16 세기 - 20 세기 · 유화
가장 유명한 100 개의 사각형 그림
4 개의 동등한면이 구성을 바꾸는 100 개의 그림: 황금 아이콘, 초상화, 현대 장면, 풍경 및 추상화, Holbein과 Goya에서 Klimt, Mondrian, Kahlo 및 Kandinsky에 이르기까지.
지배적인 방향이 없는 균형
왜 사각형은 이미지를 바꾸는가?
광장은 수평선이나 수직에 자연적인 이점을 주지 않습니다. 화가가 몸체,나무, 선 및 공극을 다르게 분배하도록 강요합니다. 이러한 측면의 평등은 기념비적인 안정성을 생성할 수 있습니다 Klimt 또는 Mondrian, Delaunay 및 Kandinsky와 같은 모바일 긴장.
순위는 명성과 역사가 가장 잘 확립 된 작품으로 시작되며 초상화,일상 장면,풍경 및 추상화를 교차합니다. 선택한 그림은 정사각형이거나 정사각형에 매우 가깝습니다 전체 사진; 잘린 포장만으로는 장소를 구하기에는 충분하지 않습니다.
네 개의 동일한 면이 갑자기 각 모서리가 스토리의 몫을 요구합니다.
자연스럽게 시선을 사로잡지만, 큰 그림이 그것을 움직이거나, 나누거나, 가장자리를 향해 방사되도록 만듭니다.
그들은 방향과 속도를 자기장에 도입하는데, 그것이 없으면 너무 안정적이거나 대칭적으로 보일 수 있습니다.
비슷한 근접성으로 인해 모양이 조여지고 각 여백이 기본 패턴만큼 활성화됩니다.
추상화로, 사각형은 창이 될 중지: 그것은 선, 기호 및 색상의 자율적 인 현실이된다.
광장이 실제로 이미지를 구성하는 100개의 그림
100 작품 · 40 예술가순위 1 -20
사각형 아이콘
구스타프 클림트
키스
클림트는 황금기의 절정에 부부를 그립니다. 이때 기름은 금박과 라벤나 모자이크에서 영감을 받은 패턴과 대화합니다. 시체는 큰 일반 코트에서 거의 사라지지만 손과 얼굴은 거의 사라집니다 현장의 부드러움을 모두 간직하세요. 이곳의 광장은 바깥 세상이 기다리라고 요청받은 황금의 방이 됩니다.
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구스타프 클림트
아델 블로흐-바우어 1 세의 초상화
산업가 페르디난트 블로흐-바우어의 의뢰로 이 초상화는 클림트를 몇 년 동안 점령했다. 아델은 금,은, 이집트인의 눈과 그녀의 몸을 거의 흡수하는 기하학적 모양들 사이에서 나타난다. Spoliated under the 나치즘은 2006년에 상속인에게 반환되었으며, 이 그림은 표면이 움직이지 않는 것처럼 다사다난한 현대사를 담고 있습니다.
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프리다 칼로
두 프리다
프리다 칼로와 디에고 리베라의 이혼 후 그려진 이 이중 자화상은 두 가지 버전의 예술가를 한데 모았습니다. 하나는 유럽 드레스를 입고 다른 하나는 테우아나 옷을 입고 있습니다. 동맥은 노출된 심장을 연결한 다음 프리다 옆으로 부러집니다 버림받다 폭풍우 치는 하늘은 신중하지 않지만 고통도 마찬가지다.
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카지미르 말레비치
블랙 스퀘어
Malevich는 1915 년 Petrograd에서 열린 0.10 전시회에서 전통적으로 아이콘을 위해 예약 된 각도에서 높은 위치에 놓인 검은 광장을 선보였습니다. 모양은 완벽하게 정사각형도 아니고 완벽하게 검은 색도 아닙니다: 균열과 불규칙성이 연상됩니다 그것이 실제로 그림이라는 것. 작가는 절대적인 시작을 원했습니다; 그림은 시간이 지남에 따라 프로그램과 상당히 일치하는 아이콘으로서의 경력을 얻었습니다.
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한스 홀바인
대사
1533 년 Holbein 에서 과학 악기,책과 음악 개체에 둘러싸여 장 드 Dinteville 과 조르주 드 셀브를 표현했다. 긴 비스듬한 모양은 측면에서 보면 두개골이된다. 외교적 명성이 점유 첫 번째 모습; 죽음은 방문객이 시간을 잘 지키고 정보를 잘 알고 장소를 바꾸기를 기다릴 뿐입니다.
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피에트 몬드리안
브로드웨이 부기우기
1940 년 뉴욕에 도착한 몬드리안은 거리 격자,표지판 및 부기우기를 발견했습니다. 그것은 네트워크를 악보처럼 진동하게 만드는 작은 색상의 직사각형 시퀀스로 검은 띠를 대체합니다. 브로드웨이는 그렇지 않습니다 표현되지 않음: 맨해튼이 메트로놈을 찾은 것처럼 보일 만큼 노란색으로 리듬으로 변형됩니다.
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피에트 몬드리안
빨간색, 파란색, 노란색으로 구성됩니다
몬드리안은 여기서 그의 어휘를 몇 개의 검은 선,고르지 않은 흰색과 세 가지 원색으로 줄입니다. 균형은 유순한 대칭에서 오는 것이 아니라 각 평면 사이의 계산된 간격에서 나옵니다. 작은 빨간 사각형은 거의 모든 것을 운반합니다 구성, 회화에서도 회의처럼 가장 말이 많은 것이 항상 가장 위대한 것은 아니라는 증거입니다.
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바실리 칸딘스키
일부 서클
바우하우스에서 칸딘스키는 모양,색깔 및 감각 사이의 관계를 연구했다. 일부 원에서는 디스크가 깊은 배경 위에 떠 있고,십자가를 이루고,덮고 거의 우주적인 후광을 만들어낸다. 이 작품은 아무것도 묘사하지 않는다 실제 하늘이지만 원에 놀랍도록 조직된 중력, 거리, 심지어 사회 생활까지 제공합니다.
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호아킨 소롤라
바다로 걸어
소로야는 아내 클로틸드와 딸 마리아가 발렌시아 해변을 걷고 있는 모습을 그립니다. 바람이 돛을 부풀리고,흰 천을 들어 올려 우산을 크게 움직이는 대각선으로 만듭니다. 거의 정사각형 형식은 이러한 움직임을 유지합니다 멈추지 않고; 지중해는 카메라 밖에서 작동하며 무료로 환기를 제공합니다.
