암스테르담 · 1650 -1669 · 마지막 길
마지막 렘브란트
덜 명백한 마무리, 더 많은 존재감: 페인트는 피부, 빛 및 메모리가됩니다.
말년에 렘브란트는 표면을 매끄럽게 하려고 하지 않았습니다. 얇은 층과 임파스토를 대조하고 윤곽을 열어두고 설정을 단순화하며 이야기의 무게를 얼굴만큼이나 손에 맡깁니다.
짧은 대답
휴식이 아닌 구성된 자유
렘브란트의 후기 스타일은 그림이 어떻게 이루어지는지 더 많이 보여주기 때문에 더 자유롭게 보입니다. 그 손길은 더 이상 환상 뒤로 사라지지 않는다: 그것은 그림의 주제 중 하나가 된다.
조명된 부분은 두꺼운 페이스트를 받고,때로는 줄무늬가 있거나 절개되어 있습니다. 그림자는 얇고 투명하며 갈색으로 남을 수 있습니다. 그 사이에 의도적으로 잘못 정의된 통로를 통해 보는 사람의 눈이 형태를 통일할 수 있습니다. 따라서 그림은 거리에 따라 변합니다: 가까이서 단편적이고 뒤로 이동할 때 완전히 존재합니다.
이 방법은 기술적 인 쇠퇴에 해당하지 않습니다. X 선은 재작업과 변환을 드러냅니다; 큰 주문은 지속적인 활동을 증명합니다. 렘브란트는 정밀도가 집중되어야하는 곳과 용해 될 수있는 곳을 제어합니다.
두껍게 하다
빛은 이마, 소매, 사슬 또는 손에 부조가 됩니다.
약어하다
의복이나 배경은 읽을 수 있는 몇 가지 질량으로 축소된 상태로 유지될 수 있습니다.
내면화하다
이 이야기에는 접촉, 침묵, 기다림보다 연극적인 몸짓이 덜 포함됩니다.
단어 "마지막" 에주의하십시오: 여기서 그는 기간과 방법을 지정합니다. 여러 그림의 정확한 연대기는 여전히 논쟁 중입니다; 어떤 카탈로그도 우리가 예약없이 하나의 아주 마지막 그림을 지정할 수 없습니다.
I · 변화의 단계
조밀한 조각에서 열린 표면까지
이별은 하루 만에 일어나지 않습니다. 1640 년대에 수행 된 여러 연구는 암스테르담에 대한 취향이 종종 더 부드럽고 우아한 초상화를 선호했던 1650 년 이후에 압축되었습니다.
백 플로린의 동전
에칭은 매우 다른 정도의 마무리를 결합합니다. 흰색과 겉보기 미완성 된 것은 이미 활성화되고 있습니다.
아리스토텔레스와 밧세바
물질, 침묵, 생각은 강도를 줄이지 않고도 장관을 대체합니다.
파산 및 주문
금융 위기는 생활 환경을 변화 시키지만 Les Syndics는 대중의 야망의 연속성을 보여줍니다.
마지막 집중력
자화상, 유대인 신부, 탕자는 접촉과 화해에 관한 이야기를 강화합니다.
II · 물질은 생각한다
아리스토텔레스와 밧세바: 그림 속의 두 침묵
1653 · 뉴욕 · 영광과 기억
페인트는 내부 무게가 됩니다
아리스토텔레스는 호머의 흉상에 손을 얹는다. 제스처는 산 자와 죽은 예술가를 연결하고,눈에 보이는 풍요로움은 시간을 아우르는 영광으로 연결한다. 렘브란트는 장면을 느리게 한다: 어떤 외부 행동도 접촉을 방해하지 않는다.
금 사슬,터번 및 소매는 조밀한 물자로 건축되고,의복의 바닥 그리고 몇몇 가장자리는 더 열려있는 남아 있는 동안. 이 다름은 끝의 부족이 아니다: 철학자가 만지는 무슨을에 그가 묵상하는 무슨을에 응시를 지시한다.
메트로폴리탄 박물관은이 어둡고 조각적인 방식이 암스테르담에서 유행에서 벗어나기 시작했다고 회상합니다. 렘브란트는 지배적 인 취향으로이 격차를 정확하게 회화 적 힘으로 변형시킵니다.
1654 · 파리 · 도덕적 선택
밧세바: 육체는 생각을 지우지 않는다
다윗 왕의 편지는 작지만 전체 이미지를 제어합니다. 밧세바는 불가능한 선택 앞에 그녀를 배치 요구를 알고있다. 그의 몸은 계몽,하지만 그의 시선은 현장에서 철수.
렘브란트는 표면을 변화시킵니다: 어떤 피부 색조는 녹고,다른 사람은 두껍게 합니다; 보석과 리넨은 빛을 붙잡습니다. 몸은 해부학적인 논증으로 이상화되지 않으며 취급되지 않습니다. 그것은 안 충돌의 물자 장소가 됩니다.
