Top 100 - 20 세기의 필수 그림
20 세기의 100 가지 필수 그림
황금 프레임에서 길을 잃지 않고 20 세기의 필수 그림을 교차시키는 문화적, 시각적 및 약간 장난스러운 분류.
이 백개의 그림은 1900 년부터 1999 년까지 20 세기에 걸쳐 있으며,마지막 분리파부터 전후 기간까지,그들은 파리,비엔나, 뮌헨,베를린, 모스크바,뉴욕, 멕시코 및 다른 많은 가정 사이의 색상,그림 및 공간의 변형을 따릅니다.
그림이 규칙을 여러 번 바꾼 세기
자유로운 색상, 추상화, 현대 세계 사이의 그림 100점
세기 초,그림은 여전히 초상화,풍경, 역사적 장면과 훌륭한 장식의 프레임을 가지고 있었다. 클림트,마티스, 루소,보나르와 실레는 그럼에도 불구하고 색상,선 및 장식에 새로운 자율성을 부여하여 내부에서 변형 시켰습니다.
20 세기에 회화는 원근법을 버리고 찾아내고 잘라내고 납작하게 만들고 때로는 복도에서 기다리라고 요청했다. 다른 세기는 완고하게 이미지를 계속 만들면서 자신의 규칙을 그렇게 변형시키지 않았다.이미지로 전환
이미지의 분류
클림트, 마티스, 말레비치, 칸딘스키, 몬드리안, 호퍼, 칼로, 폴록이 보편적인 랜드마크가 된 작품으로 루트를 엽니다.
#1
키스
두 연인은 두 몸을 은밀하게 반대하는 모티브를 가진 황금색 직사각형으로 몸을 감싸고 있습니다. 클림트는 금속 호일,장식 및 육욕적 인 모델링을 결합하여 "황금기"의 절정 인 1909 년에 Le Baiser 를 완성했습니다. 꽃 초원은 마치 포옹이 또한 장식의 평범한 법칙을 중단시킨 것처럼 거의 깊이가없는 공간의 가장자리에 부부를 붙잡고 있습니다. 따라서 그림은 아이콘의 기념비적 인 존재와 몸짓의 친밀감을 결합합니다.
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#2
춤
다섯 벌거 벗은 인물은 지구와 하늘 사이의 녹색 언덕에서 회전하며 원을 늦출 수있는 장식이 없습니다. Matisse 는 몸,색상 및 공간을 단순화하여 움직임이 한 손에서 다른 손으로 흐르게합니다. 수집가 Sergei Shchukin 을 위해 1909-1910 년에 그려진 댄스는 색상에 주제만큼 강력한 자율성을 부여합니다. 그러나 장면의 명백한 증거는 집단적 운동량,중앙 공허 및 원의 파열 사이의 매우 정확한 균형에 달려 있습니다.
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#삼
블랙 스퀘어
약간 불규칙한 검은 사각형은 붓과 시간의 흔적을 보존 흰색 배경에 떠있다. 전시 "0.10"에서 1915 년에 제시, 검은 광장은 다음 방의 위쪽 모서리를 차지, 러시아 집에서 아이콘의 전통적인 위치를 말레비치는 간단한 기하학적 운동을 제공하지 않습니다: 그는 개체의 표현에서 해방 된 출발점을 추구. 그림은 문턱이된다, 그 야망과 놀랍게도 소재에 급진적 자세히 관찰 할 때.
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#4
구성 VII
칸딘스키는 선,호, 색칠된 질량과 표식을 그 어떤 인물도 독서를 영구적으로 지배하지 못하는 표면에 결합시킨다. 구성 VII 는 그림,수채화 및 연구에 대한 오랜 준비 끝에 1913 년 11 월 뮌헨에서 그려졌다. 부활,홍수 및 심판의 주제는 인식 할 수있는 이야기보다는 긴장의 형태로 남아있다. 이 작품은 추상화가 이미지의 기억을 포기하지 않고 기념비적 인 강렬함을 생산할 수 있음을 보여줍니다.
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#5
브로드웨이 부기우기
몬드리안은 뉴욕 그리드를 노란색,빨간색, 파란색 및 회색 밴드의 활기찬 네트워크로 변형시킵니다. 1942 년에 시작되어 1943 년에 완성 된 Broadway Boogie Woogie 는 초기 작곡의 커다란 검은 선을 작은 색상의 직사각형의 맥동으로 대체합니다. 제목은이 구조를 맨해튼의 계획과 부기 우기의 당김 리듬과 직접 연관시킵니다. 현대 도시는 건물로 표현되지 않습니다: 그것은 종지,순환 및 전등이됩니다.
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#6
나이트호크스
네 사람이 밤 저녁 식사를 차지 누구의 퇴창은 거의 빈 거리에 내부 빛을 노출. 호퍼는 1942 년,최근 전쟁에 들어간 미국에서 나이트 호크 그린,명백한 정치적 일화로 장면을 변환하지 않고,삼각형 카운터는 그들의 고립을 강조하면서 함께 인물을 제공합니다,어떤 눈에 보이는 문이 정말 장소에 시청자를 연결하지 않기 때문에. 그림의 명성은이 지속적인 모순에 기인한다: 모든 것이 눈에 제공하지만 아무것도 입구를 허용하지 않습니다.
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#7
미국 고딕
한 농부가 네오 고딕 양식의 집 앞에 갈퀴를 들고 시선이 약간 돌아선 여성과 함께합니다. 그랜트 우드는 1930 년 아이오와 저택을 발견 한 후 미국 고딕 양식을 그렸고 그의 여동생과 치과 의사에게 포즈를 취하도록 요청했습니다. 포크의 모양은 캐릭터의 솔기,창문 및 실루엣에서 반복되어 이미지에 거의 전령 적 엄격함을 부여합니다. 외모에 따라 부부는 엄격하고 위엄 있거나 풍자적으로 보입니다: 미국 회화는 방금 국가 수수께끼를 수상했습니다.
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#8
부서진 기둥
프리다 칼로는 코르셋에 의해지지되고 척추 대신 부러진 이온 기둥이 교차 한 몸통을 열어 자신을 나타냅니다. 피부에 흩어져있는 손톱은 사막 풍경이 멀리 보지 않고 연장되는 만성 통증을 눈에 띄게 만듭니다. 새로운 의학적 개입 후 1944 년에 그려진 부서진 기둥은 초상화를 상징적 인 해부학으로 변형시킵니다. 눈물은 그러나 모델의 정면성을 취소하지 않습니다: 취약성과 저항은 정확히 같은 몸을 차지합니다.
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#9
융합
검은색,흰색, 빨간색,노란색 및 파란색 필라멘트가 거대한 표면에서 교차하며 그 중심이 판독값을 안정시키지 못합니다. 폴록은 1952 년에 땅에 놓인 캔버스 주위에 그림을 붓고 투사하여 컨버전스를 만들었습니다. 연속된 레이어는 단일 제스처의 흔적으로 축소되지 않고 화가의 움직임을 기록합니다. 연속된 레이어는 단일 제스처의 흔적으로 축소되지 않고 화가의 움직임을 기록합니다. 작품은 구성을 연속적인 장으로 만듭니다: 시선은 더 이상 장면을 고려하지 않으며 가장자리를 넘어서는 것처럼 보이는 에너지로 측정됩니다.