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클로드 모네
수련: 녹색 조화
1899 년 모네는 지베르니 분지를 자치적인 주체로 만들기 시작했다. 일본의 다리는 초목을 가로지르는 반면 수련은 물,반사 및 잎 사이의 경계를 흐리게 한다. 공간은 거의 더 이상 깊지 않다 고전: 정원은 녹색이 절대 다수를 차지한 것처럼 보이는 둘러싸는 표면이 됩니다.
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앙리 마티스
파란 주전자를 들고 있는 정물
마티스는 그 색깔이 과일,배경과 윤곽에 반응하는 파란색 주전자 주위에이 정물화를 구성합니다. 원근법은 평평한 영역이 장면을 유지하도록 이완합니다. 물체는 눈을 속이려고하지 않습니다; 그들은 주전자가 분명히 대통령직을 맡았을 작은 테이블 대화처럼 솔직하고 다채로운 코드를 구축하십시오.
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폴 클리
세네시오
클레는 1922 년에 빨간색,노란색, 흰색,갈색 상자로 나누어진 원형 얼굴에서 세네시오를 작곡했다. 제목은 식물과 노년을 모두 연상시키는 반면 머리는 초상화,가면 및 기호 사이에서 머뭇거린다. 두 눈 약간 색다른 느낌만으로도 이 기하학에 거의 인간적인 분위기를 더할 수 있습니다.
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로버트 들로네
동시 디스크
동시 디스크를 사용하면 Delaunay 는 인식 가능한 패턴을 버리고 색상의 대비를 직접 탐색합니다. 원형 섹터는 빨간색,파란색, 녹색 또는 주황색의 이웃에 따라 속도가 변경됩니다. 원 메커니즘 없이 회전하고 사각형은 고정하지 않고 고정합니다: 다행히 윤활유가 필요하지 않은 광학 기계입니다.
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에곤 실레
죽음과 처녀
실레는 1915 년 죽음과 처녀를 그렸는데,그 당시 그의 동원과 월리 노이질과의 결별 당시였다. 두 인물은 마치 작별 인사가 포옹의 형태를 취한 것처럼 구겨진 시트에 달라 붙었다. 의 어두운 의상 인간은 화가를 죽음에 더 가까이 데려옵니다; 자서전은 조용히 진행되지 않습니다.
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구스타프 클림트
다나에
클림트는 거의 완전히 광장에 맞는 접힌 포즈에 다나에를 잠급니다. 제우스가 그녀와 합류하는 황금 비는 장식적이고 육욕적인 흐름처럼 무대를 가로지릅니다. 고대 신화는 내면의 포기의 이미지가 됩니다 보라색, 금색, 붉은색 머리카락으로 포화되어 학문적 겸손을 위한 여지가 거의 없습니다.
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프란츠 마크
호랑이
프란츠 마크는 1912 년에 호랑이를 그렸고,동물을 주황색,검은색, 녹색,보라색 평면으로 변형시켰다. 몸의 각도는 마치 고양이과 동물과 그 환경이 같은 에너지를 공유하는 것처럼 풍경의 모양에 반응하여 뛰어내리지 않는다 다시 말하지만, 웹 전체가 1초 전에 숨을 참은 것 같습니다.
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바실리 칸딘스키
블루 라이더
작은 라이더는 여전히 읽을 수있는 풍경을 가로 지르지만 파란색,흰색 및 녹색 덩어리는 이미 설명보다 더 중요합니다. 1903 년에 그려진 그림은 나중에 Kandinsky 가 설립 한 Blue Rider 그룹에 이름을 붙였습니다 그리고 프란츠 마크. 작은 실루엣으로 인해 전체 악장의 이름이 붙여졌습니다. 산책하기에 좋은 공연이었습니다.
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로버트 들로네
블레리오에게 경의를 표합니다
들로네는 1914 년 해협을 건너는 최초의 비행사 루이 블레리오에게 경의를 표했다. 프로펠러,디스크, 에펠탑과 텍스트 조각이 활기찬 들판에서 뒤섞인다. 비행기는 정확하게 묘사되지 않았다: 그것은 경험이다 캔버스를 차지하는 현대적인 속도와 파리가 다채로운 대시보드로 변신했습니다.
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폴 클리
레드 풍선
레드 풍선에서는 투명한 샷의 도시가 작은 매달린 빨간 디스크를 중심으로 구성됩니다. Klee 는이 작은 점에 태양,장난감 또는 신호의 역할을 부여하며,단 한 번의 독서를 부과하지 않습니다. 그림은 다음과 같습니다 어린 시절을 위한 장소를 유지하기로 합의한 꿈의 건축물입니다.
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구스타프 클림트
희망 II
여성 인물이 그녀의 발에기도하는 동안 임신 한 여성은 그녀의 배에 머리를 숙입니다. 클림트는 드레스 뒤에 숨겨진 두개골에서 볼 수있는 삶의 기대와 죽음의 존재를 혼합합니다. 장식은 보호하고 걱정하며 봉투를 한꺼번에; 그에게는 희망조차도 작은 글씨로 된 조항을 알고 있습니다.
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광장은 현대적이 된다
카지미르 말레비치
붉은 광장
또한 전시 0.10 동안 제시, 빨간 사각형은 두 차원에서 농민 여성의 그림 리얼리즘의 놀라운 부제를 수신. Malevich는 세계의 기억을 떠나면서 표현과의 링크를 잘라 제목에서. 약간 기울어진 모양이 떠있는 것처럼 보입니다: 사각형은 이미 자신의 규칙을 완전히 존중하지 않기로 결정했습니다.
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피에트 몬드리안
승리 부기 우기
몬드리안은 생애 마지막 몇 달 동안 빅토리 부기 우기에서 일했고 1944 년에 미완성으로 남겨두었다. 색 테이프의 작은 조각들은 여전히 그의 테스트를 보여준다. 다이아몬드 네트워크는 브로드웨이보다 더 자유롭게 펄스한다 부기우기; 제목이 발표한 승리는 그림처럼 긴장감 속에 남을 것이다.
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피에트 몬드리안
큰 빨강, 노랗고, 까맣고, 회색 및 파란 계획을 가진 구성
1921 년 몬드리안은 다른 색들을 가장자리 쪽으로 밀어내는 거대한 붉은 직사각형 주위에 이 구성을 만들었다. 선이 항상 평면을 닫는 것은 아니며 균형은 의도적으로 불안정하게 남아있다. 캔버스는 그것을 보여준다 그의 신생물주의는 반복되는 조리법이 아니라 무게, 간격 및 색상 간의 끊임없는 협상이었습니다.
