비엔나 · 탈퇴 · 1901 년경 -1911 년
구스타프 클림트의 황금기: 스타일의 기원, 작품, 종말
클림트의 금은 단순한 귀중한 배경도 아니고 라벤나에 갑자기 나타난 공식도 아닙니다. 그림을 표면으로,초상을 아이콘으로,장식을 현대 언어로 변형시킵니다.
직접 응답
유명한 시기이지만 의도적으로 유연한 국경
구스타프 클림트가 그의 그림의 구조화 요소의 금,은, 평평한 표면과 장식적인 모티브를 만드는 단계는 "황금기"라고 불린다. 일반적으로 1901 년 - 1902 년경으로 시작된다 주디스 1세 그리고 거기 베토벤 프리즈1906년에서 1909년 사이에 정점에 도달했습니다 프리차 리들러, 아델 블로흐-바우어 1세, 희망 II, 다나에 그리고 키스, 1909년부터 1911년경에 변환됩니다.
이 타임 라인은 닫힌 상자가 아닙니다. 클림트는 1903 년 라벤나 여행 전에 이미 금을 사용했지만 Stoclet Palace 프로젝트는 1911 년까지 황금 모자이크를 확장했습니다. 동시에 그의 풍경은 대부분 유화로 그려져 있었고 후기 작품은 장식을 포기하지 않고 더 대담한 색상을 채택했습니다.
황금기는 그러므로 시각 체계 보다는 "노란" 회화의 재고목록 보다 적게 이다: 진짜 몸은 추상적인 공간에서 나오고, 의복은 표시의 분야가 되고 귀금속은 구경꾼의 운동에 따라 빛을 수정한다.
라벤나 이전의 비엔나
베토벤 프리슬란트는 금이 이미 언어가 되었음을 보여준다
비엔나 탈퇴는 클림트에게 회화, 건축, 조각 및 장식이 전체 작품을 형성할 실험실을 제공했습니다.
1897 년에 설립된 탈퇴파는 학문적 계층을 거부하고 미술을 응용 예술에 더 가깝게 만들고자 했다. 베토벤에게 헌정된 1902 년 그의 열네 번째 전시회에서 요제프 호프만은 막스 클링거의 조각품을 중심으로 공통 환경을 구성했다. 클림트는 교향곡 9 번에서 영감을 받은 기념비적인 순환을 세 개의 벽에 그렸다.
라 베토벤 프리즈 이미 고립된 형상,거의 깊이가 없는 공간,표현력 있는 선,기하학적 기호와 귀중한 재료들을 결합하고 있다. 탈퇴 자체는 이 작품을 황금기의 시작으로 간주한다. 금은 서사적이다: 그것은 갑옷,행복에 대한 탐구,예술과 마지막 포옹을 동반한다.
가정된 표면
전통적인 깊이가 물러가고 있습니다. 피규어들은 연속적인 필드로 설계된 벽에 떠 있는 것 같습니다.
총 예술
프리즈는 건축과 무관하지 않다: 방문객을 베토벤의 조각으로 안내한다.
상징적인 금
금속은 페인트를 대체하지 않습니다. 그것은 힘,욕망 및 성취의 순간을 표시합니다.
1903년 비잔틴 충격
라벤나는 클림트의 금을 발명하지 않는다: 그녀는 그에게 새로운 논리를 준다
1903 년 클림트는 라벤나에서 산 비탈레의 모자이크를 보았다. 노이에 갤러리는 아델 블로흐-바우어의 첫 초상화를 위해 테오도라 황후의 이미지의 특별한 중요성을 상기시킨다. 정면 실루엣,그림자없는 광채 및 테세라의 풍부함은 화가에게 인간의 존재와 신성한 표면을 통합하는 역사적 모델을 제공합니다.