인물의 발치에있는 하인은 매일의 제스처를 계속합니다. 진부한 것과 비극적인 것의 공존은 마지막 방법으로 근본적입니다: 드라마는 울음 소리로 절정에 달할 필요가 없습니다.
III · 공개적이고 친밀하며 성경적인
늦은 자유는 일관성을 잃지 않고 등록을 변경합니다
1662 · 집단 초상화
큰 형식은 완벽하게 마스터 남아 있습니다
조사관들은 회의 도중에 방해를 받는 것처럼 보입니다. 펼쳐진 책,카펫으로 덮인 테이블,그리고 연속된 인물들은 실증적인 건축물 없이 깊이를 만들어냅니다.
얼굴은 다섯 미니어처처럼 고립되지 않습니다. 그들은 같은 빛나는 파도에 속합니다. 의상의 검은 색은 몸을 단순화합니다; 칼라,손 및 얼굴은 다른 정도의 선명도로 나타납니다.
이 의뢰는 공공 세계에 대응할 능력이 없는 버려진 화가의 이미지와 모순됩니다. 렘브란트는 여전히 거대한 표면적을 조직하고 기업을 살아있는 행사로 변화시킬 수 있습니다.
1665 년 -1669 년경 · 사생활
유대인 신부: 말하기보다는 만지십시오
부부의 정확한 신원은 여전히 논쟁 중이지만,제스처의 관계는 논쟁의 여지가 없습니다. 남성의 손이 가슴에 달려있다; 여자는 그녀의 것으로 그것을 덮는다. 가능한 성경 이야기는이 접촉에서 응축된다.
황금 소매는 Rembranesque 임파스토의 정상 중 하나입니다. 페인트는 솔의 손잡이로 예금되고,끌리고 긁힙니다. 그것은 다만 직물을 모방하지 않습니다: 그것은 화포에 빛의 진짜 목표를 건설합니다.
Rijksmuseum 은 이 예외적인 자유를 강조합니다. 그러나 가장 두꺼운 소재는 어디에나 있는 것은 아닙니다; 그것은 필수적인 제스처를 둘러싸고 있으며,벽과 특정 직물은 더 차분하게 유지됩니다.
1668 년경 -1669 · 화해
이야기는 두 손으로 끝난다
무릎을 꿇고있는 아들은 깎인 두개골, 파괴 된 신발 및 저항의 배수 된 몸을 가지고 있습니다 아버지는 어떤 화려한 몸짓도 말하지 않습니다: 그는 단순히 어깨에 손을 얹습니다.
이 손은 대칭이 아닙니다. 하나는 더 넓고 보호적인 것처럼 보이고,다른 하나는 더 미세하게 보입니다. 상징적인 반대를 읽든 읽지 않든,그 차이는 시선을 느리게 하고 터치를 인간답게 만듭니다.
증인은 배경에 남아 있습니다. 빛은 전체 방을 묘사하지 않습니다; 그것은 반환 주위에 근접의 원을 구축합니다. 특정 영역의 명백한 미완성은 따라서 감정적 인 집중력을 증가시킵니다.
IV · 다시 자신을 그리다
네 얼굴, 후기 자화상의 네 가지 기능
이 그림들은 투명한 자서전을 형성하지 않습니다. 렘브란트는 의상,역할, 프레임 및 마감 정도를 바꿉니다. 그는 자신을 바울로,전통에 새겨진 마스터 또는 그림의 시험을받는 단순한 얼굴로 나타낼 수 있습니다.
기사의 시작 부분에 표시된 1669 년 자화상에서 국립 미술관과 Mauritshuis 는 말년의 버전에서 중요한 반복을 기록합니다. x-ray 는 예술가가 작업 중에 수정한다는 것을 보여줍니다 손,모자 또는 속성. 눈에 보이는 자유는 그러므로 연속적인 구성과 결정의 결과이다.
V · 시선 사용법
마지막 길을 어떻게 인식할 것인가?
자세히 살펴보세요
페인트 능선, 줄무늬, 긁힌 자국 및 캔버스가 더 가볍게 덮인 부분을 식별합니다.
물러서다
불연속적인 재료는 다시 한번 피부,직물, 공간 및 빛이되어야합니다. 그림은이 시소를 위해 구성됩니다.
손을 따라
그들은 종종 얼굴이 들고 있는 행동을 수행합니다: 만지거나, 환영하고, 무게를 달고, 읽거나 방해하는 것입니다.
