15 세기 - 20 세기 · 유화
가장 유명한 수직 그림 100점
높이가 존재감을 형성하는 100점의 그림: Van Eyck과 Leonardo에서 Munch, Kahlo 및 Pollock에 이르기까지 초상화, 입상, 신성한 환상 및 직립 풍경.
언어로서의 높이
키는 보는 방식을 바꾼다
수직 형식은 단순히 몸을 프레임에 넣기 위한 것이 아닙니다. 사람을 기념물로 변신시키고 건축물을 끌어올리고 얼굴을 가까이 가져오거나 시선을 땅에서 하늘로 이끌 수 있습니다. 모나리자에서 울어라, 이 높이는 인물과 거의 육체적인 관계를 형성한다.
경로는 초상화,종교적인 장면,상징 주의자 비전 및 진정으로 수직으로 건설 된 풍경을 함께 제공합니다. 가장 인정받는 걸작이 방문을 시작합니다; 다음 변형은 6 세기의 방법을 보여줍니다 그림은 힘, 고독, 움직임, 믿음 또는 단순한 존재를 말하기 위해 동일한 충동을 사용했습니다.
수직 형식은 그림을 인간의 키에 더 가깝게 만든 다음 예술가가 이러한 유사성을 건축으로 변형하도록 유도합니다.
몸은 즉각적인 규모를 제공합니다; 포즈, 의상, 배경은 이 키가 엄숙해 보이는지, 연약해 보이는지, 아니면 움직이는지 결정합니다.
문, 기둥, 정면 또는 창문이 시선을 이끌고 좁은 공간에 여러 깊이를 쌓을 수 있습니다.
종교적이고 신화적인 그림은 종종 땅에서 하늘로, 타락에서 발현까지 이야기를 배포합니다.
패턴이 사라지면 높이는 활성 상태로 유지됩니다: 평평한 영역, 물방울 및 표지판이 상승력처럼 조직됩니다.
키가 눈을 만드는 100 개의 그림
편집 순위보편화된 실루엣
20개의 절대 수직 아이콘입니다
레오나르도 다빈치
모나리자
레오나르도는 일반적으로 리사 Gherardini 와 동일시이 초상화에 길게 일했고 그녀의 삶의 끝에 프랑스에서 승리했다. sfumato 는 하드 개요없이 미소,얼굴과 풍경을 연결합니다. 1911 년 루브르 박물관에서 도난당한 다음 두 가지를 발견했습니다 몇 년 후, 모나리자는 작은 사이즈가 전혀 발표하지 않은 세계적인 유명 인사가 되었습니다.
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요하네스 베르메르
진주 귀걸이를 한 소녀
베르메르는 빛을 향해 돌아선 젊은 여성을 그립니다. 터번을 쓰고 시선을 집중시키는 컬을 쓰고 있습니다. 아마도 의뢰받은 초상화가 아니라 캐릭터와 의상에 대한 연구 인 "트로니"일 것입니다. 복원 된 그리고 20 세기에 대중화 된이 진주는 그 자체가 화려한 붓놀림에 지나지 않을 수도있는 세계적인 아이콘이되었습니다.
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얀 반 에이크
아르놀피니 배우자
반 에이크는 1434 년에 조반니 아르놀피니와 한 여성이 빨간 침대 앞에 서 있는 이 브뤼헤 인테리어의 날짜와 사인을 한다. 볼록 거울은 다른 두 사람을 비추고 있으며 서명은 화가가 "여기에 있었다"고 적혀 있다. 결혼, 약혼 또는 기념: 정확한 의미는 여전히 논쟁의 여지가 있는 반면, 작은 개는 영웅적으로 침묵을 지킵니다.
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디에고 벨라스케스
메니나스
Velázquez 는 Infanta Marguerite,그녀의 추종자 및 법원에 의해 포위된 마드리드의 Alcázar 의 광대한 방에서 일에 있는 자신을 대표한다. 왕과 여왕은 뒤 거울에서 나타난다. 1656 년에 그려진,작업은 변형시킨다 시선을 조사하는 왕실 초상화: 누가 포즈를 취하고, 누가 관찰하고, 누가 실제로 장면을 잡고 있습니까?
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에드바르트 뭉크
외침
뭉크는 오슬로 상공을 산책하는 동안 "자연을 통해 위대하고 무한한 외침"을 느꼈다고 말합니다. 1893 년에 그려진 버전에서 하늘은 피요르드와 얼굴로 물결 치며 풍경을 육체적 인 감각으로 변화시킵니다. THE 그러나 두 명의 워커가 계속해서 길을 가고 있는데, 그들 뒤에 있는 우주가 모든 자제력을 잃은 것처럼 보이기 때문에 거의 코믹한 세부 사항입니다.
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카스파 다비드 프리드리히
구름바다를 고민하는 여행자
프리드리히는 계곡을 가리고 있는 안개 바다를 바라보고 있는 바위 꼭대기에 등을 대고 있는 남자를 배치합니다. 1818년경에 그려진 이 그림은 정상 정복과 모든 것을 이해할 수 없는 것을 결합합니다. 수직 형식은 인물을 높이지만 풍경은 여전히 그것을 초과합니다; 구름이 더 낮게 유지될 예의가 있기 때문에 여행자가 전망을 지배합니다.
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자크 루이 다비드
마라트의 죽음
데이비드는 1793 년 욕조에서 살해당한 마라를 그리고 혁명적 인 친구를 현대 순교자로 변모시킵니다. Charlotte Corday 의 편지,칼 및 나무 상자가 고대 속성을 대체합니다. 시체는 에 내려갑니다 빈 공간이 그것을 고립시키는 동안 수직적 구성; 여기서 정치적 선전은 살인을 더 가깝게 만드는 절주를 달성합니다.
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그랜트 우드
미국 고딕
그랜트 우드는 네오 고딕 양식의 창문이있는 아이오와 집에서 영감을 얻어 여동생이 치과 의사와 포즈를 취하게합니다. 포크는 작업복,셔츠 및 건축물의 라인을 차지합니다. 1930 년에 발표 된 부부는 읽었습니다 중서부에 대한 풍자나 경의로서; 그는 미소를 지으며 결정할 필요가 없다고 생각했습니다.
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조지 스텁스
휘파람 재킷
Stubbs 는 라이더 나 서술 적 설정없이 1762 년경에 실물 크기의 Whistlejacket 경주마를 그렸습니다. 동물은 코트의 모든 근육과 반사를 볼 수있는 중립적 인 배경에서 위로 돌아갑니다. 후작의 의뢰 Rockingham, 그림은 말 초상화를 기념비 수준으로 끌어올렸습니다; 옷 하나 입지 않고 모델이 캔버스를 그렇게 많이 차지한 경우는 거의 없습니다.