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바실리 칸딘스키
블루 마운틴
세 명의 기병이 붉은 나무와 노란 나무로 둘러싸인 푸른 산 앞을 지나갑니다. 칸딘스키는 이미 자연주의적인 색에서 멀어지고 있습니다: 파란색은 영적인 힘이 되고,빨간색은 큰 파도가 되고,노란색은 활동적인 빛이 됩니다. THE 풍경은 여전히 출발점 역할을하지만, 그는 진지하게 자신의 자유를 취하기 시작했습니다.
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에곤 실레
은둔자들
Hermites 는 Schiele 와 Gustav Klimt 를 어두운 이중 실루엣으로 함께 데려옵니다. 옷이 서로 섞이고 얼굴이 어렵게 나타나며 퇴색 한 꽃이이 진지한 형제애를 동반합니다. Schiele 는 그의 노인 자아에 경의를 표합니다 그들의 근접성에 거의 장례식 긴장을 부여함으로써; 비엔나에서 가장 편안한 단체 사진은 아닙니다.
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구스타프 클림트
팔라스 아테나
클림트는 투구를 쓰고,무장을 하고,보는 사람을 향해 곧장 돌아선 아테나를 선물한다. 그녀의 손에서 어린 누다 베리타스는 이미 그녀의 작품에서 벌거벗은 진실의 중요성을 알리고 있다. 금속,금 그리고 고풍스러운 무늬들은 여신에게 a 정면 권위: 비엔나 분리파에 들어가지 않고 이에 대한 접근을 통제하는 것 같습니다.
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움베르토 보치오니
거리가 집 안으로 들어온다
Boccioni 는 작업자,비계 및 거리 소음이 시각적으로 방을 가로 지르는 동안 어머니를 발코니에 배치합니다. 1911 년에 그려진이 작품은 내부와 외부 사이의 조용한 경계를 제거합니다. 현대 도시 문이 열릴 때까지 더 이상 기다리지 마십시오; 그녀는 대각선, 건설 현장을 가지고 신발을 닦지 않고 들어갑니다.
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폴 세잔
다섯 명의 목욕객
세잔은 몸을 뻗은 곡선을 가진 나무 아래에 5 명의 목욕객을 분포시킵니다. 해부학은 의도적으로 단순화되고 공간은 학문적 관점이 아닌 접촉에 의해 구성됩니다. 이 완고한 연구 위대한 후기 시리즈에 영양을 공급하고 입체파를 매료시킬 것이며, 입체파는 이 작품을 자신의 습관을 침착하게 해체하는 그림으로 보게 될 것입니다.
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피에르 보나르
그녀의 화장실에 여자
Bonnard 가까운 색상의 표면으로 화장실 장면을 변환합니다. 거울,물체 및 몸은 명확하게 계층되지 않습니다; 모두가 동일한 시각적 패브릭에 참여. 친밀감은 화려한 포즈에서 오는 것이 아니라 마치 화가를 발견하기 전에 작품이 계속 살아 있었던 것처럼 거의 무분별한 프레임입니다.
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에두아르 뷔야르
인테리어
이 인테리어에서 Vuillard 는 벽지,가구, 옷 및 실루엣이 어울리도록합니다. 그 인물은 장식에서 고립되지 않습니다: 그것은 다른 사람들 사이에서 하나의 리듬이됩니다. 이 나비 방식은 일상 생활을 벽이있는 밀집 된 세계로 만듭니다 캐릭터만큼 존재감을 가질 수 있고 때로는 더 많은 대화 패턴을 가질 수 있습니다.
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모리스 데니스
탄생
모리스 데니스는 이야기의 명확성을 선호하는 단순화 된 모양과 색상으로 성탄절을 취급합니다. 신성한 장면은 중력을 잃지 않고 장식 이미지에 가깝습니다. 나비 화가와 함께 신앙은 그만큼을 통해옵니다 캐릭터에 의해서만 표면의 구성; 마구간조차도 구성에 대한 교훈을 얻은 것 같습니다.
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폴 시냐크
일요일
시냐크는 대중적인 여가의 분주함과는 거리가 먼 여전히 부르주아적인 일요일을 그립니다. 인물들은 그들의 직업에 흡수되어 분리된 채로 남아 있는 반면,분단된 촉감은 그럼에도 불구하고 공기에 진동을 줍니다. 이 매우 규제된 고요함 약간의 아이러니가 있습니다: 아무도 불행해 보이지 않지만 테이블을 거꾸로 뒤집을 위험이 없습니다.
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에드거 드가
로버트 악마의 발레
드가는 구덩이와 안락 의자에서 로버트 악마 오페라에서 수녀의 장면을 관찰합니다. 음악가,관중 및 발레는 여러 겹쳐진 깊이를 차지합니다. 따라서 쇼는 무대에만 있지 않습니다: 그것은 보는 사람들, 프레임으로 잘린 머리, 파리 저녁의 모든 우아한 혼란을 포함합니다.
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렘브란트
63 세의 자화상
이 1669 자화상에서 렘브란트는 나이,피로, 피부의 두께를 교정하지 않습니다. 얼굴의 임파스토는 거의 표시되지 않은 의복의 영역과 대조됩니다. 그의 죽음의 해를 그린 그림은 전달하지 않습니다 간단한 고백; 그는 아첨하는 수정을 요구하지 않고 남자에게 몇 시인지 살펴보게 합니다.
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에두아르 마네
안락의자에 앉아 있는 앨리스 르구베의 초상화
마네는 앨리스 르구베를 안락의자에 앉히고 세속적인 액세서리보다 모델의 직접적인 존재를 선호합니다. 흑인,백인 및 피부 톤은 그의 1870 년대 그림의 솔직함과 대조를 이룹니다. 초상화는 보존되어 있습니다 사회적 예비이지만 외모와 촉감이 이러한 공손함이 차가워지는 것을 방지합니다.
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제임스 애보트 맥닐 휘슬러
예술가의 조카
휘슬러는 일화보다는 하모니에 대한 취향을 알리는 경제적인 톤으로 조카를 표현합니다. 얼굴과 드레스는 속성이 축적되지 않은 신중한 배경에서 나타납니다. 아이는 변신하지 않습니다 공식적인 작은 성인; 그림은 면밀히 관찰되는 가족의 존재를 억제합니다.
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JMW 터너
베네치아 장면
터너는 종종 1830 년대와 1840 년대에 베니스로 돌아왔고,물이 건축물을 녹이는 방식에 매료되었습니다. 이 장면에서 건물은 빛의 매장량보다는 기념물로 덜 계산됩니다. 석호,하늘 그리고 외관은 측량사가 인내심을 잃게 만들 수 있는 자유로움으로 색상을 교환하지만 화가는 거의 없습니다.