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#10
아델 블로흐-바우어 1 세의 초상화
Adèle Bloch-Bauer 는 안락 의자,드레스 및 배경이 합쳐지는 경향이있는 금색 표면에 나타납니다. 클림트는 1907 년에 얼굴 관찰,기하학 패턴,기호 및 귀중한 자료를 혼합하여 초상화를 그렸습니다. 꽉 쥔 손은 모델의 특이성을 보존하는 반면 장식은 그녀의 몸을 거의 전례적인 모습으로 변형시킵니다. 나치즘 하에서 약탈당한 후 상속인에게 돌아간 캔버스의 다사 다난 한 역사는 세기의 기억에서 그 자리를 더욱 강화했습니다.
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#11
레드 워크숍
마티스는 거의 전적으로 그의 작업실을 연속적인 베네치아 레드로 덮고 있으며,가구와 물건들은 얇은 색상의 예비품만 남기고 있다. 1911 년 가을에 그려진 라틀리에 루즈는 그의 작업 공간에 실제로 존재하는 여러 작품들을 이미지로 모아 놓았다. 원근감은 억압되지 않고 색에 의해 불안정하게 만들어지며,이는 물건을 담으면서 물건들 앞으로 전진한다. 이 그림자 없는 작품은 배경을 그림의 주요 사건으로 만들어 현대 회화의 역사를 깊이 표시했다.
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#12
꿈
벌거 벗은 여자가 사자,새, 꽃과 뱀이 컴팩트 한 초목에 나오는 정글의 한가운데 소파에 휴식. 루소는 파리에서 사용할 수있는 온실,정원 및 이미지에서 열대 지방을 여행하지 않고 1910 년에 르 레브를 그렸습니다. 야드 위가의 모습은 거실에 동시에 설치되어 그녀가 상상하는 숲으로 이송 된 것처럼 보입니다. 야드 위가의 모습은 거실에 동시에 설치되어 그녀가 상상하는 숲으로 이송 된 것처럼 보입니다. 따라서 작품은 건설에서도 꿈의 논리를 전달합니다: 불가능은 완벽하게 평온해집니다.
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#13
구성 VIII
원,대각선, 바둑판,각도 및 물결 모양의 선은 거의 음악적 정밀도로 가벼운 배경에 구성됩니다. 칸딘스키는 바우하우스에 도착한 직후인 1923 년 7 월에 작곡 VIII 을 그렸습니다. 그곳에서 모양과 색상의 관계에 대한 그의 반성은 더욱 체계화되었습니다. 이미지는 10 년 전 작곡 VII 의 소란을 찾지 않고도 역동적으로 유지됩니다. 기하학은 냉정함을 의미하지 않습니다: 반대로 무게,속도, 거리 및 시각적 사운드를 다양하게 할 수 있습니다.
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#14
거리에 다섯 명의 여자
베를린 패션으로 옷을 입은 다섯 명의 여성들이 날카로운 각도와 산성 색상으로 압축 된 거리에 서 있습니다. Kirchner 는 1913 년에 도시 장면에서 대도시를 속도,욕망 및 소외의 극장으로 묘사했을 때 거리의 다섯 명의 여성을 그렸습니다. 우아한 실루엣은 익명이되지 않고 서로 닮았으며 각각 그룹의 리듬을 약간 바꿨습니다. 현대 도시는 그들 주위에 거의 나타나지 않습니다: 이미 날카로운 자세로 새겨져 있습니다.
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#15
죽음과 어린 소녀
한 남자가 어둡고 거의 벌거벗은 풍경 한가운데서 몸이 하얀 시트로 무너지는 젊은 여성에게 달라붙는다. 실레는 군복무 직전인 1915 년에 죽음과 처녀를 그렸다. 그리고 에디스 함스와 결혼하기 직전인 1915 년에 죽음과 처녀라는 전통적인 주제를 두 인물이 취한다. 여기 두 인물은 죽음과 소녀라는 전통적인 주제를 취하지만,여기 화가는 우화를 개인적인 작별의 긴장감을 감싸는 만큼 포옹이 보호해 그림에 깊은 감정적 모호함을 남긴다.
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#16
세네시오
원형 얼굴은 편평한 빨강,노랗고, 백색 및 갈색 지역에서,마스크, 초상화 및 표시 사이 건설됩니다. Klee 는 그것의 광택이 없고는 약간 불규칙한 표면에 공헌하는 지원인 마분지에 거즈에 1922 년에 Senecio 를 그렸습니다. 상쇄 눈 및 기하학적인 분할은 머리가 단 하나 표정으로 침전하는 것을 막습니다. 일은 이 아주 현대 균형에 맞습니다: 몇몇 기본적인 모양은 친밀하기도 하고 불안정한 인간적인 존재를 일으키기에 충분합니다.
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#17
우드니
피카비아는 우드니에 곡선 평면,색깔 파편 및 동시에 회전하고 충돌하는 것처럼 보이는 모양의 메커니즘을 전개합니다. 1913 년에 그려진 캔버스는 예술가의 미국 여행 인상과 교차 중에 본 댄서의 기억과 연결되어 있습니다. 그러나 수수께끼 같은 제목은 추상화를 식별 가능한 장면으로 축소하는 것을 거부합니다. 3 미터 형식으로 작품은 현대적인 움직임에 큰 설정의 규모를 부여합니다.
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#18
대명사 19D
Lissitzky 는 벽에서 피벗 할 수있는 것처럼 보이는 공간에서 사각형,대각선, 원,질감 및 경사면을 조립합니다. 1920 년 또는 1921 년 날짜의 Proun 19D 는 이름이 "새로운 것의 확인을위한 프로젝트"를 지정하는 시리즈에 속합니다. 작가는 나무,종이, 모래 및 금속 호일만큼 다양한 재료를 사용하여 그림,타이포그래피 및 건축을 결합합니다. 작가는 나무,종이, 모래 및 금속 호일만큼 다양한 재료를 사용하여 그림,타이포그래피 및 건축 표면을 창문이 아닌 공간이 건설 될 실험 장소로 만듭니다.
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#19
다다 구성 (플랫 헤드)
소피 태우버-아프는 그녀의 유명한 다다 헤드의 정면 구조를 얼굴,격자 및 장식 패턴 사이의 직사각형으로 바꿉니다. 1920 년에 만들어진 Composition dada 는 기하학적인 평평한 영역,눈의 표시 및 식물 조각을 미세 예술과 응용 예술 사이의 계층 구조없이 결합합니다. 판지에 접착 된 캔버스는 매우 밝은 색상으로 연주하면서 건축의 정밀도를 유지합니다. 이 고의적 인 인도 주의적 합성은 작품을 다다와 구성 주의자 추상화 사이의 주요 이정표로 만듭니다.
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#20
가장 위대한 10대, n° 2, 어린 시절
나선,꽃, 편지 및 유기적 인 모양이 3 미터 이상의 시트에 펼쳐지며 빛나는 장미,파란색, 노란색 및 오렌지로 나타납니다. Hilma af Klint 는 Paintings for the Temple 의주기 내에서 1907 년에 The Ten Greatest,n° 2,Childhood 를 그렸습니다. 이 시리즈는 추상화가 유럽에서 공개적으로 자리 잡기 전에 정교한 상징적 언어를 통해 삶의 시대를 불러 일으 킵니다. 그 규모는 그림을 환경으로 변화시킵니다: 어린 시절은 더 이상 그림이 그려진 주제가 아니라 건너야 할 색채 세계입니다.
