톱 100 - 앙리 마티스
앙리 마티스의 이야기를 담은 알려진 그림 100점
야수파, 작업장, 창문, 직물 및 절단 종이: 마티스는 색상을 숨쉬는 건축물로 만듭니다.
마티스의 명백한 단순함 뒤에는 완고한 작업이 있습니다. 선을 단순화하고 공간을 평평하게 하며 충실한 설명보다 방,얼굴 또는 원이 더 많이 나타날 때까지 색상을 조정합니다.
단순함은 장기적인 직업입니다
마티스: 다채로운 표면으로 세상을 건설합니다
황갈색 충격에서 큰 커트 종이에,Matisse 는 모양을 주기 보다는 빛을 모방하는 것을 더 적게 추구합니다. Collioure 는 그의 팔레트를 해방합니다; 빨간 작업장은 깊이를 기울입니다; 니스는 직물,창 및 모형을 지속적인 협정으로 변형시킵니다.
마티스에서는 호흡을 방해하는 모든 것을 제거했기 때문에 줄이 자유로운 것처럼 보입니다.이미지로 전환
이미지의 분류
춤, 음악, 야생 풍경과 큰 인테리어는 마티스가 다채로운 표면을 통해 어떻게 구성하는지 보여줍니다.
#1
댄스(반스 벽)
이 거대한 farandole 는 Albert Barnes 의 큰 화랑의 건축술에 적합하기 위하여 디자인되었습니다. 3 개의 패널은 아치의 밑에 그리고 문 위 미끄러집니다,그래서 무용수는 그림의 정규적인 한계를 교차하는 것처럼 보입니다. 회색,분홍색, 까만 파란 몸은 광대한 명확한 지역 상공에 밖으로 서 있습니다; 그들의 기지개한 팔다리는 벽의 분리에도 불구하고 1 개의 날의 사면에게서 또 다른 한개에 계속되는 리듬을 창조합니다. Matisse 는 학문적인 해부학 또는 이야기 장면을 어느 쪽도 아니 추구합니다. 그는 곡선,밀고 및 균형추에 춤을 감소시키고,그 후에 침묵의 시간으로 백색 공허를 사용합니다. 1930 년에 위임되고 1932 년 여름과 1933 년 4 월 사이 생성해,이 장식은 이미 미래의 컷 종이의 자유를 발표 기념비적 인 규모의 작업을 필요로한다. 여기에 그림은 그것이 설계된 장소와 분리 할 수 없게된다.
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#2
음악
다섯 인물은 두 개의 밴드,땅의 녹색과 하늘의 파란색으로 축소 된 풍경을 차지합니다. 왼쪽에는 서있는 바이올리니스트가 앉아있는 악기 연주자를 마주하고 있습니다; 세 명의 가수가 장식없이 그림자없이 거의 움직임없이이 앙상블을 완성합니다. 어두운 선으로 둘러싸인 붉은 몸은 지팡이의 음표만큼이나 직접적인 표시가됩니다. 그들 사이의 거리는 그들의 몸짓만큼 중요합니다. 1910 년에 그려진 음악은 The Dance 의 대응물 인 Sergei Shchukin 을 위해 디자인되었습니다. 그들 사이의 거리는 그들의 몸짓만큼 중요합니다. 1910 년에 그려진 음악은 The Dance 의 대응물 인 Sergei Shchukin 을 위해 디자인되었습니다. 그들 사이의 거리는 그들의 몸짓만큼 중요합니다. 1910 년에 그려진 음악은 Sergei Shchukin 을 위해 디자인되었습니다. 그들의 몸짓만큼 중요합니다. 1910 년에 그려진 음악은 Sergei Shchukin 을 위해 디자인되었습니다. 원이 연속적인 에너지를 나타내는 곳,The 반복,일시 정지 및 세 가지 주요 색상의 일치를 통한 시각적 음악. 그 기념비적 인 차원 인 260 × 389 cm 는이 엄숙한 단순함을 강화합니다. 작품은 에르미타주 박물관에 보관되어 있습니다.
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#삼
럭셔리하고 차분하며 풍만합니다
지중해 해변에서 목욕하는 사람들은 휴식을 취하거나 머리를 빗거나 피크닉에 앉아 있고 범선과 언덕은 수평선을 닫습니다. 장면은 평화롭게 보이지만 표면은 별도의 터치의 군중으로 진동: 분홍색,노란색, 녹색 및 파란색이 완전히 혼합되지 않습니다. Matisse 는 그림의 유연성이나 매우 개인적인 환상을 포기하지 않고 여기에서 신 인상주의 연구를 적용합니다. 보들레르의 여행 초대의 합창에서 빌린 제목은이 1904 년 해안을 조화의 약속으로 변형시킵니다. 그러나 보들레르의 여행 초대의 합창에서 빌린 작품은이 1904 년 해안을 조화의 약속으로 변형시킵니다. 그러나 보들레르의 여행 초대의 합창에서 빌린 작품은이 1904 년 해안을 조화의 약속으로 변형시킵니다. 그러나 작품은 단순한 장식 천국이 아닙니다: 분리 된 실루엣과 거의 자율적 인 색상 신호 황갈색 폭발 직전의 결정적인 전환의 순간. 캔버스의 98,5 × 118,5 cm 는 눈이 현대 여가와 꿈의 목가적 인 사이를 순환하기에 충분한 폭을 풍경에 제공합니다. 사치스럽고 차분하며 풍만함은 오르세 미술관에 속합니다.
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#4
사는 행복
있을 법하지 않은 색상의 나무에서 벌거 벗은 몸은 대화하고,피리를 연주하고,잔디에 누워 있거나 포옹합니다. 배경에서 여섯 인물은 이미 원을 형성하며,마티스가 곧 The Dance 에서 개발할 모티브입니다. 비율은 자유롭게 다양하며,오렌지 나무는 노란색 또는 녹색 공터를 구성하고,구불 구불 한 윤곽은 캐릭터와 풍경을 결합합니다. 현실적인 깊이는 광대한 태피스트리처럼 설계된 구조로 이어집니다. 1905-1906 년에 그려진 The Happiness of Living 은 야수파의 수단으로 고전적인 목회 사역을 재창조합니다. 마티스는 연속적인 이야기를하지 않고 여러 순간을 함께 가져옵니다; 모든 사람은 자신의 템포,나른함을 찾을 수 있습니다 먼 원의 추진력에 대한 전경. 묘사보다 감정적 인 색상의 합의는 캔버스를 즐거움이 형태의 조직이되는 별도의 세계로 만듭니다. 오늘날 반스 재단에서 175 × 241cm 크기의 캔버스에 유채가있는 것은 그의 젊음의 위대한 긍정 중 하나입니다.
