100 개의 그림 - 사물이 작용합니다
가장 유명한 100 가지 정물화
카라바조의 과일부터 세잔의 사과까지, 네덜란드 테이블부터 입체파까지: 사물이 아무 말도 하지 않고 할 말이 많은 100점의 그림.
꽃, 과일, 식사, 두개골, 악기 및 익숙한 물건은 5 세기의 그림에 걸쳐 있습니다.사과는 우주에서의 경험이 될 수 있으며 레몬은 약간의 태양과 테이블은 아무도 청소를 생각하지 않은 극장을 세울 수 있습니다.
탁자 위의 세계
왜 정물화는 주요 장르인가
정물화는 거의 아무것도 없는 것에서 시작하는 것 같습니다: 몇 개의 과일,유리, 꽃다발,때로는 책이나 해골. 그러나 그것은 그림의 큰 질문들 - 빛,공간, 재료,색깔과 지속시간 - 을 집중시킵니다.
사물을 움직이지 않게함으로써 화가는 그들을 비활성화시키지 않습니다: 그는 그들의 무게, 그들의 연약함 및 그들의 이상한 존재를 드러냅니다.
세심한 트롱프뢰유부터 마티스의 평평한 지역까지, 장르는 어휘를 바꾸지만 동일한 호기심을 유지합니다: 화가가 그것을 실제로 보기로 결정하면 평범한 것이 어떻게 될까요?
그림으로 보는 100가지 정물화
반 고흐부터 카라바조까지 장르의 역사와 뗄래야 뗄 수 없는 이미지가 되었습니다.
#1
해바라기
반 고흐는 노란 집에있는 폴 고갱의 방을 장식하기 위해 아를에서이 버전의 "Tournesols"를 그렸습니다. 꽃은 피는 것에서 건조 해지는 것으로 바뀌어 여러 시대의 삶을 같은 꽃병에 모았습니다. 거의 완전히 노란색 범위는 매일의 꽃다발을 색상의 급진적 인 경험,희망 된 우정과 연약함으로 변화시킵니다.
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#2
과일 바구니
1596 년경에 그려진 "과일 바구니"는 단순한 바구니에 자율적 인 주제의 존재를 부여합니다. Caravaggio 는 마른 잎,얼룩진 사과 및 익은 포도를 불완전 함을 교정하지 않고 묘사합니다. 풍요는 이미 시간에 의해 위협 받고 있습니다. 이 촉각 진리는이 작품을 정물화에 대한 유럽의 긍정에서 중요한 이정표로 만듭니다.
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#삼
사과 바구니
세잔은 병을 기울이며 접시를 기울이며 동시에 여러 가지 관점을 보여줍니다. 테이블은 불안정 해 보이지만 사과는 전체에 다채로운 일관성을 부여합니다. 1893 년경에 그려진 "사과 바구니"는 완벽한 환상을 추구하지 않습니다: 시선이 공간을 재구성하는 방식을 폭로하여 입체파 연구를 발표합니다.
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#4
레이
1728 년 왕립 아카데미에서 샤르댕의 리셉션을 위해 선보인 "라 라이"는 동물의 열린 몸으로 국내 식기와 대결합니다. 매달린 살,모양을 돋우는 고양이 및 부엌 물건은 거의 연극적인 긴장감을 조성합니다. 디드로는 아름다움과 반발 사이의 계층 구조없이 소재를 느낄 수있는이 능력에 감탄했습니다.
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#5
레몬, 오렌지, 장미가 있는 정물
1633 년 Zurbaran 은 명확하게 분리 된 4 개의 그룹을 정렬했습니다: 레몬,잎, 컵 및 장미와 오렌지. 빛은 침묵의 의식에서와 같이 검은 배경의 각 모양을 잘라냅니다. 그림은 순결,다산 및 사랑을 통해 Virgin 을 불러 일으킬 수 있지만 그 힘은 또한 사물에 주어진 절대적인 관심에서 비롯됩니다.
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#6
사과와 오렌지가 있는 정물
이 정물화에서 세잔은 사과,오렌지, 접시 및 천을 볼륨의 풍경처럼 정리합니다. 천의 접힌 부분은 트레이가 곧게 펴지는 동안 과일을 보는 사람 쪽으로 밀어냅니다. 화가는 하나의 관점을 고정하는 대신 여러 개의 연속적인 인식을 추가합니다. 하나의 관점을 고정하는 대신 화가는 여러 개의 연속적인 인식을 추가합니다. 고전적인 안정성은 역설적으로 움직이는 공간에서 탄생합니다.
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#7
레드 트롤리
마티스는 식당을 벽지와 식탁보가 같은 파란색 패턴을 공유하는 광대 한 붉은 표면으로 변형시킵니다. 창문은 정원으로 열리지만 내부와 외부는 동일한 장식 계획에 속하는 것처럼 보입니다. 1908 년에 그려진 "La Desserte rouge"는 색상이 전통적인 관점을 따르지 않고도 공간을 구성 할 수 있다고 말합니다.
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#8
모과, 양배추, 멜론, 오이
산체스 코탄은 모과,양배추, 멜론과 오이를 식료품 저장실의 어두운 틀에 매달아 놓습니다. 곡선은 거의 기하학적인 진행을 따라가며,과일 매달린 것부터 가장자리에 놓인 조각까지 이어집니다. 1602 년경,이 극단적인 경제는 음식에 영적인 강렬함을 주었습니다. 공허함은 바닥이 아닙니다: 거리,리듬 및 기다림을 조절합니다.
참조 이미지; 공지사항: 샌디에이고 미술관.
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#9
올드 바이올린
Harnett 은 바이올린,활, 악보 및 낡은 문이 실제로 벽을 차지한다고 사람들이 믿게 만드는 지점까지 트롱프뢰유를 밀어 넣습니다. 1886 년에 그려진 "The Old Violin"은 환상주의 기교와 시간에 대한 명상을 결합합니다: 표시된 나무,노란 종이 및 침묵의 악기는 이미지가 생성 할 수없는 음악의 기억을 보존합니다.
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#10
열린 창문 앞의 정물, 라비냥 광장
후안 그리스는 신문,콤포트 메이커,병과 유리를 몽마르트르의 중심부에 있는 라비냥 광장이 내려다보이는 창문 앞에 놓는다. 1915 년에 만들어진 이 작품은 입체파적 절단과 도시를 향한 빛나는 개방을 결합한다. 그 물체들은 용해되지 않는다: 그들의 독특한 표시들은 엄격한 건축에 따라 내부 테이블과 도시 풍경 사이에서 재구성된다.