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자크 루이 다비드
그레이트 세인트 버나드를 건너는 보나파르트
다비드는 1800 년부터 알프스를 횡단하는 보나파르트의 여러 버전을 생산했다. 실제로 노새를 타고 지나간 장군은 뛰어다니는 말을 타고 나타나서 한니발과 샤를마뉴의 이름 근처에 정상을 지정했다. 대각선 영웅은 여행을 문서화하지 않습니다: 그것은 광고 날씨의 매우 확실한 감각으로 전설을 구성합니다.
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존 싱어 사전트
부인
Sargent 는 Virginie Gautreau 를 원래 어깨에 떨어지는 끈이 달린 검은 드레스로 옆모습으로 그립니다. 1884 년 살롱에서 발표 된이 대담함은 스캔들을 촉발 시켰습니다; 화가는 끈을 다시 칠하고 곧 파리를 떠났습니다. 거기 수직 실루엣은 마치 세속적 인 명성이 비평가들의 불길에 완벽하게 똑바로 서기로 결정한 것처럼 무시 무시하게 우아하게 남아 있습니다.
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프리다 칼로
가시와 벌새의 목걸이와 자화상
프리다 칼로는 가시 목걸이,벌새, 원숭이 그리고 검은 고양이에 둘러싸인 1940 년 시청자 앞에서 자신을 표현합니다. 상징은 육체적 고통,멕시코 전통 및 개인적인 유대를 하나로 축소하지 않고 혼합합니다 설명. 얼굴은 중앙에서 움직이지 않고,주변의 모든 것은 훨씬 덜 조용한 대화를 준비하는 것처럼 보입니다.
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프란시스코 데 고야
토성이 그의 자녀 중 한 명을 삼키고 있습니다
고야는 오늘날 검은 그림이라고 불리는 작품을 그의 집 벽에 직접 그립니다. 폐위될 것을 두려워한 토성은 거의 텅 빈 밤에 시체를 집어삼키며; 넓은 눈은 모든 신화적 웅장함을 대체합니다. 19세기에 캔버스로 옮겨진 이 이미지는 권력이 공황으로 변하는 가장 잔인한 비전 중 하나로 남아 있습니다.
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아르테미시아 젠틸레스키
홀로페르네스의 목을 베는 유디트
Artemisia Gentileschi 는 거의 주제에 따라 물리적 폭력 Holofernes 마스터 유디트와 그녀의 하인을 그립니다. 팔,검과 시트는 캔버스의 높이에 행동의 매듭을 형성한다. 여주인공은 장식도 아니다 주저하지도 않음: 성경 이야기는 장군이 더 진지하게 받아들여야 할 집중력으로 실행되는 어려운 작업이 됩니다.
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알브레히트 뒤러
모피가 있는 자화상
뒤러는 1500 년,스물여덟 살의 나이에 그리스도의 형상을 연상시키는 자세로 자신을 정면으로 묘사했다. 털,머리카락, 손은 장관을 이루는 정밀함으로 그려져 있지만,비문에는 의 행위도 강조되어 있다 창조. 예술가는 따라서 높은 지적 지위를 주장; 그의 시선은 승인을 추구하지 않습니다, 그는 이미 그것을 얻은 것 같다.
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요하네스 베르메르
우유 짜는 여자
베르메르는 조용한 부엌에 우유를 붓는 하인의 모습을 보여줍니다. 빵,바구니 및 벽은 미세한 빛을 전달하고 제스처는 시간을 중단시킵니다. 1658 -1660 년경에 그려진 장면은 가사 노동을 향상시킵니다 연극적으로 만들지 않고 평범함; 우유 물방울은 모든 작용을 수행하며 한 방울도 흘리지 않습니다.
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빈센트 반 고흐
닥터 가셰의 초상화
오베르쉬르 우아즈에서 반 고흐는 가셰 박사가 자신의 의료 활동과 관련된 식물인 디기탈리스 근처에 손을 기대고 있는 모습을 그렸습니다. 화가는 이 우울함 속에서 자신과 가까운 기분을 인식합니다. 그의 것보다 몇 주 전에 만들어졌습니다 죽은 초상화는 마치 보살핌과 걱정이 같은 의자를 공유하는 것처럼 의사에게 피곤한 얼굴을 제공합니다.
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토마스 로렌스
핑키
로렌스는 자메이카에서 영국에 도착한 직후 열한 살쯤 된 사라 구딘 바렛 몰튼을 그렸습니다. 바람은 그녀의 분홍색 드레스를 부풀려 초상화에 유령의 규모를 부여합니다. 그녀의 이름을 따서 핑키라는 별명이 붙었습니다 창작된 이 그림은 미국에서 같은 컬렉션에 걸려 있는 The Blue Boy의 인기 있는 그림이 되었습니다.
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존 싱어 사전트
Lochnaw의 Lady Agnew의 초상화
Sargent 는 Gertrude Agnew 를 중국 실크 안락 의자에 넣으며 시청자를 향해 약간 기울어 져 있습니다. 흰색 드레스는 벽과 벨트의 라일락 반사를받는 반면 직접적인 시선은 자동 공손함을 피합니다. 1893년 왕립 아카데미에 전시된 이 초상화는 모델의 명성을 불러일으켰고 화가의 명성을 확증해주었습니다.
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토마스 게인즈버러
블루 보이
게인즈버러는 1770 년경 조나단 버톨을 17 세기에 영감을 받은 새틴 블루 수트로 그렸다. 이 초상화는 레이놀즈에 기인한 이론들에 직면하여 구성물을 지배하는 블루의 능력에 대한 논쟁에 반응하여 나중에 획득했다 헨리 헌팅턴의 The Blue Boy는 귀족적인 허세와 직물의 기교를 결합합니다; 모델은 분명히 새틴이 먼저 말하도록 합니다.
그림을 참조하십시오 →프레임의 척도로서의 본체
전신 초상화, 인물 및 수직 존재
아르테미시아 젠틸레스키
회화를 우화한 자화상
아르테미시아는 자신이 그림을 그리는 모습을 묘사하는 동시에 회화의 우화의 여성적 속성을 채택합니다. 남성 예술가는 자신의 자화상을 이러한 의인화와 문자 그대로 병합할 수 없었습니다. 신체 기대고 팔을 올리는 것은 작동중인 작품을 보여줍니다: 예술적 영광은 소매를 걷어 올리면서 여기에옵니다.
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아르테미시아 젠틸레스키
수잔과 노인들
열일곱 살에 그린 이 수잔은 성경의 주제에 자주 주어지는 안일한 어조를 거부합니다. 몸은 벽 위로 기대어 있는 두 사람에게서 물리적으로 등을 돌리고 불안은 수직 구성 전체를 구성합니다. 아르테미시아 위협받는 여성의 경험을 이야기의 중심에 두고, 다른 버전에서는 그녀의 목욕을 감상하는 것을 선호했습니다.
