18 세기 - 20 세기 · 유화
파스텔 색상의 그림 100점
파우더 핑크, 옅은 블루스, 유색 흰색, 빛나는 연보라색이 친밀감, 야외 활동 및 현대 발명품에 대한 이야기를 전하는 100점의 그림입니다.
스타일이 되기 전의 빛
지을 줄 아는 온유함
파스텔 팔레트는 수줍은 그림을 의미하지 않습니다. Morisot,Cassatt 및 Renoir 에서는 장미,블루스 및 백인이 인물을 둘러싸지 않고 함께 모았습니다. Monet,Sisley, Sorolla 또는 Turner 에서는 공기,눈, 안개 및 반사를 어떤 윤곽선보다 더 이동하게 만듭니다.
이 이야기는 "파스텔"이라는 단어가 현명한 장식을 의미하기 훨씬 전에 시작됩니다. Fragonard 와 Boucher 의 로코코는 이미 가벼운 코드를 사용하여 욕망,문화 및 힘을 보여줍니다. 19 세기에 Ingres 는 새틴을 밀었습니다 비현실적일 정도로 파란색이었던 인상파는 기차역에서 해변에 이르기까지 이러한 색상을 현대 생활에 도입했습니다.
색채 부드러움은 대비를 제거하지 않습니다: 그것은 온도, 빛 및 재료의 미세한 차이로 이동합니다.
대담한 빨간색의 채도를 피하면서 피부 톤, 직물 및 빛을 연결합니다.
흰색이나 회색이 섞여 비행기를 멀리 이동시키고 하늘, 물 또는 그림자에 공기를 공급합니다.
파란색과 노란색의 중간쯤에 초목을 부드럽게 하고 피부톤을 상쾌하게 해줍니다.
그것은 중립 회색으로 그들을 아래로 무게없이 눈, 그림자 및 흰색을 색칠합니다.
부드러움이 구조가 되는 100 개의 그림
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파스텔 팔레트 아이콘
베르테 모리조
요람
Berthe Morisot 는 1872 년에 딸 Blanche 를 지켜보고있는 여동생 Edma 를 그렸습니다. 요람의 베일은 창문 커튼을 확장하고 어린이 주위에 깨지기 쉬운 보호 인클로저를 그립니다. 첫 인상파 전시회에서 발표 1874년부터 이 작품은 가족 내면을 현대적인 주제로 만들었고, 모성보다는 부드러움을 관찰하여 축하 카드로 변모시켰습니다.
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클로드 모네
까치
모네는 1868-1869 년 겨울 동안 에트르타에서 라 파이를 그렸다. 1869 년의 살롱은 캔버스를 거부했는데,그 파랑과 보라색 그림자는 단순히 흰 눈이라는 학문적 관념과 모순되었다. 장벽에 놓인 까치는 규모와 이 조용한 풍경의 리듬: 작은 새는 공식 세례를 받기 몇 년 전에 인상파 연구를 발표하기에 충분합니다.
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메리 카사트
아이의 목욕
Cassatt 는 매일의 제스처를 관찰합니다: 여성이 발을 씻어내는 동안 아이를 단단히 붙잡습니다. 급락하는 프레임,카펫 패턴 및 단순화 된 윤곽선은 그녀가 존경했던 일본 인쇄물에 많은 빚을지고 있습니다. 1893년에 그려진 Le Bain de l'enfant는 트리트먼트의 콘크리트 부드러움을 잃지 않으면서 국내 풍경을 기념비적인 구성으로 변화시킵니다.
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빈센트 반 고흐
꽃이 핀 아몬드 나무
고흐는 조카 빈센트 빌렘의 탄생을 축하하기 위해 생레미에 이 아몬드 나무를 그렸다. 일본 판화에서 영감을 받은 액자에 따르면 청록색 하늘에 매우 가깝게 보이는 가지가 눈에 띈다. 테오와 조에게 바치는 the 캔버스는 봄의 첫 번째 꽃나무를 화가가 죽기 몇 달 전에 더욱 감동적이었던 다시 시작하겠다는 약속과 연관시킵니다.
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클로드 모네
인쇄, 떠오르는 태양
모네는 1872 년 르아브르 항구를 그린 다음 1874 년 전시회에서 나다르에게 그림을 선물했다. 비평가 루이 르로이는 그의 제목을 조롱하고 자신에도 불구하고 "인상 주의자"라는 단어를 만들었다. 푸른 안개,오렌지색 태양과 보트 실루엣, 인상, 떠오르는 태양은 아주 작은 전망이 상당히 더 큰 예술 이야기를 촉발할 수 있음을 증명합니다.
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존 싱어 사전트
카네이션, 백합, 백합, 장미
Sargent 는 황혼의 빛이 원하는 균형에 도달하는 몇 분 동안 만 영국 정원에서 랜턴을 밝히는 두 어린 소녀를 그립니다. 그는 두 여름 동안 저녁마다 다시 캔버스를 가져 가고 심지어 움직입니다 화분에 꽃. 이 인내심은 흰색,연보라색 및 장미에 자연스러운 것처럼 보이는 밝기를 제공하며 이는 날씨에 대한 조직의 작은 승리입니다.
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메리 카사트
파란색 안락 의자에 어린 소녀
카사트는 부르주아 초상화에서 기대되는 예의 바른 포즈와는 거리가 먼 광대 한 파란색 안락 의자에 쓰러진 아이를 보여줍니다. 프레임에 의해 절단 된 좌석과 작은 잠자는 개는 방에 비스듬한 리듬을줍니다. 배심원에 의해 거부 1878년 만국박람회의 미국식 캔버스는 오늘날 맛있고 규율이 잘 잡히지 않은 현대적으로 보입니다.
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피에르 오귀스트 르누아르
핑크와 블루
르누아르는 앤트워프의 앨리스와 엘리자벳 카헨을 두 개의 쉬폰 드레스로 그립니다. 하나는 핑크색,다른 하나는 파란색입니다. 그들의 아버지인 앤트워프의 은행가 루이 카헨의 의뢰로 제작된 이 1881 년의 이중 초상화는 자매들을 하나로 묶으면서 색을 대조합니다 설치와 빛에 의해. 직물의 가벼움은 매우 신중하게 조정 된 구성을 숨 깁니다.
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호아킨 소롤라
말 목욕
엘 카바 얄 해변에서 소년은 어부의 작업 후 물 속으로 백마를 안내합니다. Sorolla 는 1909 년에 피부,젖은 드레스 및 반사 사이의 라인을 거의 녹이는 빛으로 The Horse 's Bath 를 그렸습니다. 장면 일상 생활은 기념비적 인 규모로 이루어지며, 말은 이미 프로그램을 알고있는 누군가의 전문적인 평온함으로 지중해를 횡단합니다.
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피에르 오귀스트 르누아르
피아노에서 어린 소녀들
피아노에서 어린 소녀는 1892 년 룩셈부르크 박물관을위한 공공위원회에서 태어 났으며, 르누아르는 그 때 완전히 인정 받았다는 표시입니다 두 젊은 여성이 드레스, 머리카락 및 곡선으로 함께 모여 악보에 기대어 있습니다 가구. 르누아르는 상태 하나를 선택하기 전에 여러 버전을 그렸습니다; 따라서 조용한 장면에서도 드레스 리허설을 경험할 수 있습니다.
