절의 종을 하나로 모았습니다. 그의 경력 뒤셀도르프 궁정에서의 예외적 인 것은 여성이 유명한 꽃 그림 장르에서 유럽의 명성을 얻을 수 있음을 보여줍니다.
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#24
아스파라거스 한 무더기
마네는 1880 년에 찰스 에프루시로부터 첫 정물화에 대해 합의된 가격보다 높은 금액을 받은 후 한 무리의 아스파라거스를 그렸습니다. 그리고는 이 단어로 격리된 "아스파라거스"를 보냈습니다: "하나가 빠졌습니다 당신의 부츠. 일화는 회화 경제만큼이나 유머를 드러냅니다.
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#25
실버컵
샤르댕은 은잔,과일 및 기구에 unemphasic 중력을 줍니다. 반사는 하나씩 당겨지지 않습니다: 그들은 먼 거리에서 빛을 recomposes 터치의 물자에서 나옵니다. 이 느린 그림은 변형합니다 비전 경험에 대한 국내적 사용은 당시 모더니스트들이 그를 위해 가졌던 지속적인 존경심을 설명합니다.
이 재생산 →를 참조하세요중단 된 식사, 불가능한 꽃다발 및 매우 시간을 잘 지키는 두개골은 풍요가 항상 숨겨진 시계를 가지고 있음을 상기시켜줍니다.
#26
빨간색과 검은색 카펫 위의 요리와 과일(레드 카펫)
마티스는 빨간색과 검은색 카펫에 아라베스크가 식탁을 침범하는 접시와 과일을 전시합니다. 사물은 정체성을 유지하지만 모티브의 밀림으로 원근감이 평평해집니다. 정물화는 활발한 장식 분야가 됩니다 : 각 색상은 전체적인 균형을 조절하며 공간은 환상적 깊이가 아닌 대비로 구성됩니다.
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#27
신발
반 고흐는 1886 년에 착용 한 신발 한 켤레를 그렸고,벼룩 시장에서 증언에 따라 구입 한 후 진흙에서 착용했습니다. 갈라진 가죽과 풀린 끈은 물건에 거의 인간의 전기를 제공합니다. 나중에 하이데거와 마이어 샤피로는 그 의미에 대해 서로 반대할 것이며, 이 그림은 예술 해석에 대한 유명한 논쟁이 될 것입니다.
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#28
불이 붙은 시가가 달린 해골
1885 -1886 년경 앤트워프에서 수행 된 "불이 붙은 시가를 가진 해골"은 아카데미의 해부학 적 운동을 전환시킵니다. 허영의 전통적인 액세서리 인 해골은 갑자기 죽음으로 농담을하는 것처럼 보입니다. 백열 시가는 하나를 반대합니다 뼈에 짧은 소비 지속 가능한. 반 고흐 따라서 어두운 유머, 가르침에 대한 비판과 사망의 알림을 결합합니다.
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#29
송어
쿠르베는 파리 코뮌과 연계된 투옥 이후 1872 년에 "라 트루잇"을 그렸다. 갈고리에 걸린 동물은 은행에서 몸부림치며 입을 벌리고 옆구리를 다쳤다. 화가가 추가한 비문은 독서를 장려한다 개인적: 이 육체적 투쟁은 굴복하기를 거부하는 포로 남자의 이미지가 될 수 있습니다.
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#30
랍스터와 함께하는 정물 - Eugène Delacroix
들라크루아는 1826 년 -1827 년의 캔버스에 랍스터,사냥 트로피 및 해양 풍경을 함께 제공합니다. 붉은 껍질은 깃털,금속 및 흙 사이에서 색채의 초점 역할을합니다. 낭만적 인 화가는 차분한 재고를 목표로하지 않습니다: 그는 정물화를 색, 동물의 죽음, 붓 에너지가 서로 반응하는 극적인 장면으로 변화시킵니다.
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#31
하늘색 벨벳 원단에 목련
Heade 는 연한 파란색 벨벳에 두 개의 목련을 배치하여 꽃잎의 연약한 흰색 살과 직물 깊이를 대조합니다. 가까운 프레임과 낮은 조명은 꽃에 특이한 관능미를 부여합니다. 그것의 끝으로 그려진 경력, 이 작품은 그의 식물 관찰과 조용한 분위기에 대한 취향을 압축합니다.
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#32
양의 머리를 가진 정물
고야는 어떤 미식 발표도 배제하는 솔직함으로 양의 머리를 그립니다. 어두운 땅에 고립된 죽은 동물은 취약한 존재감을 유지합니다. 전쟁 기간 동안 만들어진 그의 정물화에는 종종 그런 일이 있습니다 현대의 폭력에 더 가까워졌습니다. 특정한 사건을 이야기하지 않고 고기를 침묵의 증언으로 변화시킵니다.
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#33
도미와 함께하는 정물
이 도미에서 고야는 비늘,고정 된 눈 및 물고기의 불활성 덩어리에 빛을 집중시킵니다. 거의 빈 바닥은 요리 일화를 제거합니다. 빠른 터치는 정확성을 감소시키지 않습니다; 그것은 습도와 임박한 타락.정물화는 최근 살아 있는 몸과의 직접적인 만남이 된다.