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프란스 할스
웃는 라이더
이 풍부한 옷을 입은 젊은이는 아마도 라이더가 아니며 큰 소리로 웃지 않지만 별명이 붙어 있습니다. Hals 는 초상화에 즉각적인 자신감을주는 빠른 터치로 콧수염,목걸이, 자수 및 소매에 애니메이션을 적용합니다. 날짜 1624년부터 그는 사교적인 포즈를 활발한 만남으로 바꾸었고; 모델은 프레임 밖에서 훌륭한 발언을 들은 것 같습니다.
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에두아르 마네
에밀 졸라
마네는 이미지로 가득 찬 서재에 자신의 그림을 묘사하여 자신의 그림을 방어 한 졸라에게 감사한다. 일본 판화,올림피아의 재현 및 벨라스케스의 초상화는 작가를 중심으로 선언문을 작성합니다 시각. 졸라는 진지하게 읽는다; 그의 뒤에서 작품은 이미 현대성에 대해 매우 자유롭게 논의하고 있습니다.
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구스타프 클림트
주디스 1세
클림트는 1901 년경 주디스를 그렸고 성서적 여주인공을 빈의 에로티시즘과 혼합했다. 홀로페르네스의 머리는 아래쪽 가장자리에 부분적으로만 나타나는 반면 얼굴,목걸이, 금은 지배적이다. 주디스는 구원받은 희생자처럼 보이지 않는다 의무 외: 그녀는 그녀가 때때로 Salomé와 혼동 될 정도로 걱정되는 확신으로 그녀의 승리를 가정합니다.
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로버트 들로네
레드 에펠 탑
들로네는 에펠탑을 빨간색으로 칠하고 건물,구름 및 도시 파편 사이를 전환합니다. 1889 년 만국박람회를 위해 지어진 이 구조물은 그의 붓 아래에서 현대 파리의 모바일 상징이 되었습니다. THE 수직 형식은 상승을 확장하지만 입체파는 이를 단순한 건축 사진으로 유지하는 것을 거부할 계획입니다.
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존 윌리엄 워터하우스
매직 서클
워터 하우스는 1886 년 왕립 아카데미에서 매직 서클을 전시했다. 연기와 까마귀와 가마솥이 정확한 의식을 설치하는 동안 마술사가 그녀 주위에 불의 선을 그립니다. 수직 형식은 그의 몸과 제기 된 막대기를 따릅니다; 비협조적인 성분으로 작업할 때 탁월한 안전 조치.
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빈센트 반 고흐
해바라기
고흐는 고갱의 방을 장식하기 위해 1888 년 아를에서 해바라기의 꽃병을 여러 개 그렸습니다. 꽃은 새싹에서 시든 머리에 이르기까지 거의 완전히 노란색 범위에서 다양한 나이를 보여줍니다. 이 환대는 그려졌습니다 국내의 평온함으로 유명하지 않은 두 예술가의 동거보다 더 잘 살아남을 것입니다.
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빈센트 반 고흐
저녁에는 카페 테라스
반 고흐는 별이 빛나는 하늘 아래 1888 년 아를 카페의 조명이 켜진 테라스를 그렸습니다. 가스의 노란색은 밤 동안 검은 색을 사용하지 않고 진한 파란색과 대조를 이룹니다. 투숙객이 머무르는 동안 원근감이 거리로 눈을 그립니다 작은; 각 의자가 매우 단호한 대각선으로 배치된 것처럼 보이더라도 도시는 환영받는 것 같습니다.
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폴 고갱
노란 그리스도
1889 년 퐁타방에서 고갱은 트레말로 예배당의 다색 십자가를 브르타뉴 풍경으로 바꾸었다. 흰 머리 장식과 가을 들판 사이에 눈에 띄는 노란 그리스도의 몸. 신성한,지역 생활과 평면 합성가 함께 오세요: 이제 시즌도 종교적인 이야기에 참여합니다.
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프란츠 마크
청마 I
프란츠 마크는 1911 년에 푸른 말 I 을 그려 동물에게 자연주의적인 색이 아닌 영적인 색을 부여했습니다. 구부러진 몸은 다른 것들 사이에서 하나의 살아있는 형태로 언덕에 새겨져 있습니다. 말은 거의 전체 높이를 차지하며 평온합니다 그리고 기념비적 인; 파란색은 특별히 드문 수의학 문제가 아닌 Marc에 대한 내면의 열망을 표현합니다.
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조르주 쇠라
서커스
쇠라는 1890 년 -1891 년에 서커스에서 일했고 그의 죽음으로 그림을 미완성으로 남겨 두었습니다. 종자와 곡예사,광대는 반복되는 곡선으로 조직되어있는 반면,노란색은 의도적으로 인식을 자극합니다. 쇼가 나타납니다 빠르지만, 각각의 컬러 포인트는 이 속도가 거의 불합리한 인내심으로 만들어졌다는 것을 상기시켜 줍니다.
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앙리 마티스
금붕어
마티스는 모로코 여행 후 1912 년에 금붕어를 그렸는데,그곳에서 그는 오랫동안 웅덩이를 숙고하는 즐거움을 관찰했습니다. 항아리,테이블, 발코니 및 식물은 하나의 관점을 거부합니다. 물고기는 the 이 이동 공간의 고정 지점, 아마도 약간의 물만 요구했던 네 마리의 동물에 대한 작은 책임.
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에두아르 마네
더 피프레
마네는 거의 텅 빈 배경에 1866 년 제국 근위대의 젊은 음악가를 그렸다. 날카로운 실루엣,빨간색 바지 그리고 깊이의 부족은 일본과 벨라스케스의 판화를 연상시킨다. 살롱에 의해 거부 된 르 피프레는 현대 회화의 선언문; 소년은 음악을 연주하고 있을지도 모르지만 무엇보다도 그림이 분위기를 조성합니다.
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엘리자베 비제 르 브룬
밀짚모자를 쓴 자화상
비제 르 브룬은 루벤스의 수잔나 룬덴 초상화를 감상한 후 1782 년에 이 자화상을 그렸습니다. 밀짚모자,꽃 그리고 자연광은 우아함과 회화적 숙달을 동시에 주장합니다. 그녀는 그것을 가지고 자신을 보여줍니다 팔레트와 브러시, 단순하고 매력적인 여성이라기보다는 인정받는 예술가; 미소는 직업을 대체하는 대신 직업과 함께합니다.
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존 싱어 사전트
카르멘시타
Sargent 는 1890 년경 스페인 댄서 Carmencita 를 그녀의 무대 존재감을 증폭시키는 가벼운 자수 드레스로 묘사합니다. 수직 몸,팔 및 시선은 명령 공간에 익숙한 공연자를 반영합니다. 초상화는 때때로 도발적인 것으로 간주; Carmencita는 분명히 정복 할 다른 관중을 가지고, 화가 보이지 않습니다.