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#5
레드 트롤리
여자는 과일을 탁자 위에 올려놓지만 탁자와 벽은 같은 백열의 붉은 색으로 합쳐진다. 직물의 진한 파란색 아라베스크는 한 평면에서 다른 평면으로 연속적으로 이어지며 방의 모퉁이를 없애버린다. 창문만이 정원에 녹색 숨결을 열어준다; 여전히 이 풍경은 실내 패턴처럼 평평하고 장식적이다. 보는 사람을 향해 기울어진 사물들은 색이 매달린 것보다 포즈가 덜한 것처럼 보인다. 하모니 앙 루즈라고도 불리는 라 데세르테 루즈로 마티스는 1908 년에 국내 장면을 공간 경험으로 변형시켰다. 하모니 앙 루즈라고도 불리는 라 데세르테 루즈로 마티스는 1908 년에 국내 장면을 공간 경험으로 변형시켰다. 하모니 앙 루즈라고도 불리는 라 데세르테 루즈로 마티스는 1908 년에 국내 장면을 공간 경험으로 변형시켰다. 하모니 앙 루즈라고도 불리는 라 데세르테 루즈로 마티스는 1908 년에 국내 장면을 공간 경험으로 변형시켰다. 하모니 앙 루즈라고도 불리는 라 데세르테 루즈로 마티스는 1908 년에 국내 장면을 공간 경험으로 변형시켰다. 하모니 앙 루즈라고도 불리는 라 데세르테 루즈로 마티스는 1908 년에 국내 장면을 공간 경험으로 변형시켰다. 하모니 앙 루즈라고도 불리는 라 데세르테 루즈로 마티스는 1908 년에 국내 장면을 공간 경험으로 변형시켰다 대조의 계산 된 합의에서 그 자리를 찾습니다. 그림은 빨간색이 전체를 덮기 전에 다른 범위에서 시작되었으며 오늘날 작품에 감싸는 힘을 부여하는 결정입니다. 약 180.5 × 221cm의 기념비적 인 형식은 장식을 실제 환경으로 만듭니다.
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#6
마티스 부인의 초상화. 그린 레이
Amélie Matisse 의 얼굴은 이마에서 턱까지 내려 오는 녹색 밴드에 의해 공유됩니다. 한쪽은 따뜻한 분홍색과 노란색을 지배하고; 다른 쪽은 더 차가운 녹색. 이 구분은 전통적인 의미에서 관찰 된 그림자를 반영하지 않습니다: 색상과 반대로 볼륨을 구성합니다. 배경 자체는 보라색,청록색 및 오렌지색 영역으로 조각나 모델의 존재를 더 사실적으로 만들지 않고 더욱 강렬하게 만듭니다. 1905 년에 그려진 The Green Ray 는 황갈색 대담함을 요약합니다: 초상화는 가능성있는 피부 톤을 버리면서 닮은 상태를 유지할 수 있습니다. 1905 년에 그려진 The Green Ray 는 황갈색 대담함을 요약합니다: 초상화는 가능성있는 피부 톤을 버리면서 닮은 상태를 유지할 수 있습니다. 1905 년에 그려진 The Green Ray 는 황갈색 대담함을 요약합니다: 초상화는 가능성있는 피부 톤을 버리면서 닮은 상태를 유지할 수 있습니다. 어두운 헤어 스타일은 활처럼 얼굴을 프레임화하지만 붉은 입과 비대칭 눈 이미지가 무감각 한 가면이되는 것을 방지하십시오. 이 40.5 × 32.5 cm 캔버스에서 유화와 템페라는 놀라 울 정도로 심한 친밀감을 형성합니다. Statens Museum for Kunst에 보존 된 그림은 Matisse의 색상이 형태를 장식하지 않는다는 것을 보여줍니다: 그것은 그것을 생산합니다.
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#7
모자에 여자
Amélie Matisse 는 리본,깃털 및 꽃이 터치의 폭발이되는 모자를 쓰고 3 분기에 포즈를 취합니다. 얼굴은 자연스러운 안색을 추구하지 않고 녹색,분홍색, 노란색 및 파란색을 결합합니다; 옷과 배경은이 순환을 계속하여 그 인물이 식별 가능한 방이 아닌 색칠 된 들판에서 나오는 것처럼 보입니다. 이러한 자유에도 불구하고 비스듬한 시선과 닫힌 자세는 정확한 심리적 존재를 유지합니다. 1905 년 Salon d' Automne 에서 발표 된 The Woman in the Hat 은 정확한 심리적 존재를 유지했습니다. 1905 년 Salon d' Automne 에서 발표 된 The Woman in the Hat 은 야수파에 이름을 붙인 스캔들에 기여했습니다. 비평가들은 부르주아 초상화를 예약 된 색채 폭력으로 취급 한 그림으로 혼란스러워했습니다 그때까지 스케치 나 장식에. 마티스는 그러나 불필요한 도발을 추구하지 않습니다: 그는 소란스러운 모자에서 침착하게 교차 한 손에 이르기까지 각 그늘을 다른 그늘과 균형을 유지합니다. 79.4 × 59.7cm 크기의 캔버스에 유채는 오늘날 샌프란시스코 현대 미술관에 보관되어 있습니다.
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#8
블루 누드 서
서있는 여성의 모습은 지지대의 흰색으로 구분된 몇 가지 파란색 요소로 축소됩니다. 머리,팔, 몸통 및 긴 다리는 연속 해부학에 따라 연결되지 않습니다; 명확한 간격이 활성 관절이됩니다. 두 개의 제기 된 모양은 나뭇잎이나 손처럼 머리를 프레임하여 몸에 식물과 기념비적 인 모습을 제공합니다. 파편의 사소한 움직임은 전체 균형을 수정합니다. 이 서있는 파란색 누드는 Matisse 가위로 직접 그릴 때 컷 아웃 구아슈 종이의 후기 언어에 속합니다. 이 서있는 파란색 누드는 Matisse 가위로 직접 그릴 때 컷 아웃 구아슈 종이의 후기 언어에 속합니다. 명백한 단순성은 그림에 대한 오랜 친숙함에서 비롯됩니다: 엉덩이의 곡선,머리의 비대칭 다리와 수직의 긴장감은 무게와 움직임을 암시하기에 충분합니다. 균일한 파란색은 어떤 모델링도 피하지만 몸 주위와 몸 안을 순환하는 흰색은 그 자체의 빛을 제공합니다. 작품은 예술가가 수십 년 동안 그리고 조각해 온 누드를 근본적으로 새로운 수단으로 확장합니다.
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#9
보라색 코트에 여자
앉은 여성은 무릎 위에 손을 교차시킨 채 시청자를 바라보고 있습니다. 그녀의 짙은 보라색 코트는 녹색 줄무늬 블라우스를 구성하는 두 개의 큰 부분으로 내려갑니다; 숄이나 블랙 칼라는 실루엣을 더욱 무겁게 합니다. 가볍고 약간 기울어진 얼굴은 촘촘한 머리카락과 짙은 파란색과 빨간색 갈색으로 구분된 배경으로 눈에 띕니다. 차가운 색상은 포즈에 좌석의 작은 빨간색 줄무늬가 조심스럽게 깨어나는 중력을 부여합니다. Matisse는 지위의 표시나 장식의 세부 사항을 곱하려고 하지 않습니다. Matisse는 지위의 표시나 장식의 세부 사항을 곱하려고 하지 않습니다. Matisse는 지위의 표시나 장식의 세부 사항을 곱하려고 하지 않습니다. Matisse는 지위의 표시나 장식의 세부 사항을 곱하려고 하지 않습니다. 모든 관심은 얼굴의 타원형, 코트의 질량, 손의 차분한 디자인 사이의 관계에 집중됩니다. 특징 모델의 개성을 지우지 않고 단순화: 붉은 입, 아치형 눈썹 및 옆으로 시선은 거의 걱정스러운 예비를 소개합니다. 1937 년에 그려진이 보라색 코트를 입은 여인은 서사적 설정에 의존하지 않고 몇 가지 강력한 질량과 조용한 존재로 함께 붙잡습니다.