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#34
와플 디저트
Baugin 은 돌 테이블 위에 웨이퍼,포도주 한 잔,병, 과일 및 금속 접시를 놓습니다. 각 물건은 분리되고 측정되며 차가운 빛으로 목욕됩니다. 이 구속은 디저트에 거의 전례적인 존엄성을 부여합니다. 작품은 질감의 즐거움, 기하학적 엄격함, 17세기 프랑스 회화 특유의 침묵 사이의 균형으로 유명합니다.
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#35
허영심
필립 드 샴페인은 허영심을 세 가지 물체로 축소합니다: 튤립,두개골 및 모래 시계. 그들은 삶,죽음 및 그들을 연결하는 시간에 해당합니다. 어떤 사치도이 논리를 방해하지 않습니다. 때로는 환경과 관련된 정면 구성 jansenist는 널리 퍼진 상징 언어를 거의 화해할 수 없는 명확성의 제안으로 변형시킵니다.
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#36
악기와 함께 정물
그 자신이 음악가인 바스케니스는 류트,바이올린, 악보와 직물을 그 구성에 대한 정확한 지식으로 그립니다. 악기에 쌓인 먼지는 그들이 오랫동안 침묵했음을 나타냅니다. 음악,시간의 예술, 는 부재에 의해서만 존재한다. 따라서 그림은 사물의 초상화, 촉각적 환상, 중단된 조화에 대한 명상을 결합합니다.
참조 이미지; 공지사항: Pinacoteca di Brera, 밀라노.
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#37
과일과 꽃의 꽃병
아브라함 미뇽은 꽃병에서 꽃과 과일을 넘쳐 흐르며 희귀종,돌아온 잎과 작은 동물들을 섞습니다. 겉보기에 자발적인 조직은 신중한 관찰에 기초합니다. 표면의 빛이 먼저 끌리고 그 다음에 시들음의 흔적이 나타납니다. 정물화는 창조의 경이로움과 그 취약성에 대한 인식을 결합합니다.
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#38
시계와 함께 꽃과 함께 정물
Van Aelst 는 꽃 사이에 시계를 삽입하여 아름다움과 지속 시간을 명시 적으로 연결합니다. 꽃잎,유리 및 금속은 각각 다른 가벼운 처리가 필요합니다. 시계는 작품을 무거운 수수께끼로 변형시키지 않습니다: 그것은 소개합니다 완전한 개화와 다가오는 가을 사이의 식물 시간에 대한 인간의 측정은 신중합니다.
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#39
수박과 사과가 있는 정물
멜렌데즈는 수박의 열린 살과 사과의 매끄러운 껍질,용기의 견고함을 대조합니다. 낮은 시점은 사물을 보는 사람에게 더 가까이 다가가게 하고 예상치 못한 기념비적인 제품을 보여주기 위한 것입니다 스페인에서 이 그림의 기반이 된 시리즈는 무엇보다도 무게, 컷, 빛에 대한 뛰어난 연구가 되었습니다.
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#40
연어, 레몬, 용기가 담긴 정물
멜렌데즈의 연어,레몬 및 용기는 거의 테이블 높이에있는 얕은 공간에 짜여져 있습니다. 물고기의 살,반짝이는 피부 및 금속 표면은 소재에 대한 교훈을 구성합니다. 예술가는 올립니다 네덜란드 연회의 호화로운 상징에 의존하지 않고 기념비적인 형태의 일반적인 조항입니다.
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#41
레몬
마네는 어두운 접시에 레몬을 분리하고,아주 적은 요소 강한 발광 존재를 얻는다. 노란색은 균일하지 않습니다: 그것은 따뜻한 터치,그림자 및 반사에 의해 구성된다. 겸손한 주제는 시연이된다 볼륨, 소재, 광채가 부과된 상징적 메시지보다 더 중요한 순수 회화입니다.
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#42
흰 모란과 다른 꽃과 함께 정물
마네는 모란을 기계적으로 디테일을 붙이지 않고 꽃잎의 빛을 유지하는 생생한 터치로 칠합니다. 어떤 꽃은 열리고 다른 꽃은 이미 꽃병 주위에 처집니다. 꽃다발은 화려함과 사라짐을 결합합니다. 에서 예술가의 말년, 이 작은 정물화를 통해 그는 질병에도 불구하고 작업하고 색채와의 관계를 새롭게 할 수 있었습니다.
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#43
크리스탈 꽃병에 카네이션과 클레 마티스
카네이션과 클레 마티스는 투명도 마네가 몇 가지 결정적인 반사를 통해 제안하는 크리스탈 꽃병에서 펼쳐집니다. 구성은 꽃다발 주위에 공기를 유지하고 식물 목록을 피합니다. 화가는 덜 포착합니다 각 꽃잎은 빛의 덧없는 효과로 꽃의 취약성을 즉각적으로 나타냅니다.
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#44
멜론과 복숭아가 있는 정물
마네는 오픈 멜론,복숭아 및 접시를 자유로운 균형으로 결합하여 터치로 피부,살 및 도자기를 느끼게합니다. 잘라낸 과일은 둥근 모양 가운데 촉촉한 깊이를 소개합니다. 작품은 a 의 모습을 유지합니다 자발적인 배열이지만 노란색, 분홍색, 검정색의 관계가 판독값을 정확하게 조절합니다.