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장 오귀스트 도미니크 앵그르
마담 모이테시에
Ingres 는 1856 년에 앉아있는 마담 Moitessier 를 그렸습니다. 수년간의 작업과 최초의 서있는 버전 후에. 거울은 꽃무늬 드레스가 표면의 큰 부분을 차지하는 동안 그 프로필을 반복합니다. 세상적인 우아함이됩니다 패턴 아키텍처; 화가가 노력을 숨길 만큼 충분한 시간을 들였기 때문에 포즈는 자연스럽게 보입니다.
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폴 세잔
빨간 조끼를 입은 소년
세잔은 1888 년에서 1890 년 사이에 젊은 미켈란젤로 디 로사를 여러 가지 자세로 그렸습니다. 붉은 조끼는 따뜻한 덩어리를 파란색과 녹색과 대조하는 반면,기울어지는 몸은 초상화에 조용한 긴장감을 선사합니다. 계획은 구축됩니다 그림을 매끄럽게 하기보다는; 소년은 포즈를 취하지만 각 색상은 그 자체로 반사를 수행하는 것 같습니다.
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앙리 마티스
그린 레이
1905 년 Salon d'Automne 에서 Amélie Matisse 의 초상화는 야수파의 상징 중 하나가되었습니다. 녹색 밴드는 자연스러운 그림자를 묘사하지 않고 얼굴을 공유합니다: 그것은 이웃의 빨간색,분홍색 및 파란색의 균형을 유지합니다. Matisse 는 그의 것을 변형시킵니다 방문객들이 많은 이야기를 하게 만드는 수단의 경제성을 갖춘 반음계 선언문의 아내.
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에곤 실레
노란 조끼에 자화상
실레는 1914 년 노란 조끼를 입고 몸이 얇고 얼굴이 도전적으로 변한 자신을 묘사합니다. 신경질적인 윤곽과 맨손으로 남겨진 부분은 활기찬 옷이 세속적이되는 것을 막습니다. 예술가는 그의 실루엣을 인물로 만듭니다 유럽이 예의보다 훨씬 더 많은 것을 잃을 준비를 하고 있는 이 시점에 거의 삭감될 뻔했습니다.
그림을 참조하십시오 →서사를 높입니다
위에서부터 신성한 이야기, 신화, 드라마
폴 고갱
아름다운 안젤라
고갱은 1889 년 마리 앙겔리크 사트레를 불쾌한 첫 초상화로 비난한 후 그렸다. 얼굴은 원형으로,조각상과 인기 이미지처럼 새겨진 제목 옆에 나타난다. 라 벨 앙겔레가 한데 모인다 실제 인물, 브르타뉴 정체성 및 상징주의 장치; 모델은 아직 완전히 확신되지 않았다고 합니다.
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제임스 애보트 맥닐 휘슬러
회색과 녹색의 조화: 미스 시슬리 알렉산더
휘슬러는 회색과 녹색의 조화로 프로필에 서있는 젊은 Cicely Alexander 를 그립니다. 모자,드레스 및 양탄자는 사회적인 표시뿐만 아니라 다채로운 협정으로 취급됩니다. 수많은 세션은 그를 피곤하게했습니다 모델; 따라서 결과를 완벽하게 억제하면 음악 제목에서 정중하게 생략한 인내심의 투자가 숨겨집니다.
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라파엘
추기경의 초상화
라파엘로는 1510 년 -1511 년경 로마에서 이 추기경을 그렸는데,오늘날 그의 신원이 보장되지 않았다. 의복의 붉은색,어두운 배경과 약간 뒤집힌 얼굴은 인물에게 절제된 권위를 부여한다. 어떤 액세서리도 이 이야기를 말해주지 않는다 세부 기능: 시선의 절단과 구성의 경제성은 전력을 설치하기에 충분합니다.
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티치아노
뮐베르크에서 말을 탄 카를 5세
티치아노는 1548 년 뮐베르크에서 카를 5 세의 승리를 기념한다. 황제는 창으로 무장한 채 말을 타고 전진하지만,저녁 풍경이 전투의 소란을 대체한다. 초상화는 거의 군사 지휘와 위엄을 결합한다 신성한; 말은 유럽 역사보다 차분한 태도를 유지함으로써 시각 외교에 크게 기여합니다.
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디에고 벨라스케스
말을 탄 올리바레스 백작 가스파르 데 구즈만
벨라스케스는 전장을 바라보며 뛰어다니는 말에 올리바레스 백작 공작을 그립니다. 필립 4세가 가장 좋아하는 장관은 일반적으로 주권자를 위해 예약된 이미지를 얻습니다. 막대기와 말의 대각선은 높이에 애니메이션을 적용합니다 캔버스; 정치 권력은 갑자기 그 재산이 둔화되기 전에 질주하면서 이곳으로 전진합니다.
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아메데오 모딜리아니
핑크 블라우스
Modigliani 는 1919 년,그의 생애 마지막 몇 년 동안 The Pink Blouse 를 그렸습니다. 황토색으로 부드러워진 의복은 길쭉한 얼굴 아래 흉상을 안정시키는 반면 배경은 거의 맨손으로 유지됩니다. 모델은 장식없이 차분한 존재감을 유지합니다 세속적이거나 일화적인; 색상은 초상화에 절제된 따뜻함을 주기에 충분합니다.
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아메데오 모딜리아니
노란 드레스를 입은 젊은 여성 (Renée Modot)
Modigliani 는 팔레트가 밝아지고있는 프랑스 남부의 Renée Modot 를 대표합니다. 노란색 드레스는 맨 배경 앞에서 차분한 눈을 가진 긴 얼굴을 구성합니다. 정체성은 목의 자세와 리듬보다는 액세서리; 수직 형식은 과장하지 않고 이 깨지기 쉬운 우아함을 확장합니다.
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막스 베크만
파란색으로 표시된 콰피
막스 베크만은 그의 두 번째 부인 마틸데인 콰피를 파란색 드레스와 세상적이면서도 먼 포즈로 그립니다. 두꺼운 윤곽과 꽉 끼는 공간은 거실 초상화의 부드러움을 거부합니다. 익숙한 별명은 아무것도 빼앗지 않습니다 모델의 권위; 그녀는 각 시선의 위치를 정확히 알고 있으며 그것을 한 치도 포기하지 않는 것 같습니다.
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에두아르 마네
발코니
Manet 은 녹색 난간으로 시청자와 분리된 발코니에서 Berthe Morisot,Fanny Claus 및 Antoine Guillemet 을 한자리에 모았습니다. 1869 년에 선보인 이 장면은 액션의 부재와 인물 사이의 거리에 흥미를 느낍니다. 발코니가 열립니다 외부, 하지만 모든 사람은 자신의 생각에 잠겨 보인다; 아름다운 건축, 더 불확실한 통신.
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피에르 오귀스트 르누아르
우산
르누아르는 몇 년에 걸쳐 레 파라플루이에에서 근무하면서 패션이 변함에 따라 옷을 수정했습니다. 파리의 군중은 거의 보이지 않는 비 속에서 바구니에 담긴 여인과 아이들 사이에 모여 있습니다. 수직 형식이 강조됩니다 시체와 액세서리의 스태킹; 아무도 젖지 않지만 모두가 몇 인치의 보도를 치열하게 협상하고 있습니다.