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차임 수틴
더 빅 블루 트리
세레에서 Soutine 같은 추력에 도로,집과 나무를 기울입니다. 큰 푸른 나무는 단지 풍경을 지배하지 않습니다: 그것은 그것의 트렁크 주위에 그것을 비틀 것 같다. 비 자연주의 색과 터치 긴장감은 마치 그림 내부에서 바람이 불어오는 것처럼 패턴에 물리적 강도를 부여합니다.
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아메데오 모딜리아니
젊은 여자의 흉상
1908 년에 그려진 이 흉상은 모딜리아니가 초상화,세잔식 단순화,조각에 대한 관심 사이에서 여전히 길을 찾고 있던 시절에 속합니다. 얼굴은 아직 후기 인물의 극단적 인 신장을 인식하지 못합니다 그러나 이미 그는 부재하지 않고 닫혀 있는 연속적인 윤곽과 조용한 존재에 대한 취향을 갖고 있습니다.
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앙드레 드랭
콜리우르의 나무들
1905 년 콜리우르에서 데랭과 마티스는 색을 묘사하는 역할에서 해방시켰다. 나무들은 빨간색,파란색 또는 녹색 덩어리가 되어 그 대조가 풍경을 구성한다. 지중해의 장소는 알아볼 수 있는 상태로 남아 있지만,그 색채 에너지 이후에 온다; 자연이 모티브를 제공했고, 야생동물들은 분명히 그들만의 그림을 가져왔습니다.
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인물, 인테리어 및 풍경
알렉세이 폰 야울렌스키
알렉산더 사하로프의 초상화
Jawlensky 는 Blaue Reiter 의 중간에 가까운 댄서 Alexandre Sakharoff 를 양식화 된 얼굴과 강하게 대조되는 색상으로 그립니다. 모델은 세속적 인 성격처럼 포즈를 취하지 않습니다: 머리는 거의 가면이됩니다 경치 좋은. 정면성은 표현을 집중하고 댄서가 움직이지 않고도 강렬한 연극을 유지할 수 있음을 상기시켜줍니다.
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카밀 피사로
자화상
그의 1903 자화상에서 피사로는 노인으로 나타나며 어두운 모자를 쓰고 길고 흰 수염을 기르고 있습니다. 붉은 배경은 얼굴을 이상화하지 않고 얼굴의 존재를 강화합니다. 도로,들판 및 대로, 작가는 순환은 적지만 분위기는 그만큼인 동일한 참을성 있는 시선을 자신에게 적용합니다.
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프란시스코 데 고야
연
왕실 아파트를 위한 태피스트리를 위해 디자인된 The Kite 는 만사나레스 강변에서 야외 활동을 즐기는 젊은이들을 보여줍니다. 밧줄은 인물들을 하늘과 연결하는 대각선을 만듭니다. 검은 그림 앞에 고야 그래서 가벼운 날을 그리는 방법을 알았습니다; 역사적인 폭풍은 아직 전체 풍경을 예약하지 않았습니다.
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에드바르트 뭉크
노인 실내
뭉크는 벽, 가구, 인물이 제한된 범위를 공유하는 내부에 앉아 있는 노인을 관찰합니다. 관심은 사건에서 나오는 것이 아니라 방에 자리잡은 것 같은 시간에서 나옵니다. 이 관심 침묵의 존재는 예술가의 위대한 상징주의 드라마에 앞서 덜 유명하지만 필수적인 인간적 기반을 제공합니다.
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제임스 엔서
뮤지컬 심포니
Ensor 는 음악 장면을 순서가 즐겁게 분산 될 위험이있는 실루엣,악기 및 색상의 만남으로 변형시킵니다. 음악은 그룹 초상화와 스펙터클 사이의 경계를 흐리게 할 수있게합니다. 그의 장소에서 하모니는 항상 카니발에 가깝습니다; 모두가 함께 연주할 때에도 몇 가지 음표가 자신만의 가면을 준비하는 것 같습니다.
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빈센트 반 고흐
발굽이 있는 정물
반 고흐는 네덜란드 시대에 시골 작업과 관련된 물건에 관심을 갖게되면서이 나막신을 그렸습니다. 어두운 팔레트,무거운 볼륨 및 주제의 단순함은 신발에 거의 기념비적 인 존엄성을 부여합니다. 전에 밝은 해바라기, 그래서 갈색 발굽이 있었다: 덜 맑은, 확실히, 하지만 진흙에 훨씬 더 저항.
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구스타프 클림트
해바라기가 있는 농장 정원
클림트는 여름 동안 Attersee 근처에 머무는 동안이 정원을 그렸습니다. 수평선은 해바라기,나뭇잎 및 수천 가지의 다채로운 터치로 거의 사라집니다. 광장은 줄거리를 연속적인 식물 카펫으로 변형 시키며,아무것도 없습니다 백합은 정말 백그라운드에서 머물 동의하지 않습니다. 식물학은 장식이된다, 그 진짜 정원의 활기를 잃지 않고.
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폴 클리
적록과 보라색-노란색 리듬
Klee 는 빨간색,녹색, 보라색 및 노란색이 번갈아 나타나는 밴드와 사각형의 분할로이 그림을 구성합니다. 제목은 색상의 시간적 조직보다 모티프를 덜 발표합니다. 모양은 측정에서 발전하는 것처럼 보입니다 연속; 보드는 소리를 내지 않지만 침묵을 약간 의심스럽게 만들 만큼 충분한 리듬을 가지고 있습니다.
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로버트 들로네
태양과 달
Delaunay 달과 관련된 블루스와 그린과 태양의 따뜻한 색상을 대조합니다. 동심 호 별을 설명하지 않습니다: 그들은 자신의 빛 에너지를 번역합니다. 이 추상화는 콘트라스트에 대한 그의 연구에서 발생합니다 동시에, 이에 따라 각 색상은 이웃을 변형시킵니다. 따라서 하늘은 시험관을 디스크로 대체하는 실험실이 됩니다.
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에곤 실레
지는 태양
두 개의 얇은 나무가 낮은 수평선과 사라지는 붉은 태양 앞에 서 있습니다. 실레는 초상화의 고독을 줄 정도로 풍경을 단순화합니다. 나뭇가지들은 저항과 탈진 사이에서 머뭇거리는 것 같습니다; THE 카레는 저녁이 특별히 따뜻할 것이라고 약속하지 않고 이 마지막 빛의 순간을 간직하고 있다.