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#45
꽃: 붓꽃과 히아신스, 체리와 아몬드가 식탁에 있습니다
Fantin-Latour 는 붓꽃,히아신스, 체리 및 아몬드를 결합하여 각 종을 완벽하게 인식 할 수있게합니다. 중립적 인 배경과 어두운 테이블은 색상과 질감의 차이에주의를 집중시킵니다. 에 대한 명성 꽃 화가는이 동맹을 기반으로합니다: 고대 마스터로부터 물려받은 정밀도와 과부하가없는 현대적인 구성 감각.
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#46
흰색과 파란색 포도, 복숭아, 자두가 담긴 유리 그릇
유리 그릇에서 흰색과 파란색 포도,복숭아 및 자두는 컴팩트 한 건축물을 형성합니다. Fantin-Latour 는 과시적인 기교없이 투명도를 조절합니다. 과일은 강한 상징도 아니고 연회 액세서리도 아닙니다: 그들은 가까운 톤, 벨벳 같은 피부 및 절제된 빛에 대한 친밀한 연구가 되어 보세요.
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#47
작은 토기 접시에 딸기
Fantin-Latour 는 작은 토기 접시에 딸기 몇 개를 놓고 주변의 공허가 빨간색을 증폭시킵니다. 겸손한 형식과 주제는 면밀히 관찰해야합니다. 작품은 정물화가 어떻게 일어날 수 있는지를 보여줍니다 풍부함: 강렬한 색상, 깨지기 쉬운 재료 및 용기는 전체 표면을 구성하기에 충분합니다.
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#48
과일 및 야채 판매자
Louise Moillon 은 정물화를 시장 장면으로 확장합니다. 상인,바구니 및 과일은 사회적 관찰과 풍요의 광경을 결합합니다. 각 제품은 파리에서 유명하게 만든 정밀도로 묘사 된 상태로 남아 있습니다 17 세기부터. 인간의 모습은 물건을 지우지 않습니다: 그것은 그들의 경제 및 국내 순환을 드러냅니다.
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#49
체리, 자두, 멜론을 자릅니다
Moillon 은 체리,자두 및 멜론을 명확하게 분리 된 용기에 함께 모았습니다. 열린 과일은 피부,펄프 및 돌을 마주 할 수있게 해주 며 차가운 빛은 전체를 안정시킵니다. 이 시각적 규율은 그의 작품을 구별합니다 더 많은 연극 연회: 책의 명확성에 따라 풍부함이 측정되고 접근 가능하며 구성됩니다.
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#50
꽃과 과일이 있는 정물
Vallayer-코스터는 꽃과 과일을 결합 터치의 자유는 그를 매우 초기에 왕립 아카데미에 입학 취득. 빛나는 꽃잎은 테이블의 무거운 볼륨에 응답. 여성이 얻을 수있는 장르에서 드물게 인정을 받은 그의 재료 숙달과 야심찬 작곡 덕분에 그는 Marie-Antoinette의 후원을 받게 되었습니다.
이 재생산 →를 참조하세요마네, 고야, 쿠르베, 세잔과 반 고흐 소재, 색상과 붓놀림쪽으로 주제를 이동합니다.
#51
랍스터와 함께하는 정물 - Anne Vallayer-Coster
Vallayer-Coster 는 조개껍데기,생선 및 식기가 질감을 배가시키는 디스플레이의 중심에 랍스터를 배치합니다. 조개껍데기의 붉은 색은 색채 충동을 주지만 조직은 확고하게 유지됩니다. 예술가는 그들과 경쟁합니다 프랑스식 명확성을 유지하면서 연회의 네덜란드 거장들은 18세기 정물화에 대한 야망을 입증했습니다.
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#52
악기
Vallayer-Coster 는 중단 된 콘서트의 조용한 배우처럼 악기,악보 및 액세서리를 취급합니다. 소매의 대각선과 신체의 곡선이 공간을 구성하고 광택이있는 표면은 공간을 포착합니다 빛. 이 주제를 통해 그는 아카데미에서 성공을 거둔 두 가지 자질인 학문적 구성과 물질적 기교를 결합할 수 있습니다.
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#53
꽃 바구니
오시아스 비어트는 어두운 공간의 중앙에 꽃 바구니를 설치하여 각 줄기와 꽃잎에 거의 귀중한 선명도를 부여합니다. 꽃다발은 서로 다른 계절의 꽃을 모아 이상적인 컬렉션을 구성합니다 자연스러운 순간이라기 보다는요. 이 불가능한 동시성은 회화의 힘만큼이나 원예 지식을 기념합니다.
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#54
아스파라거스와 함께하는 정물
Coorte 는 석판 위에 놓인 단순한 아스파라거스 무리를 그립니다. 검은 배경,친밀한 형식 및 방목 빛은 창백한 줄기에 기념비적 인 존재감을 부여합니다. 대형 연회와 달리 작품은 구속을 기반으로합니다. 20세기에 재발견된 이 작품은 네덜란드 정물화의 가장 독특한 목소리 중 하나를 드러냈습니다.