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피에르 오귀스트 르누아르
부기발에서 춤을 춰보세요
르누아르는 1883 년 부기발에서 폴 로테와 함께 춤추는 수잔 발라동을 그렸다. 붉은 드레스는 나무와 볼 테이블에 등을 돌리고 얼굴은 가까이 남아있다. 장면은 초상화,움직임 및 현대 레저를 결합한다; 춤 즉흥적으로 보이지만 구성은 각 단계를 어디로 가야할지 정확히 알고 있습니다.
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피에르 오귀스트 르누아르
컨트리 댄스
Dancing in the Country 에서 르누아르는 Paul Lhote 와 함께 Aline Charigot 를 포즈합니다. 쓰러진 모자,식탁보 및 따뜻한 색상은 부부에게 즐거운 친밀감을줍니다. 도시와 Bougival 의 버전으로 디자인 된 작품은 비교됩니다 동일한 제스처로 여러 사회 세계; 왈츠는 여기서 훌륭한 조사 도구 역할을 합니다.
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피에르 오귀스트 르누아르
도시에서 춤을
Dancing in the City 는 Paul Lhote 와 Suzanne Valadon 이 1883 년의 다른 춤보다 더 차가운 우아함을 보여줍니다. 흰색 드레스는 긴 수직선을 그리고 장식을 몇 가지 세속적 인 표시로 줄입니다. 움직임은 여전히에 의해 포함 된 상태로 유지됩니다 라벨; 우리는 확실히 춤을 추지만 거실이 관찰하는 매우 명확한 의식을 가지고 춤을 춥니다.
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엘 그레코
삼위일체
엘 그레코는 톨레도에 있는 산토도밍고 엘 안티구오의 제단화를 위해 삼위일체를 그립니다. 하나님은 좁은 공간에서 색이 솟아오르는 천사들에 둘러싸여 비둘기 아래 그리스도의 몸을 지탱하십니다. 수직 형식은 비둘기의 하강을 변화시킵니다 영적 고양의 몸; 고통과 영광은 정확히 같은 축을 공유합니다.
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라파엘
더 펄
라파엘로는 성모,아기, 성 요한,성 엘리자베스를 중심으로 진주를 작곡한다. 별명은 자신의 컬렉션의 진주라고 생각한 필립 4 세에서 유래했다. 제스처는 피라미드 건축에서 순환한다 매우 안정적; 심지어 아이들도 중요한 성경적 만남으로 바쁘지만 기하학을 존경합니다.
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레오나르도 다빈치
바위의 성모
레오나르도는 처녀,두 아이와 천사가 몸짓과 외모로 연결되어있는 동굴을 그립니다. 루브르 박물관과 런던에는 속성과 처리의 차이가있는 두 가지 버전이 남아 있습니다. 수직 구성이 겹쳐집니다 자연과 신성한 것을 분리하지 않은 인물, 바위, 물; 지질학은 신학만큼 많은 관심을 받습니다.
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카라바조
에체 호모
카라바조는 채찍질을 당한 후 군중에게 제시되는 그리스도를 그림자에 움켜쥔 인물들에 둘러싸여 보여줍니다. 그 빛은 몸을 잘라내고 폭력을 큰 설정보다는 몸짓에 집중시킵니다. 형식은 그것을 더 가깝게 만듭니다 죄수 관중; 불의가 이미 중심 무대에 오르고 있으면 건축에서 길을 잃는 것이 불가능합니다.
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카라바조
다윗과 골리앗
카라바조는 골리앗의 머리를 들고 있는 다윗을 그리고 목이 잘린 얼굴에는 그 자체의 특징을 부여한다. 젊은 승자는 승리하지 못한다: 그의 표정은 연민과 피로를 섞는다. 화가의 생애 말기에 깨달은 이미지는 종종 용서를 구하는 말로 읽으십시오; 솔직히 불편한 장소를 선택한 자화상은 거의 없습니다.
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브론치노
금성의 승리에 대한 우화
Bronzino 는 의도적으로 모호한 공간에서 금성,큐피드, 시간 및 여러 우화적인 인물을 함께 모았습니다. 마스크,과일 및 제스처가 단순한 도덕적 독서를 복잡하게 만드는 동안 몸은 수직으로 감습니다 프란치스코 1세, 그 작품은 지시하는 것만큼 눈부시게 하는 것이었고; 몇 세기가 지난 후에도 무엇보다도 사랑에는 매우 상세한 전설이 필요할 수 있다는 것을 증명하는 일이 계속되고 있습니다.
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구스타브 모로
오르페우스
모로는 오르페우스가 마이나드에게 살해된 후 수금에 시인의 머리를 모으는 그림을 그립니다. 젊은 여성,바위 풍경과 신성한 물건은 피 묻은 장면보다는 상징주의 명상을 구성합니다. 머리는 계속됩니다 신화에 따라 노래하다; 상황이 음악가에게 추천하기 어렵더라도 상당한 서사적 이점이 있습니다.
그림을 참조하십시오 →자율 역장
현대적인 수직: 색상, 리듬 및 추상화
에드워드 번 존스
행운의 수레바퀴
Burne-Jones 는 Fortune 의 시선 아래 거대한 바퀴로 움직이는 인물을 보여줍니다. 왕,노예 및 시인은 같은 움직임을 공유하며 운명은 제목을 존중하지 않는다는 것을 상기시켜줍니다. 수직 형식은 위아래로 움직이게합니다 냉혹한 역학에 있는 몸; 당신이 크랭크를 붙들 때 항상 더 간단한 운은 아직도 남아 있습니다.
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윌리엄 부그로
금성의 탄생
Bouguereau 는 1879 년 살롱에서 Raphael 과 Antiquity 에서 영감을 얻은 구성으로 금성의 탄생을 전시했습니다. 여신은 님프,영원 및 큐피드로 둘러싸인 껍질 위에 서 있습니다. 높이는 외관과 모든 것을 강조합니다 겸손한 환영위원회를 계획하지 않은 화가의 학문적 기교.
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존 윌리엄 워터하우스
키르체 인비디오사
워터 하우스는 그녀의 라이벌 인 Scylla 를 변화시키기 위해 물에 독을 붓는 Circe 를 그립니다. 서있는 인물은 거의 전체 높이를 차지하고 위협적인만큼 액체로 마법을 만드는 블루스와 그린으로 둘러싸여 있습니다. 꽃병은 그것으로 기울어집니다 은혜; 그럼에도 불구하고 신화는 우아한 몸짓이 반드시 자신의 의도를 향상시키는 것은 아니라는 점을 상기시켜 줍니다.