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호아킨 소롤라
핑크 목욕 가운
핑크 목욕 가운은 1916 년 발렌시아에서 Sorolla 에 의해 그려진 큰 해변 장면에 속한다. 두 여자는 목욕탕 아래에서 변경; 핑크색 직물은 빛을 필터링하고 화려한 건축으로 평범한 제스처를 변환합니다. 바다 마치 화가가 바람에 직접 임시 작업장을 설치한 것처럼 아래쪽에 작은 구멍이 나타납니다.
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피에르 오귀스트 르누아르
테라스에 있는 두 자매
샤투의 메종 푸르네즈 테라스에서 르누아르는 센 강 앞에 두 개의 모델과 양모 공 바구니를 놓습니다. 제목에도 불구하고 그들은 아마도 자매가 아니었을 것입니다. 모자의 빨간색,옷의 파란색,꽃 지우지 않고 풍경을 부드럽게; 장면은 물가에서 오후의 흥분을 유지합니다.
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장 오노레 프라고나르
단층애의 행복한 기회
장미에 숨겨진 젊은 남자는 안일한 남편이나 성직자에 의해 추진 그네에 그의 정부 돌진 시계. Fragonard 나뭇잎,핑크 새틴과 회오리바람으로이 난봉 질서를 변환합니다 빛. 날아가는 신발과 침묵을 요구하는 큐피드는 상대적인 재량으로 로코코 정신을 요약합니다.
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알렉상드르 카바넬
비너스의 탄생
Alexandre Cabanel 은 1863 년 살롱에서 금성의 탄생을 전시했는데 나폴레옹 3 세가 즉시 구입했습니다. 껍질 위에 서 있지 않고 바다에 누워 여신은 공식 맛보기 위해 고대에서 정당화 된 부드러운 누드를 제공합니다. 진주빛 살, 청록색 물, 큐피돈으로 인해 이 그림은 곧 아방가르드의 공격을 받는 학문주의의 상징이 되었습니다.
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장 오귀스트 도미니크 앵그르
드 브로이 공주
Pauline de Broglie 는 Ingres 가 거의 비현실적인 정밀도로 각 반사를 따라가는 파란색 새틴 드레스를 입고 포즈를 취합니다. 보석,레이스 및 황금색 안락 의자는 그 순위를 주장하지만 예약 된 시선은 거리를 도입합니다 우울. 1853 년에 완성 된 초상화는 화가의 세속적 인 우아함의 정점 중 하나가되었습니다.
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장 오귀스트 도미니크 앵그르
마담 모이테시에
Ingres 는 Marie-Clotilde-Inès Moitessier 의 초상화를 12 년 동안 작업했으며 그 과정에서 딸을 포함시키려는 생각을 버렸습니다. 사원에 대한 손의 몸짓은 Herculaneum 의 고대 그림에서 비롯된 반면 거울은 그것을 반복합니다 프로필. 꽃무늬 드레스,핑크 다마스크 및 주얼리는 놀라울 정도로 차분한 얼굴 주위에 세심한 고급스러움을 선사합니다.
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프랑수아 부셰
퐁파두르 후작
Boucher 는 책,악보 및 세련된 물건으로 둘러싸인 Jeanne-Antoinette de Pompadour 를 단순한 좋아하는 것이 아니라 문화와 권력의 여성으로 표현합니다. 바다 녹색 드레스는 장미와 장미 사이에서 펼쳐집니다 장식의 블루스. 1756 년에 그려진 초상화는 로코코의 맛을 우아함의 진정한 정치 프로그램으로 변화 시켰습니다.
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제임스 애보트 맥닐 휘슬러
교향곡 1번: 백의 소녀
조 히퍼넌은 흰색 커튼 앞에서 흰색 드레스를 입고 포즈를 취하지만 휘슬러는 모슬린, 모피, 카펫, 배경의 재료 차이를 배가시킵니다. 왕립 아카데미에서 거절한 후 살롱에서 이 작품은 Salon des Refusés에서 전시되었습니다 1863. 그의 음악 제목은 대중이 그에게 고집스럽게 강요하려고 했던 이야기보다는 음색의 일치를 강조합니다.
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제임스 애보트 맥닐 휘슬러
교향곡 2번: 작은 백인 소녀
조 히퍼넌은 벽난로 앞에 서서 거울에 비친 얼굴과 손에 든 일본 부채를 들고 있습니다. 휘슬러는 흰색 드레스를 핑크색 꽃,가벼운 나무,동양식 액센트와 대조하면서 특정 장면을 이야기하지 않고 노출했습니다 1865년에 캔버스는 Swinburne의 구절에 영감을 주었고 그 구절은 프레임에 인쇄되었습니다. 이는 사실 이후에 전설을 받은 그림의 아름다운 사례입니다.
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베르테 모리조
여름날
1879 년에 그려진 여름날에는 두 명의 여성이 Bois de Boulogne 호수의 보트에 앉아 있습니다. Morisot 는 움직이는 시선이 할 수있는 것처럼 보트와 이웃 실루엣을 자른 다음 파란색,흰색 및 녹색은 수면과 어울립니다. 사회적 산책은 근접과 움직임의 경험이 됩니다.
그림을 참조하십시오 →인물들과 친밀한 공간들
분말 장미, 가벼운 살 및 내부
JMW 터너
헤어진 마지막 정박지로 끌려간 테메레르 전투, 1838년
터너는 1839 년에 해체 될 조선소로 견인 된 오래된 군함 Temeraire 를 보여줍니다. 트라팔가의 영웅 인 창백한 보트는 거의 비현실적인 일몰 아래 어두운 예인선 뒤로 미끄러집니다. 기억 사이 국가 및 산업 혁명, 그림은 기술적인 작별 인사를 애가로 만듭니다; 유명한 선박조차도 결국 물류를 만납니다.
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앙리 드 툴루즈 로트렉
침대
툴루즈 로트렉은 1892 년경에 미제작 침대에서 잠든 두 명의 여성을 그렸는데,아마도 그가 관찰자이자 친구로서 자주 방문했던 매음굴에서 만났을 것이다. 꽉 끼는 프레임,분홍색 시트,가까운 얼굴은 모든 것을 피한다 제작된 쇼. 침대는 차분하고 일상적인 친밀감을 보여주며,주제가 자주 끌어당기는 도덕적인 시선과는 아주 거리가 멀다.
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조르주 쇠라
서커스
Seurat 는 죽기 며칠 전인 1891 년 Salon des Indépendants 에서 Le Cirque 를 전시하여 특정 지역을 미완성으로 남겨 두었습니다. 노란색 트랙,라이더, 광대 및 스탠드는 쇼를 가속화하는 계산 된 곡선을 따릅니다. 화가는 자신의 광학 이론을 대중 오락에 적용하고 밝은 색상 뒤에 파티의 거의 기계적인 규율을 드러냅니다.