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#11
정물 - 파블로 피카소
1922 년에서이 "정물화"에서 피카소는 1910 년대의 가장 단편적인 실험 후 입체파의 친숙한 개체를 차지한다. 단순화 된 모양,윤곽선 및 평평한 영역은 테이블의 몇 가지 가능한 판독을 유지합니다. 이 작품은 입체파가 단지 외관의 파괴가 아니라는 것을 보여줍니다: 그것은 물건을 재구성하기위한 지속적인 문법입니다.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
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#12
과일과 현악기가 있는 정물
브라크는 과일과 현악기를 오일이 모래와 섞이는 구도에 결합합니다. 이 거친 소재는 표면이 순수한 환상이 되는 것을 막고 그림의 물리적 현실을 회상합니다. 1938 년,오래된 입체파 언어는 활성 상태로 남아있었습니다: 사물,그림자 및 평면은 음악 구성의 뚜렷한 목소리처럼 서로 맞습니다.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
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#13
정물 - 조르지오 모란디
모란디는 병,상자 및 꽃병을 조용한 모양의 공동체로 축소합니다. 이 1955 년 그림에서 높이,톤 및 간격의 작은 편차는 용기의 실제 정체성보다 더 중요합니다. 명백한 겸손은 인식에 대한 지속적인 검색을 숨깁니다: 오랜 시간을 찾는 것은 몇 가지 평범한 물건을 정신적 풍경으로 변화시킵니다.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
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#14
옥양목 장미가 달린 소 두개골
1931 년,오키프는 사막에 표백된 두개골을 인공 직물 장미와 연관시켰다. 이미지는 단순히 죽음을 축하하는 것이 아니다: 뼈는 미국 풍경의 지속적인 표시가 되는 반면,꽃은 색과 장식적인 모호함을 도입한다. 정면 구성은 자연과 인공물,남서부의 가혹함과 대중 문화 사이의 대립을 좌절시킨다.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
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#15
죽은 자고새, 철제 건틀릿, 석궁 볼트
1504 년으로 거슬러 올라가는 Jacopo de' Barbari 의이 패널은 종종 르네상스 최초의 자율적 인 trompe-l'oeils 중 하나로 간주됩니다. 죽은 자고새,건틀릿 및 타일이 벽 앞에 매달려있는 것처럼 보입니다. 주조 된 그림자와 작은 페인트 메모는 실제 물건,사냥 트로피 및 이미지의 힘의 시연 사이에서 주저하게 만듭니다.
참조 이미지; 공지사항: Alte Pinakothek, 뮌헨.
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#16
마시는 경적과 함께 정물
칼프는 화승총 길드에서 마시는 경적,랍스터, 유리,카펫 및 부분적으로 껍질을 벗긴 레몬을 수집합니다. 각 재료는 다른 빛을받습니다. 이 풍부함은 그러나 안정적이지 않습니다: 과일 시작,요리 이동 및 시계는 시간의 흐름을 암시합니다. 네덜란드 사치는 경고만큼이나 광경이됩니다.
참조 이미지; 공지사항: 런던 내셔널 갤러리.
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#17
바이올린과 유리공의 허영심
Pieter Claesz 는 갈색이 지배하는 구성에 해골,바이올린, 시계 및 유리를 배치합니다. 유리 공은 방을 반영하고,아마도 그의 이젤 앞에있는 화가. 이 작은 존재는 허영심을 복잡하게 만듭니다: 예술가는 음악,부 및 삶이 지나가는 것을 알고 있지만 그림은 그럼에도 불구하고 이미지를 보존하려고합니다.
참조 이미지; 공지: Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg.
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#18
치즈, 아티초크, 체리가 있는 정물화
클라라 피터스는 치즈,버터, 아티초크,체리 및 귀한 식기를 거는 식사의 요소처럼 배열합니다. 금속 표면과 유리는 그의 기교를 보여주는 반면,음식은 17 세기 네덜란드의 부유한 식탁에 정보를 제공합니다. 특정 물건에 반영된 그의 작은 자화상 또한 전문 화가로서의 그의 정체성을 은밀하게 확증합니다.
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#19
유리 꽃병에 꽃의 꽃다발
Bosschaert 는 같은 계절에 자연적으로 피지 않는 같은 꽃병에 꽃을 모았습니다. 따라서 꽃다발은 축적 된 관찰의 결과 인 학술적 구성입니다. 희귀 한 튤립,곤충 및 물방울은 세계의 다양성을 축하하지만 떨어진 꽃잎과 유리의 취약성은이 완벽함을 유지하는 것이 불가능하다는 것을 상기시켜줍니다.
참조 이미지; 공지사항: 워싱턴 국립미술관.
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#20
게임, 야채, 과일이 있는 정물
이 식료품 저장실에서 Sanchez Cotân 은 거의 금욕주의적인 정밀도로 매달려있는 게임,야채 및 과일을 결합합니다. 물건은 그림자의 큰 간격으로 분리 된 기하학적 공간을 차지합니다. 풍족함은 연회가 아닙니다: 그것은 질서,무게 및 침묵이됩니다. 이 구속은 스페인 정물화를 북쪽의 호화로운 전시와 깊이 구별합니다.
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#21
정물: 연회 장면
Jan Davidsz de Heem 은 과일,굴, 유리 제품 및 귀금속이 테이블에서 넘쳐나는 연회를 만듭니다. 어두운 피부,반사 및 투명 필름 사이에 빛이 순환합니다. 이 풍부함은 상업과 번영을 축하하지만 열린 음식,경사 유리 및 곤충은 시간성을 소개합니다: 모든 풍요는 이미 해체의 흔적을 지니고 있습니다.
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#22
간식 끝
헤다는 간식의 잔해를 그립니다: 거꾸로 된 유리,껍질을 벗긴 레몬,주석 접시 및 구겨진 식탁보. 거의 단색 팔레트는 화려한 빛없이 각 반사를 이끌어냅니다. 부재 한 식사는 그 흔적에서 볼 수있게됩니다. 따라서이 작품은 소비 된 즐거움과 경과 시간을 측정하는 교훈과 일상 생활의 정확성을 결합합니다.
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#23
꽃과 과일이 있는 정물
레이첼 루이쉬는 꽃과 과일을 휘어진 줄기,곤충과 이미 시든 잎으로 채워진 활기찬 대각선을 따라 섞습니다. 세심한 식물학자이자 작곡가인 그녀는 다양한 계절의 종들을 조립합니다. 뒤셀도르프 궁정에서의 탁월한 경력은 여성이 명망 높은 꽃 그림 장르에서 유럽의 명성을 얻을 수 있음을 보여줍니다.
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#24
아스파라거스 한 무더기
마네는 1880 년 찰스 에프루시로부터 첫 정물화에 대해 합의된 가격보다 높은 금액을 받은 후 아스파라거스 한 송이를 그렸습니다. 그리고는 이 단어로 격리된 "L'Asperge"를 보냈습니다: "하나는 당신의 부츠에서 빠졌습니다". 일화는 회화적 경제만큼이나 유머를 드러냅니다.