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#10
루마니아 블라우스
젊은 여성은 몸 중간에서 액자에 넣었고,손은 거대한 소매가 달린 흰색 블라우스 앞에 모였습니다. 검정,빨간색, 녹색 및 노란색 자수는 단순화 된 얼굴과 대조되는 장식 정밀도로 꽃,다이아몬드 및 수직선을 묘사합니다. 치마의 빨간색 배경과 촘촘한 파란색은 세 개의 큰 덩어리의 화음으로 인물을 감싸고 칼라는 작은 호흡 영역을 엽니 다. 1940 년에 그려진 루마니아 블라우스는 민속 의류를 기록 할뿐만 아니라 블라우스를 건축물로 만듭니다: 둥근 소매는 몸을 넓히고 패턴은 눈을 손으로 인도하며 검은 색 윤곽선은 전체의 선명도를 유지합니다. 모델의 차분한 표현은 장식이 시끄러워지는 것을 방지합니다. 퐁피두 센터에 보관된 92 × 73 cm 의 캔버스에 있는 이 유채는 고인이 된 예술가가 포화 색상만큼 활동적인 역할을 흰색에게 맡김으로써 가난하지 않고 단순화하는 방법을 보여줍니다.
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#11
가지 내부
Collioure 의이 작품에서 테이블 위에 놓인 가지는 패턴이 풍부한 가운데 앵커 포인트 일뿐입니다. 꽃 벽지,카펫, 스크린,창 및 거울은 안정적인 계층 구조없이 병치됩니다. 중앙 직사각형은 과일,잎 및 도자기를 결합하지만 그 가장자리는 주변 아라베스크로 용해됩니다. 블루스,그린, 황토색 및 보라색은 모두 눈을 향해 전진하여 물체,벽 및 개구부의 명확한 구분을 폐지합니다. 블루스,그린, 황토색 및 보라색은 모두 눈을 향해 전진하여 물체,벽 및 개구부의 명확한 구분을 폐지합니다. 블루스,그린, 황토색 및 보라색은 모두 눈을 향해 전진하여 물체,벽 및 개구부의 명확한 구분을 폐지합니다. 1911 년에 그려진 가지의 내부는 모두 눈을 향해 전진하여 물체,벽 및 개구부의 명확한 구분을 폐지합니다. 블루스,그린, 황토색 및 보라색은 모두 눈을 향해 전진하여 물체,벽 및 개구부의 명확한 구분을 폐지합니다. 1911 년에 그려진 가지의 내부는 가독성을 포기하지 않고 독특한 관점을 거부합니다: 온도,그 다음 광대 한 집합에 직물처럼 다른 사람들과 대화. 캔버스는 212 × 246 cm 의 크기로 보는 사람이 작품 앞에 놓이지 않고 감싸는 느낌을 가질 수 있습니다. 1922 년 예술가와 그의 가족이 부여한 것은 그르노블 박물관의 걸작 중 하나입니다.
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#12
모로코인들
모로코인들은 거의 독립된 것처럼 보이는 세 영역으로 나뉜다. 왼쪽에는 멜론과 야채가 녹색 띠 앞에 쌓여 있다; 중앙에는 커다란 검은색에 비해 엎드린 실루엣이 돋보인다; 오른쪽에는 흰색 건축물이 성소 주변의 다른 인물들을 하나로 모은다. 마티스가 모로코를 여행한 기억에서 가져온 이러한 요소들은 다큐멘터리 장면을 구성하지 않는다. 빛,색깔, 침묵의 블록이 된다. 마티스는 1915 년 말에 이 큰 캔버스를 착수했고 1916 년 가을에 다시 그것을 차지했다. 검은색은 빛나는,장례식 없는 역할을 했다: 백악질의 흰색,녹색, 황토색을 끌어내어 공간을 주었다 전통적인 시각이 없는 깊이. 구도는 1905 년의 눈부신 야수파에서 멀리 떨어진 엄숙한 구조로 풍경,정물, 인간의 존재를 응축한다. 181,3 × 279,4cm 의 캔버스에 유채는 뉴욕 현대 미술관에 보관되어 있다.
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#13
콜리우르의 프랑스 창문
두 개의 좁은 잎은 거의 절대적인 검은 직사각형의 틀을 이루고 있습니다. 파란색,녹색 및 회색의 몇 개의 띠는 밤이나 읽을 수없는 공간에 열려있는 프랑스 창을 인식하기에 충분합니다. 건축 프레임 워크는 콘크리트로 남아 있지만 중앙 개구부는 풍경,지평선, 세부 사항을 드러내지 않습니다. 이러한 부재는 그림에 마티스의 특이한 중력을 부여하고 친숙한 모티프를 건너기 불가능한 문턱으로 변형시킵니다. 1914 년 9 월 ~ 10 월 콜리 우르에서 그려진 116,5 × 89cm 크기의 캔버스에이 유채는 표현과 추상화의 경계에 위치합니다. 수직 밴드는 차가운 기하학적 운동이 아닙니다: 그들의 불평등 한 너비와 그들의 유지된 색상은 블랙 주위에 상당한 긴장감을 유지한다. 그림은 때때로 미완성으로 묘사되지만,그 힘은 바로 이 극단적인 단순함에 있다. 퐁피두 센터에 보존되어 있는 콜리우르의 포르테-페네트르는 공간을 몇 장의 샷으로 응축시키고 무엇이 빠졌는지 상상하는 작업으로 눈을 떠난다.
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#14
콜리우르
콜리우르의 항구는 고정된 윤곽선이 아닌 빠른 손길로 나타난다. 중앙에는 교회 탑이 녹색으로 서 있고; 그 앞에는 바다가 크고 창백한 지역이 되고 오른쪽의 범선은 분홍색과 검은색 액센트로 축소된다. 하늘,해안, 부두는 흰색,청록색, 연보라색으로 겹쳐서 활짝 열려 있다. 지중해의 빛은 물체를 형성하는 대신 용해시키는 것처럼 보인다. 지중해의 빛은 물체를 형성하는 대신 용해시키는 것처럼 보인다. 마티스는 1905 년 콜리우르를 그렸고,안드레 데랭과 공유한 결정적인 여름 동안,지중해의 빛은 물체를 형성하는 대신 용해시키는 것처럼 보인다. 지중해의 빛은 물체를 형성하는 대신 용해시키는 것처럼 보인다. 마티스는 1905 년 콜리우르를 그렸고,안드레 데랭과 공유한 결정적인 여름 동안,그는 일반적인 점묘법적인 손길에서 벗어나 유색의 들판,눈에 보이는 몸짓,거의 노출된 지지 파편에서 작업하는 모습을 그대로 유지하고 있다 식별 가능하지만 색상은 더 이상 관찰 된 풍경에 복종하지 않습니다: 그것은 그 강도를 반영합니다. 이 자유는 Collioure 를 야수파의 주요 실험실로 만들 것입니다. 이 작품은 몇 개의 수직선이 전체 지평선을 함께 유지하기에 충분한 항구의 평온함을 잃지 않고 특정 장소가 어떻게 그림 경험이 될 수 있는지를 보여줍니다.