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프란츠 마크
눈 속의 사슴
마크는 거의 조용한 겨울 풍경에 누워있는 사슴을 격리시킵니다. 갈색과 붉은 색의 몸은 푸른 빛이 도는 흰색 사이에서 접혀 눈의 노출만큼이나 보호됩니다. 예술가는 동물에게 순수함과 취약성; 숲은 피난처가 되지만 모든 흔적이 즉시 보이는 피난처가 됩니다.
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아우구스트 맥케
녹색 재킷에 여자
녹색 재킷을 입은 여성이 창문 앞에 서서 다른 인물들이 도시를 걷는 동안 Macke 는 지나가는 사람들을 단순화하고 반사를 큐비즘과 Delaunay 에서 영감을 얻은 투명한 샷으로 만듭니다. 그러나 장면은 그 모습을 유지합니다 매일의 가벼움: 현대성은 잘 차려입고 팔 아래로 말아진 매니페스트 없이 산책을 하며 이곳에 도착합니다.
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피에르 보나르
프라이버시
1891 년에 그려진 Intimité는 Bonnard 의 Nabis 시작에 속합니다. 한 여성이 테이블 근처에서 책을 읽고 장식에 대해 실루엣이 납작하게 된 물체로 둘러싸여 있습니다. 제목은 드라마를 약속하지 않습니다; 그것은이 조용한 근접성을 지정합니다 사람과 방과 빛 사이. 설거지를 하기 전에도 일상이 하나의 주체가 된다.
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에두아르 뷔야르
스트라이프 드레스
Vuillard 는 줄무늬 드레스를 벽지 및 가구와 경쟁 할 수있는 패턴으로 만듭니다. 그 그림은 내부에서 존재하고 흡수 된 것처럼 보입니다. 이 융합은 모델을 지우지 않습니다: 그것은 가정 생활을 어디에서 알려줍니다 옷과 벽은 몸짓의 기억을 보존합니다. 장식은 더 이상 장면에 수반되지 않고 말하는 역할을 얻습니다.
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모리스 데니스
커뮤니케이터
모리스 데니스는 흰색,녹색 및 반복되는 선의 차분한 조직에서 친교를 향해 전진하는 어린 소녀를 나타냅니다. 종교적인 주제는 나비스의 장식적인 이상을 충족시킵니다. 감정은 효과를 통해 오지 않습니다 연극적이지만 그룹의 리듬과 태도의 단순함을 통해 함께 호흡하는 법을 배운 행렬처럼.
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폴 시냐크
라 포르테, 생트로페
Signac 은 Saint-Tropez 의 입구를 관찰하고 작고 분리 된 터치로 지중해 빛을 구성합니다. 색상은 팔레트가 아닌 눈에서 혼합됩니다. 포트는 엽서로 얼어 붙지 않습니다: 물,벽 및 하늘 다른 속도로 진동합니다. 심지어 문은 태양 입자보다 돌로 덜 만들어진 것 같습니다.
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피에르 오귀스트 르누아르
장 르누아르의 어린 시절 초상화
르누아르는 그의 아들 장이 프랑스의 위대한 영화 제작자 중 한 명이되기 전에 어렸을 때 그렸습니다. 얼굴,머리카락 및 옷은 공식 초상화의 강성을 거부하는 유연한 터치로 형성됩니다. 유명인 미래는 보이지 않습니다; 현재 Jean은 화가 아버지의 세심한 애정으로 관찰되는 어린아이일 뿐입니다.
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에드거 드가
발레 수업
드가는 가동 중지 시간에 리허설 룸을 보여줍니다. 댄서들은 스트레칭,기다림, 위치 조정 또는 발레 마스터의 말을 듣습니다. 예술가는 무대의 화려한 순간보다 작업 제스처를 선호합니다. 발레 따라서 극장보다 피로, 집중력, 공중부양이 훨씬 적은 집단적 규율로 나타납니다.
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에드거 드가
바에서 댄서
두 명의 댄서가 바에서 일하며,한 명은 똑바로,다른 한 명은 땅쪽으로 기울어집니다. 드가는 프레임을 조이고 벽이 이미지의 큰 부분을 차지하게합니다. 반복은 실제 주제가됩니다: 균형,노력 및 반복되는 몸짓. 이곳에서 관객 없이 최종 사면이 준비되고 있는데, 적어도 너무 일찍 출시된 부케에서 그들을 구할 수 있을 것입니다.
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제임스 애보트 맥닐 휘슬러
첼시
휘슬러는 해안,집과 물이 거의 대기권으로 녹아드는 제한된 범위에서 첼시를 그립니다. 그는 지형 조사보다 음색의 조화를 추구합니다. 런던은 조용하고 멀리 떨어져 맑아집니다 그의 평소 동요에서. 도시는 사라지지 않았다; 그녀는 단지 색이 반응 할 수있을만큼 충분히 낮은 말하기 시작했다.
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색상은 자유를 얻습니다
렘브란트
촛불로 학자
학자는 렘브란트의 젊음에 기인 한 따뜻한 빛 속에서 그의 책들 위로 몸을 기울인다. 촛불은 얼굴과 물체의 일부만을 드러내고 나머지는 어둠 속에 남겨 둡니다. 연구는 거의 집중의 장면이됩니다 물리학. 지식은 테이블에 축적; 전기는 분명히 초대를 거절했다.
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클로드 모네
Rue de la Bavole, 옹플뢰르
모네는 1864 년,첫 인상파 전시 전에이 rue de Honfleur 를 그렸습니다. 몇 가지 인물이 통로를 활기차게하는 동안 주택은 관점을 좁힙니다. 터치는 그의 후기 작품보다 더 건설 남아있다 그러나 빛은 이미 명령을 받기 시작했다. 겸손한 거리는 완전한 형태의 시선을위한 시험장이됩니다.
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빈센트 반 고흐
농부 여자와 나무 사이에 별장
누에넨 시대에 반 고흐는 밀레에 대한 존경심을 물려받은 어두운 팔레트로 오두막과 농민을 그렸습니다. 작은 집은 나무들 사이에 섞여 있고 인물은 직장 생활을 회상합니다 둘러싸고 있습니다. 아를보다 훨씬 전에 반 고흐의 시골은 이미 별이 빛나는 하늘을 필요로하지 않는 강렬함을 가지고있었습니다.