가장자리를 비교합니다
어깨가 사라지는 동안 이마는 단단할 수 있습니다. 정밀도는 분산되어 있으며 결코 균일하지 않습니다.
| 외관 | 더 오래된 방법 | 늦은 태도 |
|---|---|---|
| 마무리 | 종종 더 연속적인 전환과 더 분산된 설명 효과. | 두꺼운 영역, 얇은 영역, 축약된 영역 또는 거의 열린 영역 사이의 대비를 가정합니다. |
| 라이트 | 액션을 강하게 극화하고 배우들을 분리시킨다. | 그것은 더 지역적이고 물질적이며 심리적 근접성과 연결됩니다. |
| 스토리 | 다양한 제스처, 대각선 및 반응이 이벤트를 구성합니다. | 접촉, 정지 및 침묵 집중 조치. |
| 거리 | 많은 세부 사항이 면밀히 관찰됩니다. | 완전한 일관성은 특히 시청자가 뒤로 물러설 때 나타납니다. |
피하려면: 늦은 자유를 혼자 노년,파산 또는 가정 된 가난한 시력으로 설명하십시오. 이러한 전기적 요소는 표면의 분석이나 기술적 선택의 연구를 대체하지 않습니다.
자주 묻는 질문
날짜, 주제, 노령 및 최신 작품
렘브란트의 후기 스타일은?
우리는 일반적으로 1650 년대부터 1669 년 그가 죽을 때까지의 작품을 참조합니다. 그들은 눈에 보이는 터치,임파스토, 열린 윤곽,단단한 색상과 덜 연극적이지만 더 많은 내면의 감정을 선호합니다.
렘브란트의 마지막 그림은?
몇몇 후기 작품들은 연대가 좋지 않거나 미완성이기 때문에 절대적으로 확실한 대답은 없습니다. 1669 년의 자화상은 그의 마지막 문서화 된 그림 중 하나입니다; 탕자의 귀환은 종종 1668-1669 년경에 배치됩니다.
스타일링이 늦은 것은 시력 저하 때문인가요?
시각 장애로 설명할 확실한 증거는 없습니다. 건설의 자유는 각 주제에 대해 일관되고 통제되며 적응됩니다; 그것은 입증된 무능력이 아니라 예술적 선택입니다.
왜 최신 그림들은 가까이에서 미완성인 것처럼 보일까?
렘브란트는 정보의 우선 순위를 정합니다. 얼굴,손, 직물 및 빛이 재료를받는 동안 일부 영역은 얇거나 축약 된 상태로 유지됩니다. 멀리서 이러한 차이가 함께 모여 매우 강한 존재감을 나타냅니다.
렘브란트는 생애 말기에 임파스토를 더 많이 사용했습니까?
그는 이전에 두꺼운 재료를 사용했지만 후기 작품으로 인해 특히 자유로운 언어가되었습니다. 페인트는 브러시 손잡이로 증착,끌기, 긁기 또는 절개 할 수 있습니다.
그녀의 늦은 팔레트는 갈색 만 있습니까?
아니. 그것은 종종 지구,검은 색,흰색, 빨간색과 금색 주위에 조여 있지만,이 색상은 투명도와 두께에 따라 다릅니다. Sobriety 는 따뜻한 악센트의 강도를 증가시킵니다.
1656년의 파산이 그 새로운 스타일을 설명합니까?
그것은 그것의 생활 조건과 그것의 시장을 변형 시키지만 예술적 진화를 설명하기에는 충분하지 않습니다. 늦은 연구는 Les Syndics 와 같은 중요한 커미션 덕분에 이전에 시작되어 계속됩니다.
렘브란트는 1660 년대에 구식이었는가?
암스테르담의 취향은 종종 더 부드러운 마무리를 선호했지만 렘브란트는 고객을 유지하고 공개 커미션을 받았습니다. 그의 언어는 가치나 청중이 없지 않고 특정 기대에 덜 부합하게 되었습니다.
그의 늦은 태도를 가장 잘 요약한 표는 무엇입니까?
유대교 신부는 물질, 몸짓, 친밀감의 결합을 특히 잘 보여줍니다. 관리위원회는 이러한 자유가 대규모 공공 초상화에서도 작용한다는 것을 보여줍니다.
후기 작품에서 손이 왜 그렇게 중요한가요?
그들은 행동과 영향을 집중: 가슴에 손을,아들에 아버지의 손,호머의 흉상에 아리스토 텔레스의 손. 그들의 마무리 정도는 모든 것을 설명하지 않고 눈을 안내합니다.
최신 자화상 고백은?
그들은 성찰을 불러오지만 우리는 그것들을 심리학 저널로 전락시키는 것을 피해야 합니다. 또한 그것들은 색깔,재료, 예술가의 지위와 초상화의 전통에 대한 전문적인 시연이기도 합니다.
주요 후기 렘브란트를 볼 수있는 곳은 어디입니까?
Rijksmuseum, 런던 국립 미술관, Mauritshuis, 워싱턴 국립 미술관, 메트로폴리탄 박물관, 루브르 박물관, Kenwood House 및 Hermitage는 이 시기의 주요 작품을 보존하고 있습니다.
0 댓글