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#15
금붕어
원통형 항아리가 내부 정원의 중심을 차지하고 있으며,그 꼭대기가 보는 사람을 향해 기울어져있는 작은 둥근 테이블 위에 놓여 있습니다. 금붕어는 맑은 물에서 회전하며 녹색 잎,보라색 꽃 및 내부와 외부 사이의 분리를 흐리게하는 격자로 둘러싸여 있습니다. 유리는 일부 반사와 투명 필름으로 제안됩니다; 물고기는 녹색 중간에 순수한 오렌지색 불꽃입니다. 1912 년에 그려진,Matisse 가 모로코에 머물러있는 후,금붕어는 명상과 불안정성을 결합합니다. 항아리의 원은 테이블의 원에 반응하지만 경사진 원근법은 장면이 얼지 않도록합니다. 항아리의 원은 테이블의 원에 반응하지만 경사진 원근법은 장면이 얼지 않도록합니다. 예술가는 그것으로 평온한 즐거움을 관찰했습니다 우리가 모로코 정원에서 물고기를 보았던; 그는이 기억을 이국적인 일화없이 집중의 이미지로 변형시킵니다. 캔버스에 유채는 140 × 98 cm 를 측정하며 푸쉬킨 미술관에 있습니다. 색상은 눈부신만큼 시선을 느리게합니다.
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#16
럭셔리 II
세 명의 벌거벗은 여성이 커다란 분홍색,파란색, 황토색 띠로 구성된 풍경에 맞서 눈에 띕니다. 왼쪽에 서 있는 인물은 꽃다발을 들고 있고; 뒤쪽에 있는 인물은 꽃을 향해 기울어져 있으며; 무릎을 꿇고 있는 세 번째 인물은 컴팩트한 덩어리처럼 캔버스의 바닥을 차지합니다. 몸체는 의도적으로 단순화되어 윤곽선에 의해 거의 조각되었으며 창백한 색조는 환상주의적인 모델링을 거부합니다. 각 포즈는 자율적으로 보이지만 곡선은 조용히 그들을 연결합니다. 캔버스에 접착제 페인팅으로 1907-1908 년에 제작된 Le Luxe II 는 캔버스에 접착제 페인팅으로 1907-1908 년에 제작되었으며 Le Luxe II 는 더 벗겨서 첫 번째 버전의 구성을 차지합니다. 캔버스에 접착제 페인팅으로 1907-1908 년에 제작된 Le Luxe II 는 더 벗겨서 첫 번째 버전의 구성을 차지합니다. 캔버스에 접착제 페인팅으로 1907-1908 년에 제작된 Le Luxe II 는 더 벗겨서 첫 번째 버전의 구성을 차지합니다. Matisse 는 폭발한 황갈색 터치에서 벗어나 광대한 영역과 a를 찾습니다 기념비적 인 리듬. 제목은 풍요 로움을 약속하지만 무엇보다도 무대는 몸짓과 색상의 엄격한 경제를 제공합니다: 사치는 몸,빛 및 열린 공간의 가용성이됩니다. 209.5 × 139cm 크기의 작품은 Statens Museum for Kunst 에서 보관됩니다. 그것은 춤과 음악의 위대한 장식을 향한 필수적인 통로를 표시합니다.
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#17
피아노 레슨
피에르 마티스는 이시 레 물리노의 가족 거실에서 피아노에 앉아있다. 그의 얼굴은 어두운 삼각형에 의해 절단되는 동안 정원에서 녹색 삼각형이 창문을 가로 지르며이 그림자에 반응한다. 왼쪽 하단에는 마티스의 조각품이 나타나고; 오른쪽 상단에는 앉아있는 여성을 나타내는 그림이 있습니다. 소년,악기, 작품 및 외부 개구부는 따라서 직사각형,대각선 및 회색의 구조로 둘러싸여 있습니다. 1916 년 여름 말에 그려진 피아노 레슨은 음악적 운동을 묘사 할뿐만 아니라 스케일의 긴축,검은색 피아노 케이스 및 메트로놈 그리드는 정원이있는 동안 규율과 집중력을 느끼게합니다 거의 비현실적인 빛을 소개합니다. 마티스는 전쟁 시절의 연구에 가까운 더 엄격한 언어로 자신의 집을 시험합니다. 캔버스에있는이 기념비적 인 유채,245.1 × 212.7 cm 는 현대 미술관에 보관되어 있습니다.
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#18
대화
줄무늬 잠옷을 입고 서있는 앙리 마티스는 검은 드레스를 입고 앉아 있는 아내 아멜리에와 마주한다. 그들은 깊고 푸른 방의 두 가장자리를 차지하고 서로 닿지 않는다; 그들 사이에 창문이 열려 구불구불한 길이 시선을 먼 곳으로 이끄는 녹색 정원이 열린다. 검은 난간은 두 인물 사이의 거리만큼이나 명확한 장벽을 형성한다. 제목은 단어가 실제로 교환되는 것을 보장하지 않는다. 대화는 몇 년에 걸쳐 작업되어 1912 년에 완성되었다. 그 힘은 국내 친밀감과 기념비성 사이의 균형에서 나온다: 캐릭터는 거의 수직적 표시가 되어 1912 년에 완성되었다. 그 힘은 국내 친밀감과 기념비성 사이의 균형에서 나온다. 제목은 두 인물 사이의 거리만큼 명확한 장벽을 형성한다. 제목은 단어가 실제로 교환되는 것을 보장하지 않는다. 제목은 두 인물 사이의 거리만큼 명확한 장벽을 형성한다. 제목은 단어가 실제로 교환되는 것을 보장하지 않는다. 대화는 수년에 걸쳐 작업되어 1912 년에 완성되었다. 그 강도는 국내 친밀감과 기념비성 사이의 균형에서 비롯된다: 캐릭터는 거의 수직적 표시가 되고 창은 세 번째 빛나는 주인공 역할을 한다 그리고 모바일. 내부 파란색과 외부 녹색의 대비는 두 공간에 반대될 뿐만 아니라; 만남에 차분한 긴장감을 줍니다. 모델링이나 불필요한 세부 사항 없이 마티스는 오늘날 에르미타주 박물관에 보관되어 있는 몇 가지 이상한 솔직함의 초상화를 구성합니다.
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#19
레드 워크숍
Issy-les-Moulineaux 작업장은 벽과 바닥을 흡수하는 균일한 빨간색으로 덮여 있습니다. 가구,테이블, 시계 및 프레임은 종종 예비로 남겨진 얇은 윤곽을 통해서만 남아 있습니다. 그러나 Matisse 의 여러 작품은 완전히 채색되어 있습니다: 누드,풍경, 도자기 및 조각품은 매우 개인적인 인벤토리를 구성합니다. 관점이 이상해 보이지만 각 개체는 보는 사람을 향해 전진하는이 빨간색 필드에서 정확한 위치를 찾습니다. 1911 년 가을에 그려진 L' Atelier 루즈는 작업중인 화가를 보여주지 않습니다; 오히려 그의 그림이 생각되는 우주를 보여줍니다. 손이없는 시계는 시간을 멈추고 그림이 회화는 경쟁하는 작은 깊이를 열어줍니다. 빨간색은 일반적인 의미에서 벽이나 바닥의 역할을하지 않습니다: 물체를 떠있게하면서 공간을 통일합니다. 현대 미술관에 보관되어있는 181 × 219.1cm 크기의 캔버스에 유채는 창작 된 지 오래 후에 현대 회화의 주요 참고 자료가되었습니다.