그러나 여행을 유일한 출발점으로 삼는 것은 부정확할 것입니다. 주디스 1세 1901년부터 시작됩니다 베토벤 프리즈 1902 년부터. 라벤나는 확인과 가속의 역할을 한다: 클림트는 금이 평범한 시간을 억제하고,얼굴을 고립시키고,그림이 모자이크처럼 진동하게 만들 수 있다는 것을 이해한다.
그의 아버지 Ernst Klimt는 금 조각가였습니다. 이러한 장인의 맥락은 가족이 금속 공예에 대해 잘 알고 있음을 이해하는 데 도움이 되지만, 탈퇴, 상징주의, 일본 판화 및 응용 예술과의 대화에서 비롯된 스타일을 설명하는 것만으로는 충분하지 않습니다.
진화를 따르는 15개의 작품
유디트에서 생명의 나무까지: 황금기의 필수 그림
기사의 각 이미지는 다릅니다. 전체적으로 황금색 스타일이 초상화 또는 단일 범위의 노란색으로 제한되지 않음을 보여줍니다.
주디스 1세
배경과 목걸이가 성경의 여주인공을 현대적인 아이콘으로 바꾸는 동안 얼굴과 몸은 육욕적으로 유지됩니다. 여기의 금은 라벤나보다 앞서 있습니다.
에밀리 플뢰게
매우 길쭉한 실루엣과 네트워크 드레스는 거의 몸을 녹입니다. 초상화는 개혁 된 패션,모티프 및 정체성을 연결합니다.
프리차 리들러
타원형 안락의자는 아델의 후광을 알립니다. 머리와 손은 거의 전적으로 패턴으로 구성된 장식에 저항합니다.
아델 블로흐-바우어 1 세의 초상화
오일,금과 은은 좌석,드레스와 공간을 삼각형,눈과 이니셜의 네트워크로 사라지게합니다. 얼굴은 여전히 인간의 주요 초점입니다.
희망 II
임신 한 여자는 그녀의 의복에 숨겨진 두개골 위에 머리를 낮춘다. 금과 백금은 불안을 억제하지 않습니다: 그들은 그것을 의식으로 만듭니다.
다나에
신화는 사각형으로 압축됩니다. 금의 흐름은 제우스를 가리키지만 신체의 지름길은 장면에 매우 현대적인 친밀감을 부여합니다.
물뱀 II
몸은 수평 프리즈가됩니다. 머리카락,직물 및 꽃은 현실적인 공간 프레임 워크없이 장식 연속성을 구성합니다.
생명의 나무
나선은 Stoclet Palace 프로젝트에서 기대와 성취를 연결합니다. 그림은 비엔나 워크샵에 의해 모자이크로 번역됩니다.
여섯 개의 추가 작품
클라이막스 전, 도중, 이후: 더욱 완벽한 황금 갤러리
이 그림들은 타임라인을 확장합니다. 어떤 것들은 진짜 금속성 액센트를 포함하고 있습니다; 다른 것들은 클림트가 황토색,노란색, 검은색과 패턴 밀도를 통해 어떻게 황금 효과를 얻는지 보여줍니다.
팔라스 아테나
헬멧,갑옷 및 프레임은 이미 반짝이는 표면에 잡힌 정면 인물을 설치합니다. 이 그림은 엄격한 황금 단계에 앞서 있지만 문장력을 준비합니다.
금붕어
떠다니는 몸, 머리카락, 비늘은 도발적인 수직선을 만들어냅니다. 금은 전례보다 더 반음계적입니다: 물에 활력을 불어넣고 화가의 비판에 반응합니다.
여성의 세 시대
엄마와 아이 그룹은 금으로 강조 된 명확한 장식 분야에 둘러싸여 있습니다. 왼쪽에서 노년은 더 지상 모델을 유지합니다: 클림트는 두 가지 존재 체제에 반대합니다.
주디스 2세
실루엣은 매우 좁은 형태로 조여집니다. 금색은 사라지지 않았지만 빨간색,녹색, 검정색 및 아라베스크는 색상으로의 전환이 이미 진행 중임을 보여줍니다.