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호아킨 소롤라
바다로 걸어
소로야는 1909 년에 발렌시아 해변을 걷고 있는 아내 클로틸드와 딸 마리아를 그렸습니다. 바람이 돛,흰 드레스와 파라솔을 부풀려주고 바다는 몇 개의 푸른 파편으로 줄어듭니다. 바다 옆을 걷습니다 가족 초상화와 기념비적 인 야외 활동을 결합; 패션은 어떤 계약도 체결하지 않은 바람과 용감하게 협상합니다.
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앙리 마티스
럭셔리하고 차분하며 풍만합니다
제목은 보들레르의 여행 초대에서 따온 것이다. 마티스는 시냐크와 함께 생트로페에 머물렀던 1904 년에 럭셔리,차분함, 풍만함을 그렸으며,여전히 분할된 터치를 사용하고 있다. 장미,옐로우, 블루스는 이를 모방하지 않는다 빛: 그들은 야수파와 색이 대화를 이끌도록 하는 야수파의 결정을 예고하는 현대 낙원을 건설합니다.
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프레데릭 바지유
핑크 드레스
Bazille 은 Castelnau 마을 앞 Méric 의 가족 테라스에 앉아 뒤에서 그의 사촌 Thérèse des Hours 를 그립니다. 분홍색과 회색 드레스는 그늘을 차지하고 Languedoc 풍경은 맑은 빛으로 열립니다. 1864 년부터 근처 인물과 야외 사이의 이러한 반대는 바질의 조기 사망이 잔인하게 끝날 인상주의 연구를 발표합니다.
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존 윌리엄 워터하우스
샬롯의 여인
워터하우스는 샬롯의 여인이 카멜롯과 그녀의 운명에 합류하기 위해 섬을 떠나는 테니슨의 시를 묘사합니다. 사슬은 자유로워지고 두 개의 양초는 이미 꺼지고 태피스트리는 보트로 미끄러집니다. 창백한 톤 얼굴, 갈대, 하늘은 가을을 매력적으로 만들어 주지만, 모든 세부 사항은 여행이 상대적으로 왕복 여행이 적다는 것을 알려줍니다.
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피에르 푸비스 드 샤반
바다 옆의 어린 소녀들
Puvis de Chavannes 는 1879 년에 거의 텅 빈 해안에서 세 명의 고립된 젊은 여성을 그렸습니다. 각각은 다른 태도를 취합니다: 잠,백일몽 또는 기다림,그들을 하나로 모으는 명백한 이야기없이. 가루 장미,파란 회색 및 잔잔한 바다의 선은 Young Girls by the Sea에게 현대 꿈에서 발견된 고대 프레스코화의 모습을 선사합니다.
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클로드 모네
양산 오른쪽을 향한 여자
모네는 1886 년 지베르니의 초원에서 파라솔로 두 여성 인물을 그렸는데,수잔 호셰데를 모델로 삼았다. 여기서 하늘이 거의 캔버스 전체를 차지하는 동안 바람이 잔디와 베일을 기울인다. 초상화 구름이 마음을 바꿀 시간이 없을 정도로 빠르게 포착된 밝은 순간의 감각에 사라집니다.
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알프레드 시슬리
포트말리의 홍수
시슬리는 1876 년 포트말리에서 물이 메인 스트리트를 침범하여 주민들이 배를 타고 이동하도록 강요했을 때 센강의 홍수를 그렸습니다. 마구간 정면은 우유빛 하늘 아래 움직이는 표면에 반영됩니다. The Flood at 포트말리는 재난을 멜로드라마로 바꾸지 않는다: 익숙한 풍경이 갑자기 항해할 수 있게 되는 방식을 정확하게 측정한다.
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파블로 피카소
안락 의자에 올가의 초상화
피카소는 1918 년 무용수 올가 코클로바와 결혼했고,신고전주의 시대가 시작되던 시기에 안락의자에 앉아 얼마 지나지 않아 그녀를 그렸다. 얼굴과 손의 정확한 디자인은 미완성 배경과 부드러운 색상의 드레스와 대조를 이룬다 우아한 구속은 입체파에서 벗어났음을 의미하지만 안락 의자 자체는 가족을 완전히 잊지 않을만큼 충분한 각도를 유지합니다.
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에드거 드가
댄스 클래스
드가는 rue Le Peletier 에있는 오페라의 이전 리허설 룸에서 1873-1876 년경에이 수업을 그렸습니다. 발레 마스터 Jules Perrot 는 스트레칭,기다림 또는 복장을 수정하는 학생들을 지휘합니다. 댄스 클래스는 보여줍니다 준비보다는 쇼가 적습니다: 투투와 리본의 부드러운 흰색, 분홍색, 녹색 아래에 규율, 피로 및 야망이 나타납니다.
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윌리엄 부그로
비너스의 탄생
Bouguereau 는 1879 년 살롱에서 비너스의 탄생을 전시하고 라파엘과 고대 전통에서 영감을 얻은 구성을 배치했습니다. 여신은 님프,영원 및 큐피드로 둘러싸인 껍질 위에 서 있습니다. 진주 같은 살과 밀키 블루스는 겸손한 환영 위원회를 계획하지 않은 화가의 모든 학문적 기교를 보여줍니다.
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피에르 오귀스트 르누아르
도시에서 춤을
르누아르는 1883 년 Danse à la ville 을 사회적 변주곡으로 디자인된 두 개의 패널인 Danse à la campagne 와 함께 선보였습니다. Suzanne Valadon 은 Paul Lhôte 와 함께 세속적인 인테리어,하얀 드레스와 완벽하게 잡은 장갑을 끼고 포즈를 취하는 춤인 것 같습니다 통제되고 거의 조용하며 국가 버전과 반대입니다; 부부는 거실의 단계와 규칙을 분명히 알고 있습니다.
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베르테 모리조
볼 가운에 젊은 여자
모리조는 1879 년경에 한 젊은 여성이 저녁 준비에 열중하고 흰자,장미, 꽃으로 뒤덮인 그림을 그렸습니다. 빠른 터치로 얼굴을 사라지게하지 않고 의복을 공중에 녹입니다. 볼 신랑의 젊은 여성 다른 사람의 눈에 들어가기 직전, 모델이 이미지가 되는 순간보다는 파티의 광경에 덜 관심이 있습니다.
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클로드 모네
아르장퇴유 레가타
아르장퇴유에서 모네는 1872 년 파리 사람들이 여가 시간을 보내기 위해 온 분지의 범선을 그렸습니다. 선체와 집은 부서진 터치로 물 속에서 반복되고 맑은 하늘은 전체 장면을 밝게합니다. 레가타에서 아르장퇴유는 현대 교외, 철도, 일요일이 큰 그림에 걸맞은 주제가 되는 순간에 속합니다.
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제임스 애보트 맥닐 휘슬러
회색과 녹색의 교향곡: 바다
휘슬러는 스페인-남미 분쟁 중이던 1866 년 발파라이소에서 이 해군을 그렸지만 거의 모든 군사적 일화를 제거했다. 바다,먼 배 그리고 하늘은 회색,녹색, 파란색의 협정으로 된다. 제목 뮤지컬은 위치만큼이나 음색 사이의 관계가 중요하며 바다에 대한 좋은 소식이 마침내 전투를 알려야 할 의무에서 벗어났다고 말합니다.