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#21
모자에 여자
"모자 속의 여인"은 각 색이 이웃의 무게를 수정하는 힘의 장으로 표면을 구성합니다. "모자 속의 여인"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1905 년으로 작성된이 그림은 앙리 마티스의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "모자 속의 여인"의 경우,이 작품은 세기가 서로 반응하는 경험을 통해보다 수밀 스타일의 연속을 통해 덜 발전한다는 것을 상기시켜줍니다.
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#22
럭셔리하고 차분하며 풍만합니다
"고급스럽고 차분하며 풍만함"은 프레이밍을 현장을 현대적인 시선에 더 가깝게 만드는 결정적인 도구로 만듭니다. "고급스럽고 차분하며 풍만함"을 위해 화가는 상속받은 주제를 자신의 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 재구성합니다. 1904 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 앙리 마티스의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "고급스럽고 차분하며 풍만함"을 위해이 개인적인 발명은 따라서 회화적 현대성의 위대한 집단적 질문 중 하나에 합류합니다.
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#23
사는 행복
"Le Bonheur de vivre"는 형태의 단순화와 재료에 대한 매우 구체적인 관심을 결합합니다. "Le Bonheur de vivre"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감을 부여하기 위해 1905-1906 년으로 거슬러 올라가면이 그림은 Henri Matisse 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Le Bonheur de vivre"의 경우이 그림은 Henri Matisse 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Le Bonheur de vivre"의 경우 유산과 발명 사이의 이러한 긴장은 그림이 20 세기의 랜드마크로 남아있는 이유를 설명합니다.
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#24
레드 트롤리
"La Desserte rouge"는 대각선,반복 및 리듬 편차를 통해 눈을 이끌어냅니다. "La Desserte rouge"의 경우 화가는 상속 된 주제를 자신의 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 재구성합니다. 1908 년으로 작성된이 그림은 Henri Matisse 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "La Desserte rouge"의 경우 그림은 따라서 세기의 구체적인 연대기에 시간의 질문을 배치합니다. "La Desserte rouge"의 경우 그림은 따라서 시간의 질문을 훨씬 더 긴 회화의 역사로 가져옵니다.
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#25
금붕어
"골드피쉬"는 인식할 수 있는 패턴을 색과 공간의 자율적 경험으로 변화시킨다. "골드피쉬"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 벗어난 색을 위한 실험실 역할을 한다. 1912 년으로 제작된 이 그림은 앙리 마티스의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 담았다. "골드피쉬"의 경우 그림은 특정 순간에 속하지만 시각적 솔루션은 여러 세대에 걸쳐 계속 작동할 것이다.
발견하다 →야수파, 표현주의, 나비스, 원시주의는 풍경, 초상화, 인테리어를 색채 경험으로 변화시킵니다.
#26
콜리우르의 프랑스 창문
"콜리우르의 창문 문"은 긴장감,구성의 안정성 및 움직임의 감각을 가져옵니다. "콜리우르의 창문 문"으로 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1914 년으로 작성된이 그림은 앙리 마티스의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "콜리우르의 창문 문"의 경우 결과는 저자의 매우 구체적인 특이성을 잃지 않고 역사적 단절을 요약합니다.
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#27
뱀 부리는 사람
"뱀의 매력"은 대조적인 표현을 사용하여 감정을 이야기에 담지 않고 보이게 합니다. "뱀의 매력"에서는 자연,동물 또는 상징이 단순한 모방에서 벗어난 색을 위한 실험실 역할을 합니다. 1907 년으로 제작된 이 그림은 앙리 루소의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 담았습니다. "뱀의 매력"의 경우,그 힘은 마침내 형식적인 연구를 관객이 접근할 수 있는 경험으로 전환시킨다는 사실에서 비롯됩니다.
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#28
배고픈 사자는 영양에게 몸을 던진다
"배고픈 사자는 영양에게 몸을 던진다"는 것은 관찰 된 세부 사항을 더 크고 거의 건축 적 건축물과 대화로 가져옵니다. "배고픈 사자는 영양에게 몸을 던진다"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 해방 된 색상의 실험실 역할을합니다. 1905 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 앙리 루소의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "배고픈 사자는 영양에게 몸을 던진다"는 점에서이 여행에서 그 위치는 시선의 지속적인 변화를 감지 할 수있는 방식 때문입니다.
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#29
사자의 만찬
"사자의 식사"는 그림의 계획에 더 많은 권위를 부여하기 위해 전통적인 관점을 무시합니다. "사자의 식사"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 해방 된 색상의 실험실 역할을합니다. 1907 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 앙리 루소의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "사자의 식사"의 경우 이미지의 명성이 장치가 구성 된 정밀도를 가리지 않아야합니다.
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#30
목욕에서 알몸
"욕조에서의 누드"는 몸짓,기하학 및 현실에 대한 기억을 즉시 식별 가능한 이미지로 결합합니다. "욕조에서의 누드"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1936 년으로 작성된이 그림은 피에르 보나르의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "목욕탕에서의 누드"의 경우 이미지는 독특한 해석에 저항하면서 작품을 즉시 읽을 수있는 방법을 보여줍니다.
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#31
점심
"르 데주너"는 각 색이 이웃의 무게를 수정하는 힘의 장으로 표면을 조직합니다. "르 데주너"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 1923 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 피에르 보나르의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "르 데주너"의 경우 작품은 세기가 서로 반응하는 경험보다 수밀 스타일의 연속을 통해 덜 발전한다는 것을 상기시킵니다.
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#32
시골 식당
"시골의 식당"은 프레임을 현장을 현대적인 시선에 더 가깝게 만드는 결정적인 도구로 만듭니다. "시골의 식당"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 해방 된 색상의 실험실 역할을합니다. 1913 년으로 작성된이 그림은 피에르 보나르의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "시골의 식당"의 경우이 개인적인 발명품은 따라서 회화적 현대성의 위대한 집단적 질문 중 하나에 합류합니다.
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#33
미모사 워크숍
"L'Atelier au mimosa"는 형상의 단순화와 재료에 대한 매우 구체적인 관심을 결합합니다. "L'Atelier au mimosa"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 해방 된 색상의 실험실 역할을합니다. 1939-1946 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Pierre Bonnard 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "L'Atelier au mimosa"의 경우 유산과 발명 사이의 이러한 긴장은 그림이 20 세기의 랜드마크로 남아있는 이유를 설명합니다.
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#34
구성 VI
"구성 VI"는 대각선,반복 및 리듬 편차를 통해 눈을 유도합니다. "구성 VI"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1913 년으로 작성된이 그림은 바실리 칸딘스키의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "구성 VI"의 경우이 그림은 바실리 칸딘스키의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "구성 VI"의 경우 그림은 따라서 훨씬 더 긴 회화 역사로 그 시대의 질문을 가져옵니다.
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#35
구성 X
"구성 X"는 인식 가능한 패턴을 색상과 공간의 자율적 인 경험으로 변형시킵니다. "구성 X"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1939 년으로 작성된이 그림은 바실리 칸딘스키의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "구성 X"의 경우 그림은 특정 순간에 속하지만 시각적 솔루션은 여러 세대에 걸쳐 계속 작동합니다.
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#36
일부 서클
"일부 서클"은 구성의 안정성과 움직임의 감각을 결합합니다. "일부 서클"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1926 년부터 시작된이 그림은 바실리 칸딘스키의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "일부 서클"의 경우 결과는 저자의 매우 구체적인 특이점을 잃지 않고 역사적 단절을 요약합니다.