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#55
꽃다발
Jan Brueghel 은 소형 주의자 정밀도로 관찰 된이 꽃다발 종을 함께 모았습니다. 튤립,장미 및 더 겸손한 꽃은 호환되지 않는 계절에도 불구하고 꽃병을 공유합니다. 이미지는 이상적인 식물 캐비닛이됩니다. 곤충, 떨어진 꽃잎 및 구부러진 줄기는 그러나 컬렉션이 움직이지 않는 것처럼 보이지 않도록합니다: 그곳의 삶은 이미 시간에 의해 교차됩니다.
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#56
이전에는 디저트였던 과일과 풍부한 요리를 테이블 위에 올려 놓았습니다
De Heem은 각 반사물이 서로 다른 재료를 나타내는 테이블에서 과일, 유리 제품 및 귀중한 식기를 넘칩니다. 이 "디저트"는 감귤류, 도자기 및 고급 물건을 가져오는 상업용 네트워크를 보여줍니다 연합 지방. 열린 피부와 퇴색 된 잎은 그러나 소유가 소비 또는 실종을 중단시키지 않는다는 것을 상기시켜줍니다.
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#57
유리와 굴이 있는 정물
유리,열린 굴,레몬 및 작은 남은 음식은 de Heem 이 방금 일어난 식사를 불러 일으키기에 충분합니다. 젖은 껍질은 유리의 투명성에 반응합니다. 즐거움은 흔적이 아니라 흔적으로 존재합니다 손님. 이 부재는 테이블 친밀감을 소비 된 순간에 대한 신중한 명상으로 변화시킵니다.
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#58
랍스터와 노틸러스가 있는 정물화
랍스터와 노틸러스 컵은 두 가지 형태의 사치를 집중시킵니다: 식량 부족과 사람이 일하는 이국적인 물건. De Heem 은 과일,금속 및 유리 제품으로 그들을 둘러싸고있어 움직이는 빛으로 풍성함을 통합합니다. 전체 시장 번영을 기념하지만, 그 불안정한 균형은 이 화려함이 취약한 질서에 얼마나 달려 있는지를 암시합니다.
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#59
과일, 유리 제품 및 Wanli 그릇과 정물
칼프는 어두운 공간에서 과일,유리 제품 및 중국 완리 도자기 그릇을 결합합니다. 물체는 네덜란드 세계 무역을 증언하지만 빛은 재고보다 유령으로 변형시킵니다. 중단 된 반사,레몬 필과 가능한 시계는 그림이 제공하는 영속성에도 불구하고 사치가 유통되고 소비되고 사라진다는 것을 상기시켜줍니다.
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#60
두개골과 필기구가 있는 정물화
피터 Claesz 지식에 전념 허영에 두개골,펜과 글의 개체를 함께 제공합니다. 생각,명성과 책은 부보다 죽음에서 더 이상 보호하지 않습니다. 그러나 펜은 유익한 모순을 소개합니다 : 글쓰기와 회화는 개인의 삶을 넘어 무언가를 전달하는 인간의 수단입니다.
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#61
악기의 허영심, 오감으로
Claesz 의이 허영은 악기와 오감과 관련된 개체를 축적합니다. 청각,미각, 시각,냄새 및 촉각의 즐거움은 지속 시간이 거부되는 바로 그 순간에 보입니다. 시계,두개골 또는 양초는 한계를 새깁니다; 그림은 도망자라고 선언한 모습을 그대로 유지합니다.
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#62
게, 과일, 유리로 된 정물
Claesz 는 게,과일 및 유리를 껍질의 색으로 구분되는 갈색과 회색의 범위에 배열합니다. 물건은 식사 후에 남겨진 것처럼 보이지만 각 성향은 계산됩니다. 화가는 무질서를 건축으로 만듭니다 그리고 남은 반사의 광경에서 시간은 음식이 시작된 것으로 측정됩니다.
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#63
햄, 게임, 식기가 있는 정물
헤다는 햄,게임 및 요리를 손님이 사라진 호화로운 식사로 변화시킵니다. 금속,유리 및 구겨진 식탁보는 의도적으로 제한된 팔레트를 공유합니다. 이 색채의 절주는 과잉을 더욱 모호하게 만듭니다: 시선에 풍요로움이 주어지고, 무질서, 뼈, 빈 혈관은 즉시 다음 단계를 보여줍니다.
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#64
생선, 굴, 새우가 있는 정물화
클라라 피터스는 17 세기 식품 및 해상 무역에 대한 정보를 제공하는 정확도로 생선,굴 및 새우를 칠합니다. 젖은 표면,비늘 및 조개 껍질은 다른 기교가 필요합니다 꽃의 그것. 이 주제를 선택함으로써 그녀는 또한 부유한 테이블뿐만 아니라 시장과 관련된 분야의 숙달을 확인합니다.
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#65
체스판에서의 정물
"체스 보드에 여전히 생활"에서 Baugin 게임,악기, 점수,꽃과 세면 도구를 함께 제공합니다. 각 요소는 감각의 즐거움과 그들의 덧없는 성격을 나타낼 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 구성은 침착하고 발광. 도덕적 수수께끼 이상으로,삶을 차지하고 측정하는 활동에 대한 세련된 명상을 제공합니다.