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존 윌리엄 워터하우스
낮의 꿈
워터하우스는 열린 창문 근처에서 그녀의 독서를 방해하는 젊은 여성을 보여줍니다. 꽃,가벼운 옷,지중해 풍경은 Daytime Dreams 에게 정지된 시간의 분위기를 선사합니다. 에피소드를 묘사하기 보다는 극적으로 라파엘 전파 화가는 마음이 페이지를 떠나는 순간을 관찰합니다; 책은 여전히 열려 있지만 경쟁에서 분명히 패했습니다.
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에드바르트 뭉크
파란색 드레스에 여자
뭉크는 파란색 옷을 입은 여성을 장식과 몸이 같은 분위기를 공유하는 것처럼 보이는 공간에 배치합니다. 드레스는 빛을 흡수한 다음 다시 얼굴 쪽으로 보내고 윤곽은 유연하게 유지됩니다. 이 초상화는 어떻게 노르웨이 화가는 외침, 다리, 모든 정서적 보안 서비스를 즉시 불러내지 않고도 차분한 팔레트로 심리적 존재감을 표현할 수 있었습니다.
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앙리 드 툴루즈 로트렉
폴 세스카우 씨의 초상화 (Paul Sescau 씨의 초상화)
폴 세스카우는 사진작가이자 툴루즈 로트렉의 친구로 그를 위해 유명한 포스터를 디자인하기도 했다. 이 초상화에서 어두운 실루엣과 창백한 얼굴,억압된 톤은 몽마르트 카페의 인공 조명을 연상시킨다. THE 모델은 엄숙한 주목할 만한 것으로 취급되지 않는다: 그는 파리의 지느러미 이미지를 형성하는 예술가, 인쇄업자, 사진가들의 살아있는 네트워크에 속해 있다.
그림을 참조하십시오 →공기, 눈, 거리
창백한 블루스, 연보라색 및 컬러 그레이
호아킨 소롤라
인스턴트
Instantané에서 Sorolla 는 사진에서 영감을 얻은 갑작스러운 프레임을 채택하고 비아리츠의 해변에서 작은 Kodak 카메라를 들고있는 Clotilde 를 나타냅니다. 1906 년에 그려진 캔버스는 진정한 주제를 바라 보는 행위를합니다. THE 화이트, 모브, 마린 블루스는 움직이는 빛을 설치합니다; 여기 화가는 매우 합리적으로 보답하는 사진작가를 관찰합니다.
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호아킨 소롤라
목욕 전
목욕 전에 시체,직물 및 모래가 여전히 물과의 접촉을 기다리고있는 순간을 포착합니다. Sorolla 는 몸짓을 잃지 않고 윤곽을 지우는 해안 빛에 흰자와 장미를 분배합니다. 장면은 검색하지 않습니다 훌륭한 이야기는 아닙니다: 해변이 다시 시끄러워지기 전에 더위와 준비, 그리고 차분함을 느끼게 해줍니다.
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호아킨 소롤라
목욕에서 벗어나기
소로야는 바다의 빛과 직물의 피난처 사이의 전환으로 목욕에서 출구를 페인트. 여자는 빛이 흰색과 장미의 발레로 변환하는 실용적인 제스처,자신을 커버하는 다른 인물을 도와줍니다. 젖은 직물 현실의 무게를 유지하세요; 장면의 우아함은 포즈보다는 화가가 각 반사를 따라가는 정확성에서 비롯됩니다.
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존 윌리엄 워터하우스
발코니 위의 여인, 카프리
카프리에서 워터하우스는 빛으로 물든 발코니,빛 벽,바다와 초목 사이에 한 여성을 설치합니다. 이탈리아인의 체류는 그의 위대한 문학 장면에 앞서 지중해 건축에 대한 취향을 그에게 키워줍니다. 거기 소프트 팔레트는 발코니를 내부와 풍경 사이의 문턱으로 만듭니다; 모델은 아주 좋은 빛을 남기는 것보다 외출하는 것을 덜 주저합니다.
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존 윌리엄 워터하우스
세인트 에우랄리아
워터 하우스는 1885 년 세인트 Eulalia 전시하고 메리다 포럼에 누워 그녀의 고문 후 젊은 순교자를 보여 선택. 전설에 따르면,기적의 눈이 그의 누드를 커버. 화가는 창백한 살과 흰색 리넨을 대조 그리고 건축물의 핑크 톤은 현장의 냉담함을 더해 폭력을 더욱 불안하게 만듭니다.
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존 윌리엄 워터하우스
플로라
워터 하우스는 꽃,나뭇잎과 가벼운 직물로 둘러싸인 봄 그림으로 플로라를 그립니다. 로마 여신은 화려한 행동에 종사하지 않습니다: 그녀의 존재는 그녀 주변의 계절을 조직하기에 충분합니다. 장미 그리고 희석된 녹색은 화가가 신화적인 주제를 거의 촉각적인 장면으로 만드는 방법을 얼마나 많이 알고 있었는지 상기시켜 주며, 향수는 포함되지 않았지만 강력하게 암시됩니다.
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존 윌리엄 워터하우스
미란다, 첫 번째 버전
미란다는 셰익스피어의 템페스트에서 나온다. 이 첫 번째 버전에서 워터하우스는 프로스페로의 마법에 의해 부서진 배를 관찰하면서 바다를 바라보는 모습을 보여준다. 창백한 하늘과 동요된 천은 드라마 전의 기다림을 확립하지만 요소들 앞에서 그 인물이 작게 남아있게하십시오. 이 작품은 비실용적인 운명의 가장자리에 놓인 여주인공에 대한 화가의 지속적인 관심을 알립니다.
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존 윌리엄 워터하우스
흰 깃털 달린 부채
젊은 여성이 크림,핑크, 브라운 톤의 실내에 다양한 흰색 깃털을 들고 있습니다. 워터하우스는 액세서리를 사용하여 포즈를 짓지 않고 질감을 배가시키고 얼굴의 프레임을 만듭니다. 깃털 달린 부채 블랑쉬는 그의 미학적 초상화에 속하는데, 옆방에 신탁이 필요 없이 현대 패션이 거의 신화적인 중력을 받는 곳입니다.
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존 윌리엄 워터하우스
휴식 중
휴식에서는 앉아있는 인물 주위의 모든 내레이션을 일시 중지하고 조용한 일시 중지에 흡수됩니다. Waterhouse 는 윤곽을 부드럽게하고 피부,직물 및 벽의 톤이 서로 반응하도록합니다. 이 경제는 덜 연극적인면을 드러냅니다 그녀의 작품에서: 모델은 마술사나 비난받은 여주인공을 연기하지 않습니다. 이는 단순히 앉고 싶어하는 사람에게 중요한 이점입니다.