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#37
노란색-빨간색-파란색
"노랑-빨강-파랑"은 대조적인 표현을 사용하여 감정을 이야기에 담지 않고 보이게 한다. "노랑-빨강-파랑"의 경우,화가는 자신의 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 상속된 주제를 재구성한다. 1925 년으로 거슬러 올라가는 이 그림은 칸딘스키의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치한다. "노랑-빨강-파랑"의 경우,그 힘은 마침내 형식적인 연구를 관객이 접근할 수 있는 경험으로 전환시킨다는 사실에서 비롯된다.
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#38
스카이 블루
"Bleu de ciel"은 관찰 된 세부 사항을 더 크고 거의 건축 적 구성으로 대화에 가져옵니다. "Bleu de ciel"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1940 년부터 시작된이 그림은 칸딘스키의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Bleu de ciel"의 경우이 여행에서 그 위치는 시선의 지속적인 변화를 감지 할 수있는 방식으로 인한 것입니다.
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#39
붉은 광장: 2차원 농민 여성의 회화적 사실주의
"붉은 사각형: 2 차원 농민 여성의 회화적 사실주의"는 그림의 계획에 더 많은 권위를 부여하기 위해 전통적인 관점을 무시합니다. "붉은 사각형: 2 차원 농민 여성의 회화적 사실주의"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1915 년부터 시작된이 그림은 Kazimir Malevich 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "붉은 사각형: 2 차원 농민 여성의 회화적 사실주의"의 경우,이 그림은 Kazimir Malevich 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "붉은 광장: 2 차원 농민 여성의 회화적 사실주의"의 경우,이미지의 명성은 그의 장치가 구성 된 정밀도를 가리지 않아야합니다.
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#40
빨간색, 파란색, 노란색으로 구성됩니다
"빨간색,파란색 및 노란색의 구성"은 즉시 식별 가능한 이미지에서 제스처,기하학 및 현실의 기억을 결합합니다. "빨간색,파란색 및 노란색의 구성"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1930 년부터 시작된이 그림은 피에트 몬드리안의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "빨간색,파란색 및 노란색의 구성"의 경우이 그림은 피에트 몬드리안의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "빨간색,파란색 및 노란색의 구성"의 경우 이미지는 독특한 해석에 저항하면서 작품을 즉시 읽을 수있는 방법을 보여줍니다.
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#41
뉴욕시 I
"뉴욕시 I"은 각 색상이 이웃의 무게를 수정하는 힘의 장으로 표면을 구성합니다. "뉴욕시 I"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 1942 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 피에트 몬드리안의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "뉴욕시 I"의 경우 작품은 세기가 서로 반응하는 경험을 통해보다 수밀 스타일의 연속을 통해 덜 발전한다는 것을 상기시킵니다.
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#42
지저귀는 기계
"Chirping machine"은 프레이밍을 현장을 현대의 시선에 더 가깝게 만드는 결정적인 도구로 만듭니다. "Chirping Machine"의 경우 화가는 상속 된 주제를 자신의 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 재구성합니다. 1922 년으로 작성된이 그림은 Paul Klee 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Chirping Machine"의 경우이 개인적인 발명은 따라서 회화적 현대성의 위대한 집단적 질문 중 하나에 합류합니다.
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#43
광고 파르나섬
"Ad Parnassum"은 형태의 단순화와 재료에 대한 매우 구체적인 관심을 결합합니다. "Ad Parnassum"의 경우 화가는 상속 된 주제를 자신의 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 재구성합니다. 1932 년으로 작성된이 그림은 Paul Klee 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Ad Parnassum"의 경우 유산과 발명 사이의 이러한 긴장은 그림이 20 세기의 랜드마크로 남아있는 이유를 설명합니다.
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#44
안젤루스 노부스
"Angelus Novus"는 대각선,반복 및 리듬 편차를 통해 눈을 이끌어냅니다. "Angelus Novus"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1920 년부터 시작된이 그림은 Paul Klee 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Angelus Novus"의 경우이 그림은 Paul Klee 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Angelus Novus"의 경우 그림은 따라서 훨씬 더 긴 회화 역사에 시간의 질문을 가져옵니다.
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#45
물고기의 마법
"물고기의 마법"은 인식 가능한 패턴을 색과 공간의 자율적 인 경험으로 변형시킵니다. "물고기의 마법"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1925 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Paul Klee 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "물고기의 마법"의 경우 그림은 특정 순간에 속하지만 시각적 솔루션은 여러 세대에 걸쳐 계속 작동합니다.
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#46
청마 I
"Blue Horse I"은 긴장감,구성의 안정성 및 움직임의 감각을 가져옵니다. "Blue Horse I"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 해방 된 색상의 실험실 역할을합니다. 1911 년으로 작성된이 그림은 Franz Marc 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Blue Horse I"의 경우 결과는 저자의 매우 구체적인 특이성을 잃지 않고 역사적 단절을 요약합니다.
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#47
노란 소
"노란 소"는 대조적인 표현을 사용하여 감정을 이야기에 담지 않고 보이게 한다. "노란 소"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 벗어난 색을 위한 실험실 역할을 한다. 1911 년으로 제작된 이 그림은 프란츠 마르크의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 담았다. "노란 소"의 경우,그 힘은 마침내 형식적인 연구를 관객이 접근할 수 있는 경험으로 전환시킨다는 사실에서 비롯된다.
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#48
녹색 재킷에 여자
"녹색 재킷을 입은 여성"은 관찰 된 세부 사항을 더 크고 거의 건축 적 구조로 대화에 가져옵니다. "녹색 재킷을 입은 여성"에서 자세,의복 및 시선의 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재감을 구성합니다. 1913 년으로 작성된이 그림은 August Macke 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "녹색 재킷을 입은 여성"의 경우이 여행에서 그 위치는 시선의 지속적인 변화를 눈에 띄게 만드는 방식 때문입니다.
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#49
걷다
"산책로"는 그림의 계획에 더 많은 권위를 부여하기 위해 전통적인 관점을 무시합니다. "산책로"를 통해 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1913 년으로 작성된이 그림은 August Macke 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "산책로"의 경우 이미지의 명성이 장치가 구성 된 정밀도를 가리지 않아야합니다.
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#50
베를린의 거리
"Street in Berlin"은 몸짓,기하학 및 현실에 대한 기억을 즉시 식별 가능한 이미지로 결합합니다. "Street in Berlin"을 통해 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1913 년으로 작성된이 그림은 Ernst Ludwig Kirchner 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Street in Berlin"의 경우 이미지는 독특한 해석에 저항하면서 작품을 즉시 읽을 수있는 방법을 보여줍니다.
발견하다 →입체파, 오르피즘, 미래주의, 다다파, 구성주의는 공간을 조각화하고, 기계를 기념하거나 완전히 새로운 언어를 조직합니다.
#51
군인으로서의 자화상
"군인으로서의 자화상"은 각 색상이 이웃의 무게를 수정하는 힘의 장으로 표면을 구성합니다. "군인으로서의 자화상"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1915 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Ernst Ludwig Kirchner 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "군인으로서의 자화상"의 경우 작품은 세기가 서로 반응하는 경험을 통해보다 수밀 스타일의 연속을 통해 덜 발전한다는 것을 상기시킵니다.
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#52
월리의 초상
"월리의 초상"은 프레임을 현장을 현대적 시선에 더 가깝게 만드는 결정적인 도구로 만듭니다. "월리의 초상"에서 자세,의복 및 시선의 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1912 년으로 작성된이 그림은 Egon Schiele 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "월리의 초상"의 경우이 개인적인 발명은 따라서 회화적 현대성의 위대한 집단적 질문 중 하나에 합류합니다.