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#20
빨간 팬티의 오달리스크
Henriette Darricarrère 는 작업장 골방에 누워 있으며,가슴은 맨손으로,다리는 금으로 수 놓은 빨간색 팬티로 감싸져 있습니다. 쿠션,매달린, 줄무늬 카펫 및 파란색 패널은 분리가 불확실 할 때까지 몸을 장식에 더 가깝게 만듭니다. 포즈의 곡선은 직물 아라베스크에 반응합니다; 따뜻한 빨간색은 무대를 완전히 지배하는 색이없는 차가운 파란색과 녹색을 만납니다. 1921 년 가을에 그려진 Odalisque 는 빨간색 바지를 입은 Odalisque 로 Nice odalisques 의 위대한 시리즈를 엽니 다. Matisse 는 고대 동양주의 주제를 차지하지만 그의 실제 주제는 직물과 액세서리로 조립 된이 미니어처 극장에서 인물과 장식 사이의 균형입니다 작업장. 모형은 다큐멘터리 동양으로 수송되지 않습니다: 그것은 가정 된 그림 구조에 서식합니다. 65.3 × 92.3 cm 크기의 캔버스에이 유채는 1922 년 프랑스 국가에 의해 인수 된 마티스의 첫 작품이었습니다; 오늘날 그것은 퐁피두 센터에 있습니다.
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#21
오달리스크
오달리스크는 소파에 대각선으로 놓여 있으며 머리는 손으로 지탱되며 빨간색 팬티는 캔버스의 중심을 차지합니다. 쿠션의 줄무늬,벽의 파란색 패턴 및 의류의 흰색 주름은 충돌 할 수있는 여러 장식 시스템을 형성합니다; Matisse 는 크고 유연한 윤곽선과 따뜻한 범위로 그들을 매치합니다. 포즈는 나른하지만 디자인은 특히 팔꿈치와 무릎에서 긴장감을 유지합니다. 니스 시대 초기의 1920-1921 년에 제작 된이 Odalisque 는 Matisse 가 모듈 식 레퍼토리로 호텔 객실,직물 및 모델을 탐구하는 순간에 속합니다. 이국주의는 구실이라기보다는 이야기입니다 피부, 직물 및 색상을 함께 가져옵니다. 보는 사람은 방 깊숙이 침투하지 않습니다: 그는 각 모티브가 목소리를 유지하는 카펫과 같은 질서 정연한 표면을 만납니다. 61.4 × 74.4cm 크기의 캔버스에 유채는 암스테르담의 Stedelijk 박물관에 보관되어 있습니다.
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#22
왕의 슬픔
현악기를 들고 앉아 있는 커다란 검은 형상이 작곡의 핵심을 차지하고 있다. 그녀 주변에는 노란 무용수,녹색 형상과 금색 꽃잎이 음악과 기억의 한 장면을 이루고 있다. 색종이 조각들은 서로 모양을 이루지 않는다: 서로 맞물려 겹쳐지며 서로 솔직한 음표처럼 반응한다. 분홍색과 파란색 배경은 제목인 왕의 슬픔이 취소되지 않고 어두워지는 시각적 기쁨을 유지한다. 1952 년 마티스는 전 생애의 여러 주제를 하나로 모았다: 음악가,춤, 오달리스크,단풍과 노년기. 이 작곡은 사울 앞에서 연주하는 다윗을 연상시키며 후기 자화상인 검은 왕으로 읽을 수 있다 동반 된 즐거움으로 둘러싸여 있습니다. 292 × 386 cm 의 기념비적 인 작품은 단순한 구아슈가 아닙니다: 구아슈 종이이며,컷 아웃 된 다음 캔버스에 장착됩니다. 퐁피두 센터에 보존되어있어 우울하게 놀랍도록 빛나는 형태를 제공합니다.
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#23
창문이 열려있습니다, 콜리우르
열린 창문은 내부를 콜리우르 항구의 프레임으로 변형시킵니다. 화분이 지지대를 차지합니다; 그 너머에는 몇 개의 돛대와 선체가 지중해의 보트를 연상시키기에 충분합니다. 그러나 색상은 설명에서 벗어납니다: 분홍색과 노란색 물,자홍색 또는 공작새 파란색 벽,녹색과 주황색 반사. 단풍의 짧은 터치와 잎의 넓은 띠는 중앙에서 만나는 두 가지 시각적 속도를 생성합니다. 1905 년 여름에 그려져 Salon d'Automne 에서 보여진 열린 창문,Collioure 는 야수파의 탄생에 속합니다. Matisse 는 전통적인 주제,창문을 세계를 향한 개구부로 유지하면서 하나의 환상을 거부합니다 조용한 깊이. 내부와 항구는 서로를 반사하고 색상을 교환하며 표면을 향해 함께 전진합니다. 오늘 워싱턴 국립 미술관에서 55.25 × 46.04cm 크기의 캔버스에 유채로 묻혀있는이 유채는 이미 침실, 발코니 및 풍경 사이의 문턱에 대한 지속적인 맛을 발표합니다.
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#24
La Danse I의 카푸치네
높은 받침대 테이블에 배치 nasturtiums 의 냄비는 작업장 벽에 기대어 라 단스의 버전 앞에,중앙을 차지하고있다. 둥근 줄기,오렌지색 꽃과 좁은 의자는 배경 그림에 곡선 나체에 응답. 왼쪽 좌석의 조각과 줄무늬 직물은 다른 방향을 소개합니다. 마티스는 따라서 정물,인테리어와 같은 매우 수직 공간에서 자신의 작품에서 인용을 구성한다. 모로코에서 돌아온 후 1912 년에 그려진 좌석 조각과 줄무늬 직물은 다른 방향을 소개합니다. 마티스는 따라서 정물,인테리어와 같은 매우 수직 공간에서 자신의 작품에서 인용을 구성한다. 모로코에서 돌아온 후 1912 년에 그려진 Capucines à La Danse 나는 예술가가 자신의 그림 사이에서 어떻게 살았는지 보여주고 능동적 인 요소로 재사용했다. 춤은 수동적 설정이 아니다: 인물의 그의 원은 의 움직임을 확대 식물과 작은 가구에 거의 기념비적 인 규모를 제공합니다. 시선은 실제 대상과 표현 된 이미지 사이,작업장과 페인트 칠 된 세계 사이에서 머뭇 거립니다. Matisse 는 La Danse I 을 뒷벽에 오랫동안 보관하여 그의 작품에서이 구성의 구조화 된 장소에 대한 증거입니다.
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#25
작업장 인테리어
작업장은 어두운 평면의 조립으로 제시됩니다: 나무 패널,이젤, 벽에 기대어있는 프레임과 통로를 좁히는 높은 칸막이. 중앙에서 작은 의자는 파란색,빨간색 및 흰색이 유령처럼 빛나는 꽃 꽃병을 운반합니다. 가구 위에 놓인 가벼운 조각품은이 작은 정물화에 반응합니다. 빛은 갈색을 강조하기 위해 선택한 물건보다 눈에 보이는 창문에서 덜 나옵니다. 마티스는 여기에서 그의 커다란 붉은 색 인테리어의 장식적인 풍요 로움을 찾지 않습니다. 빛은 갈색을 강조하기 위해 선택한 물건보다 눈에 보이는 창문에서 덜 나옵니다. 마티스는 여기에서 그의 커다란 붉은 색 인테리어의 장식적인 풍요 로움을 찾지 않습니다. 마티스는 여기에서 그의 커다란 붉은 색 인테리어의 장식적인 풍요 로움을 찾지 않습니다. 그는 위로 향한 작품과 프레임이 눈을 빠져 나가는 것을 눈에 보이는 것만큼 암시하는 조밀하고 거의 어수선한 작업 공간을 관찰합니다 제공. 가구의 수직과 이젤은 심한 건축에서 꽃다발을 둘러싸고; 그 색상은 따라서 그 크기에 불균형 강도를 취득. 작업장 인테리어는 그의 도구,그의 물건과 장소의 침묵 예비로 지어진 화가의 간접 초상화가된다.