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존 윌리엄 워터하우스
카프리에서
워터 하우스는 카프리에서 그의 이탈리아 여행 동안 관찰 된 인물과 건축을 그립니다. 여기서 맑은 빛은 볼륨을 녹이지 않고 테라스,의복 및 바다를 통합합니다. 카프리에서이 지중해 정맥에 속합니다 고대는 배경에 남아 있고 현대 생활이 충분한 곳. 장식은 이미 필요한 모든 것을 갖추고 있습니다; 신화를 추가하는 것은 거의 무례하게 보였을 것입니다.
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호아킨 소롤라
아내와 아이들
소로야는 아주 선명한 빛으로 그려진 가족 초상화에서 클로틸드와 세 자녀를 한자리에 모았습니다. 흰 옷과 분홍색 터치는 의식 포즈로 인물을 얼리지 않고 함께 모았습니다. 아내와 나의 아이들은 해변 화가가 친밀한 그룹을 조직하는 방법도 알고 있음을 보여줍니다; 아버지가 공식적으로 붓을 들고 마지막 말을 할 때에도 모두가 자신의 존재를 유지합니다.
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호아킨 소롤라
라 그란하의 마리아
La Granja 에서 Sorolla 는 발렌시아 해변보다 시원한 빛으로 둘러싸인 왕실 정원에서 딸 마리아를 그립니다. 밝은 색상은 공원의 녹색과 연보라색에 비해 두드러집니다. 초상화는 걷기와 건강을 결합합니다 가족 발견 및 관찰; 젊은 여성은 풍경의 액세서리가 아니라 공기가 그 색을 띠는 지점입니다.
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호아킨 소롤라
호아킨 소롤라 가르시아 흰색으로
Sorolla 는 빛이 몸을 형성하게하는 절주와 함께 흰색 옷을 입은 그의 아들 Joaquin 을 나타냅니다. 가벼운 의상과 가볍게로드 된 배경은 공식적인 포즈를 피하고 초상화 가족에게 근접성을 부여합니다. 화가는 그렇지 않습니다 아이를 조금 주목할만한 사람으로 만들려고하지 마십시오; 흰색은 모델의 자발성을 유지하면서 각 반사에 대한 놀이터를 매우 편리하게 제공합니다.
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앙리 마티스
르네, 그린 하모니
마티스는 직물,안락의자 및 벽이 모델만큼 활발 해졌던 니스 시대에 르네를 그렸습니다. 녹색 범위는 장식이 닫히지 않도록 분홍색과 흰색으로 부드러워졌습니다. 르네,그린 하모니 컬러 코드로 구성된 초상화를 보여줍니다: 사람은 남아 있지만 방 전체가 대화에 신중하게 참여합니다.
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제임스 애보트 맥닐 휘슬러
파란색과 은색의 조화: 트루빌
휘슬러는 1865 년에 트루빌을 그렸고 해변에 구스타브 쿠르베와 종종 동일시되는 실루엣을 놓았습니다. 그 때 그의 동반자였죠. 바다,모래 그리고 하늘은 긴 파란색과 회색 띠로 축소됩니다. 하모니라는 제목 in 파란색과 은색은 풍경을 색조 일치로 변화시킵니다; 인간의 모습은 주로 지평선이 얼마나 평온할 수 있는지를 측정하는 데 사용됩니다.
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클로드 모네
베니스의 곤돌라
모네는 1908 년 베니스에 머물면서 Palazzo Barbaro 의 곤돌라를 그렸습니다. 그런 다음 자신의 스튜디오에서 그림을 재 작업 한 후 1912 년 파리에서 전시했습니다. 보트는 분홍색 물 위에 검은 실루엣이되었고, 파란색과 보라색; 도시는 반사되어 용해된 것보다 덜 묘사되어 교통 문제를 방지합니다.
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클로드 모네
국회, 일몰
1899 년과 1904 년 사이에 모네는 세인트 토마스 병원의 창문에서 런던 의회를 그렸는데,여전히 동시에 그러나 변화하는 분위기 속에서 일몰이되면 돌은 보라색 안개와 오렌지 반사. 정치 기념물은 공기의 척도가된다; 빅 벤은 시간을 부과 할 수 있지만,확실히 색상은 아니다.
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카스파 다비드 프리드리히
바다 옆의 수도사
작은 수도사가 눈을 안심시킬 보트,나무 또는 건축물없이 어두운 바다와 거대한 하늘 앞에 서 있습니다. 프리드리히는 풍경을 근본적으로 단순화하고 수평선을 매우 낮게 배치합니다. 1810 년 베를린에서 전시 된 캔버스는 프로이센 왕세자가 구입하여 낭만적인 숭고함의 창립 이미지 중 하나가 되었습니다.
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카스파 다비드 프리드리히
얼음의 바다
프리드리히는 북극을 대표하지 않고 1823-1824 년에 얼음 바다를 완성했습니다. 드레스덴 근처의 얼어 붙은 엘베에 대한 연구와 극지 탐험에 대한 설명에 근거합니다; 배의 선미가 거의 물에 잠긴 것처럼 보입니다. 작은 그의 생애 동안 이해된 이 작품은 인간의 실패를 얼음 건축으로, 침묵을 진정한 재앙으로 변화시킵니다.
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알프레드 시슬리
루베시엔의 눈 효과
시슬리는 1874 년 루베시엔에서 눈 효과를 그렸는데,이 지역이 그의 빛의 실험실이 된 겨울 중 하나였다. 길,집, 나무는 낮은 하늘 아래 푸른 빛이 도는 흰색으로 녹아 내린다. 눈은 하나가 아니다 비어 있음: 각 뉘앙스를 반영하고 풍경이 부드럽게 말하도록 강요하며, 이는 놀라울 정도로 정확하게 수행됩니다.
그림을 참조하십시오 →페인트 확산광
정원, 해변, 유백색 풍경
알프레드 시슬리
말리에 있는 뒤 셔닐을 배치하세요. 눈 효과입니다
Marly-le-Roi 에서 Sisley 는 눈으로 덮인 광장과 추위에 사로 잡힌 작은 인물들을 관찰합니다. 정면과 바닥은 공기가 거의 만져지는 다채로운 회색으로 연결되어 있습니다. 1874 년에 그려진 La Place du Chenil 인상주의가 밝은 햇빛에 의존하지 않는다는 것을 보여줍니다; 창백한 하늘은 목소리를 높이지 않고도 전체 구성을 완벽하게 유지할 수 있습니다.
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에드바르트 뭉크
푸른 물 앞에 파란색에 여자
뭉크는 1931 년 드레스의 색을 거의 띠는 수역 앞에서 파란색으로 여자를 그렸습니다. 인물과 풍경은 몇 가지 윤곽선으로 만 분리되어 동일한 내부 상태에 속하는 것처럼 보입니다. 후기 작품은 보존됩니다 진정된 팔레트를 지닌 화가의 심리적 긴장감; 뭉크에서는 차분하더라도 문을 열어두어 걱정하게 만든다.