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#53
피살리스와 함께한 자화상
"피살리스와 함께하는 자화상"은 형태의 단순화와 재료에 대한 매우 구체적인 관심을 결합합니다. "피살리스와 함께하는 자화상"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1912 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 에곤 실레의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "피살리스와 함께하는 자화상"의 경우이 그림은 에곤 실레의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "피살리스와 함께하는 자화상"의 경우 유산과 발명 사이의 이러한 긴장은 회화가 20 세기의 랜드 마크로 남아있는 이유를 설명합니다.
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#54
밤
"밤"은 대각선,반복 및 리듬 편차를 통해 눈을 이끌어냅니다. "밤"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1918-1919 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Max Beckmann 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "La Nuit"의 경우 그림은 따라서 훨씬 더 긴 회화 역사로 그 시대의 질문을 가져옵니다.
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#55
출발
"르 데파르트"는 인식할 수 있는 패턴을 색과 공간의 자율적인 경험으로 변형시킨다. "르 데파르트"의 경우 화가는 상속된 주제를 자신의 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 재구성한다. 1932-1935 년으로 거슬러 올라가는 이 그림은 막스 베크만의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치한다. "르 데파르트"의 경우 그림은 특정 순간에 속하지만 시각적 솔루션은 여러 세대에 걸쳐 계속 작동할 것이다.
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#56
백조 공주
"백조의 공주"는 구성의 안정성과 움직임의 감각을 결합합니다. "백조의 공주"에서 자세,의복 및 시선의 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1900 년으로 작성된이 그림은 Mikhail Vrubel 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "백조의 공주"의 경우 결과는 저자의 매우 구체적인 특이점을 잃지 않고 역사적 단절을 요약합니다.
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#57
거북이 조련사
"거북이 조련사"는 대비를 사용하여 감정을 이야기에 담지 않고 눈에 띄게 만듭니다. "거북이 조련사"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 1906 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Osman Hamdi Bey 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "거북이 조련사"의 경우,그 힘은 마침내 공식적인 연구를 시청자가 접근 할 수있는 경험으로 전환한다는 사실에서 비롯됩니다.
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#58
눈 카코딜레이트
"카코딜레이트 아이"는 관찰된 디테일을 더 크고 거의 건축학적 구조로 대화에 적용합니다. "카코딜레이트 아이"의 경우 화가는 상속된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감을 부여합니다. 1921년에 제작된 이 그림은 프란시스 피카비아의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "카코딜레이트 아이"의 경우 이 여정에서 그 위치는 시선의 지속적인 변화를 감지할 수 있게 만드는 방식 때문입니다.
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#59
스페인의 밤
"스페인의 밤"은 그림의 계획에 더 많은 권위를 부여하기 위해 전통적인 관점을 무시합니다. "스페인의 밤"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1922 년으로 작성된이 그림은 Francis Picabia 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "스페인의 밤"의 경우 이미지의 명성이 장치가 구성 된 정밀도를 가리지 않아야합니다.
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#60
블레리오에게 경의를 표합니다
"블레리오에 대한 경의"는 몸짓,기하학 및 현실에 대한 기억을 즉시 식별 가능한 이미지로 결합합니다. "블레리오에 대한 경의"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감을 부여하기 위해 1914 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Robert Delaunay 의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "블레리오에 대한 경의"의 경우 이미지는 독특한 해석에 저항하면서 작품을 즉시 읽을 수있는 방법을 보여줍니다.
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#61
파리 시
"파리의 도시"는 각 색상이 이웃의 무게를 수정하는 힘의 장으로 표면을 구성합니다. "파리의 도시"와 함께 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1910-1912 에서 데이트 한이 그림은 Robert Delaunay 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "파리의 도시"의 경우이 작품은 세기가 서로 반응하는 경험을 통해보다 수밀 스타일의 연속을 통해 덜 발전한다는 것을 상기시켜줍니다.
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#62
동시 창 n°2
"동시 창 n°2"는 장면을 현대적 시선에 더 가깝게 만들기위한 결정적인 도구로 프레임을 만듭니다. "동시 창 n°2"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감을 부여하기 위해 1912 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Robert Delaunay 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "동시 창 n°2"의 경우이 개인적인 발명은 따라서 회화적 현대성의 위대한 집단적 질문 중 하나에 합류합니다.
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#63
동시 디스크
"동시 디스크"는 모양의 단순화와 재료에 대한 매우 구체적인 관심을 결합합니다. "동시 디스크"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1913 년으로 작성된이 그림은 Robert Delaunay 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "동시 디스크"의 경우이 그림은 Robert Delaunay 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "동시 디스크"의 경우 유산과 발명 사이의 이러한 긴장은 그림이 20 세기의 랜드마크로 남아있는 이유를 설명합니다.
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#64
형태의 대조
"형태의 대조"는 대각선,반복 및 리듬 편차를 통해 눈을 유도합니다. "형태의 대조"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 그것을 재분배합니다. 1913 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 페르낭 레거의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "형태의 대조"의 경우 그림은 따라서 세기의 구체적인 연대기에 시간의 질문을 배치합니다. "형태의 대조"의 경우 그림은 따라서 시간의 질문을 훨씬 더 긴 그림의 역사로 가져옵니다.
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#65
파란색 옷을 입은 여자
"파란 옷을 입은 여인"은 인식 가능한 패턴을 색과 공간의 자율적 인 경험으로 변화시킵니다. "파란 옷을 입은 여인"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1912 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 페르낭 레거의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "파란 옷을 입은 여인"의 경우 그림은 특정 순간에 속하지만 시각적 솔루션은 여러 세대에 걸쳐 계속 작동합니다.
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#66
도시
"The City"는 구성의 안정성과 움직임의 감각을 긴장감에 빠뜨립니다. "The City"로 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1919 년으로 작성된이 그림은 Fernand Léger 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "La Ville"의 경우 결과는 저자의 매우 구체적인 특이성을 잃지 않고 역사적 단절을 요약합니다.
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#67
도시의 디스크
"Discs in the City"는 대비를 사용하여 감정을 이야기에 가두지 않고 눈에 띄게 만듭니다. "Discs in the City"를 통해 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1920 년으로 작성된이 그림은 Fernand Léger 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Discs in the City"의 경우,그 힘은 마침내 공식적인 연구를 시청자가 접근 할 수있는 경험으로 전환한다는 사실에서 비롯됩니다.
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#68
체크 무늬 식탁보와 정물
"체크 식탁보를 가진 정물"은 관찰 된 세부 사항을 더 크고 거의 건축 적 건축과 대화로 가져옵니다. "체크 식탁보를 가진 정물"을 위해 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 1915 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Juan Gris 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "체크 식탁보를 가진 정물"을 위해이 여행에서 그 위치는 시선의 지속적인 변화를 눈에 띄게 만드는 방식 때문입니다.
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#69
아침 식사
"Le Petit Déjeuner"는 그림의 계획에 더 많은 권위를 부여하기 위해 전통적인 관점을 일축합니다. "Le Petit Déjeuner"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 1915 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Juan Gris 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Le Petit Déjeuner"의 경우 이미지의 유명 인사가 장치가 구성 된 정밀도를 가려서는 안됩니다.