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#66
파란색 장갑 오렌지 레몬의 정물화
아를에서 반 고흐는 밝은 오렌지와 레몬을 파란색 장갑과 대조합니다. 보색은 테이블에 강렬한 진동을 주며 장갑은 노동자의 부재를 소개합니다. 정물 단지 객체를 복사하지 마십시오: 그것은 각 톤이 서로 접촉시 강해지는 반음계 에너지를 구성합니다.
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#67
파이프가 달린 빈센트의 의자
반 고흐는 얼굴 없는 자화상으로 파이프와 담배로 밀짚 의자를 그립니다. 낮에 불이 켜진 단순한 물체는 아를에 있는 자신의 정체성과 방을 연상시킵니다. 이에 대응하는 고갱의 어두운 안락의자는 부재 중인 친구를 나타냅니다. 따라서 두 자리는 곧 깨질 예술적 동거를 말해줍니다.
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#68
폴 고갱의 안락의자
고갱의 안락의자는 반 고흐의 의자보다 더 우아하고 야행성이 강하다: 곡선형 나무,쿠션, 책과 불이 켜진 촛불은 교양있는 예술가의 상징적 인 초상화를 구성한다. 고갱이 아를에서 떠난 후에 그려진 작품 빈 가구를 정신적 존재로 변화시켜 공통 프로젝트에 대한 감탄, 분리, 기억을 혼합합니다.
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#69
해바라기 두 송이 자르기
아를의 큰 꽃다발 전에 반 고흐는 테이블 위에 놓인 잘린 해바라기를 그렸습니다. 가까이에서 본 무거운 머리는 거의 얼굴이나 별이됩니다. 꽃은 장식적이지 않습니다: 꽃잎과 재료의 비틀림 두꺼운 것은 마치 색깔이 여전히 추락에 저항하는 것처럼 고사병에 물리적 강도를 부여합니다.
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#70
구리 꽃병에 담긴 프리틸러리 황실 왕관
반 고흐는 파리의 황실 왕관 프리틸러리를 구리 꽃병에 그렸습니다. 주황색 꽃은 인상파와 일본 판화와 접촉했을 때 발견된 보완적인 대비를 사용하여 파란색 배경에 눈에 띕니다. 꽃다발은 전환점을 표시합니다: 네덜란드의 어두운 팔레트는 독립형 색상, 더 가볍고 대담한 양보합니다.
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#71
주전자와 과일
세잔은 계획이 아주 일치하지 않는 공간에 주전자,과일 및 직물을 설치합니다. 둥근 금속은 사과에 반응하는 반면 접힌 부분은 테이블이 수평으로 유지되지 않도록합니다. 이 불안정성은 구축되고, 서투르지 않음: 시선의 여러 순간을 번역하고 정물화를 회화적 건축의 문제로 전환시킵니다.
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#72
사과와 앵초 냄비가 있는 정물화
앵초 냄비는 사과와 경사면 사이에 수직 성장을 소개합니다. 세잔은 깨지기 쉬운 생물,과일의 질량 및 용기의 기하학을 연결합니다. 윤곽이 수정되고 색상이 한 대상에서 다른 대상으로 이동. 따라서 통일성은 닫힌 그림이 아닌 진보적 인 관계에서 태어납니다.
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#73
사과와 배가 있는 정물
사과와 배는 그가 작은 색깔 변조에서 모양을 만들 수있는 세잔 간단한 볼륨을 제공합니다. 테이블이 상승 나타납니다,각 과일은 약간 다른 각도에서 볼 수 있습니다. 이 다중성은 의 지속 시간을 보존합니다 이미지를 들여다보세요. 입체파에게 직접적인 영향을 미칠 것이고 입체파는 그 안에서 공간을 다시 생각하는 수단을 인식할 것입니다.
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#74
녹색 대리석 테이블의 정물화
마티스는 색이 깊이를 구성하는 공간에서 과일, 그릇 및 녹색 대리석 테이블과 마주합니다. 지지대의 정맥은 돌의 모방이 아닌 활성 패턴이됩니다. 물건들은 그들의 관계 덕분에 함께 붙드는 것처럼 보입니다 색채. 정물화 그가 자유롭게 실험할 수 있도록 대상의 매일 앵커링을 잃지 않고.
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#75
핑크색 식탁보에 사과가 달린 정물화
접힘과 윤곽이 테이블의 안정성을 이동시키는 분홍색 식탁보 위에 사과가 놓여 있습니다. Matisse 는 정확한 지역 색상을 찾지 않습니다: 분홍색,녹색 및 과일 톤이 민감한 균형을 구성합니다. 국내 친밀감 단순화 실험실이 되어, 몇 개의 물체만으로도 공간에 대한 인식을 완전히 새롭게 할 수 있습니다.
이 재생산 →를 참조하세요Picasso, Braque, Gris, Matisse, Morandi 및 그들의 상속인은 테이블을 더 잘 재건하기 위해 테이블을 해체했습니다.
#76
파란 주전자를 들고 있는 정물
파란색 주전자는 모델링보다 과일과 용기가 평평한 영역에서 균형을 이루는 마티스의 정물화에 대한 분위기를 설정합니다. 파란색은 도자기를 묘사 할뿐만 아니라: 모든 이웃 색상에 작용합니다. 테이블이 하나가됩니다 여전히 사물에 붙어 있는 추상적인 장면은 환상주의 없이 명확성을 추구하는 모범입니다.