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JMW 터너
달빛 속의 샤르보니에
터너는 1835 년 레 샤르보니에를 달빛에 노출시켰다. 타인 강에서 노동자들은 석탄을 달 아래 선박으로 옮겨 연기,물, 돛을 은색 물질로 변형시켰다. 산업 작업은 야행성이 된다 단순한 문서라기보다는 빛나는. 그 장면은 해양시 역시 사람들이 화물을 옮기느라 바쁜 데 달려 있고 대중은 그 반사에 감탄한다는 점을 상기시켜 줍니다.
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피에르 푸비스 드 샤반
불쌍한 어부
Puvis de Chavannes 는 1881 년 살롱에서 Le Pauvre Pêcheur 를 선보였는데,그곳의 심한 단순함은 당황스러웠습니다. 한 남자가 배에서 기다리는 동안 한 여자와 한 아이가 맨 해안가를 차지하고 있습니다. 회색 장미,둔한 녹색과 창백한 하늘 그림 같은 것을 거부하십시오. 그림은 점차 쇠라, 고갱 및 상징주의자들에게 상당한 영향을 미쳤습니다.
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클로드 모네
생라자르 역
모네는 1877 년 생 라자르 역에서 일할 수있는 권한을 얻었고 유리 지붕,기관차 및 증기 기둥에 전체 시리즈를 바쳤습니다. 여기서 연기의 파란색과 분홍색은 건축물을 제거하지 않고 흡수합니다 기차 이동. 현대 풍경은 이제 내부,시끄러운 및 시간 엄수 철도 회사가 허용 할 때만.
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빈센트 반 고흐
Saintes-Maries-de-la-Mer 근처의 바다 풍경
반 고흐는 1888 년 6 월 생트마리드라메르에 가서 해변에 직접 배를 그렸다. 그는 지중해의 색을 관찰하고 파도의 빠른 움직임을 기록하고 인쇄물처럼 윤곽을 강화한다 일본어. Saintes-Maries 근처의 바다 풍경은 파란색,녹색 및 모래에 거의 에나멜 선명도를 부여하여 북쪽 하늘과 매우 다릅니다.
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호아킨 소롤라
겨울의 시에라 네바다
소로야는 그라나다에 머무는 동안 시에라 네바다를 발견했고,발렌시아의 습한 영향에서 멀리 떨어진 건조한 빛으로 눈을 그렸습니다. 산의 연보라색과 분홍빛이 도는 흰색이 무게를 달지 않고 부조를 형성합니다. 풍경 겨울은 대기의 연구가된다; 산은 여전히 남아 있지만, 색상은 필요한 모든 움직임을 제공 할 수있을만큼 빠르게 변화한다.
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클로드 모네
아르장퇴유 다리
모네는 1874 년에 Le Pont d' Argenteuil 을 그렸는데,이 때 새로운 다리,범선 및 보행기가 파리 교외의 현대성을 요약했습니다. 말뚝은 맑은 물에서 반사가 깨지는 동안 캔버스를 구조화합니다. 공학과 여가는 인상주의에 편을 선택하라고 요구하지 않고 평화롭게 같은 풍경을 공유합니다.
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호아킨 소롤라
세 개의 돛
바구니를 들고 세 여자는 세 경사 돛 앞에 해변에 진출. Sorolla 는 해안선의 인간의 작품,바람과 리듬을 결합하기 위해 모양을 반복. 흰색,핑크와 블루스는 노력에도 불구하고 빛을 유지합니다 변위. 세 개의 베일은 따라서 작업 장면에 매우 확실한 바람이 이끄는 지중해 행렬의 종지를 제공합니다.
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호아킨 소롤라
임박한 폭풍, 발렌시아
발렌시아에서 소로야는 폭풍을 예고하는 보라색 회색 하늘 아래 모래 위에 끌어당긴 보트를 보여줍니다. 어두운 선체와 거품 선이 동요를 무거운 기다림으로 대체합니다. 임박한 폭풍이 그 전 순간을 붙잡고 있습니다 팁: 어부들은 위험을 예상했고, 구름은 구타당해 약간 화가 난 것처럼 보였습니다.
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장 밥티스트 카미유 코로
나르니 다리
코로는 1826 년 이탈리아인이 처음 머무는 동안 나르니를 발견했다. 폐허가 된 로마 다리와 계곡은 그가 성숙해가는 더 시적인 풍경 앞에서 맑은 빛을 연구할 수 있게 해주었다. 나르니의 다리라는 모티브에 그려져 있다 강의 신선도를 유지하면서 건축, 거리를 정확하게 정리하고; 이곳을 여행하는 것은 보는 방법이 됩니다.
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장 밥티스트 카미유 코로
샤르트르 대성당
코로는 이전 여행에서 시작된 연구를 시작한 후 1830 년에 샤르트르 대성당을 그렸습니다. 두 개의 흙더미,최근에 자른 나무 및 몇 개의 인물은 고딕 기념물에 매우 환경을 제공합니다 매일. 가벼운 돌은 풍경을 분쇄하지 않습니다: 그것은 경로와 하늘과 같은 빛나는 겸손으로 거기에 정착.
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카밀 피사로
화이트 젤리
피사로는 1873 년 퐁투아즈 근처에서 화이트 젤리를 그렸고 이듬해 첫 인상파 전시회에서 선보였다. 평론가 루이 르로이는 두꺼운 고랑과 칼 지판을 조롱하지만 이 자료는 정확하게 번역된다 얼어붙은 땅의 무게와 농민의 노력. 따라서 그림은 겨울 아침의 역사만큼이나 운동의 역사에 속합니다.
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아서 스트리턴
보라색 정오의 투명한 힘'
Streeton 은 Shelley 의 구절에서 제목을 빌려 Hawkesbury River 에 거의 우주적인 규모를 부여합니다. 열은 거리를 블루스하고 언덕과 어두운 나무 사이의 물줄기 바람은 전경을 유지합니다. 에 그려져 있습니다 1896년, 보라색 정오의 투명한 모습은 매미마저도 볼륨이 커진 듯한 눈부신 그 시간을 느끼게 할지도 모른다.
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아서 스트리턴
하이델베르크 근처
하이델베르크 근처에서는 태양에 의해 희미해진 길, 울타리, 초목 주변의 풍경이 좁아집니다. Streeton은 시골을 배경으로 바꾸지 않고 따뜻한 황토색과 먼 블루스 사이의 틈을 통해 깊이를 쌓습니다 영웅. 동기의이 겸손은 그것의 힘이다: 현대 호주는 평범한 음모에 등장, 기억에 남는 될만큼 충분히 오랫동안 보았다.
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찰스 콘더
리켓의 포인트
Ricketts Point 에서 Charles Conder 는 마치 해안이 기존의 형식에 맞지 않는 것처럼 얇은 패널로 해안선을 늘립니다. 바위,물 및 먼 실루엣은 호의적 인 활력으로 표시됩니다 공간의 인상. 풍경은 읽을 수 남아 있지만 장식 가벼움을 얻을; 만은 움직임을 재개하기 전에 충분히 오래 포즈를 취한 것 같습니다.