발견하다 →시선은 작업장에 들어가 패턴을 따르고 눈에 보이는 세계를 점차적으로 단순화하는 선을 관찰합니다.
#26
니스의 작업장 인테리어
커다란 침실-작업장이 줄지어 늘어선 창문을 통해 니스 만으로 열린다. 노란 커튼과 격자 벽과 연분홍 바닥은 밝지만 불안정한 공간을 구축하여 높은 시점에서 관찰된다. 가구,이젤, 꽃병과 작은 테이블은 두 세션 사이에 방이 포착된 것처럼 흩어져 있다. 배경에는 하늘과 바다의 창백한 푸른색이 화려한 깊이를 만들어내지 않고 창문을 가로지른다. 배경에서 하늘의 창백한 푸른색과 바다가 화려한 깊이를 만들어내지 않고 창문을 가로지른다. 1917 년부터 마티스는 니스에서 많은 겨울을 보냈고 야생 시절보다 부드러운 빛과 접촉하여 그림을 새로이 그렸다. 1917 년부터 마티스는 니스에서 많은 겨울을 보냈고 야생 시절보다 부드러운 빛과 접촉하여 그림을 새로이 그렸다. 1917 년부터 마티스는 니스에서 많은 겨울을 보내고 야생 시절보다 부드러운 빛과 접촉하여 그림을 새로이 그렸다. 1917 년부터 마티스는 니스에서 많은 겨울을 보내고 야생 시절보다 부드러운 빛과 접촉하여 그림을 새로이 그렸다. 1917 년부터 마티스는 니스에서 많은 겨울을 보내고 야생 시절보다 부드러운 빛과 접촉하여 그림을 새로이 그렸다. 1917 년부터 마티스는 니스에서 많은 겨울을 보내고 야생 시절보다 부드러운 빛과 접촉하여 그림을 새로이 그렸다. 1917 년부터 마티스는 니스에서 많은 겨울을 보내고 야생 시절보다 부드러운 빛과 접촉하여 그림을 새로이 그렸다. 이 인테리어에서 자유롭게 조정. 커튼과 창은 간단한 액세서리가 아닙니다: 그들은 필터링하고 방 전체에 색상을 배포합니다. 따라서 작품은 가정의 평온과 각 가구가 빛의 척도가되는 거주 가능한 장소 인 작업장의 경계를 결합합니다.
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#27
세 명의 목욕객
세 벌거 벗은 여자가 해변에 모여. 하나는 서,다른 프로필에 앉아,세 번째는 거의 완전히 자체에 접혀. 그들의 분홍색 몸은 그들에게 조각 무게를주는 어두운 특징으로 둘러싸여 있습니다,풍경은 몇 밴드로 감소하면서: 붉은 모래,푸른 물,창백한 하늘. 어떤 그림 같은 세부 사항은 포즈와 그들을 분리 간격 사이의 관계에서 산만하지 않습니다. 1907 년에 그려진,세 목욕객은 마티스의 단순화에 복종하면서 유럽 회화의 고대 주제를 확장. 중앙,수직 그림은 장면을 안정화; 다른 두 형태는 곡선과 폐쇄 질량 어떤 그에게 대답하십시오. 색상은 자연 채광을 모방하지 않으며 거의 원시적 인 솔직함으로 계획을 주문합니다. 캔버스에 60.3 × 73cm의이 유화는 Minneapolis Institute of Art 에서 보관됩니다. 그것은 Le Luxe II 의 신체와 풍경에 대한보다 기념비적 인 연구를 발표합니다.
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#28
댄스 II
다섯 명의 붉은 무용수들이 푸른 하늘 아래 녹색 언덕에서 손을 잡습니다. 원은 완벽하게 닫혀 있지 않습니다: 두 손이 전경에서 서로를 찾고 있으며,이 파열은 원에 모든 추진력을줍니다. 몸은 의도적으로 증폭 된 비율로 땅에 기울어 지거나 늘어나거나 휴식을 취합니다. 세 가지 색상은 공간,움직임 및 거의 육체적 인 집단 맥동 감각을 생성하기에 충분합니다. 1910 년 Sergei Shchukin 을 위해 그려진 Dance II 는 1909 년의 첫 번째 버전을 채택하고 강화합니다. Matisse 는 이미지를 리듬에 집중시키기 위해 상세한 풍경,개별화 된 옷 및 얼굴을 제거합니다. 인물을 둘러싼 어두운 선은 그렇지 않습니다 그들을 고정시키지 마십시오: 그것은 한 몸에서 다음 몸으로 에너지를 전달합니다. 개인 거주를 위해 의도되었지만 기념비적 인 규모로 디자인 된 Hermitage 캔버스는 음악과 대화합니다. 함께 두 작품은 춤과 노래를 색상의 기본 아키텍처로 변환합니다.
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#29
조지 베슨의 초상화
조지 베슨의 얼굴은 단지 몇 센티미터의 형식으로 어두운 배경에서 나온다. 가벼운 이마,검은 눈,가장자리로 축소 된 코와 반쯤 열린 입은 환자 모델링이 아닌 솔직한 반대에 의해 구성된다. 칼라와 옷은 거의 그림자에 조화를 이루며 표현에 모든 관심을 집중시킨다. 패널의 작음에도 불구하고 시선은 진지하고 직접적인 존재를 유지합니다. 1918 년에 그려진이 초상화는 미술 평론가이자 수집가 인 George Besson,여러 현대 예술가의 수호자를 나타냅니다. 여기 Matisse 는 14 × 8 cm 의 표면에 자신의 언어를 적용합니다: 장식이없고 색상이 적으며 전기 일화가 없습니다. 거기 닮음은 얼굴 마스크의 구조와 조심스럽게 배치 된 액센트를 통해 나옵니다. 이 경제는 그림을 완성 된 조각상의 권위를 부여하면서 연구에 더 가깝게 만듭니다. 나무 패널의 오일은 Besançon 의 Museum of Fine Arts and Archaeology 에 보관되어 있습니다.
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#30
그레타 몰의 초상화
그레타 몰은 앞쪽에서 앉아 팔뚝은 차분하게 배치되고 손은 약간 오프셋되어 있습니다. 그녀의 높은 목의 흰색 블라우스는 거대한 아라베스크가있는 흑백 배경에 대해 눈에 띄고 붉은 안락 의자는 캔버스 바닥을 따뜻하게합니다. 녹색,황토색 및 분홍색으로 구성된 얼굴은 이상화를 추구하지 않고 세심한주의를 유지합니다. 주변 패턴은 그것을 삼키지 않습니다; 반대로 안정성을 강조합니다. 주변 패턴은 그것을 삼키지 않습니다; 반대로 안정성을 강조합니다. 주변 패턴은 그것을 삼키지 않습니다; 반대로 안정성을 강조합니다. 1908 년에 만들어진이 초상화는 남편 오스카 몰과 함께 마티스와 함께 공부 한 예술가를 보여줍니다. 정면 포즈는 의식 초상화를 연상 시키지만 자유로운 색상과 선의 단순화는 관습을 뒤집습니다. 모든 손 자신의 태도를 가지고 있으며,사회 유형보다는 관찰 된 존재의 표시입니다. 캔버스에 유채는 93 × 73,5 cm 를 측정하며 테이트에 속합니다. 1905 년의 거친 폭력과 앞으로 올 위대한 장식 사이에서 마티스는 닮음,장식 및 건축 사이에 더 많은 포함 된 균형을 찾습니다.