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존 윌리엄 워터하우스
연못 가장자리에 있는 오펠리
워터하우스는 꽃과 물과 관련된 셰익스피어의 여주인공 오필리아에게 여러 번 돌아온다. 여기서 그녀는 재난이 일어나기 전에 연못에 접근하며 여전히 빛나는 풍경 속에 서 있다. 나무와 몸의 수직성이 지연된다 관객의 추락으로 알려진 것; 그림은 몇 분 더 시간을 더 주는데, 이는 이미 작품보다 더 관대합니다.
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존 윌리엄 워터하우스
세인트 에우랄리아
워터하우스는 1885 년에 성 에우랄리아를 전시했고,그 화려한 액션보다는 순교의 여파를 선택했다. 젊은 성자의 몸은 눈 속에,비둘기 아래,먼 군중들 근처에 놓여 있다. 수직 구성은 을 따른다 시체와 거리, 전경에 사형집행인을 추가할 필요 없이 폭력을 더욱 혼란스럽게 만듭니다.
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존 윌리엄 워터하우스
황금 상자를 여는 프시케
프시케는 지옥에서 가져온 금지된 상자를 열고 그녀를 이기는 잠을 풀어준다. 워터하우스는 결과 이전에 호기심의 순간을 신중하게 구성된 고대 인테리어에서 선택한다. 기울어진 형상과 상자 dorée 는 높이를 조직합니다; 신화는 오래된 규칙을 확인합니다: 신비한 포장은 때때로 닫힌 채로 남아있을 가치가 있습니다.
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존 윌리엄 워터하우스
랜슬롯을 바라보는 샬롯의 여인
워터하우스는 샬롯의 여인이 랜슬롯을 바라보는 모습을 묘사하며 테니슨의 시가 예고하는 저주를 촉발한다. 그 인물은 창문과 베틀 근처에 서서 예술과 현실 세계 사이에 매달려 있다. THE 수직 형식은 이러한 외관을 강화합니다; 몇 초간의 시선은 놀라울 정도로 잘 조직된 삶을 뒤집어 놓기에 충분합니다.
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조반니 바티스타 티에폴로
무염시태
Tiepolo 는 1767 -1769 년경 Aranjuez 교회에 대한 무염시태를 그렸습니다. 처녀는 초승달 위로 올라가고 뱀과 천사들은 위로 이동합니다. 긴 제단 형식은 교리를 구경거리로 변형시킵니다 빛나는; 맨 아래에 위치한 뱀은 구성에서 가장 부러워하지 않지만 가장 명확한 역할을 얻습니다.
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외젠 들라크루아
사이오 학살 장면
1824 년 Delacroix 에서 죽음이나 오스만 학살 이후 노예를 기다리고 키오스의 그리스 가족을 전시했다. 풍경은 멀리 폭력 공개하는 동안 그룹은 캔버스에 올라. 의 부재와 작품은 충격 승리한 영웅; 수직 형식은 애국적인 결론의 편안한 결과를 제공하지 않고 신체를 축적합니다.
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프란시스코 데 고야
유디트와 홀로페르네스
고야는 그녀의 집에있는 검은 그림 중 하나에서 홀로 페르 네스 앞에 검을 들고 유디트를 그립니다. 성경의 이야기는 두 인물,가혹한 빛과 거의 장소없는 배경으로 축소됩니다. 유디트는 영웅적인 장식으로 축하되지 않습니다; 이 행위는 단호한 얼굴과 이미 그림자 속에 던져진 피해자 사이의 높이에 초점을 맞춥니다.
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코레지오
밤으로 알려진 목자들의 숭배
Correggio 는 아이에게서 발산하는 것처럼 보이는 빛 주위에 목자들의 경배를 그립니다. 인물들은 몸을 기울이거나 뒤로 물러서거나 눈을 보호하고 천사들은 윗부분을 엽니 다. 밤이라는 별명을 가진 그림 탄생을 빛나는 경험으로 변화시킵니다; 신성한 조명은 어떤 양초도 혼자서 협상할 수 없었던 무대 연출의 이점을 얻습니다.
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조르주 드 라 투어
연기가 나는 불꽃을 지닌 마들렌
조르주 드 라 투어는 연기가 거의 올라가지 않는 불꽃 앞에서 명상하는 마들렌을 보여줍니다. 두개골,거울 및 램프는 시간의 취약성을 회상하지만 침묵은 모든 상징을 지배합니다. 높이는 얼굴,손 및 빛; 장면에는 움직임이 필요하지 않으며 양초를 보는 인내심만이 상당한 철학적 작업을 수행합니다.
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앙리 마티스
창문이 열려있습니다, 콜리우르
1905 년 여름 콜리우르에서 그려진 이 작은 창문은 야수파의 창립작 중 하나입니다. 항구는 돛대와 눈부신 터치로 축소되었으며 프레임은 방을 외부 빛과 연결합니다. 마티스 장소의 색상을 복사하지 마십시오: 그는 허락을 구하지 않고 지중해에 가져올 때까지 그들을 증가.
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알렉세이 폰 야울렌스키
붉은 배경에 신비로운 여자의 머리
Jawlensky 는 점차적으로 현대 아이콘이 될 때까지 얼굴을 단순화합니다. 이 신비로운 머리는 전통적인 모델링을 대체하는 몇 가지 어두운 선과 빨간색 필드로 구성됩니다. 수직 형식은 다음을 강화합니다 정면성; 마치 초상화가 수다를 떨기 위해 문을 닫은 것처럼 명상적인 존재를 위해 사회적 정체성이 사라집니다.
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피에트 몬드리안
구성 번호 VI(파란색 외관)
몬드리안은 건축물이 선,창문 및 다채로운 평면의 네트워크가되는 단계에서이 파란색 외관을 칠합니다. 건물은 지각 할 수있게 남아 있지만 점차 깊이를 잃어 버립니다. 외관의 실제 수직성이 제공합니다 거의 추상적인 구조를 그리는 화가; 따라서 도시는 몬드리안이 마지막 세부 사항을 제거하기 전에 작업의 일부를 수행합니다.
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잭슨 폴록
반짝이는 물질
폴락은 큰 물방울이 떨어지기 전인 1946 년에 노랑,흰색, 갈색의 촘촘한 표면이 닿기 전에 Shimmering Substance 를 그렸습니다. 표지판은 명확하게 식별 가능한 중앙 패턴없이 겹칩니다. 수직 형식은 이것을 하나로 묶습니다 빛나는 벽과 같은 물질; 물질은 반짝이지만 그것이 무엇을 나타내야 하는지 명시하는 것을 지속적으로 거부합니다.
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잭슨 폴록
부활절과 토템
1953 년에 그려진 부활절과 토템은 폴록이 거의 비유적인 형태를 다시 도입한 후기 작품에 속한다. 선,색깔, 검은 색 표지판 중에서 수직 토템이 눈에 띈다. 제목은 기독교와 상상의 의식을 결합한 것이다 매우 개인적인 방식으로 인류학; 캔버스는 설명이라기보다는 프로그램이 의도적으로 잘못 배치되었을 의식과 유사합니다.