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#77
검은 배경에 튤립과 굴
마티스는 밝은 색의 튤립과 검은색 바탕에 불규칙한 굴의 자개를 대조합니다. 두 패턴은 꽃의 개방성과 소비,섬세함과 살을 결합합니다. 바닥은 깊이를 흡수하여 전진시킵니다 모양. 이 긴장감은 식사를 색상과 리듬이 모든 내러티브를 지배하는 장식적인 구성으로 변화시킵니다.
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#78
아침 식사
Juan Gris 는 신문,컵, 병 및 식기를 연동하여 아침 식사를 재구성합니다. 인쇄 된 편지와 인식 가능한 파편은 계획이 순수한 추상화가되는 것을 방지합니다. 합성 입체파 아침 습관을 표지판 시스템으로 전환하여 이미지를 읽는 것이 점차적으로 물건, 재료 및 관점을 조립하는 것과 같습니다.
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#79
보르도 한 병이 담긴 정물
보르도 병 컷 아웃 계획,라벨 및 테이블 요소의 중간에 그레이의 수직 랜드 마크 역할을합니다. 단어 또는 마크는 단순한 현실적인 세부 사항이 아닙니다: 그것은 입체파 공간에서 개체를 식별하는 데 도움이됩니다. 거기 따라서 정물화는 시각적 경험과 커피, 신문, 와인의 일상 문화를 결합합니다.
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#80
Compotier와 유리(레몬이 함유된 정물)
회색은 설탕에 절인 과일,유리 및 레몬을 한 물체에서 다른 물체로 윤곽이 계속되는 맞물린 모양으로 줄입니다. 노란색은 입체파 건축 내에서 과일을 읽을 수있게합니다. 이 작업은 두 가지 요구 사항을 조화시킵니다 종종 반대: 표면의 기하학적 자율성과 친숙한 테이블을 인식하는 즉각적인 즐거움.
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#81
기타(기타에 여전히 생명력이 있음)
기타는 후안 그리스에게 쉽게 분해 후 재조립 할 수있는 곡선,현과 비행기의 세트를 제공합니다. 악기는 또한 음악을 제안,듣지 않고 존재. 이 입체파 정물화에서 관객은받지 않습니다 고정된 관점이 아니라: 그는 표면에 분포된 단서로부터 대상을 정신적으로 재구성한다.
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#82
체크 무늬 식탁보와 정물
체크 무늬 식탁보는 그리스에게 입체파 분열을 명령하는 격자를 제공합니다. 그 위에 병,유리, 과일 또는 신문은 몇 가지 특정 표시로 구별됩니다. 국내 모티브는 그림의 진정한 건축물이됩니다. 작가는 장식적인 표면이 캔버스의 평탄함을 동시에 주장하고 깊은 테이블을 암시할 수 있음을 보여줍니다.
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#83
딸기잼
딸기 잼의 냄비는 후안 그리스 입체파 어휘에 라벨,문자 및 과일 색상을 소개합니다. 제조 된 제품은 유리 또는 테이블만큼 계산됩니다. 현대 소비의 징후를 통합함으로써 작품은 학문적 회화와 일반 문화를 하나로 모으는 동시에 눈이 알고 있다고 생각하는 것을 재구성하도록 요청합니다.
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#84
점토 주전자와 철 컵이 있는 정물
고갱은 점토 한 병과 철 한 컵을 일부러 소박한 정물화에 한데 모았습니다. 그 물건들은 사치할 가치가 있는 것이 아니라 질량,색깔, 장인적 성격을 지닌 것입니다. 윤곽과 평평한 부분이 단순화되었습니다 자연주의의 구성을 제거하십시오. 일상 생활은 합성,밀도 및 침묵의 그림에 대한 지원이됩니다.
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#85
안락의자에 해바라기가 그려진 정물 (II)
고갱은 안락의자에 해바라기를 올려놓고 반 고흐와 아를에서의 상충되는 체류와 관련된 꽃을 원격으로 차지합니다. 빈 자리는 꽃다발을 부재의 기억으로 변화시킵니다. 이 인용문은 하나가 아닙니다 단순한 경의: 예술적 기억, 경쟁, 상징이 된 모티프의 재전유를 결합합니다.
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#86
창 앞에 과일 그릇과 투수
고갱이 내부 공간과 풍경을 반대할 수 있는 장치인 창문 앞에 과일 그릇과 투수가 눈에 띕니다. 대담한 색상과 단순화된 윤곽은 대기 환상을 거부합니다. 그림은 그렇지 않습니다 정물화와 외부보기 사이에서 선택하지 마십시오: 그것은 색상으로 구성된 동일한 표면에 그들을 연결합니다.
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#87
망고와 히비스커스 꽃이 있는 정물화
망고와 히비스커스는 고갱의 정물화에 폴리네시아 체류 기간 동안의 식물과 색상을 새깁니다. 그러나 이미지는 중립적 인 민족 지학 조사가 아닙니다: 그것은 합성 언어와에 따라 다른 곳을 구성합니다 그의 유럽적 상상력. 꽃다발과 열매는 그림을 재창조하려는 열망만큼이나 지리적 움직임을 드러낸다.