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#31
작가 아내의 초상화
Amélie Matisse 는 블루스,그린, 블랙이 지배하는 범위에서 정면에서 앉아 있습니다. 거의 평면으로 나뉘어진 밝은 얼굴은 어두운 머리카락과 진한 파란색 배경으로 눈에 띕니다. 녹색 스카프가 가슴에 수직으로 떨어지며 의류의 검은 색과 노란색 띠로 둘러싸여 있습니다. 캔버스 바닥에 거의 표시되지 않은 손은 시선의 심한 정면성을 부드럽게하지 않습니다. 1913 년에 그려진이 초상화는 동일한 연구를 계속하면서 The Green Ray 의 황갈색 섬광에서 멀어집니다: 전통적인 모델링이 아닌 색상 비율로 사람을 잡고 윤곽이 두꺼워지고 공간이 조여지며 인물은 기념비성을 얻습니다 거의 상징적. 마티스는 비인격적인 상징으로 아내를 변형시키지 않는다; 얼굴의 비대칭과 절제된 자세는 친밀한 긴장감을 유지한다. 146 × 97.7 cm 크기의 캔버스에 유채가 소장되어 있다.
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#32
그의 작업실에 있는 화가
Quai Saint-Michel 의 워크샵에서 화가는 모델이 그를 마주보고 더 낮게 앉아있는 동안 이젤 뒤에 서 있습니다. 열린 창문이나 문은 파리의 정면을 드러내지만 내부는 회색,검은 색 및 음소거 된 녹색이 지배적입니다. 의자,거울 및 이젤 직립은 좁은 수직에 맞아서 작품을 읽기 어렵게 만듭니다. 작업 장면은 따라서 정신 건축으로 변모합니다. 1916-1917 년에 만들어진 그의 워크샵의 화가는 마티스가 자발적으로 팔레트를 제한하고 공간의 안정성을 테스트 한 해에 속합니다. 따라서 작업 장면은 정신 건축으로 변모합니다. 1916-1917 년에 만들어진 그의 워크샵의 화가는 마티스가 자발적으로 팔레트를 제한하고 공간의 안정성을 테스트 한 해에 속합니다. 예술가와 모델의 관계는 일화로 이야기되지 않습니다 : 각각은 프레임,반사 및 개구부의 네트워크에서 한 지점이됩니다. 그림은 그럼에도 불구하고 전쟁 중 파리 작업장의 구체적인 친밀감을 유지합니다. 146,5 × 97cm 크기의 캔버스에이 유채는 퐁피두 센터에 보관됩니다.
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#33
핑크 워크숍
분홍색 작업장은 거의 연극적인 실내를 전시합니다. 노란 모티브로 덮인 파란 스크린은 중앙을 점유합니다; 그것의 주위에 배부된 회화,양탄자, 안락 의자,대좌 테이블 및 조각품입니다. 분홍색 벽은 빨간 지면 보다는 더 많은 것 예리하게,떨어지지 않습니다: 가구는 편지 앞에 큰 교원질의 성분 같이 수직 표면에,두려워하는 것처럼 보입니다. 대표되는 각 일은 색깔의 그것의 자신의 파편 및 그것의 특정한 가늠자를 가져옵니다. Matisse 는 방문자가 그의 일을 기르는 목표 사이 관계의 체계 보다는 그것을 볼 것이다 방의 보다 적게 그립니다. 스크린은 구성의 시각적인 초점이 되는 동안 공간의 부분을 숨깁니다; THE 벽에 걸려 있는 프레임은 이 닫힌 장식으로 작은 창문을 열어줍니다. 단색이 거의 모든 것을 흡수하는 라틀리에 루즈와 달리 이곳에서는 핑크,블루스, 옐로우,그린이 뚜렷하게 차별화됩니다. 전체적으로 작업장을 선택한 작품,직물 및 가구로 구성된 얼굴 없는 자화상으로 만듭니다.
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#34
비너스
흰색 여성의 실루엣은 두 개의 큰 수직 밴드로 파란색 배경에 절단됩니다. 프로필에서 볼 수있는 몸은 좁은 흉상,둥근 배와 넓은 엉덩이를 하나의 연속 곡선으로 결합합니다. 머리와 팔은 몇 가지 날카로운 상처로 축소됩니다; 얼굴의 세부 사항,그림자의 흰색과 그것을 둘러싼 파란색 사이의 긴장감에서 벗어나는 그림자가 없습니다. 여기의 공허는 몸만큼 무게가 있습니다. 금성과 함께 Matisse 는 절단 된 종이의 벗겨진 언어를 통해 고전적인 주제로 돌아갑니다. 공허는 여기 몸만큼 무게가 있습니다. 금성과 함께 Matisse 는 절단 된 종이의 벗겨진 언어를 통해 고전적인 주제로 돌아갑니다. 여기의 공허는 몸만큼 무게가 있습니다. 금성과 함께 Matisse 는 절단 된 종이의 벗겨진 언어를 통해 고전적인 주제로 돌아갑니다. 그는 정확한 조각상을 복사하지 않습니다: 그는 긍정적 인 형태와 윤곽을 동시에 작업함으로써 서 있고 안정적이며 감각적 인 존재의 아이디어를 응축합니다 부정적. 절단은 가위 제스처의 생동감을 유지하지만 설치물은 차분하고 거의 건축적인 것처럼 보입니다. 매우 오래된 참조와 근본적으로 현대적인 프로세스 사이의 이러한 동맹은 작가가 동일한 작업으로 드로잉, 색상 및 조각을 통합한 말년의 특징입니다.
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#35
오달리스크 좌석
앉아있는 Odalisque 는 Matisse 가 휴식중인 인물과 보조적으로 남아 있기를 거부하는 설정을 모으는이 실내 극장에 속합니다. 앉아있는 자세는 시선을 느리게합니다: 모델을 장식적인 실루엣으로 축소하지 않고 신체,직물 및 주변 공간 사이의 합의를 따를 수 있습니다. 주제는 프레임이 그것을 환영하는 방식만큼이나 그 존재에 의해 많이 결합되어 있습니다. "odalisque"라는 단어는 고대 동양주의 전통을 의미하지만 Matisse 는 문제를 작업장의 색상,선 및 친밀감으로 전환합니다. 여기서 관심은 재구성 될 이국적인 전통에 있지 않습니다. 그것은 육체적 휴식과 회화 활동 사이의 긴장으로부터 발생합니다: the 여성은 움직이지 않고 표면, 윤곽선 및 장식품은 이미지를 경고합니다.