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#25
실버컵
샤르댕은 은잔,과일 및 기구에 unemphasic 중력을 줍니다. 반사는 하나씩 당겨지지 않습니다: 그들은 먼 거리에서 빛을 recomposes 터치의 물자에서 나옵니다. 이 느린 그림은 시각 경험으로 국내 사용을 변형시키고 Diderot 그 후에 현대주의자가 그것을 위해 가지고 있던 지속적인 감탄을 설명합니다.
이 재생산 →를 참조하세요중단 된 식사, 불가능한 꽃다발 및 매우 시간을 잘 지키는 두개골은 풍요가 항상 숨겨진 시계를 가지고 있음을 상기시켜줍니다.
#26
빨간색과 검은색 카펫 위의 요리와 과일(레드 카펫)
마티스는 빨간색과 검은 색 카펫에 접시와 과일을 표시 누구의 아라베스크는 테이블을 침공. 개체는 정체성을 유지하지만,원근감은 모티브의 푸시 아래 평평하게된다. 정물화는 활성 장식 분야가된다: 각 색상은 일반적인 균형을 조절하고 공간은 환상적 깊이보다는 대비에 의해 구성된다.
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#27
신발
반 고흐는 1886 년에 착용한 신발 한 켤레를 그렸는데,이는 벼룩시장의 증언에 따라 구입한 후 진흙 속에 착용한 것이다. 갈라진 가죽과 풀린 끈은 물건에 거의 인간적인 전기를 부여한다. 나중에 하이데거와 마이어 샤피로는 그 의미에 대해 서로 대립하여 이 그림을 예술 해석에 대한 유명한 논쟁으로 만들었다.
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#28
불이 붙은 시가가 달린 해골
1885 -1886 년경 앤트워프에서 수행 된 "불이 붙은 시가를 가진 해골"은 아카데미의 해부학 적 운동을 전환시킵니다. 허영심의 전통적인 액세서리 인 해골은 갑자기 죽음으로 농담을하는 것처럼 보입니다. 백열 시가는 짧은 소비를 지속적인 뼈로 반대합니다. 따라서 반 고흐는 어두운 유머,가르침에 대한 비판 및 필멸의 기억을 상기시킵니다.
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#29
송어
쿠르베는 파리 코뮌과 연계된 투옥 이후 1872 년에 "라 트루잇"을 그렸다. 갈고리에 잡힌 동물은 은행에서 몸부림치며 입을 벌리고 옆구리를 다쳤다. 화가가 추가한 비문은 개인적인 독서를 장려한다: 이 육체적 투쟁은 굴복하기를 거부하는 포로 남자의 이미지가 될 수 있다.
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#30
랍스터와 함께하는 정물 - Eugène Delacroix
들라크루아는 1826 년 -1827 년의 캔버스에 랍스터,사냥 트로피 및 해양 풍경을 함께 제공합니다. 붉은 껍질은 깃털,금속 및 흙 사이에서 색채의 초점 역할을합니다. 낭만적 인 화가는 차분한 재고를 목표로하지 않습니다: 그는 정물화를 색상,동물 죽음 및 브러시의 에너지가 서로 반응하는 극적인 장면으로 변환합니다.
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#31
하늘색 벨벳 원단에 목련
Heade 는 연한 파란색 벨벳에 두 개의 목련을 배치하여 꽃잎의 연약한 흰색 살과 직물의 깊이를 대조합니다. 가까운 프레임과 낮은 빛은 꽃에 특이한 관능미를 부여합니다. 그의 경력이 끝날 무렵 그려진 작품은 식물 관찰과 조용한 분위기에 대한 그의 취향을 응축합니다.
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#32
양의 머리를 가진 정물
고야는 어떤 미식 발표도 배제하는 솔직함으로 양의 머리를 그립니다. 어두운 땅에 고립된 죽은 동물은 취약한 존재감을 유지합니다. 전쟁 기간 동안 생산된 그의 정물화는 종종 현대의 폭력과 비교되기도 했습니다. 특정 사건을 언급하지 않고 고기를 침묵의 증언으로 변화시킵니다.
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#33
도미와 함께하는 정물화
이 도미에서 고야는 비늘,고정 된 눈 및 물고기의 불활성 덩어리에 빛을 집중시킵니다. 거의 빈 바닥은 요리 일화를 제거합니다. 빠른 터치는 정확성을 감소시키지 않습니다; 습도와 다가오는 저하를 민감하게 만듭니다. 정물화는 최근 살아있는 몸과의 직접적인 만남이됩니다.
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#34
와플 디저트
Baugin 은 웨이퍼,와인 한 잔,병, 과일 및 금속 접시를 돌 테이블 위에 놓습니다. 각 물체는 분리되고 측정되며 차가운 빛으로 목욕됩니다. 이 구속은 디저트에 거의 전례적인 존엄성을 부여합니다. 이 작품은 17 세기 프랑스 회화에 특유한 질감의 즐거움,기하학적 엄격함 및 침묵 사이의 균형으로 유명합니다.
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#35
허영심
필립 드 샴페인은 허영심을 세 가지 물체로 축소합니다: 튤립,두개골 및 모래 시계. 그들은 삶,죽음 및 그들을 연결하는 시간에 해당합니다. 어떤 사치도이 논리를 산만하게하지 않습니다. 때로는 얀센주의 환경과 관련된 정면 구성은 널리 퍼진 상징 언어를 거의 화해 할 수없는 선명도의 명제로 변형시킵니다.
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#36
악기와 함께 정물
그 자신이 음악가인 바스체니스는 그 구성에 대한 정확한 지식을 가지고 류트,바이올린, 악보 및 직물을 그립니다. 악기에 쌓인 먼지는 그들이 오랫동안 침묵해 왔음을 나타냅니다. 시간의 예술인 음악은 부재를 통해서만 존재합니다. 따라서 그림은 사물의 초상화,촉각적 환상 및 중단된 조화에 대한 명상을 결합합니다.
참조 이미지; 공지사항: Pinacoteca di Brera, 밀라노.
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#37
과일과 꽃의 꽃병
아브라함 미뇽은 꽃병에서 꽃과 과일을 넘쳐 흐르며 희귀종,돌아온 잎과 작은 동물들을 섞습니다. 겉보기에 자발적인 조직은 신중한 관찰에 기초합니다. 표면의 밝기가 먼저 끌리고 그 다음에 시들음의 흔적이 나타납니다. 정물화는 창조의 경이로움과 그 취약성에 대한 인식을 결합합니다.
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#38
시계와 함께 꽃과 함께 정물
Van Aelst 는 꽃 사이에 시계를 삽입하여 아름다움과 지속 시간을 명시 적으로 연결합니다. 꽃잎,유리 및 금속은 각각 다른 가벼운 처리가 필요합니다. 시계는 작품을 무거운 수수께끼로 변형시키지 않습니다: 그것은 신중하게 인간의 척도를 식물의 시간,완전한 개화와 임박한 가을 사이에 소개합니다.