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잭슨 폴록
전체 경로 5
Full Fathom Five 는 1947 년 Pollock 이 전시 한 최초의 대형 물방울 중 하나였습니다. 물방울 아래에는 못,부품, 단추 및 기타 작은 물체가 재료에 잡혀 있습니다. 셰익스피어에서 빌린 제목은 깊이를 불러 일으 킵니다 해양; 수직 표면은 그가 돌아오기를 거부했던 모든 것을 가지고 올려진 바닥처럼 보입니다.
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에드바르트 뭉크
자화상. 시계와 침대 사이
뭉크는 생애 말년에 손이 없는 시계와 침대 사이에 그림을 그렸습니다. 시간과 그 끝을 상징적으로 측정하는 두 물체의 얼굴에는 서있는 몸이 얇아 보입니다. 작업장은 그림으로 가득 차 있지만 수직 형식은 인간 주변의 대차대조표를 강화합니다; 시계조차도 시간을 알려주지 않기로 결정했습니다.
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폴 고갱
백마
고갱은 1898 년 타히티 강을 향해 내려가는 백마를 그렸습니다. 색상과 모양은 관찰 된 풍경을 변형시키는 반면 배경의 라이더는 움직임을 연장시킵니다. 말은 하나처럼 높이를 가로지릅니다 외관, 그러나 작품은 또한 섬과 그 주민 주위에 고갱에 의해 구축 식민지 상상력에 속한다.
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창문, 정원, 거리 및 풍경이 세워졌습니다
오딜론 레돈
아폴로 탱크
레돈은 아폴로의 마차를 현명한 고고학적 삽화가 아닌 말과 빛의 회오리바람으로 만듭니다. 태양신은 색이 무게에서 자유로운 것처럼 보이는 공간으로 올라갑니다. 수직 형식은 상승에 잠재력을 최대한 발휘합니다 속도; 말은 일반적인 운송으로는 보장할 수 없는 에너지로 불가능한 일을 성취합니다.
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바실리 칸딘스키
Akhtyrka, 빨간 교회
칸딘스키는 무르나우의 풍경이 추상화로 바뀌던 몇 년 동안 아크티르카의 붉은 교회를 그렸습니다. 종탑,나무, 길은 강하게 대조되는 색상의 덩어리로 단순화되었습니다. 건물의 수직성이 역할을합니다 피벗; 마을은 여전히 알아볼 수 있지만 색상은 이미 행정적 독립을 주장하기 시작했습니다.
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에드거 드가
댄스 클래스
드가는 무대에서 승리가 아닌 댄스 수업을 보여줍니다. 학생들은 마스터 Jules Perrot 주변에서 기다리고,리허설을하거나, 의상을 조정하고,거울은 방을 확장합니다. 그림은 일에서 은혜를 쌓습니다 그리고 지루함; 각각의 유명한 아라베스크 이전에는 수정 사항을 듣는 데 많은 시간이 걸렸습니다.
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에드거 드가
카페에서 L'Absinthe는 말했습니다
드가는 근접성에도 불구하고 고립되어 파리 카페에 앉아있는 여성과 남성을 그립니다. 압생트,오프 센터 프레임 및 빈 테이블은 장면에 거의 사진 거리를 제공합니다. 여성 모델은 배우 엘렌이었습니다 앙드레; 그 그림은 마치 잔잔한 술이 도시 전체를 요약할 수 있는 것처럼 도덕적 쇠퇴로 비난을 받았습니다.
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에드거 드가
무대 위의 스타/댄서
드가는 높은 상자에서 본 무대 조명 아래에 수석 무용수를 배치합니다. 꽃다발, 투투, 수직 동작은 다른 아티스트의 컷 실루엣과 대조를 이룹니다. 스타는 중앙에 혼자 나타납니다 성공, 그러나 검은 옷을 입은 남자가 뒤에서 기다린다; 따라서 공공의 은혜는 매우 구체적인 사회적 그림자를 유지합니다.
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요하네스 베르메르
회화의 예술
베르메르는 역사의 뮤즈 클리오로 분장한 모델 앞에서 뒤에서 예술가를 그립니다. 네덜란드의 지도,샹들리에와 커튼은 작업장을 회화와 기억에 대한 반영으로 변화시킵니다. 화가가 그의 때까지 보존합니다 죽은 작품은 직업의 야망을 조용히 확증합니다; 모델은 포즈를 취하지만 역사는 이미 결과를 모니터링하고 있습니다.
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요하네스 베르메르
콘서트
콘서트는 장면에 다른 이야기를 추가하는 그림 근처의 조용한 실내에서 세 명의 음악가를 보여줍니다. 1990 년 이사벨라 스튜어트 가드너 박물관에서 도난당한 작품은 추적 할 수 없습니다. 이 부재는 그의 명성을 강화하지 않고 접근성을 향상시키다; 따라서 칠해진 음악은 아무도 찾는 방법을 모르는 방에서 계속됩니다.
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요하네스 베르메르
와인 한 잔을 든 소녀
베르메르는 한 젊은 여성이 유리잔을 들고 있는 모습을 한 남자 근처에 놓고 반쯤 열린 창문으로,스테인드 글라스 창문과 식탁보,얼굴은 그 결과가 아직 결정되지 않은 유혹의 장면을 암시한다. 세로 형식은 등장인물들을 하나로 모으지만 아무것도 해결하지 못한다; 와인은 의도보다 더 쉽게 유통됩니다.
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클로드 모네
정원의 여성들
모네는 1866 년 -1867 년 Ville-d'Avray 의 정원에서 야외에서 네 명의 여성을 그렸으며 Camille 을 여러 인물의 모델로 사용했습니다. 기념비적 인 캔버스는 높이에서 작업 할 수 있도록 참호로 내려갔습니다. THE 수직 형식은 정원을 실물 크기의 장면으로 변화시킵니다; 여기서 인상주의는 빛만큼 많은 토공사를 요구합니다.
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클로드 모네
파리의 몽토르게유 거리. 1878년 6월 30일 축제
모네는 만국박람회 기간 동안 조직된 국경일의 날인 1878 년 6 월 30 일에 깃발로 장식된 rue Montorgueil 을 그렸다. 발코니에서 보면 깃발의 흐름은 군중들 위로 빨강,파랑, 흰색의 진동이 된다. 그곳에서 오퇴르는 공식적인 연설을 하지 않고도 시청자를 도시에 몰입시킨다; 파리는 집단 운동으로 변모한다.
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클로드 모네
우산을 오른쪽으로 향하고 있는 여자
모네는 1886 년 지베르니의 초원에서 우산 아래 낮은 각도에서 본 수잔 호세데를 그렸다. 하늘이 거의 캔버스 전체를 차지하는 동안 바람이 잔디와 베일을 기울인다. 초상화는 a 의 감각보다 먼저 희미해진다 밝은 순간, 구름이 마음을 바꿀 시간이 없을 만큼 빠르게 포착되었습니다.