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#88
병, 물병, 빵, 와인이 있는 정물
이 초기 작품에서 모네는 여전히 사실주의로 표시된 테이블 위에 병,병, 빵 및 와인을 함께 가져옵니다. 유리의 반사와 어두운 대비는 그의 미래 풍경이 향해 이동할 관심을 보여줍니다 분위기. 정물화는 따라서 등고선의 인상주의 해체 전에 그의 시선의 물질적 기반을 드러낸다.
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#89
오렌지, 바나나, 차 한잔
르누아르는 오렌지,바나나 및 차 한잔을 결합하여 이국적인 과일과 국내 의식을 결합합니다. 그것의 유연한 터치는 도자기,피부 및 직물 사이에 빛을 순환시킵니다. 그 물건은 결코 차갑게 묘사되지 않습니다: 그것은 a 에 참여합니다 풍요로움과 친근감. 색상은 테이블을 재고가 아닌 따뜻한 경험으로 변화시킵니다.
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#90
토끼, 오리, 병, 빵, 치즈가 있는 정물
Oudry 는 토끼,오리, 병,빵 및 치즈를 사냥 트로피와 다가오는 식사를 함께 모으는 배열로 결합합니다. 왕실 사냥의 인기있는 화가 인 그는 코트,깃털, 유리 및 음식을 정확하게 묘사합니다 장관. 작품은 게임 소유와 식기가 함께 어우러진 귀족 문화에서 정물화를 배치합니다.
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#91
케이크가 있는 정물
라파엘 필은 트롱프뢰유로 칠해진 흰색 리넨 뒤에 케이크를 부분적으로 숨깁니다. 원단은 보는 사람에게 도전하면서 음식을 보호하는 것처럼 보입니다: 케이크를 봐야 할까요,베일의 기교를 봐야 할까요? 미국에서 19세기 초부터 이러한 시각적 구속은 디저트를 욕망, 통제, 환상의 대상으로 변모시켰습니다.
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#92
일본 꽃병에 꽃
Redon 는 극동 예술의 영향에 꽃에 대한 자신의 취향을 결합,일본 꽃병에서 꽃다발을 밖으로 가져옵니다. 종은 덜 inventoried 빛나는 색상에 의해 변형보다. 그것의 불안 흑인의 후 시작, 이 늦은 작품은 상상력에 행복한 형태를 제공합니다: 실제 꽃병은 정신적 개화의 출발점이됩니다.
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#93
꽃병: 빨간 양귀비
붉은 양귀비는 즉시 시선을 사로잡지만 레돈은 윤곽이 색으로 녹는 꽃으로 그것을 둘러싸고 있습니다. 꽃다발은 엄격한 식물학적 정확성을 따르지 않습니다. 오히려 양귀비의 기억과 감각을 반영합니다 개화. 꽃병은 이 비전을 안정시켜 일상적인 물건과 내부 공간 사이의 미약한 연결을 유지합니다.
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#94
꽃병이 있는 정물화
레거는 그의 현대 언어의 깨끗한 볼륨,두꺼운 윤곽과 대담한 색상으로 꽃병과 꽃을 취급합니다. 전통적인 패턴은 포기되지 않습니다; 그것은 기계적인 모양과 포스터의 세계를 위해 재건되었습니다. THE 꽃잎은 리드미컬한 표시가 되고, 꽃병은 구도의 중앙에서 단단한 조각 역할을 합니다.
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#95
실버 테린
샤르댕은 은색 테린을 국내 구성의 빛나는 심장으로 만듭니다. 금속은 완벽한 거울이되지 않고 환경을 반영합니다; 두꺼운 터치는 회색과 흰색의 변형을 재구성합니다. 물체가 나타납니다 겸손함과 동시에 기념비적인. 인식에 대한 이러한 관심은 19 세기 프랑스 화가들에게 깊은 영향을 미칠 것이다.
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#96
Compotiers, 접시 및 과일
Bonnard 는 테이블이 표면을 침범 할 수있는 친밀한 관점에서 compotiers,접시 및 과일을 관찰합니다. 색상은 각 물체를 충실하게 묘사하는 것보다 서로 더 많이 반응합니다. 국내 공간은 확장되는 것처럼 보입니다 기억의 효과 아래. 정물화는 그렇게 해서 고정된 배치라기보다는 사람이 사는 장소에 대한 연장된 감각이 된다.
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#97
스케이트와 함께 정물
Soutine 은 샤르댕과 관련된 줄무늬 모티브를 채택하지만 비틀림,살과 다채로운 폭력을 강조합니다. 열린 물고기는 거의 안정성을 잃는 물체에 둘러싸여 공간을 침범하는 것처럼 보입니다. 이 공물은 모방하지 않습니다 18세기: 그는 전통을 신체, 물질, 회화에 대한 표현주의적 경험으로 변화시켰습니다.
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#98
비바 라 비다
칼로는 1954 년에 익은 수박과 열린 수박을 그린 다음 붉은 펄프에 "Viva la Vida"를 새겼습니다. 그의 삶의 끝에서 제작 된이 작품은 순전히 장례식 독서를 거부합니다. 씨앗,살 및 공식은 의식적 활력을 축하합니다 죽음의. 정물화는 예술가의 몸을 직접 표현하지 않고 자전적 진술이 된다.