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#39
수박과 사과가 있는 정물
멜렌데즈는 수박의 열린 살과 사과의 매끄러운 껍질,용기의 견고함을 대조합니다. 낮은 시점은 사물을 보는 사람에게 더 가까이 다가가게 하고 예상치 못한 기념비성을 선사합니다. 스페인의 제품을 보여주기 위해 이 그림의 기반이 되는 시리즈는 무엇보다도 무게,컷, 빛에 대한 뛰어난 연구가 됩니다.
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#40
연어, 레몬, 용기가 담긴 정물
멜렌데즈의 연어,레몬 및 용기는 거의 테이블 높이에있는 얕은 공간에 짜여져 있습니다. 물고기의 살,반짝이는 피부 및 금속 표면은 재료에 대한 교훈을 구성합니다. 예술가는 네덜란드 연회의 호화로운 상징에 의지하지 않고 평범한 식량을 기념비적 인 형태의 순위로 올립니다.
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#41
레몬
마네는 어두운 접시에 레몬을 분리하고,아주 적은 요소 강한 발광 존재를 얻는다. 노란색은 균일하지 않습니다: 그것은 따뜻한 터치,그림자 및 반사에 의해 구성된다. 겸손한 주제는 볼륨,재료 및 광채가 부과 된 상징적 메시지보다 더 중요한 순수한 회화의 시연이됩니다.
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#42
흰 모란과 다른 꽃과 정물
마네는 모란을 기계적으로 디테일하지 않고 꽃잎의 빛을 유지하는 생동감 넘치는 터치로 그립니다. 어떤 꽃은 열리고 다른 꽃은 이미 꽃병 주위에 처집니다. 꽃다발은 화려함과 사라짐을 결합합니다. 예술가의 말년에 이 작은 정물화는 그가 질병에도 불구하고 작업하고 색상과의 관계를 새롭게 할 수 있게 해주었습니다.
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#43
크리스탈 꽃병에 카네이션과 클레 마티스
카네이션과 클레 마티스는 몇 가지 결정적인 반사를 통해 Manet 이 제안하는 투명도가있는 크리스탈 꽃병에서 펼쳐집니다. 구성은 꽃다발 주위에 공기를 유지하고 식물 목록을 피합니다. 화가는 빛의 덧없는 효과보다 적은 각 꽃잎을 포착하여 꽃의 취약성을 즉각적인 존재로 만듭니다.
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#44
멜론과 복숭아가 있는 정물
마네는 오픈 멜론,복숭아 및 식기를 터치로 피부,살 및 도자기를 느낄 수있는 자유로운 균형으로 결합합니다. 잘라낸 과일은 둥근 모양의 중간에 촉촉한 깊이를 도입합니다. 작품은 자발적인 배열의 모습을 유지하지만 노란색,분홍색 및 검정색의 관계는 정확하게 판독을 조절합니다.
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#45
꽃: 붓꽃과 히아신스, 체리와 아몬드가 식탁에 있습니다
Fantin-Latour 는 붓꽃,히아신스, 체리 및 아몬드를 결합하여 각 종을 완벽하게 인식 할 수있게합니다. 중립적 인 배경과 어두운 테이블은 색상과 질감의 차이에주의를 집중시킵니다. 꽃 화가로서의 그의 명성은이 동맹에 근거합니다: 고대 거장으로부터 물려받은 정밀도와 과부하가없는 현대적인 구성 감각.
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#46
흰색과 파란색 포도, 복숭아, 자두가 담긴 유리 그릇
유리 그릇에서 흰색과 파란색 포도,복숭아 및 자두는 컴팩트 한 건축물을 형성합니다. Fantin-Latour 는 과시적인 기교없이 투명도를 조절합니다. 과일은 강한 상징도 아니고 연회 액세서리도 아닙니다: 그들은 가까운 음색,벨벳 같은 피부 및 구속 된 빛에 대한 친밀한 연구가됩니다.
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#47
작은 토기 접시에 딸기
Fantin-Latour 는 작은 토기 접시에 딸기 몇 개를 놓고 주변의 공허가 빨간색을 증폭시킵니다. 겸손한 형식과 주제는 면밀한 관찰이 필요합니다. 작품은 정물화가 풍요 로움없이 어떻게 할 수 있는지를 보여줍니다: 강렬한 색상,깨지기 쉬운 재료 및 용기는 전체 표면을 정리하기에 충분합니다.
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#48
과일 및 야채 판매자
Louise Moillon 은 정물화를 시장 장면으로 확장합니다. 상인,바구니 및 과일은 사회적 관찰과 풍요의 광경을 분명히 표현합니다. 각 제품은 17 세기 파리에서 유명하게 만든 정밀도로 묘사 된 채로 남아 있습니다. 인간의 모습은 물건을 지우지 않습니다: 경제 및 국내 유통을 드러냅니다.
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#49
체리, 자두, 멜론을 자릅니다
Moillon 는 명확하게 분리되는 콘테이너에 있는 체리,자두 및 참외를 함께 가져옵니다. 열려있는 과일은 당신이 피부,펄프 및 돌을 직면하는 것을 허용하고,찬 빛은 전체를 안정시킵니다. 이 시각적인 학문은 더 연극 연회와 그것의 일을 구별합니다: 풍부함은 측정해 남아 있고,접근할 수 있고,양의 명확성에 의해 건설합니다.
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#50
꽃과 과일이 있는 정물
Vallayer-코스터는 꽃과 과일을 매우 일찍 왕립 아카데미에 입학 할 수있는 터치의 자유와 결합합니다. 빛나는 꽃잎은 테이블의 무거운 볼륨에 반응합니다. 여성이 드문 인정을받을 수있는 장르에서 그녀의 재료와 야심 찬 작곡의 숙달은 그녀에게 마리 앙투아네트의 후원을 보장했습니다.
이 재생산 →를 참조하세요마네, 고야, 쿠르베, 세잔과 반 고흐 소재, 색상과 붓놀림쪽으로 주제를 이동합니다.
#51
랍스터와 함께하는 정물 - Anne Vallayer-Coster
Vallayer-Coster 는 조개껍데기,생선 및 식기가 질감을 배가시키는 디스플레이의 중심에 랍스터를 배치합니다. 조개껍데기의 붉은 색은 색채 충동을 주지만 조직은 확고하게 유지됩니다. 예술가는 프랑스 명료성을 유지하면서 연회의 네덜란드 마스터와 경쟁하며 18 세기 정물화에 주어진 야망의 증거입니다.