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폴 세잔
다섯 명의 목욕객
세잔은 트렁크와 바디가 공통의 건축물을 형성하는 풍경 속에 다섯 명의 목욕객을 모았습니다. 포즈는 학문적 우아함을 추구하지 않습니다; 그들은 볼륨과 간격의 견고성을 테스트합니다. 고대 장면 현대 회화의 문제가 된다. 등장인물들은 아마도 몰입되어 있을지도 모르지만,무엇보다도 상당한 양의 회화적 구성에 빠져 있다.
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폴 고갱
어린 소년의 초상화
고갱은 이 소년을 단순화된 윤곽과 엄격한 세속적 유사성과 초상화를 거리를 두는 정면 존재감으로 그립니다. 배경과 의복은 동일한 다채로운 조직에 참여합니다. 아이는 구실이 되지 않습니다 이국적이거나 장식적인: 그것의 부동성은 눈이 단순한 모티브가 아닌 사람을 만나도록 강요합니다.
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피에르 보나르
카페
보나르는 카페를 장식에서 찍은 근접성,반사 및 실루엣의 공간으로 관찰합니다. 테이블과 캐릭터는 엄격한 관점없이 서로 반응합니다. 장면은 기억과 같은 은밀한 것을 유지합니다 이후에 재건됩니다. 우리는 술을 마시러 들어가지만 그림은 주로 컵 사이에서 일어나는 모든 일에 초점을 맞추고 있습니다.
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에두아르 뷔야르
그녀의 화장실에 여자
Vuillard 는 거울,직물 및 벽지가 인물을 조각내는 실내에서 화장실에있는 여성을 보여줍니다. 사적인 제스처는 영웅적이지도 연극적이지도 않습니다; 그 힘은 익숙한 표면에 대한 관심에서 비롯됩니다. 사람과 피스는 어렵지 않게 같은 색을 공유할 정도로 오랫동안 서로를 알고 있었던 것 같다.
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모리스 데니스
벨론 강에서 요트의 축복
데니스는 종교 의식,브르타뉴 풍경과 현대 생활을 혼합 벨론 강에서 요트의 축복을 나타냅니다. 보트는 의식의 엄숙을 취소하지 않습니다; 그것은 현대 세계로 수송. 장면은 출발을 위해 단호하게 바쳐진 물건의 가장자리에서 거행되는 성찬의 약간의 역설과 함께 가족 기억의 고요함.
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호아킨 소롤라
아내와 아이들
Sorolla 는 그의 아내 Clotilde 와 그들의 세 자녀를 가벼운 톤으로 목욕 한 가족 초상화로 함께 모았습니다. 포즈가 공식 사진의 강성을 피하는 동안 흰색 옷은 빛을 포착합니다. 화가는 그의 거실을 일요일 법원으로 바꾸지 않은 가족; 각자는 그룹 내에서 뚜렷한 존재감을 유지합니다.
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앙리 드 툴루즈 로트렉
소녀의 머리
툴루즈 - 로트 레크는 워크샵과 카페 - 콘서트에서 배운 빠른 경제와 함께이 어린 소녀의 얼굴을 포착합니다. 얼굴은 윤곽선과 몇 가지 음색에 의해 운반 끈질긴 장식없이 나타납니다. 작품은 쇼의 이야기를 말하지 않습니다 파리 사람; 이는 화가가 몇 가지 몸짓으로 성격을 인식할 수 있게 해주는 관심의 질을 보여줍니다.
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프란시스코 데 고야
만사나레스 강둑에서 춤을 춰보세요
고야는 왕실 태피스트리 상자를 위해 만사나레스 강둑에서 춤추는 마조스와 마자스를 상상합니다. 의상,인물의 원,풍경은 이상화된 대중 축제를 구성합니다. 전쟁의 재앙과 환상이 있기 전에 야행성인 그의 그림은 맑고 거의 평온한 에너지로 원을 돌리는 방법을 알고 있었습니다.
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움베르토 보치오니
탄력
Elasticity 에서 Boccioni 는 말,기수, 지형 및 산업용 굴뚝을 일련의 팽팽한 곡선으로 결합합니다. 피사체는 고립 된 순간이 아니라 공간을 통한 움직임의 연속성입니다. 동물은 풍경을 가로 지르고 그와 함께 가져가는 것 같습니다; 공장조차도 틀 안에 머물기 위해 버텨야 하는 것 같습니다.
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움베르토 보치오니
축구선수의 역동성
Boccioni 는 플레이어의 몸을 회전하고 서로 반응하는 다채로운 볼륨으로 녹입니다. 1913 년에 그려진 Dynamism of a Footballer 는 경기장이나 식별 가능한 공을 묘사하지 않습니다: 그것은 제스처의 에너지를 추구합니다. 스포츠는 경험이됩니다 동시 힘, 그림 중재자가 신속하게 행동을 따라 포기할 수있는 충분한 움직임과 함께.
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존 윌리엄 워터하우스
허영심
워터하우스는 여성,거울, 보석,세심하게 관찰한 머리카락을 통해 허영이라는 고대 주제를 다룹니다. 눈에 보이는 아름다움은 지나가는 알림과 함께합니다. 그러나 라파엘 전파 화가는 이를 비난하지 않습니다 재료의 즐거움; 그는 도덕적 작업을 거울에 맡기고 색상의 작업을 분명히 유보합니다.
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모리스 우트릴로
몽마르트르의 카바레 드 라 벨 가브리엘
Utrillo 는 유명한 몽마르트르의 정면 사이에 벨 가브리엘 카바레를 그립니다. 하얀 벽,표지판 및 거의 텅 빈 거리는 그 장소에 익숙한 우울함을줍니다. 노동 계급의 이웃은 그렇지 않습니다 관광 환경으로 변신: 전날 밤이 아직 모든 것을 설명하지 않은 아침부터 침묵을 지킵니다.
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알렉세이 폰 야울렌스키
녹색 얼굴을 가진 소녀
Jawlensky 는 자연적인 타당성을 추구하지 않는 어두운 윤곽과 색깔을 가진 이 녹색 얼굴을 건설합니다. 눈,코 및 입은 집중된 표시가 됩니다. 초상화는 이렇게 하나에 그의 수색을 결합합니다 내면의 표정, 어떤 형태로든 담을 수 있는 녹색 안색은 놀라움을 선사하지만 그 모습에는 존재감이 전혀 부족하지 않습니다.
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차임 수틴
세레의 Chemin de la Fontaine des Tins
세레에서 수틴은 길을 움직이는 재료로 그립니다. 나무,땅, 집들은 일반적인 추력으로 구부러져서 풍경의 조용한 묘사와는 거리가 멀다. 길은 분수로 이어지지만 만져진다 여러 우회로를 선호하는 것 같습니다. 공간은 다시 지리가 되기 전에 감정이 됩니다.