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#70
파블로 피카소의 초상화
"파블로 피카소의 초상"은 즉시 식별 가능한 이미지로 몸짓,기하학 및 현실에 대한 기억을 결합합니다. "파블로 피카소의 초상"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1912 년으로 작성된이 그림은 Juan Gris 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "파블로 피카소의 초상화"의 경우 이미지는 독특한 해석에 저항하면서 작품을 즉시 읽을 수있는 방법을 보여줍니다.
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#71
해먹 속의 남자
"The Man in the Hammock"은 각 색상이 이웃의 무게를 수정하는 힘의 장으로 표면을 구성합니다. "The Man in the Hammock"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 1909 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Albert Gleizes 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "The Man in the Hammock"의 경우 작품은 세기가 서로 반응하는 경험을 통해보다 수밀 스타일의 연속을 통해 덜 발전한다는 것을 상기시킵니다.
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#72
플록스를 가진 여인
"플록스를 가진 여자"는 프레이밍을 장면을 현대의 시선에 더 가깝게 만드는 결정적인 도구로 만듭니다. "플록스를 가진 여자"에서 자세,의복 및 시선의 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1910 년으로 작성된이 그림은 Albert Gleizes 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "플록스를 가진 여자"의 경우이 개인적인 발명은 따라서 회화적 현대성의 위대한 집단적 질문 중 하나에 합류합니다.
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#73
자크 나이랄의 초상화
"자크 나이랄의 초상"은 형태의 단순화와 재료에 대한 매우 구체적인 관심을 결합합니다. "자크 나이랄의 초상"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1911 년으로 작성된이 그림은 Albert Gleizes 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Jacques Nayral 의 초상화"의 경우이 그림은 Albert Gleizes 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Jacques Nayral 의 초상화"의 경우 유산과 발명 사이의 이러한 긴장은 그림이 20 세기의 랜드마크로 남아있는 이유를 설명합니다.
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#74
축구 선수
"Football Players"는 대각선,반복 및 리듬 편차를 통해 눈을 이끌어냅니다. "Football Players"로 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1912-1913 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Albert Gleizes 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "The Football Players"의 경우 그림은 따라서 훨씬 더 긴 그림의 역사로 그 시대의 질문을 가져옵니다.
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#75
코니 아일랜드, 빛의 전투
"빛의 전투,코니 아일랜드"는 인식 가능한 패턴을 색과 공간의 독립적 인 경험으로 변형시킵니다. "빛의 전투,코니 아일랜드"를 위해 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감을 부여하기 위해 1913-1914 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Joseph Stella 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "빛의 전투,코니 아일랜드"의 경우 그림은 특정 순간에 속하지만 시각적 솔루션은 여러 세대에 걸쳐 계속 작동합니다.
발견하다 →전쟁, 도시, 정체성, 현대 생활 및 전후 추상화는 회화의 자율성만큼이나 세계에 세심한 관심을 기울인 한 세기를 보여줍니다.
#76
브루클린 브리지
"브루클린 다리"는 긴장감,구성의 안정성 및 움직임의 감각을 가져옵니다. "브루클린 다리"로 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1919-1920 년으로 작성된이 그림은 Joseph Stella 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "브루클린 다리"의 경우 결과는 저자의 매우 구체적인 특이점을 잃지 않고 역사적 단절을 요약합니다.
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#77
벌거벗은 거짓말
"누드 누워"는 대비를 사용하여 이야기에 고정시키지 않고 감정을 보이게합니다. "누드 누워"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1917 년으로 작성된이 그림은 Amedeo Modigliani 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "누드 누워"의 경우,그 힘은 마침내 공식적인 연구를 관객이 접근 할 수있는 경험으로 전환한다는 사실에서 비롯됩니다.
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#78
상처받은 천사
"상처 입은 천사"는 관찰 된 세부 사항을 더 크고 거의 건축 적 구조로 대화에 가져옵니다. "상처 입은 천사"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 해방 된 색상의 실험실 역할을합니다. 1903 년으로 작성된이 그림은 휴고 심버그의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "상처 입은 천사"의 경우이 여행에서 그 위치는 시선의 지속적인 변화를 감지 할 수있는 방식으로 인한 것입니다.
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#79
더 선
"태양"은 그림의 계획에 더 많은 권위를 부여하기 위해 전통적인 관점을 무시합니다. "태양"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 해방 된 색상의 실험실 역할을합니다. 1910-1911 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 에드바르 뭉크의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "태양"의 경우 이미지의 명성이 장치가 구성 된 정밀도를 가리지 않아야합니다.
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#80
다리에 어린 소녀
"다리 위의 어린 소녀들"은 몸짓,기하학 및 현실에 대한 기억을 즉시 식별 가능한 이미지로 결합합니다. "다리 위의 어린 소녀들"로 현대 공간은 속도,만남, 일 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1901 년으로 작성된이 그림은 Edvard Munch 의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "다리 위의 어린 소녀들"의 경우 이미지는 독특한 해석에 저항하면서 작품을 즉시 읽을 수있는 방법을 보여줍니다.
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#81
주디스 1세
"주디스 I"은 각 색상이 이웃의 무게를 수정하는 힘의 장으로 표면을 구성합니다. "주디스 I"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1901 년으로 작성된이 그림은 구스타프 클림트의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "주디스 I"의 경우 작품은 세기가 서로 반응하는 경험을 통해보다 수밀 스타일의 연속을 통해 덜 발전한다는 것을 상기시킵니다.
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#82
에밀리 플뢰게의 초상화
"에밀리 플뢰게의 초상"은 프레이밍을 현장을 동시대의 시선에 더 가깝게 만드는 결정적인 도구로 만든다. "에밀리 플뢰게의 초상"에서 자세,의복 및 시선의 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성한다. 1902 년으로 작성된이 그림은 구스타프 클림트의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "에밀리 플뢰게의 초상"의 경우이 개인적인 발명은 따라서 회화적 현대성의 위대한 집단적 질문 중 하나에 합류합니다.
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#83
백인과 흑인
"La Blanche et la Noire"는 형태의 단순화와 재료에 대한 매우 구체적인 관심을 결합합니다. "La Blanche et la Noire"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 1913 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Félix Vallotton 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "La Blanche et la Noire"의 경우이 그림은 Félix Vallotton 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "La Blanche et la Noire"의 경우 유산과 발명 사이의 이러한 긴장은 그림이 20 세기의 랜드마크로 남아있는 이유를 설명합니다.
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#84
마담 부야르 바느질
"Madame Vuillard 바느질"은 대각선,반복 및 리듬 편차를 통해 눈을 유도합니다. "Madame Vuillard 바느질"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감을 부여하기 위해 1902 년으로 거슬러 올라가면이 그림은 Édouard Vuillard 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Madame Vuillard 바느질"의 경우 그림은 따라서 세기의 구체적인 연대기에 시간의 질문을 배치합니다. "Madame Vuillard 바느질"의 경우 그림은 따라서 시간의 질문을 훨씬 더 긴 회화의 역사로 가져옵니다.
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#85
전기의 요정
"전기의 요정"은 인식 가능한 패턴을 색과 공간의 자율적 인 경험으로 변화시킵니다. "전기의 요정"의 경우 화가는 상속 된 주제를 자신의 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 재구성합니다. 1937 년으로 작성된이 그림은 Raoul Dufy 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "La Fée Électrcité"의 경우 그림은 특정 순간에 속하지만 시각적 솔루션은 여러 세대에 걸쳐 계속 작동합니다.