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톰 로버츠
졸고 있는 바다, 망토네
Mentone 에서 바다는 졸린 것처럼 보이지만 Tom Roberts 는 파란색,회색 및 모래의 작은 변형으로 표면을 계속 움직입니다. 작은 워커는 규모를 제공하는 반면 해안선은 a 로 구성을 자릅니다 거의 일본 단순. 파자마 바다 아주 작은와 많은 일을 하는 화가를 보여줍니다: 몇 인물,물 스트립과 하루를 재설정 하는 충분 한 공기.
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호아킨 소롤라
해변의 숙녀들
소로야는 우산,가벼운 드레스와 모래가 빛을 걸러내는 해변에서 여러 여성들을 한자리에 모았습니다. 해변의 숙녀들은 해변가의 패션을 묘사 할뿐만 아니라: 실루엣의 배열은 해안을 장면으로 변화시킵니다 사회적인. 분홍색과 흰색 톤은 얼굴을 굳히지 않고 태양의 따뜻함을 유지하며,산책에는 집단 초상화만큼 많은 조직이 필요할 수 있다는 증거입니다.
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호아킨 소롤라
비아리츠 해변의 여성 산책
비아리츠에서 소로야는 발렌시아보다 시원한 하늘 아래 물 근처로 전진하는 우아한 여성 그룹을 따라갑니다. 보라색,파란색 회색 및 가벼운 천은 대서양의 빛을 반영합니다. 산책은 세속적 인 상태로 남아 있습니다 그러나 바람은 해변이 어떤 의류 규정도 인식하지 못한다는 사실을 상기시켜 줄 만큼 실루엣을 방해합니다.
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알프레드 시슬리
비가 내린 후 모레 교회
1894 년 시슬리는 노트르담 드 모레 교회를 다른 조명 아래 일련의 그림을 그렸습니다. 비가 내린 후 외관은 하늘의 습도를 유지하고 돌은 미묘한 노란색,분홍색 및 회색을 반영합니다. 건축 모티브 구름처럼 변하기 쉬워진다; 교회는 그대로 유지되지만 그 색깔은 행정적 영속성을 거부합니다.
그림을 참조하십시오 →패턴에서 방출된 색상입니다
현대의 온화함: 분열주의와 추상화
샤를 프랑수아 도비니
수확
Daubigny 는 빛의 효과만큼이나 밭의 일을 알고있는 조경사의주의를 기울여 수확물을 그립니다. 창백한 단과 맑은 하늘은 인물 주변의 공간을 넓혀줍니다. 노력을 극화하기보다는 시골에서 그는 몸짓과 맷돌의 리듬이 장면을 구성하도록 하여 자연주의와 야외 화가를 위한 길을 닦습니다.
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샤를 프랑수아 도비니
더 보르드 드 로이즈
우아즈 강변에서 도비니는 종종 자신의 작업장 보트인 보틴에서 하늘의 반사와 변화를 직접 따라가며 작업합니다. 블루스,그린, 핑크색이 습한 빛으로 어우러집니다. 풍경 평화로운 것 같지만, 이 평온함은 아마도 소용돌이마다 협상해야 했던 보트에 설치된 움직이는 시선의 결과입니다.
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알프레드 시슬리
마을의 전망
시슬리는 점차 집쪽으로 이어지는 경로와 필드 넘어 마을을 배치합니다. 땅,하늘과 지붕의 창백한 톤은 장관 효과없이 거리를 구축합니다. 마을의보기는 이것에 속한다 날씨, 시간, 시선 방향에 따라 일반 사이트가 정확해지는 근접 그림; 종탑을 주목하기 위해 캠페인을 벌일 필요는 없습니다.
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알프레드 시슬리
베네외나돈 평야
모레쉬르루잉 근처의 베네욱스나돈에서 시슬리는 길과 나무,하늘이 캔버스를 거의 똑같이 공유하는 탁 트인 평야를 관찰한다. 1881 년에 그려진 이 작품은 기념물 없이 부드러운 빛과 깊이를 선호한다. 겸손한 모티브는 야외에 대한 충실도를 드러냅니다: 풍경은 이벤트를 기다리지 않고 단지 시간을 주면됩니다.
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장 밥티스트 카미유 코로
버드나무 근처에서 보트 낚시를 즐겨보세요
코로는 버드나무 아래에 작은 배를 설치하고 가지가 은빛 빛을 걸러 내도록합니다. 그 장면은 관찰 된 장소에 대한 기억이 더 자유로운 시와 섞일 때 성숙함에 속합니다. 낚시는 구실이됩니다 물, 나뭇잎, 하늘의 균형을 맞추기 위해; 물고기가 존재한다면 철학적으로 주요 주제가 아니라는 것을 받아들입니다.
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샤를 프랑수아 도비니
바지선
Daubigny 는 물과 하늘이 보트보다 더 많은 공간을 차지하는 맑은 범위에서 Oise 의 바지선을 그립니다. 그의 작업장 보트에서 그는 해안에서 고정 된 전망을 채택하지 않고도 강 교통을 따라갈 수 있습니다. THE 작업 보트는 풍경에 현대적인 규모를 부여하고 강이 단순한 목가적 휴양지가 되는 것을 방지합니다.
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호아킨 소롤라
해변의 아이들
소로야는 발렌시아의 물가에서 놀고 있는 벌거벗은 아이들을 관찰하고 젖은 몸을 빛의 표면으로 변형시킵니다. 분홍색 모래,보라색 그림자,바다의 얕은 파란색은 어떤 단단한 윤곽도 피합니다. 해변의 아이들 인물을 포즈하지 않고 게임의 자유를 캡처; 지중해는 설정, 거울 및 상당히 대략적인 감시를 제공합니다.
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알프레드 시슬리
맨테스 로드
루트 드 망테스는 첫 인상파 전시가 있었던 1874 년에 시슬리가 그린 탁 트인 풍경을 가로지른다. 창백한 길은 모든 깊이를 조절하는 하늘 아래 들판과 나무 사이의 수평선을 향해 이어진다. 없음 기념비는 눈을 붙들지 않는다: 땅에 공기와 빛의 순환은 화포의 진짜 사건이된다.
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알프레드 시슬리
몰시에서의 레가타
시슬리는 수집가 장 밥티스트 포레의 지원 덕분에 1874 년 영국에 머물면서 몰레시의 레가타를 템즈 강에 그렸다. 깃발,돛과 그 화려한 반사는 매우 명확한 구성을 애니메이션화한다. 작품 영국의 여가를 프랑스의 풍경에 더 가깝게 만듭니다; 물 위에서 국적은 바람의 방향보다 적게 계산됩니다.
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호아킨 소롤라
아침 햇살에 발렌시아 해변
발렌시아 해변에서 아침 빛은 그림자를 식히고 돛,모래 및 옷에 특별한 부드러움을줍니다. Sorolla 는 더운 날씨 전에 작업이 시작되는 시간을 선택합니다. 장면은 활성 상태로 유지되지만 그 창백한 팔레트는 시선을 늦추고 물, 흙, 공기 사이의 모든 전환을 드러냅니다.