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막스 베크만
큰 유리 공과 옥수수 이삭이 있는 정물
1934 년 베크만은 큰 유리 공,옥수수 귀 및 단단한 물체를 고의적으로 단단한 공간에 모았습니다. 검은 윤곽은 정물화에 거의 연극적인 긴장감을줍니다. 정권으로부터 증가하는 압력으로 그려졌습니다 나치인 그녀는 평범한 물체가 더 이상 침묵을 숨기지 않는 중력을 지닌 시대에 속합니다.
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에곤 실레
두 자녀를 둔 어머니 III
실레는 1915 년에 얕은 공간에서 몸이 조이는 두 아이로 둘러싸인 어머니를 그렸습니다. 부드러움은 피로도 걱정도 지우지 않습니다. 손,외모 및 직물은 깨지기 쉬운 근접성을 구축합니다 모성에 대한 감상적인 이미지와는 거리가 멀다; 주변 세계가 덜 안전해 보이기 때문에 가족은 함께 뭉칩니다.
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에곤 실레
남쪽에서 본 다뉴브 강의 슈타인
남쪽에서 본 다뉴브 강의 Stein 은 Schiele 에게 집,벽 및 땅의 컴팩트 한 집합체가됩니다. 도시는 수평선쪽으로 확장되지 않습니다; 그것은 밀집 된 유기체처럼 쌓여 있습니다. 별도의 색상이 각 건물을 제공합니다 광장은 거의 정신적인 지리로 전체 공동체를 하나로 모으는 반면, 그 정체성은 거의 정신적인 지리로 이어집니다.
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추상화를 향하여
에곤 실레
게르티 실레의 초상화
실레는 젊었을 때 필수적인 친밀감을 유지했던 여동생 게르티를 그렸습니다. 정면 포즈와 날카로운 윤곽은 초상화에 차분한 중력을 부여합니다. 의복의 패턴은 주의를 산만하게 하지 않으면서 표면에 생기를 불어넣습니다 얼굴. 가장 고통받는 인물 이전에 작가는 관심과 자제를 통해 존재감을 구축하는 방법도 알고 있습니다.
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프란츠 마크
새들
Oiseaux 에서 Franz Marc 는 부리,날개, 잎사귀 및 색 파편을 혼합하여 동물과 환경을 분리하기 어렵게 만듭니다. 1914 년에 그려진이 작품은 언어를 거의 추상적 인 단편화로 밀어 넣지 않습니다. 자연은 외부에서 더 많이 관찰됨: 각 깃털이 대각선의 비밀을 알고 있는 것처럼 보이는 공통 에너지가 됩니다.
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프란츠 마크
숲속의 사슴 I
마크는 화려한 아치와 비행기에 의해 지어진 숲의 중심부에 사슴을 숨 깁니다. 동물은 풍경을 지배하지 않습니다; 그들은 전적으로 그것에 속한다. 이 융합은 오히려 동물의 감성에서 세계를 상상하는 그의 욕망을 반영합니다 그건 인간의 시선에서요. 사슴을 찾아야 해요. 그건 결국 숲에서의 기본적인 공손함입니다.
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아우구스트 맥케
로코코
Macke 는 로코코에서 우아한 실루엣과 걷는 분위기를 차용 한 다음 밝은 색상과 현대적인 샷으로 전체를 단순화합니다. 과거는 정확성으로 재구성되지 않습니다: 그것은 게임의 구실이됩니다 리듬. 등장인물들은 이미 주머니에 반납권을 넣고 18 세기를 방문하는 것 같다.
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아우구스트 맥케
바다 옆 풍경
1914 년,전선에서 Macke 의 죽음 직전 그린이 해양 풍경은 해안,물 및 인물을 큰 색상의 영역으로 줄입니다. 빛은 여전히 즐겁지만 오늘 날짜는이 평온함에 특별한 취약성을 부여합니다. 해변은 눈에 띄는 위협 없이 세계가 여전히 서 있는 마지막 공간 중 하나가 됩니다.
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아우구스트 맥케
테게른제 풍경
Macke 는 바이에른에서 Tegernsee 을 발견하고 해안,물, 산과 하늘의 연동 평면에서 풍경을 정리했다. 색상은 장소를 지우지 않고 볼륨을 단순화합니다. 그림은 Blaue 라이터 전에 그의 연구에 속한다, 실제 풍경이 이미 더 자유롭고 밝은 그림을 그리는 실험실 역할을 하고 있을 때.
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로버트 들로네
태양, 탑, 비행기
들로네는 같은 분야에서 태양,에펠탑과 비행기,파리의 현대성을 보여주는 세 가지 징후를 한데 모았습니다. 원형 모양은 일관된 시야보다는 빛과 움직임을 전달합니다. 도시,하늘 그리고 기계 같은 에너지를 공유하십시오; 파리는 지평선이 이제 의무가 아니라 선택 사항이라고 결정한 것 같습니다.
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폴 클리
대장장이 KN
클레는 대장장이를 글자와 다채로운 계획,거의 유치한 실루엣으로 구성된 간판으로 변형시킨다. 대장장이 KN 이라는 제목은 이미지를 완전히 해결하지 않고 열쇠 역할을한다. 예술가는 텍스트와 인물이되는 것을 좋아했다 오염시키는; 여기서 캐릭터는 자신의 작업장과 동일한 도구로 구성된 것으로 보입니다.
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바실리 칸딘스키
모스크바 I
칸딘스키는 1914 년 모스크바로 돌아왔고 2 년 후 돔,거리, 색채가 밝은 중심을 감싸는 이 비전을 그렸다. 도시는 건물별로 묘사되지 않는다; 그것은 감정적인 기억으로 나타난다. 빨간색, 분홍색, 파란색은 모스크바를 도시 계획보다는 소리 종에 더 가까운 내면의 경험으로 만듭니다.
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바실리 칸딘스키
빨간 반점 회화
1914 년에 그려진 Red Spot Painting 은 Kandinsky 가 패턴의 색상을 거의 완전히 풀어내는 순간에 속합니다. 큰 붉은 색 모양은 불안정한 선과 파편 사이에서 무게 중심 역할을합니다. 작품은 보존됩니다 아마도 풍경의 추억일지도 모르지만 그들은 신분증 없이 여행하라는 요청을 받았습니다.
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바실리 칸딘스키
화이트 크로스
흰색 십자가는 부분적으로 러시아 모티프와 바우 하우스의 가르침에서 영감을 얻은 일련의 색상의 모양을 교차합니다. 칸딘스키는 표지판의 안정성과 배경의 대각선 장력을 대조합니다. 기호는 읽을 필요가 없습니다 독특한 수녀; 각 색상이 고유한 방향으로 성장하는 것처럼 보이는 공간의 틀 역할을 합니다.