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클로드 모네
우산을 쓴 여자가 왼쪽으로 돌아섰습니다
우산을 쓴 이 두 번째 여인은 모델을 왼쪽으로 돌려 바람,구름, 빛을 완전히 재구성합니다. 모네는 두 그림을 심리적인 초상화보다는 변형으로 디자인합니다. 형식 수직은 하늘에 기념비적인 장소를 제공합니다; 날씨가 그 자세를 정확히 반복하지 않는다는 것을 보여주기 위해서는 단순한 방향만으로도 충분합니다.
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클로드 모네
아르장티외 정원의 카미유 모네(1847-1879)
모네는 아르장퇴유 정원에서 꽃과 여과된 빛 사이에서 카밀을 표현합니다. 수직 형상은 가족의 존재감을 잃지 않고 정원에 통합됩니다. 1879 년 카밀이 일찍 죽기 전에 그려진 작품은 곰입니다 오늘날 밝은 색상이 아직 발표하려고 하지 않았던 회고적인 친밀감이 있습니다.
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카스파 다비드 프리드리히
뤼겐 섬의 백악 절벽
프리드리히는 1818 년경 곡선 나무를 통해 뤼겐의 분필 절벽을 관조 한 커플을 그렸습니다. 중앙 공허는 인물이 달라 붙거나 무릎을 꿇거나 바라 보는 동안 바다로 열립니다. 숭고한 풍경은 하나가 아닙니다 간단한 파노라마; 자연적인 환경조차도 방문객들에게 옆으로 다가가는 것은 매우 나쁜 생각이라는 것을 상기시켜 주는 것 같습니다.
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카스파 다비드 프리드리히
창가에 있는 여자
프리드리히는 드레스덴 스튜디오에서 엘베 강의 돛대를 바라보는 여성을 뒤에서 보여줍니다. 테두리,셔터 및 드레스는 내부와 외부 세계 사이에서 조용한 기다림을 구성합니다. 수직 형식은 그림과 XNUMX 을 따릅니다 창; 거의 일어나지 않지만 전체 그림은 더 멀리 보고 싶은 욕구에 기초합니다.
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빈센트 반 고흐
후진에서 본 오베르 쉬르 우아즈 교회
반 고흐는 1890 년 6 월,죽기 몇 주 전에 오베르 교회를 그렸습니다. 곡선은 강렬한 푸른 하늘 아래,분산 경로 위의 건물을 물결 모양으로 만듭니다. 기념비적 인 교회는 안정적이지도 보호적이지도 않은 것처럼 보입니다; 두 개의 작은 도로가 그 주위를 지나가는데, 마치 풍경이 어느 방향으로 가야 할지 망설이는 듯하다.
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제임스 애보트 맥닐 휘슬러
파란색과 금색의 녹턴 - 배터시의 오래된 다리
휘슬러는 파란색과 금색 조명과 반사판 앞에 오래된 배터시 다리를 어두운 실루엣으로 그립니다. 일본 판화에서 영감을 받아 지형학적 묘사보다 다채로운 조화를 선호합니다. 다리는 높이를 가로지릅니다 거의 추상적인 단순함으로; 런던은 세부 사항이 일찍 돌아올 수 있는 야행성 음악이 됩니다.
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알프레드 시슬리
비가 내린 후 모레 교회
시슬리는 종종 모레 쉬르 로잉 교회로 돌아와서 비가 오거나 해가 지거나 서리가 내리면 그 외관이 어떻게 변하는지 관찰합니다. 폭우가 내린 후 축축한 돌은 차가운 빛을 반사하고 거리는 눈을 안내합니다. 의 수직성 종탑은 움직이는 분위기를 안정시킵니다; 건축물은 인상파 구름에 비해 길고 눈에 띄는 이점을 제공합니다.
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호아킨 소롤라
라 그란하의 마리아
소로야는 나무,길과 반사 사이에 라 그란자의 정원에서 마리아를 그립니다. 가족 초상화는 그 주제를 장소의 빛과 공유하며,이는 드레스와 나뭇잎을 조각냅니다. 젊은 여성은없이 명확한 존재를 유지합니다 정원에서 고립되어 있음; Sorolla의 집에서 가족 자체는 태양과 함께 포즈를 취하는 법을 배웁니다.
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존 윌리엄 워터하우스
오렌지 따는 사람들
워터하우스는 오렌지 따는 사람을 이상적인 지중해 정원에 배치합니다. 잎사귀에 분포된 수확 동작,드레스 및 과일은 색상에 대한 서사적 구조를 제공합니다. 장면은 빅토리아 시대의 취향에 속합니다 꿈을 위해 이탈리아: 확실히 농업 작업이지만 의상 서비스와 편안한 수단을 갖춘 조명이 있습니다.
그림을 참조하십시오 →형식의 해부학
수직에 거주하는 다섯 가지 방법
수직 형식은 매우 안정적인 중심 축을 지원할 수 있지만 가장 강한 구성은 단조로움을 피합니다. 팔,건축 대각선,커튼 또는 사라지는 선이 등반을 방해합니다. 공간 측면도 결정적인 역할을 합니다: 실루엣을 분리하거나, 패턴에 공기를 주거나, 프레임의 압력을 느끼게 합니다.
비율도 효과를 변화시킵니다. 적당한 수직은 창 가까이에 남아 있으며 베르메르 인테리어에 적합합니다. 매우 가느다란 형식은 Waterhouse 또는 Klimt 와 마찬가지로 그림을 기둥에 더 가깝게 만듭니다. 둘 사이에서 풍경 화가와 현대 예술가들은 평면의 중첩을 이용합니다: 땅, 패턴, 수평선 및 하늘은 동일한 독서의 4 박자가됩니다.
그림이나 건축물은 이미지에 안정성을 부여하고 높이를 즉시 측정할 수 있게 해줍니다.
위로 올라가는 운동량을 차단하고 움직임을 만들어내며 구성이 대칭이나 고정이 되는 것을 방지합니다.
전경, 중앙 및 상부는 내러티브, 공간 또는 빛나는 진행을 구성합니다.
패턴 주변의 침묵은 패턴의 존재를 강화하고 프레임에 눈에 띄는 압력을 부여합니다.
터치, 컬러, 사인은 이미지를 구성하는 인물이 없더라도 눈을 위쪽으로 이끈다.
초상화, 몸, 건축, 하늘
구성이 일어설 때
각 그림은 그것의 높은 체재가 그것의 효력에 진짜로 기여하기 때문에 선택되었습니다: 그것은 실루엣을 확장하고, 상승을 조직하거나 얼굴의 주위에 장면을 바짝 죄었습니다.명성과 역사적인 중요성은 그 때 앞줄을 분리합니다.
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