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루퍼트 버니
바다 짧은 서사시
Sea Idyll 은 Rupert Bunny 가 고전주의,관능 및 fin de siècle reverie 를 혼합 한 분위기 속에서 잔잔한 바다 가장자리에 여성 인물을 설치합니다. 시체는 수평선 앞에서 유연한 프리즈를 형성하고 머플 팔레트는 멀리 이동합니다 소박한 해변 목욕의 장면. 그림은 호주 화가가 수풀이 아닌 Puvis de Chavannes 와 지중해를 바라 볼 수 있음을 상기시켜줍니다.
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아우구스트 맥케
툰 호수 기슭의 정원
Macke 는 1913 년 가족과 함께 머물렀던 스위스 툰 호수 주변의 정원을 그렸습니다. 나무,길 및 물은 다채로운 계획으로 단순화되었지만 빛은 여름의 부드러움을 유지합니다. 호수 옆 정원 Thun은 다음 해에 튀니지에서 수행된 연구를 발표합니다; 여행은 시원한 고산지대를 떠나지 않고 이곳에서 시작됩니다.
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호아킨 소롤라
1920년 메종 소롤라 정원
마드리드 집의 정원에서 Sorolla 는 1920 년에 안달루시아와 이탈리아 기념품으로 직접 디자인 한 공간을 그렸습니다. 벽,연못 및 나뭇잎은 해변보다 더 친밀한 빛을 필터링합니다. 정원 무형의 자화상이됩니다: 태양이 계획을 계속 수정하더라도 각 식물은 자신의 위치를 알고 있습니다.
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장 밥티스트 카미유 코로
아비뇽, 빌뇌브레아비뇽의 전망
코로는 1836 년 남부에 머무는 동안 빌뇌브-레스-아비뇽에서 본 아비뇽을 그렸다. 도시와 교황의 궁전은 론 강 너머에 나타나며,나무와 매우 단순한 전경으로 둘러싸여 있다. 맑은 빛이 그들을 조직한다 과도한 세부 사항이 없는 미사; 기념물은 초기 엽서가 아닌 먼 존재가 됩니다.
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폴 시냐크
생트로페 항구
Signac 1892 년 생 트로 페로 이동하고 네오 인상주의의 중심지로 항구를 만드는 데 도움이. 이 1901 년보기에서,분홍색, 파란색과 노란색의 별도의 터치는 멀리서 지중해 빛을 recompose. 마스트 물이 색상을 곱하는 동안 표면을 구조화; 항구는 작동하지만 페인트는 이미 휴가 중인 것 같습니다.
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폴 시냐크
아비뇽의 샤토 데 파프
시냐크는 론 강의 다른 둑에서 교황의 궁전을 칠하고 고딕 양식의 미사를 빛나는 모자이크로 변형시킵니다. 작은 분홍색,연보라색 및 파란색 터치가 건축물을 사라지게하지 않고 돌을 녹입니다. 기념비 중세는 그리하여 색에 대한 현대적 이론으로 들어간다; 몇 세기 동안의 중력 후에, 그것은 마침내 충분히 즐거운 반사를 얻는다.
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클로드 모네
우산을 쓴 여자가 왼쪽으로 돌아섰습니다
모네는 1886 년에 우산을 쓴 두 번째 여인을 왼쪽으로 돌렸는데 여전히 수잔 호세데를 모델로 삼고 있었다. 몸의 기울기와 베일,잔디는 빠른 하늘과 같은 돌풍을 반영하여 디자인되었다 오른쪽을 향한 버전의 캔버스는 방향 변경이 빛과 움직임을 완전히 재구성하기에 충분하다는 것을 보여줍니다.
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알렉스 카츠
리타
알렉스 카츠는 1964 년에 리타를 그의 초상화를 구별하는 날카로운 평평한 부분과 밀착된 프레임으로 그렸습니다. 얼굴과 옅은 파란색 배경은 침묵으로 느려진 광고 이미지처럼 불필요한 모델링이 없습니다 경제는 모델에 즉각적인 존재를 제공합니다; 파스텔은 더 이상 분위기가 아니라 차분하고 단호하게 현대적인 표면입니다.
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조르주 쇠라
포세우스
Seurat 는 La Grande Jatte 의 인물을 너무 뻣뻣하게 생각한 비판에 대한 응답으로 1886 년에서 1888 년 사이에 Les Poseuses 를 그렸습니다. 같은 모델의 세 가지 연속 포즈가 그의 큰 그림의 일부 앞에있는 작업장을 차지합니다. 톤 장미와 블루스는 분열주의가 몸을 형성할 수 있음을 보여줍니다; 광학 이론은 여기서 학술 도면 시험을 통과합니다.
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바실리 칸딘스키
스카이 블루
1940 년,노이이쉬르센에서 칸딘스키는 동물학과 미시세계에서 영감을 받은 작은 생물형태의 파란색 배경에 거주하게 되었다. 그 후 전쟁은 그의 물질적 상황을 어렵게 만들었지만 블루 드 시엘은 우주를 건설했다 떠다니고 장난기 많은 생물들이 수영하거나 춤을 추거나 수다를 떨고 있는 것처럼 보인다; 아무도 지시를 제공하는 것이 필요하다고 생각하지 않았다.
그림을 참조하십시오 →물질과 빛
화가들은 파스텔 색상을 어떻게 만들까요?
기름에서 번개는 항상 기계적으로 흰색을 추가하는 것으로 구성되지 않습니다. 화가는 투명한 유약을 투명한 준비물에 겹쳐 놓거나 작은 보완 터치를 병치하거나 색상으로 접을 수 있습니다 지구. 이 방법의 각각은 깊이를 바꿉니다: 백색과 섞는 것은 그늘을 더 불투명하게 만듭니다; 유약은 내부 빛을 유지합니다; 분할된 접촉은 색깔을 눈에서 진동합니다.
19 세기는 특히 이러한 가능성을 이용했다. 그림자는 갈색이나 검은색이기를 멈추고 파란색,분홍색 또는 보라색이 된다. 인상파는 눈,드레스 및 반사에서 이러한 틈새를 관찰했다; 휘슬러 그들 조화로 조직; 현대 화가 전체 표면에 그들을 확장합니다. 파스텔 팔레트는 따라서 미적 선호만큼 빛의 이야기를 알려줍니다.
역사적이고, 덮고, 약간 따뜻함; 오래된 피부톤과 조명에 몸을 더해줍니다.
더 차갑고 투명해 돛, 은은한 블렌드, 섬세한 조명에 적합합니다.
투명하고 가벼운 베이스 위에 놓거나 섞으면 빛나는 장미가 생성됩니다.
해외에서는 코발트나 하늘색이 동반되는 흰색에 따라 온도와 깊이가 변합니다.
황토색, 흙색 또는 보완적인 색상이 녹색의 신선함을 모두 없애지 않으면서 녹색을 감소시킵니다.
움직이는 색
왜이 색들이 기억에 남는가
선명도는 전환을 부드럽게 하거나 실루엣을 분리하거나 하늘 전체를 진동시킬 수 있습니다. 이어지는 각 그림은 특정한 이유로 이 범위를 사용합니다: 장면을 말하거나,빛을 측정하거나,침묵에 자신만의 색을 부여하는 것입니다.
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