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#52
악기
Vallayer-Coster 는 중단 된 콘서트의 조용한 배우처럼 악기,악보 및 액세서리를 취급합니다. 소매의 대각선과 신체의 곡선이 공간을 구성하는 반면 광택 처리된 표면은 빛을 포착합니다. 이 주제는 그가 학술적 구성과 물질적 기교를 결합 할 수있게 해주며,이는 아카데미에서 그의 성공을 창시한 두 가지 자질입니다.
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#53
꽃 바구니
오시아스 비어트는 어두운 공간의 중앙에 꽃 바구니를 설치하여 각 줄기와 꽃잎에 거의 귀중한 선명도를 부여합니다. 꽃다발은 서로 다른 계절의 꽃을 모으고 따라서 자연스러운 순간이 아닌 이상적인 컬렉션을 구성합니다. 이 불가능한 동시성은 회화의 힘만큼이나 원예 지식을 기념합니다.
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#54
아스파라거스와 함께하는 정물
Coorte 는 석판 위에 놓인 단순한 아스파라거스 무리를 그립니다. 검은 배경,친밀한 형식 및 낮은 빛은 창백한 줄기에 기념비적 인 존재감을 부여합니다. 대형 연회와 달리이 작품은 구속에 기반을두고 있습니다. 20th 세기의 재발견은 네덜란드 정물화의 가장 특이한 목소리 중 하나를 드러 냈습니다.
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#55
꽃다발
Jan Brueghel 은 소형 주의자 정밀도로 관찰 된이 꽃다발 종을 함께 모았습니다. 튤립,장미 및 더 겸손한 꽃은 호환되지 않는 계절에도 불구하고 꽃병을 공유합니다. 이미지는 이상적인 식물 캐비닛이됩니다. 곤충,떨어진 꽃잎 및 구부러진 줄기는 그러나 컬렉션이 움직이지 않게 보이지 않도록합니다: 그곳에는 이미 시간이 교차합니다.
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#56
이전에는 디저트였던 과일과 풍부한 요리를 테이블 위에 올려 놓았습니다
De Heem 은 각 반사마다 다른 재료를 나타내는 테이블에서 과일,유리 제품 및 귀중한 식기를 넘칩니다. 이 "디저트"는 감귤류 과일,도자기 및 고급 물건을 United Provinces 로 가져 오는 상업 네트워크를 보여줍니다. 그러나 열린 피부와 희미해진 잎은 소유가 소비 또는 소멸을 중단하지 않는다는 것을 상기시켜줍니다.
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#57
유리와 굴이 있는 정물
유리,열린 굴,레몬 및 작은 남은 음식은 de Heem 이 방금 일어난 식사를 불러 일으키기에 충분합니다. 젖은 껍질은 유리의 투명성에 반응합니다. 즐거움은 손님이 아니라 흔적으로 나타납니다. 이 부재는 테이블 친밀감을 소비 된 순간에 대한 신중한 명상으로 변화시킵니다.
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#58
랍스터와 노틸러스가 있는 정물화
랍스터와 노틸러스 컵은 두 가지 형태의 사치를 집중시킵니다: 식량 부족과 인간이 일하는 이국적인 물건. De Heem 은 과일,금속 및 유리 제품으로 그들을 둘러싸고 움직이는 빛으로 풍성함을 통합합니다. 전체는 상업적 번영을 축하하지만,그 불안정한 균형은이 화려 함이 깨지기 쉬운 질서에 얼마나 의존 하는지를 암시합니다.
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#59
과일, 유리 제품 및 Wanli 그릇과 정물
칼프는 어두운 공간에서 과일,유리 제품 및 중국 완리 도자기 그릇을 결합합니다. 물체는 네덜란드 세계 무역을 증언하지만 빛은 재고보다 외관으로 변형시킵니다. 중단 된 반사,껍질을 벗긴 레몬 및 가능한 시계는 그림이 그것에 속한다는 영속성에도 불구하고 사치가 순환하고 소비되고 사라지는 것을 상기시켜줍니다.
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#60
두개골과 필기구가 있는 정물
피터 Claesz 지식에 전념 허영에 두개골,펜 및 쓰기 개체를 함께 제공합니다. 생각,명성 및 책은 부보다 죽음에서 더 이상 보호하지 않습니다. 그러나 펜은 유익한 모순을 소개합니다: 쓰기 및 회화는 정확하게 개인의 삶을 넘어 무언가를 전송하는 인간의 수단입니다.
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#61
악기의 허영심, 오감으로
Claesz 의이 허영은 악기와 오감과 관련된 개체를 축적합니다. 청각,미각, 시각,냄새 및 촉각의 즐거움은 지속 시간이 거부되는 바로 그 순간에 보입니다. 시계,두개골 또는 양초가 한계를 새깁니다; 그림은 도망자라고 선언 한 모습을 유지합니다.
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#62
게, 과일, 유리로 된 정물
Claesz 는 게,과일 및 유리를 껍질의 색으로 구분되는 갈색과 회색의 범위에 배열합니다. 물건은 식사 후에 남겨진 것처럼 보이지만 각 성향은 계산됩니다. 화가는 무질서를 건축으로 만들고 시간이 시작된 음식으로 측정되는 반사의 광경으로 남아 있습니다.
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#63
햄, 게임, 식기가 있는 정물
헤다는 햄,게임 및 요리를 손님이 사라진 호화로운 식사로 변화시킵니다. 금속,유리 및 구겨진 식탁보는 의도적으로 제한된 팔레트를 공유합니다. 이 색채의 절주는 과잉을 더욱 모호하게 만듭니다: 풍부함은 눈에 제공되는 반면 장애,뼈 및 빈 용기는 즉시 다음 단계를 보여줍니다.
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#64
생선, 굴, 새우가 있는 정물
클라라 피터스는 17 세기 식품 및 해상 무역에 대한 정보를 제공하는 정확성으로 생선,굴 및 새우를 그립니다. 젖은 표면,비늘 및 조개 껍질은 꽃과 다른 기교를 요구합니다. 이 주제를 선택함으로써 그녀는 또한 부유 한 테이블뿐만 아니라 시장과 관련된 분야의 숙달을 확인합니다.
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#65
체스판에서의 정물
"Still Life on the Chessboard"에서 Baugin 은 게임,악기, 악보,꽃 및 세면 용품을 함께 제공합니다. 각 요소는 감각의 즐거움과 덧없는 성격을 나타낼 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 구성은 차분하고 빛나는 도덕적 수수께끼 이상으로 삶을 차지하고 측정하는 활동에 대한 세련된 명상을 제공합니다.
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#66
파란색 장갑 오렌지 레몬의 정물화
아를에서 반 고흐는 밝은 오렌지와 레몬을 한 쌍의 파란색 장갑과 대조합니다. 보색은 테이블에 강렬한 진동을주는 반면 장갑은 작업자의 부재를 소개합니다. 정물화는 물체를 복사 할뿐만 아니라: 각 톤이 다른 톤과 접촉하면 강해지는 색채 에너지를 구성합니다.