더 웨이팅
이집트 무용수는 모자이크 프로필처럼 구성됩니다. 그녀의 삼각형 의상은 눈,나선형 및 평평한 금속 영역을 거의 건축 실루엣으로 결합합니다.
성취
포옹하는 커플은 패턴을 확장합니다 키스. 남성 직사각형과 여성 원은 모자이크가 되도록 설계된 공통 맨틀로 합쳐집니다.
사진 문서
클림트, 에밀리 플뢰게와 스토클레는 현실에서 장식한다
이 사진들은 꾸며낸 삽화가 아닙니다. 그들은 실제 장소와 몸에 드레스,개인적인 관계,장식적인 야망을 놓습니다.
Attersee의 클림트와 에밀리
화가는 긴 블라우스에 등장하고,느슨한 드레스를 입은 에밀리는 그들의 구체적인 존재가 개량된 의복의 중요성을 조명하고 호수 옆에 머문다.
개량 드레스를 입은 에밀리 플뢰게
코르셋의 방출 컷은 섬유 볼륨으로 몸을 변환합니다. 옷의이 유형은 클림트에 의해 그려진 드레스가 패턴의 광대 한 표면이되는 이유를 이해하는 데 도움이됩니다.
식당과 프리즈가 현장에 있습니다
역사적인 사진으로 볼 때 프리즈는 고립된 그림으로 생각되지 않았습니다. 대리석,가구, 요제프 호프만의 선과 방 전체와 대화합니다.
소재를 보세요
클림트는 어떻게 빛을 발하는가?
사진 복제는 관람자가 박물관에서 인식하는 것을 평평하게 만듭니다: 각도에 따라 일부 금속 영역은 밝아지고 다른 영역은 어두워집니다.
기름과 금속 포일
클림트는 유화와 금박을 결합하고 작품에 따라 은이나 백금을 결합합니다. 희망 II 따라서 오일, 금, 백금을 결합합니다.
모델링보다는 패턴
직사각형, 원, 나선, 눈, 꽃은 종종 그림자를 대체하여 직물, 성별 또는 평면을 구별합니다.
칠해진 얼굴, 흡수된 몸
옷과 배경이 합쳐지는 동안 피부는 섬세한 패턴을받습니다. 이러한 반대는 얼굴을 더 많이 만듭니다.
부조 및 인레이
표면에는 Wiener Werkstätte 의 모자이크와 물체를 연상시키는 하이라이트,부조 및 재료가 포함될 수 있습니다.
비유상주의 빛
금은 특정한 태양을 나타내지 않습니다. 방의 실제 빛을 반사하고 보는 사람이 움직이는 것과 관련이 있습니다.
공식이 아닌 진행입니다
황금기를 찾는 여섯 단계
탈퇴
클림트는 예술의 자유와 예술의 통합을 요구하는 그룹의 초대 회장이 됩니다.
주디스 1세
금, 프레임, 신체는 이미 평면적이고 감각적이며 정면적인 이미지를 만들어냅니다.
베토벤 프리즈
기념비적인 장식은 황금기의 큰 문턱을 구성합니다.
라벤나
비잔틴 모자이크는 클림트의 황금 공간에 대한 역사적 선례를 세웠습니다.
아포지
Adèle,L'Espoir II,Danaé 및 Le Baiser 는 화가의 연구를 응축합니다.
전환
Stoclet 프리즈는 모자이크를 확장하고 그림 팔레트는 금속에서 분리됩니다.
왜 스타일이 바뀌는 걸까요?
금의 끝은 포기가 아니다: 그것은 색깔을 향한 전환이다
1909 년경 클림트는 갑자기 금 사용을 중단하지 않았다. 키스 는 여전히 1908 년에 선보이고 구입했으며,스토클레 프로젝트는 계속 진행 중이었고,금속 모티프는 살아남았다. 그러나 초상화와 우화는 점차 장미,녹색, 블루스,흑인 및 아시아 직물과 예술에서 영감을 얻은 모티프에 더 많은 공간을 제공했습니다.