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#86
파부아 스트리트
"La Rue Pavoisée"는 긴장감,구성의 안정성 및 움직임의 감각을 가져옵니다. "La Rue Pavoisée"로 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1906 년부터 시작된이 그림은 Raoul Dufy 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "La Rue Pavoisée"의 경우 결과는 저자의 매우 구체적인 특이점을 잃지 않고 역사적 단절을 요약합니다.
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#87
논찰로아르
"Nonchaloir"는 대비를 사용하여 감정을 이야기에 담지 않고 눈에 띄게 만듭니다. "Nonchaloir"의 경우 화가는 상속 된 주제를 자신의 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 재구성합니다. 1911 년으로 작성된이 그림은 John Singer Sargent 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Nonchaloir"의 경우 마침내 그 힘은 공식적인 연구를 관객이 접근 할 수있는 경험으로 전환한다는 사실에서 비롯됩니다.
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#88
헨리 제임스의 초상화
"헨리 제임스의 초상"은 관찰 된 세부 사항을 더 크고 거의 건축 적 구성으로 대화에 가져옵니다. "헨리 제임스의 초상"에서 자세,의복 및 시선의 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1913 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 John Singer Sargent 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "헨리 제임스의 초상"의 경우이 여행에서 그 위치는 시선의 지속적인 변화를 감지 할 수있는 방식으로 인한 것입니다.
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#89
바다로 걸어
"Walk by the Sea"는 그림의 계획에 더 많은 권위를 부여하기 위해 전통적인 관점을 무시합니다. "Walk by the Sea"를 통해 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1909 년부터 시작된이 그림은 Joaquin Sorolla 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Walk by the Sea"의 경우 이미지의 유명 인사가 장치가 구성 된 정밀도를 가려서는 안됩니다.
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#90
시어도어 루즈벨트
"Theodore Roosevelt"는 몸짓,기하학 및 현실에 대한 기억을 즉시 식별 가능한 이미지로 결합합니다. "Theodore Roosevelt"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1903 년으로 작성된이 그림은 John Singer Sargent 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Theodore Roosevelt"의 경우 이미지는 독특한 해석에 저항하면서 작품을 즉시 읽을 수있는 방법을 보여줍니다.
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#91
기관총
"La Mitrailleuse"는 각 색상이 이웃의 무게를 수정하는 힘의 장으로 표면을 구성합니다. "La Mitrailleuse"로 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1915 년으로 작성된이 그림은 CRW Nevinson 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "La Mitrailleuse"의 경우이 작품은 세기가 서로 반응하는 경험보다 수밀 스타일의 연속을 통해 덜 발전한다는 것을 상기시켜줍니다.
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#92
참호로 돌아가
"Return to the Trenches"는 프레임을 현대적 시선에 더 가깝게 만드는 결정적인 도구로 만듭니다. "Return to the Trenches"로 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1914-1915 년으로 작성된이 그림은 CRW Nevinson 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Return to the Trenches"의 경우이 개인적인 발명은 따라서 회화적 현대성의 위대한 집단적 질문 중 하나에 합류합니다.
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#93
붉은 말 목욕
"붉은 말 목욕"은 모양의 단순화와 재료에 대한 매우 구체적인 관심을 결합합니다. "붉은 말 목욕"에서 자연,동물 또는 상징은 단순한 모방에서 해방 된 색상의 실험실 역할을합니다. 1912 년으로 작성된이 그림은 Kouzma Petrov-Vodkin 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "붉은 말의 목욕"의 경우 유산과 발명 사이의 이러한 긴장은 그림이 20 세기의 랜드마크로 남아있는 이유를 설명합니다.
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#94
회화적 건축학(검은색, 빨간색, 회색)
"Pictorial Architectonics (black,red, gray)" 는 대각선,반복 및 리듬 편차를 통해 눈을 유도합니다. "Pictorial Architectonics (black,red, gray)" 의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1916 년부터 시작된이 그림은 Lioubov Popova 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Pictorial Architectonics (black,red, gray)" 의 경우 그림은 Lioubov Popova 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Pictorial Architectonics (black,red, gray)" 의 경우 그림은 따라서 훨씬 더 긴 회화 역사로 그 시대의 질문을 가져옵니다.
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#95
베니스
"베니스"는 인식 가능한 패턴을 색과 공간의 자율적 인 경험으로 변화시킵니다. "베니스"를 통해 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1915 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Alexandra Exter 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "베니스"의 경우 그림은 특정 순간에 속하지만 시각적 솔루션은 여러 세대에 걸쳐 계속 작동합니다.
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#96
포트
"항구"는 긴장감,구성의 안정성 및 움직임의 감각을 가져옵니다. "항구"를 통해 현대 공간은 속도,만남, 작업 또는 갈등의 네트워크가됩니다. 1912-1913 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Olga Rozanova 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "항구"의 경우 결과는 저자의 매우 구체적인 특이성을 잃지 않고 역사적 단절을 요약합니다.
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#97
선원은
"The Sailor"는 대조를 사용하여 감정을 이야기에 가두지 않고 눈에 띄게 만듭니다. "The Sailor"에서 자세,의복 및 시선 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 존재를 구성합니다. 1911 년으로 작성된이 그림은 Vladimir Tatlin 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "The Sailor"의 경우,그 힘은 마침내 공식적인 연구를 관객이 접근 할 수있는 경험으로 전환한다는 사실에서 비롯됩니다.
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#98
대명사 99
"프라운 99"는 관찰 된 세부 사항을 더 크고 거의 건축 적 구성으로 대화로 가져옵니다. "프라운 99"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1924-1925 에서 데이트 한이 그림은 El Lissitzky 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "프라운 99"의 경우이 여행에서 그 위치는 시선의 지속적인 변화를 감지 할 수있는 방식으로 인한 것입니다.
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#99
인도 붉은 바닥에 벽 프레스코
"인디언 레드 바닥의 벽화 프레스코"는 그림의 계획에 더 많은 권위를 부여하기 위해 전통적인 관점을 일축합니다. "인디언 레드 바닥의 벽화 프레스코"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감에 부여하기 위해 1950 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 잭슨 폴록의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "인디언 레드 바닥의 벽화 프레스코"의 경우이 그림은 잭슨 폴록의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "인디언 레드 바닥의 벽화 프레스코"의 경우 이미지의 명성이 그의 장치가 구성 된 정밀도를 가리지 않아야합니다.
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#100
천장: 새들
"천장: 새들"은 몸짓,기하학 및 현실에 대한 기억을 즉시 식별 가능한 이미지로 결합합니다. "천장: 새들"의 경우 화가는 상속 된 주제를 다시 작성하여 시대의 새로운 긴장감을 부여하기 위해 1953 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 Georges Braque 의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "천장: 새들"의 경우 이미지는 독특한 해석에 저항하면서 작품을 즉시 읽을 수있는 방법을 보여줍니다.
발견하다 →순위가 밝히는 것
백 개의 그림, 이미지를 재창조하는 세 가지 방법
20 세기는 추상화를 향한 정기적인 행진을 따르지 않았다. 형상과 비형상은 서로 반응하는 반면,초상화, 도시,전쟁 및 풍경은 계속해서 기능을 변화시킨다. 파열은 전통이 된다; 그럼에도 불구하고 특히 바쁜 달력을 유지한다.
색은 복종을 멈춘다
Matisse, Marc, Macke, Delaunay 및 Kandinsky는 색상을 사용하여 패턴을 구조화, 강화 또는 모순합니다.
캔버스는 자율성을 주장합니다
Malevich, Mondrian, Klee, Lissitzky 및 Popova는 그림이 세계의 공간을 모방하지 않고도 자신만의 공간을 생산할 수 있음을 보여줍니다.