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#67
파이프가 달린 빈센트의 의자
반 고흐는 얼굴 없는 자화상으로 파이프와 담배로 밀짚 의자를 그립니다. 낮에 불이 켜진 단순한 물체는 아를에 있는 자신의 정체성과 방을 연상시킵니다. 이에 대응하는 고갱의 어두운 안락의자는 부재 중인 친구를 상징합니다. 따라서 두 자리는 곧 깨질 예술적 동거를 말해줍니다.
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#68
폴 고갱의 안락의자
고갱의 안락의자는 반 고흐의 의자보다 더 우아하고 야행성이 강하다: 곡선형 나무, 쿠션, 책과 불이 켜진 촛불은 교양있는 예술가의 상징적 인 초상화를 구성한다. 고갱이 아를에서 떠난 후 그려진이 작품은 빈 가구를 정신적 인 존재로 변화시켜 공통 프로젝트에 대한 감탄, 분리 및 기억을 혼합한다.
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#69
해바라기 두 송이 자르기
아를의 큰 꽃다발 전에 반 고흐는 테이블 위에 놓인 잘린 해바라기를 그렸습니다. 가까이에서 본 무거운 머리는 거의 얼굴이나 별이됩니다. 꽃은 장식적이지 않습니다: 꽃잎과 두꺼운 재료의 비틀림은 마치 색상이 여전히 떨어지는 것을 저항하는 것처럼 시들기에 물리적 강도를줍니다.
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#70
구리 꽃병에 담긴 프리틸러리 황실 왕관
반 고흐는 파리의 황실 왕관 프리틸러리를 구리 꽃병에 그렸습니다. 주황색 꽃은 인상파와 일본 판화와의 접촉을 통해 발견 된 보완적인 대비를 사용하여 파란색 배경에 눈에 띕니다. 꽃다발은 전환점을 표시합니다: 네덜란드의 어두운 팔레트는 독립형으로 바뀌고 더 밝고 대담한 색상으로 바뀌 었습니다.
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#71
주전자와 과일
세잔은 계획이 아주 일치하지 않는 공간에 주전자,과일 및 직물을 설치합니다. 둥근 금속은 사과에 반응하는 반면 접힌 부분은 테이블이 수평으로 유지되는 것을 방지합니다. 이 불안정성은 서투른 것이 아니라 구성됩니다: 그것은 시선의 여러 순간을 번역하고 정물화를 회화 건축의 문제로 변형시킵니다.
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#72
사과와 앵초 냄비가 있는 정물화
앵초 냄비는 사과와 경사진 표면 사이에 수직 성장을 소개합니다. 세잔은 연약한 생물,과일의 질량 및 용기의 기하학을 관련시킵니다. 윤곽이 수정되고 색상이 한 물체에서 다른 물체로 전달됩니다. 따라서 통일성은 닫힌 디자인이 아닌 진보적 인 관계에서 탄생합니다.
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#73
사과와 배가 있는 정물
사과와 배는 세잔에게 작은 색의 변조로 모양을 만들 수 있는 간단한 볼륨을 제공합니다. 테이블이 올라가는 것처럼 보이고,각각의 과일은 약간 다른 각도에서 보입니다. 이 다중성은 이미지에서 시선의 지속 시간을 보존하고 공간을 다시 생각하는 수단을 인식하게 될 입체파에 직접적인 영향을 미칠 것입니다.
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#74
녹색 대리석 테이블의 정물화
마티스는 색이 깊이를 구성하는 공간에서 과일,식기류 및 녹색 대리석 테이블과 마주합니다. 지지대의 정맥은 돌의 모방이 아닌 활동적인 패턴이됩니다. 물체는 색채 관계 덕분에 함께 유지되는 것처럼 보입니다. 정물화는 피사체의 일일 고정력을 잃지 않고 자유롭게 실험 할 수있게합니다.
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#75
핑크색 식탁보에 사과가 달린 정물화
접힘과 윤곽이 테이블의 안정성을 이동시키는 분홍색 식탁보 위에 사과가 놓여 있습니다. Matisse 는 정확한 지역 색상을 찾지 않습니다: 분홍색,녹색 및 과일 색조가 민감한 균형을 이루고 있습니다. 국내 친밀감은 단순화의 실험실이되어 몇 가지 물체가 공간의 인식을 완전히 새롭게하기에 충분합니다.
이 재생산 →를 참조하세요Picasso, Braque, Gris, Matisse, Morandi 및 그들의 상속인은 테이블을 더 잘 재건하기 위해 테이블을 해체했습니다.
#76
파란 주전자를 들고 있는 정물
파란색 주전자는 모델링보다 과일과 용기가 평평한 영역에서 균형을 이루는 마티스의 정물화에 대한 분위기를 설정합니다. 파란색은 도자기를 묘사 할뿐만 아니라: 모든 이웃 색상에 작용합니다. 테이블은 환상주의없이 선명도를 찾는 모범적 인 사물에 여전히 붙어있는 추상적 인 장면이됩니다.
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#77
검은 배경에 튤립과 굴
마티스는 밝은 색상의 튤립과 검은 배경에 불규칙한 굴의 자개를 대조합니다. 두 패턴은 꽃의 개방성과 소비,섬세함과 살을 결합합니다. 배경은 깊이를 흡수하여 모양을 발전시킵니다. 이 긴장감은 식사를 색상과 리듬이 모든 서사를 지배하는 장식 구성으로 변화시킵니다.
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#78
아침 식사
Juan Gris 는 신문,컵, 병 및 연동 테이블 요소에서 아침 식사를 재구성합니다. 인쇄 된 문자와 인식 가능한 조각은 계획이 순수한 추상화가되는 것을 방지합니다. 합성 입체파는 아침 습관을 기호 시스템으로 변환하여 이미지를 읽는 것이 점차적으로 물건,재료 및 관점을 조립하는 것과 같습니다.
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#79
보르도 한 병이 담긴 정물
보르도의 병 컷 아웃 계획,라벨 및 테이블 요소의 중간에 그리스에 대한 수직 마커 역할을합니다. 단어 또는 마크는 단순한 현실적인 세부 사항이 아닙니다: 그것은 입체파 공간에서 개체를 식별하는 데 도움이됩니다. 정물화는 따라서 커피,신문 및 와인의 시각적 경험과 일상 문화를 결합합니다.
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#80
Compotier와 유리(레몬이 함유된 정물)
회색은 compote,유리 및 레몬을 한 물체에서 다른 물체로 윤곽이 계속되는 맞물린 모양으로 줄입니다. 노란색은 입체파 구성 내에서 과일을 읽을 수있게합니다. 이 작품은 종종 반대되는 두 가지 요구 사항을 조화시킵니다: 표면의 기하학적 자율성과 친숙한 테이블을 인식하는 즉각적인 즐거움.