예술적 맥락이 바뀌었다. 클림트는 인상주의,포스트 인상주의,반 고흐,마티스 그리고 새로운 다채로운 대담함을 바라본다. 그의 후기 그림은 정면성과 장식을 유지하지만,그려진 색상은 이제 금속이 이전에 가정했던 강렬함의 상당 부분을 생산한다.
그 풍경은이 길이 황금기에 이미 존재했음을 보여줍니다. 에서 해바라기가 있는 시골 정원1907 년 날짜, 식물은 지배적 인 금박없이 빽빽한 카펫을 형성합니다. 그림은 클림트가 색상의 병치만으로 반짝임의 감각을 얻을 수 있음을 증명합니다.
조금씩 사라지는 것
광대한 균질 금속장과 비잔틴 아이콘 효과는 1909년 이후 덜 체계화되었습니다.
남아있는 것
정면성, 실루엣, 직물, 반복되는 패턴, 살아있는 얼굴과 장식 표면 사이의 긴장은 여전히 필수적입니다.
어느 증가
프랭크 색상, 꽃 대비, 직물 차용 및 보다 이동성이 뛰어난 공간이 후기 작품의 특징입니다.
선택하기 직전에 참조하십시오
황금 클림트의 좋은 재현을 인식하는 방법?
단순한 노란색 이미지는 원본을 구성하는 차이점을 지우면서 멀리서도 장관을 이룰 수 있습니다.
| 확인하려면 | 작품에서 | 빈번한 오류 | 잃어버린 효과 |
|---|---|---|---|
| 금속 색조 | 뜨거운 금, 차가운 은, 검정, 흰색, 황토색이 상호 작용합니다. | 전체 표면에 균일한 노란색이 있습니다. | 평면과 재료 진동의 분리. |
| 얼굴과 손 | 섬세한 패턴, 미묘한 안색, 유연한 윤곽. | 너무 매끄럽거나 오렌지색인 피부. | 인간의 존재와 추상적인 장식의 대조. |
| 패턴 | 각 기호 패밀리에는 크기, 리듬 및 방향이 있습니다. | 일반 패턴이 무작위로 추가되었습니다. | 의복과 공간의 상징적 구성. |
| 블랙 | 그들은 금속을 자르고 고정하고 빛나게 만듭니다. | 블랙 그레이 또는 차단된 것. | Judith, Adèle 또는 Danaé의 그래픽 강점. |
| 포맷 | 키스 스퀘어와 인물 사진의 수직이 룩을 구성합니다. | 너무 꽉 장식 자르기. | 그림, 여백 및 장식 필드의 관계. |
키스
느슨한 밥은 소파 위 또는 침실에서 작동합니다. 캔버스 주위에 조용한 여백을 두십시오.
주디스나 아델
이러한 형식은 좁은 벽,입구 또는 사무실에 적합합니다. 모양과 높이가 즉시 존재감을 만들어냅니다.
생명의 나무
프리즈는 긴 가구와 함께 제공됩니다. 검정,갈색 또는 무광택 금색 프레임은 나선형보다 더 냉정하게 유지되어야합니다.
방문을 연장하십시오
하나의 이미지를 넘어 구스타프 클림트를 탐험해보세요
초상화,우화 및 풍경을 비교하십시오. 이것은 전체 작업을 요약하지 않고 금이 특정 기간에 속한다는 것을 알 수있는 가장 좋은 방법입니다.
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박물관 및 기관 소스
벨베데레 · 클림트는 왜 금을 사용하는가?
박물관은 Judith와 The Kiss를 황금기에 배치하고 금속 재료의 역할을 설명합니다.
폴더 읽기 →탈퇴 · 베토벤 프리즈
1902년 전시의 역사, 도상학적 프로그램, 황금기 초 프리즈의 복원 및 역할.