현실은 다르게 돌아온다
Hopper, Kahlo, Beckmann, Wood 및 Nevinson은 현대 형상이 단순히 고대 관습을 복원하지 않는다는 것을 증명합니다.
아방가르드의 연대기
20세기 이후의 5개 날짜
Salon d'Automne에서 Matisse와 그의 동료들은 색상을 자연스러운 톤을 재현하지 않고도 이미지를 구성할 수 있는 자율적인 도구로 만들었습니다.
추상화, 입체파, 미래주의, 오르피즘, 표현주의는 동시에 유럽 회화를 지속적으로 혼란에 빠뜨리는 강도에 도달합니다.
절대주의는 회화를 기본적인 형태로 축소하고 어두운 표면을 급진적인 선언문으로 변화시킵니다.
전쟁, 독재, 망명으로 인해 예술가들은 이미지의 정치적, 기념적, 비판적 기능을 다시 생각하게 됩니다.
미국의 추상 표현주의는 예술적 무게 중심을 이동시키고 그림 그리는 행위를 작품의 가시적 차원으로 만듭니다.
깊이 있는 20 세기
20 세기가 그림을 뒤흔드는 이유는?
세기 초,그림은 여전히 초상화,풍경, 역사적 장면과 훌륭한 장식의 프레임을 가지고 있었다. 클림트,마티스, 루소,보나르와 실레는 그럼에도 불구하고 색상,선 및 장식에 새로운 자율성을 부여하여 내부에서 변형 시켰습니다.
아방가르드는 이 질문을 가속화한다. 표현주의,입체주의, 미래주의,추상주의, 다다와 구성주의는 진보를 향한 단 하나의 행진을 형성하지 않는다: 그들은 대도시,기계, 언론과 정치적 위기에 대한 경쟁적 반응이다.
두 차례의 세계 대전은 예술가들을 이주시키고 네트워크를 파괴했으며 이미지의 기능을 근본적으로 수정했습니다. 어떤 작품은 폭력에 직접적으로 맞서는 반면 다른 작품은 철수,질서 또는 자유의 공간을 구성합니다.
1945 년 이후 뉴욕은 유럽,라틴 아메리카 또는 러시아의 궤적을 지우지 않고 주요 중심지가되었습니다. Pollock,Hopper, Kahlo 및 Mondrian 은 현대성이 대륙간에 순환하며 결코 단일 수도에 국한되지 않는다는 것을 보여줍니다.
따라서이 분류는 발명,맥락 또는 이미지에 거주하는 새로운 방법을 조명 할 수있는 그림을 선호합니다. 그는 백 년의 예술을 스틸 캐논에 고정한다고 주장하지 않습니다: 그는 세기를 이해하기 위해 백 개의 진입 점을 제공합니다.
네 개의 읽기 키
하나의 틀에 머물기를 거부하는 한 세기를 바라봅니다
색상,공간, 재료 및 맥락을 통해 우리는 모든 것이 때때로 반대하는 것처럼 보이는 작품을 비교할 수 있습니다. 현대성은 단일 스타일이 아닙니다: 그것은 허락을 구하는 데 거의 시간을 들이지 않은 일련의 결정,갈등 및 발명품입니다.
자율성을 관찰하라
설명적, 표현적, 상징적 또는 구성적 색상을 비교하면 현대성에 대한 여러 가지 경쟁적인 정의가 드러납니다.
규칙을 식별합니다
조각난 원근법,평평한 평면,모호한 깊이 또는 기하학적 격자는 각 작품이 어떻게 세계를 구성하는지 보여줍니다.
제조 읽기
눈에 보이는 터치, 제안된 접착, 매끄러운 표면 또는 물방울은 기술적 제스처를 의미의 필수적인 부분으로 변화시킵니다.
스토리를 찾아라
전쟁, 혁명, 대도시, 망명자 및 뉴미디어는 주제, 질서 및 이미지 유통을 수정합니다.
20 세기의 도서관
백 번째 이별 후에도 계속하십시오
MoMA,Tate, Center Pompidou,Guggenheim, National Gallery of Art,Art Institute of Chicago,현대 미술관,Wikipedia 및 Wikidata 를 사용하면 날짜,치수, 기술 및 컬렉션을 확인할 수 있습니다. 선언문은 많은 것을 말해주었습니다; 카탈로그는 증거를 유용하게 보존합니다.
알파 재생산에서
01구스타프 클림트20 세기의 필수 회화 대가들02앙리 마티스20 세기의 필수 회화 대가들03카지미르 말레비치20 세기의 필수 회화 대가들04바실리 칸딘스키20 세기의 필수 회화 대가들05피에트 몬드리안20 세기의 필수 회화 대가들06그랜트 우드20 세기의 필수 회화 대가들07프리다 칼로20 세기의 필수 회화 대가들08잭슨 폴록20 세기의 필수 회화 대가들09앙리 루소20 세기의 필수 회화 대가들10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 10 X 에른스트 루트비히 키르히너20 세기의 필수 회화 대가들11회화의 모든 복제컬렉션 및 가이드자주 묻는 질문
선형적 역사가 없는 20 세기
야수파, 표현주의, 입체파, 추상화, 다다, 구성주의, 현대 사실주의, 추상 표현주의를 구별하는 데 필수적인 답변입니다.
20 세기의 명화 필수그림이란?
역사적 중요성, 시각적 힘, 영향력 또는 예술 문화에서의 지속적인 존재로 인정받는 작품입니다.
20 세기의 필수 그림이 예술의 역사를 그토록 많이 표시하는 이유는 무엇일까?
이 테마는 강력한 시각적 선택을 집중하기 때문에: 구성, 빛, 주제, 스타일과 정중하게 허가를 요청하지 않고 기억에 남아이 드문 능력.
전문 용어없이 유명한 그림을 읽는 방법?
명백한 것부터 시작하십시오: 빛, 움직임, 색상, 외모. 배운 어휘는 2 분을 기다릴 수 있으며, 빠져 나가지 않을 것입니다.
왜 어떤 그림은 다른 그림보다 더 살아 있는 것처럼 보일까?
종종 예술가가 장면을 숨 쉬게하기 때문에: 대각선,대조, 눈에 보이는 터치,거의 신중한 세부 사항. 그림은 때때로 대문자로 모든 것을 넣지 않을 때 더 잘 작동합니다.
작품에 대한 작품을 선택하는 방법은 무엇입니까?
예술가,형식, 팔레트 및 일반적인 분위기를보십시오. 올바른 그림은 종종 그 주변의 거실을 재구성하고 싶게 만드는 것입니다.
항상 가장 유명한 그림을 선택해야합니까?
반드시 그런 것은 아닙니다. 걸작은 안심할 수 있지만,예상치가 낮은 작품은 때때로 방,색상 또는 화요일 분위기와 더 잘 어울릴 수 있습니다.
발견을 확장하는 방법은 무엇입니까?
예술가들을 비교하고,빛의 변주들을 본 다음,마음속에 남아있는 그림으로 돌아가세요. 그는 종종 이긴 사람입니다. 비록 그가 아무 것도 서명하지 않았더라도 말이죠.
그림이 과연 방을 바꿀 수 있을까?
네,가구 조각보다 때로는 더 빠릅니다. 강한 이미지는 리듬,지배적인 색상,분위기를 부과합니다. 벽은 아무 말도하지 않지만 그는 방금 회사를 받았을 때 아주 잘 알고 있습니다.
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