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바실리 칸딘스키
빨간 타원형
레드 타원형에서 칸딘스키는 큰 중앙 모양과 그의 바우하우스 시대를 예고하는 선,각도 및 다채로운 필드를 결합합니다. 타원형은 특정 물체를 나타내지 않습니다; 그는 주변의 힘을 조직합니다. 캔버스 추상화를 활동적인 균형으로 보여주며, 정물화보다 덜 평화롭고 되돌리기가 훨씬 더 어렵습니다.
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구스타프 클림트
자작나무 숲
클림트는 자신의 여름 동안 자작 나무 숲을 페인트,줄기 사이에 직접 자신의 시선을 배치. 잎으로 덮인 땅은 나무 자체만큼 관심을 차지. 하늘의 부재는 장식 직물로 덤불을 변환, 하지만 각각의 자작나무는 그 존재감을 간직하고 있습니다. 숲은 걷기를 멈출 수 없는 장소가 되는 동기가 됩니다.
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구스타프 클림트
너도밤나무 숲
이 1902 년 숲에서 클림트는 단풍 카펫 위의 미세한 줄기를 반복합니다. 프레임은 수평선을 제거하고 자연을 장식 연구에 더 가깝게 만듭니다. 그러나 빛과 불규칙성은 방지합니다 모든 역학. 나무는 똑같이 생겼지만,그 누구도 벽지의 기둥이 되는 것을 완전히 받아들이지 않습니다.
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구스타프 클림트
여성의 세 시대
클림트는 엄마와 아이,노파를 한데 모아 세 가지 삶의 시대를 표현합니다. 젊은 그룹은 화려한 패턴으로 몸을 감싸고 노인 인물은 얼굴을 숨깁니다. 아름다움과 부패는 하나로 분리되지 않습니다 추상적인 도덕성: 그들은 같은 공간을 공유하고 시간의 흐름을 피할 수 없게 만듭니다.
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피에트 몬드리안
구성 A
구성 A 는 몬드리안이 자신의 언어를 확실히 수직선과 수평선,원색과 비색으로 축소하는 순간에 속합니다. 평면은 뚜렷한 중심도 완벽한 대칭도 없습니다. 균형은 에서 탄생합니다 마치 각 직사각형이 최종 조약에 서명하지 않고 이웃과 자리를 협상하는 것처럼 정확한 차이점이 있습니다.
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피에트 몬드리안
구성 C
컴포지션 C 에서 몬드리안은 흰색과 색칠된 표면을 눈을 계속 움직이게 하는 방식으로 분포시킵니다. 두꺼운 선은 일부 영역을 멈추고 다른 부분은 가장자리를 향해 열리게 합니다. 이 단순해 보이는 그림 환자 조정 결과; 기하학은 무성 음악보다는 학교 규칙으로 덜 작동합니다.
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피에트 몬드리안
노란색, 검정색, 파란색, 빨간색 및 회색의 다이아몬드 구성
몬드리안은 정사각형을 끝으로 돌려 검은색,회색 및 원색의 네트워크 안에 새깁니다. 지지대의 각도는 선을 자르고 그 구성이 그 이상으로 계속됨을 암시합니다. 다이아몬드로 제시되는 the 캔버스는 안정적인 형식을 동적 개체로 변환합니다; 사각형은 태도를 바꾸기 위해 4분의 1만 회전하면 됩니다.
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피에트 몬드리안
표 I
표 I 은 몬드리안이 한계를 시험하는 것을 멈추지 않고 신생물주의의 원리를 확립한 1921 년부터 시작되었다. 빨강,파랑, 노랑,회색 및 흰색은 고르지 않은 표면을 차지한다. 선은 전체를 구조화하지만 어떤 요소도 홀로 통치하지 않는다.질서는 확고하다; 순종은 더욱 적다.
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피에트 몬드리안
빨간색, 노란색, 파란색으로 구성됩니다
이 1927 년 구성은 몬드리안의 수단의 경제를 더욱 밀어 붙인다. 몇 장의 빨간색,노란색 및 파란색 샷은 대다수의 흰색을 긴장감에 빠뜨리기에 충분합니다. 간격은 색상만큼 중요합니다. 그림 필수 레슨으로 코스를 닫습니다: 사각형에서 공허는 결코 채워지기를 기다리는 공간이 아닙니다.
그림을 참조하십시오 →형식의 해부학
광장을 활성화하는 다섯 가지 방법
완벽하게 대칭 사각형은 화가가 중앙에 모든 것을 배치하는 경우 비활성화 될 수 있습니다. 따라서 가장 강한 구성은 제어 불균형을 설정합니다: 약간 오프셋 된 그림, 대각선, 밀도가 높은 그룹 한쪽을 끌어당기는 각도나 색. 형식의 통일성은 여전히 인지할 수 있지만 시선은 멈추는 대신 순환한다.
풍경에서 광장은 수평선의 지배력을 감소시키고 땅,나뭇잎 또는 반사가 위쪽 가장자리로 올라갈 수있게합니다. 내부에서는 사람과 물건을 하나로 모으고 추상화에서는없는 필드를 제공합니다 이전의 서사적 지향. 이 명백한 중립성은 말레비치와 몬드리안이 그림 자체에 의문을 제기하기 위해 그것을 선택한 이유를 설명합니다.
패턴을 이동하면 사각형의 중심 중력과 모서리 호출 사이에 즉각적인 장력이 생성됩니다.
시선에 방향을 부여하고 기하학적 안정성을 움직임으로 변환합니다.
전경과 배경을 명확하게 구분하지 않고 나뭇잎, 물 또는 재료가 표면을 채웁니다.
프레임에 의해 절단된 요소는 장면이 네 면 너머로 계속된다고 상상하게 합니다.
선과 평평한 영역은 표현이 추상화로 바뀌는 경우 지지대를 직접 측정합니다.
역사, 구성, 존재
그가 자신의 기하학을 암송하지 않고 광장을 읽어보십시오
진짜 이야기
각 통지는 문서화 시 작업, 작성, 주문 또는 수령부터 시작됩니다.
활성 형식입니다
사각형은 그림, 색상 또는 가장자리의 균형을 실제로 변경할 때만 계산됩니다.
다양한 방문
40명의 예술가는 이 경로가 클림트-몬드리아 카탈로그의 끝없는 별관이 되는 것을 막습니다.
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