베토벤 프리즈 →를 참조하세요노이에 갤러리 · 아델 블로흐-바우어 1세
초상화, 자료, 1903년 이후의 준비, 라벤나 여행 및 Bloch-Bauer 컬렉션의 역사에 대한 공지입니다.
황금의 여인을 발견하라 →MAK · 스토클렛 프리즈
박물관은 1905년부터 1909년까지 클림트의 작업을 기록하고 있으며, 1911년 브뤼셀에서 작업장과 설치 작업을 진행했습니다.
MAK →를 참조하세요MoMA · 희망 II
기술 시트에는 1907 -08 날짜, 정사각형 형식 및 오일, 금 및 백금의 조합이 확인됩니다.
작품 보기 →빈 박물관 · Emilie Flöge
1902년 초상화, 1900년경 비엔나 전용 경로의 치수, 기술 및 표현에 대한 공식 공지입니다.
지침을 참조하십시오 →사진 출처: 탈퇴 궁전,그레이무저/위키미디어 공용 (CC BY-SA); 테오도라의 모자이크,페타르 밀로세비빅/위키미디어 공용; 아테르제에서의 구스타프 클림트와 에밀리 플뢰게,하인리히 뵐러,1909 년; 개량 드레스를 입은 에밀리 플뢰게,구스타프 클림트의 사진,1906 년; 스토클레 궁전의 식당,위키미디어 공용을 통한 역사적 문서. 클림트의 작품 복제품은 퍼블릭 도메인에 있다.
자주 묻는 질문
클림트의 황금기는 여덟 가지 대답으로 표현됩니다
구스타프 클림트의 황금기는 언제부터 시작되었는가?
일반적으로 1901~1902년경에 시작됩니다 주디스 1세 그럼 거기 베토벤 프리즈. 후자는 비엔나 탈퇴에 의해 시대의 시작을 알리는 핵심 작품으로 간주됩니다.
라벤나 여행은 황금 스타일의 독특한 기원입니까?
아니 클림트는 이미 1903 년 여행 전에 금을 사용했다. 라벤나의 비잔틴 모자이크는 강화와 비엔나에서 시작된 연구를 재조정.
클림트는 왜 금을 사용하는가?
금을 사용하면 평범한 깊이를 제거하고 초상화를 아이콘에 더 가깝게 만들고 실제 빛을 다양하게 하며 그림, 장식 및 응용 예술을 통합할 수 있습니다.
황금기의 주요 작품은 무엇입니까?
주디스 1세, 거기 베토벤 프리즈, 프리차 리들러, 아델 블로흐-바우어 1세, 희망 II, 다나에, 키스 그리고 Stoclet 프리즈는 필수적인 랜드마크입니다.
이 시기의 절정을 나타내는 그림은 무엇인가?
아델 블로흐-바우어 1세 는 종종 황금 초상화의 꼭대기로 제시됩니다 키스 스타일의 가장 합성적이고 보편적인 아이콘을 구성합니다.
황금기는 언제 끝나는가?
전환은 1909 -1911 년경입니다. 순간적인 중단은 없습니다: Stoclet 프리즈는 황금 모자이크를 더 확장하고 다른 그림은 색칠 할 수있는 더 많은 공간을 제공합니다.
클림트는 그 시절의 모든 그림에 금을 사용했습니까?
아니요. 그의 현대 풍경은 다음과 같습니다 해바라기가 있는 시골 정원, 색채로 그들의 빛을 구축 황금기와 풍경화가 공존.
클림트의 주요 황금 작품을 볼 수있는 곳은 어디입니까?
비엔나의 벨베데레가 보존되어 있습니다 키스 그리고 주디스 1세, 탈퇴는 다음을 제시합니다 베토벤 프리즈, 뉴욕의 Neue Galerie가 보존되어 있습니다 아델 블로흐-바우어 1세, 모마 희망 II 그리고 MAK는 Stoclet 프리즈의 상자입니다.
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