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#81
기타(기타에 여전히 생명력이 있음)
기타는 후안 그리스에게 쉽게 분해 후 재조립 할 수있는 곡선,현과 평면의 세트를 제공합니다. 악기는 또한 음악을 제안,듣지 않고 존재. 이 입체파 정물화에서 관객은 고정 된 관점을받지 않습니다: 그는 정신적으로 표면에 분산 된 단서에서 개체를 재구성.
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#82
체크 무늬 식탁보와 정물
체크 무늬 식탁보는 그리스에게 입체파 분열을 명령하는 격자를 제공합니다. 그 위에 병,유리, 과일 또는 신문은 몇 가지 구체적인 표시로 구별됩니다. 국내 모티브는 그림의 진정한 건축이됩니다. 예술가는 장식 표면이 동시에 캔버스의 평탄함을 주장하고 깊이있는 테이블을 제안 할 수 있음을 보여줍니다.
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#83
딸기잼
딸기 잼의 냄비는 Juan Gris 의 입체파 어휘에 라벨,문자 및 과일 색상을 소개합니다. 제조 된 제품은 유리 또는 테이블만큼 중요합니다. 현대 소비의 징후를 통합함으로써 작품은 학문적 회화와 평범한 문화를 하나로 모으면서 눈이 알고 있다고 생각하는 것을 재구성하도록 요청합니다.
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#84
점토 주전자와 철 컵이 있는 정물
고갱은 고의적으로 소박한 정물화에 점토 한 병과 철 한 컵을 모았습니다. 물건은 사치품만큼 좋지는 않지만 질량,색상 및 장인 적 성격에 좋습니다. 단순화 된 윤곽선과 평평한 영역은 자연주의로부터 구성을 멀어지게합니다. 일상 생활은 합성되고 조밀하며 조용한 그림의 지지대가됩니다.
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#85
안락의자에 해바라기가 그려진 정물 (II)
고갱은 안락의자에 해바라기를 올려놓고 반 고흐와 아를에서의 상충되는 체류와 관련된 꽃을 원격으로 차지합니다. 빈 자리는 꽃다발을 부재한 존재의 기억으로 변화시킵니다. 이 인용문은 단순한 공물이 아닙니다: 상징적인 모티브의 예술적 기억,경쟁 및 재 전유를 결합합니다.
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#86
창 앞에 과일 그릇과 투수
고갱이 내부 공간과 풍경을 반대할 수 있는 장치인 창문 앞에 과일 그릇과 투수가 눈에 띕니다. 대담한 색상과 단순화된 윤곽은 대기 환상을 거부합니다. 그림은 정물과 외부 전망 중 하나를 선택하지 않습니다: 색상별로 구성된 동일한 표면에 연결됩니다.
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#87
망고와 히비스커스 꽃이 있는 정물화
망고와 히비스커스는 고갱의 정물화에 폴리네시아 체류 기간 동안의 식물과 색을 새깁니다. 그러나 이미지는 중립적 인 민족 지학 조사가 아닙니다: 그것은 합성주의 언어와 유럽의 상상력에 따라 다른 곳을 구성합니다. 꽃다발과 열매는 지리적 움직임과 그림을 재창조하려는 욕구를 모두 드러냅니다.
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#88
병, 물병, 빵, 와인이 있는 정물
이 초기 작품에서 모네는 여전히 사실주의로 표시된 테이블 위에 병,카라페, 빵 및 와인을 함께 모았습니다. 유리의 반사와 어두운 대비는 그의 미래 풍경이 대기로 옮겨 갈 것이라는 관심을 보여줍니다. 따라서 정물화는 등고선의 인상주의 해체 이전에 그의 시선의 물질적 기반을 드러냅니다.
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#89
오렌지, 바나나, 차 한잔
르누아르는 오렌지,바나나 및 차 한 잔을 결합하여 이국적인 과일과 국내 의식을 결합합니다. 그것의 유연한 터치는 도자기,피부 및 직물 사이의 빛을 순환시킵니다. 그 물건은 결코 차갑게 묘사되지 않습니다: 그것은 풍요로움과 유쾌함의 느낌에 기여합니다. 색상은 테이블을 재고가 아닌 따뜻한 경험으로 변화시킵니다.
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#90
토끼, 오리, 병, 빵, 치즈가 있는 정물
Oudry 는 사냥 트로피와 다가오는 식사를 함께 모으는 배열로 토끼,오리, 병,빵 및 치즈를 결합합니다. 왕족 사냥의 인기 화가 인 그는 코트,깃털, 유리 및 음식을 훌륭하게 정확하게 묘사합니다. 이 작품은 게임 소유와 식기가 함께 어우러진 귀족 문화에서 정물화를 배치합니다.
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#91
케이크가 있는 정물
라파엘 필은 트롱프뢰유로 칠해진 흰색 리넨 뒤에 케이크를 부분적으로 숨긴다. 원단은 보는 사람에게 도전하면서 음식을 보호하는 것처럼 보인다: 우리는 케이크를 봐야 하는가 베일의 기교를 봐야 하는가? 19 세기 초 미국에서 이 시각적 구속은 디저트를 욕망,통제 및 환상의 대상으로 변형시켰다.
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#92
일본 꽃병에 꽃
Redon 은 꽃에 대한 취향과 극동 예술의 영향을 결합하여 일본 꽃병에서 꽃다발을 꺼냅니다. 종은 빛나는 색상으로 변형 된 것보다 목록이 적습니다. 초기의 불안한 검은 색 이후,이 후기 작품은 상상력에 행복한 형태를 부여합니다: 실제 꽃병은 정신적 꽃의 출발점이됩니다.
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#93
꽃병: 빨간 양귀비
붉은 양귀비는 즉시 눈을 사로 잡지만 Redon 은 윤곽이 색으로 녹는 꽃으로 둘러 쌉니다. 꽃다발은 엄격한 식물 정밀도를 따르지 않습니다. 오히려 꽃의 기억과 감각을 반영합니다. 꽃병은이 비전을 안정시켜 일상적인 물건과 내부 공간 사이의 빈약한 연결을 유지합니다.
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#94
꽃병이 있는 정물화
레거는 그의 현대 언어의 깨끗한 볼륨,두꺼운 윤곽과 대담한 색상으로 꽃병과 꽃을 취급합니다. 전통적인 패턴은 포기되지 않습니다; 그것은 기계적인 모양과 포스터의 세계를 위해 재구성됩니다. 꽃잎은 리드미컬 한 표시가되고 꽃병은 구성의 중심에서 단단한 조각으로 작용합니다.