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#99
컨테이너 4개
Zurbaran 은 선반에 4 개의 테라코타와 금속 용기를 줄 지어 각각 그림자로 구분합니다. 빛은 부피,표면적 및 거의 신성한 엄숙함으로 사용법의 차이를 드러냅니다. 복잡한 기호는 없습니다 필요: 측정 된 반복과 공허함은 평범한 도구를 존재에 대한 명상으로 변화시킵니다.
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#100
정물 No.41
"Still Life No. 41"을 통해 Wesselmann 은 음식,병, 광고 장치 및 이미지를 환경 규모까지 확장합니다. 정물화는 테이블을 떠나 팝 어셈블리가되며 때로는 실제 것으로 구성됩니다 물건. 작품은 새로운 풍요에 의문을 제기: 더 이상 귀족 연회의 것이 아니라 미국의 소비와 그 징후의.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
박물관 공지사항 보기 →사물이 말할 때
정물화의 세 가지 즐거움
정물화는 화가에게 빛,물질 및 시간의 흐름을 시험하는 작은 무대를 제공합니다. 장식은 현명해 보입니다; 물건은 행복하게 플롯됩니다.
재료
유리, 금속, 과일 피부, 벨벳 및 세라믹은 동일한 캔버스를 떠나지 않고 브러시를 강제로 음성을 변경합니다.
시간
절화, 식사 시작, 시계 또는 두개골: 움직이지 않는 것들은 아무것도 남지 않았다는 것을 우리에게 상기시켜주는 데 매우 좋습니다.
스페이스
Cotân 에서 Cézanne 에 이어 입체파에 이르기까지 간단한 테이블은 스트레칭,접기 또는 기울어 진 원근법을위한 실험실이됩니다.
5세기의 그림
상징적인 테이블에서 현대 실험실까지
Caravaggio 와 Sanchez Cotan 은 과일에 새로운 중력을 부여합니다. 네덜란드에서는 Claesz,Heda, Kalf 및 De Heem 이 식사를 재료와 간판의 극장으로 변형시킵니다.
샤르댕은 장면을 단순화한 다음 마네,팡탱라투르, 세잔,반 고흐는 문제를 터치,색채, 시선의 구성으로 전환한다.
20 세기에 피카소, 브라크, 그리스, 마티스, 모란디와 오키프는 익숙한 사물이 단편화, 리듬, 추상화 또는 아이콘이 될 수 있음을 보여주었습니다.
박물관 및 컬렉션
작품들을 가까이서 본다
프라도 미술관, 루브르 박물관, 국립 미술관, 미국 박물관을 통해 유리잔의 광채, 레몬의 두께, 비네트 너머의 캔버스 결을 따라갈 수 있습니다.
자주 묻는 질문
정물화 이해하기
허영심, 트롱프뢰유, 꽃다발, 테이블 제공: 대화를 고안하지 않고도 사물을 말하게 만드는 몇 가지 지침.
왜이 장르를 "정물" 이라고합니까?
프랑스 표현은 사물의 부동성을 강조한다. 네덜란드어,독일어 또는 영어는 종종이 그림의 에너지에 더 충실한 공식 인 "침묵의 삶"을 더 많이 말한다.
허영심이 뭐예요?
허영심은 유쾌하거나 배운 물건을 시간의 흐름의 징후와 연관시킵니다: 두개골,시계, 양초,손상된 과일 또는 깨지기 쉬운 유리. 그녀는 파티를 망치지 않습니다; 그것은 단순히 뷔페가 어느 날 닫힌다는 것을 상기시켜줍니다.
네덜란드 화가들은 왜 이렇게 제공되는 테이블을 좋아했을까요?
17 세기에는 상업적인 번영,새로운 음식,수입품 및 기교에 대한 맛이 화가에게 이상적인 레퍼토리를 제공했습니다. 굴,껍질을 벗긴 레몬 및 유리는 동시에 구경거리,상징 및 기술 시연이됩니다.
정물화와 트롱프뢰유는 어떤 차이가 있나요?
모든 정물화는 물체를 나타낸다; trompe l'oeil은 또한 의도적으로 환상적 정확성으로 깊이, 부조 또는 재료를 시뮬레이션하여 인식을 속이려고 합니다.
세잔은 정물화를 어떻게 변화시키는가?
세잔은 사과를 묘사하려고만 하지 않습니다. 그는 부피,색깔 그리고 평면의 관계를 구성하여 테이블을 약간 불안정하게 만들고 입체파의 길을 열어줍니다.
정물화는 언제나 꽃이나 과일을 그린 그림일까?
아니요. 이 장르에는 식사, 책, 악기, 가정용품, 사냥 트로피, 조개껍데기, 두개골 및 트롱프뢰유도 포함됩니다.
왜 정물화는 때때로 초상화보다 더 살아 있는 것처럼 보일까?
시선이 부재한 행동을 재구성하기 때문이다: 누가 잔을 내려놓거나,레몬을 자르거나,의자를 떠났는가? 부동성은 몸짓의 예비가 되고,관중은 신중하게 장면을 끝낸다.
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