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#95
실버 테린
샤르댕은 은색 테린을 국내 구성의 빛나는 심장으로 만듭니다. 금속은 완벽한 거울이되지 않고 환경을 반영합니다; 두꺼운 터치는 회색과 흰색의 변형을 재구성합니다. 물건은 겸손하고 동시에 기념비적으로 보입니다. 인식에 대한 이러한 관심은 19 세기의 프랑스 화가들에게 깊은 영향을 줄 것입니다.
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#96
Compotiers, 접시 및 과일
Bonnard 는 테이블이 표면을 침입하게하는 친밀한 관점에서 compotiers,접시 및 과일을 관찰합니다. 색상은 각 물체를 충실하게 묘사하는 것보다 서로 더 많이 반응합니다. 국내 공간은 기억의 영향으로 확장되는 것처럼 보입니다. 따라서 정물화는 거주 장소에 대한 장기간의 감각보다 고정 된 배열이 아닙니다.
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#97
스케이트와 함께 정물
Soutine 은 샤르댕과 관련된 줄무늬 모티브를 채택하지만 비틀림,살과 다채로운 폭력을 강조합니다. 열린 물고기는 거의 안정성을 잃는 물건으로 둘러싸인 공간을 침범하는 것처럼 보입니다. 이 경의는 18 세기를 모방하지 않습니다: 전통을 신체,물질 및 회화의 표현주의 경험으로 변화시킵니다.
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#98
비바 라 비다
칼로는 1954 년에 익은 수박과 열린 수박을 그린 다음 붉은 펄프에 "Viva la Vida"를 새겼습니다. 그의 삶의 끝에서 제작 된이 작품은 순전히 장례식 독서를 거부합니다. 씨앗,살 및 공식은 죽음의 의식적 활력을 축하합니다. 정물은 예술가의 몸을 직접 대표하지 않고 자서전 적 진술이됩니다.
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#99
컨테이너 4개
Zurbaran 은 선반에 테라코타와 금속으로 된 4 개의 용기를 줄 지어 각각 그림자로 구분합니다. 빛은 부피,표면적 및 거의 신성한 엄숙함으로 사용법의 차이를 드러냅니다. 복잡한 상징은 필요하지 않습니다: 측정 된 반복과 공허함은 평범한 도구를 존재에 대한 명상으로 변화시킵니다.
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#100
정물 No.41
"정물 41 호"로 웨셀만은 음식,병, 광고 장치 및 이미지를 환경의 규모로 확장합니다. 정물화는 테이블을 떠나 팝 어셈블리가되며 때로는 실제 물건으로 구성됩니다. 이 작품은 새로운 풍요에 의문을 제기합니다: 더 이상 귀족 연회의 것이 아니라 미국의 소비와 그 징후의 것입니다.
참조 이미지; 공지사항: 시카고 미술관.
박물관 공지사항 보기 →사물이 말할 때
정물화의 세 가지 즐거움
정물화는 화가에게 빛,물질 및 시간의 흐름을 시험하는 작은 무대를 제공합니다. 장식은 현명해 보입니다; 물건은 행복하게 플롯됩니다.
재료
유리, 금속, 과일 피부, 벨벳 및 세라믹은 동일한 캔버스를 남기지 않고 브러시를 강제로 음성을 변경합니다.
시간
절화, 식사 시작, 시계 또는 두개골: 움직이지 않는 것들은 아무것도 남지 않는다는 것을 우리에게 상기시켜주는 데 매우 좋습니다.
스페이스
Cotân 에서 Cézanne 에 이어 입체파에 이르기까지 간단한 테이블은 스트레칭,접기 또는 기울기 원근법을위한 실험실이됩니다.
5세기의 그림
상징적인 테이블에서 현대 실험실까지
Caravaggio 와 Sanchez Cotan 은 과일에 새로운 중력을 부여합니다. 네덜란드에서는 Claesz,Heda, Kalf 및 De Heem 이 식사를 재료와 간판의 극장으로 변형시킵니다.
샤르댕은 장면을 단순화한 다음 마네,팡탱라투르, 세잔,반 고흐는 문제를 터치,색채, 시선의 구성으로 전환한다.
20 세기에 피카소, 브라크, 그리스, 마티스, 모란디와 오키프는 친숙한 사물이 단편화, 리듬, 추상화 또는 아이콘이 될 수 있음을 보여줍니다.
박물관 및 컬렉션
작품들을 가까이서 본다
프라도 미술관, 루브르 박물관, 국립 미술관, 미국 박물관을 통해 유리잔의 광채, 레몬의 두께, 비네트 너머의 캔버스 결을 따라갈 수 있습니다.
자주 묻는 질문
정물화 이해하기
허영심, 트롱프뢰유, 꽃다발, 테이블 제공: 대화를 고안하지 않고도 사물을 말하게 만드는 몇 가지 지침.
왜이 장르를 "정물" 이라고합니까?
프랑스 표현은 사물의 부동성을 강조한다. 네덜란드어,독일어 또는 영어는 종종이 그림의 에너지에 더 충실한 공식 인 "침묵의 삶"을 더 많이 말한다.
허영심이 뭐예요?
허영심은 유쾌하거나 배운 물건을 시간의 흐름의 징후와 연관시킵니다: 두개골,시계, 양초,손상된 과일 또는 깨지기 쉬운 유리. 그녀는 파티를 망치지 않습니다; 그것은 단순히 뷔페가 어느 날 닫힌다는 것을 상기시켜줍니다.
네덜란드 화가들은 왜 이렇게 식탁이 제공되는 것을 좋아했을까요?
17 세기에는 상업적인 번영,새로운 음식,수입품 및 기교에 대한 맛이 화가에게 이상적인 레퍼토리를 제공했습니다. 굴,껍질을 벗긴 레몬 및 유리는 동시에 구경거리,상징 및 기술 시연이됩니다.
정물화와 트롱프뢰유는 어떤 차이가 있나요?
모든 정물화는 물체를 나타낸다; trompe l'oeil은 또한 의도적으로 환상적 정확성으로 깊이, 부조 또는 재료를 시뮬레이션하여 인식을 속이려고 합니다.
세잔은 정물화를 어떻게 변화시키는가?
세잔은 사과를 묘사하려고만 하지 않습니다. 그는 부피,색깔 그리고 평면의 관계를 구성하여 테이블을 약간 불안정하게 만들고 입체파의 길을 열어줍니다.
정물화는 언제나 꽃이나 과일을 그린 그림일까?
아니요. 이 장르에는 식사, 책, 악기, 가정용품, 사냥 트로피, 조개껍데기, 두개골 및 트롱프뢰유도 포함됩니다.
왜 정물화는 때때로 초상화보다 더 살아 있는 것처럼 보일까?
시선이 부재한 행동을 재구성하기 때문이다: 누가 잔을 내려놓거나,레몬을 자르거나,의자를 떠났는가? 부동성은 몸짓의 예비가 되고,관중은 신중하게 장면을 마무리한다.
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