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#36
거북이 목욕꾼
거북이 목욕객은 모든 것이 반대하는 것처럼 보이는 두 가지 모티프를 결합합니다: 움직일 수있는 인간의 몸과 거의 속담의 느림과 관련된 작은 동물. 마티스는 따라서 침묵의 대결 장면을 구성합니다. 목욕객은 물 근처에 모일뿐만 아니라; 거북이를 향한 그들의 공통된 관심은 그룹의 결속력을 부여하고 가장 단순한 몸짓을 사건으로 변형시킵니다. 구성은 의도적으로 단순화 된 모양을 기반으로하며,이는 인물에게 비정상적인 중력을줍니다. 몸을 마주 보는 작은 거북이는 그럼에도 불구하고 이미지의 정신적 중심이됩니다. 이러한 규모의 변화는 복잡한 일화없이시를 만들어냅니다: 각 보세요,동물은 자신의 속도로 움직이고 그림은 시간을 정지시킵니다. 장면은 따라서 기념비성과 호기심 그리고 아주 차분한 유머의 손길을 결합합니다.
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#37
팔을 들고 있는 오달리스크
녹색 줄무늬 안락 의자에 얼굴을 마주 보며 앉아있는 odalisque 는 두 팔을 들고 머리 뒤로 손을 결합합니다. 이 포즈는 흉상을 열고 몸에 거의 대칭적인 건축물을 제공하며 안락 의자의 곡선과 뒤쪽의 장식품에 의해 즉시 애니메이션됩니다. 휴식에 대한 수동적 인 것은 없습니다: 팔은 전체 구성을 제어하고 모델의 존재를 확인하는 호를 형성합니다. 1923 년에 그려진 68 × 64cm 크기의 캔버스에이 유채는 국립 미술관에 보관되어 있습니다. 마티스는 같은 활기찬 표면에 몸,좌석 및 벽을 함께 가져 오는 장식 모티프의 이동성과 인물의 안정성을 대조합니다. 공간은 얕게 보이지만 리듬이 풍부하게 남아 있습니다. THE tableau는 익숙한 태도를 정확하게 계산된 만큼 편안한 주권 구조로 전환합니다.
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#38
자화상
자화상에서 화가와 모델은 하나가 되어 초상화의 일반적인 유희를 심오하게 수정합니다. 마티스는 자신의 특징을 고치려고 할 뿐만 아니라: 선과 색의 네트워크에 존재가 들어갈 수 있는 방식을 조사합니다. 보는 사람에게 보내는 표정은 자신의 이미지를 평가하는 예술가의 표정이기도 하기 때문에 특별한 가치를 갖습니다. 자화상은 종종 고백을 요구하지만 마티스는 구성을 선호합니다. 얼굴은 일련의 관계가 됩니다: 눈의 윤곽,질량, 대비 및 방향. 자화상은 종종 고백을 요구하지만 마티스는 구성을 선호합니다. 얼굴은 일련의 관계가 됩니다: 눈의 윤곽,질량, 대비 및 방향. 이 경제는 종종 고백을 요구하지만 마티스는 구성을 선호합니다. 얼굴은 일련의 관계가 됩니다: 눈의 윤곽,질량, 대비 및 방향. 이 경제는 종종 고백을 요구하지만 마티스는 구성을 선호합니다. 얼굴은 일련의 관계가 됩니다: 눈의 윤곽,질량, 대비 및 방향. 이 경제는 종종 고백을 요구하지만 마티스는 구성을 선호합니다. 얼굴은 관계의 집합이 됩니다: 윤곽,질량, 대비 및 눈의 방향. 이 경제는 종종 고백을 요구하지만 마티스는 구성을 선호합니다. 얼굴은 일련의 관계가 됩니다: 윤곽,질량, 대비 및 눈의 방향. 이 경제는 종종 고백을 요구하지만 마티스는 구성을 선호합니다. 얼굴은 일련의 관계: 윤곽,질량, 대비 및 대조: 윤곽,질량, 대조: 건설의 윤곽,질량, 대조 사적인 순간의 예술가; 우리는 그가 자신에 대해 알고 있는 것과 그림이 실제로 보여줄 수 있는 것 사이의 거리를 측정하는 것을 봅니다.
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#39
베빌라쿠아의 초상
베빌라쿠아의 초상화는 모델에 이름을 부여하지만 마티스는 이미지를 물질안전보건자료로 변환하지 않습니다. 유사성은 몇 가지 강력한 결정에 의해 구성됩니다: 얼굴의 방향,흉상의 보유,그림과 배경의 관계. 보는 사람은 사람을 인식하도록 초대된 다음 그림이 개성을 지우지 않고 어떻게 단순화되는지를 관찰합니다. 이러한 구속은 초상화에 특별한 긴장감을 줍니다. 베빌라쿠아는 서사적 설정에 흡수되지도 않고 반음계적 구실로 축소되지도 않습니다; 그의 존재는 여전히 실제 주체로 남아 있습니다. 베빌라쿠아는 서사적 설정에 흡수되지도 않고 반음계적 구실로 축소되지도 않습니다; 그의 존재는 여전히 실제 주체로 남아 있습니다. 베빌라쿠아는 서사적 설정에 흡수되지도 않고 반음계적 구실로 축소되지도 않습니다; 그의 존재는 여전히 실제 주체로 남아 있습니다. 베빌라쿠아는 서사적 설정에 흡수되지도 않고 반음계적 구실로 축소되지도 않습니다; 그의 존재는 여전히 실제 주체로 남아 있습니다. 베빌라쿠아는 서사적 설정에 흡수되지도 않고 반음계적 구실로 축소되지도 않습니다; 그의 존재는 여전히 실제 주체로 남아 있습니다. 베빌라쿠아는 서사적 설정에 흡수되지도 않고 반음계적 구실로 축소되지도 않습니다; 그의 존재는 여전히 실제 주체로 남아 있습니다. 베빌라쿠아는 서사적 설정에 흡수되지도 않고 반음계적 구실로 축소되지도 않습니다; 그의 존재는 여전히 실제 주체로 남아 있습니다. 베빌라쿠아는 흡수되지도 않습니다 그 결과는 짧은 만남의 집중을 가지고 있습니다: 성격을 감지 할 수있는 충분한 단서, 완전히 전달되지 않을 정도로 충분한 침묵.
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#40
피카드 직공 작업장
피카드 직공 작업장은 제목이 규제 된 몸짓,팽팽한 실 및 기술적 관심을 의미하는 것을 전경에 배치합니다. 마티스는 특정 활동에 의해 조직 된 공간에 관심이 있습니다. 작업장은 단순한 인테리어가 아닙니다: 그 도구,계획 및 리듬은 끈기있는 선의 연속에서 표면이 탄생하는 직조 작업에 반응합니다. 주제는 장인과 화가 사이의 자연스러운 화해를 만듭니다. 직공은 실의 교차점에 의해 직물을 만듭니다; 마티스는 모양과 색상의 배열을 통해 이미지를 구성합니다. 장면을 교훈으로 변형시키지 않고 그림은 실의 교차점을 통해 직물을 구성합니다; 마티스는 모양과 색상의 배열을 통해 이미지를 구성합니다. 장면을 교훈으로 변형시키지 않고 그림은이 물질적 관계를 느끼게합니다. 공간 생산은 또한 조밀하고 체계적인 구성의 공간이 되며, 각 요소는 회화적 형태가 되기 전에도 기능을 갖는 것처럼 보입니다.
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#41
안경 조르주 베송의 초상화
안경 조르주 베송의 초상화에서 제목이 발표 한 액세서리가 결정적인 역할을합니다. 안경은 눈을 프레임하고 얼굴을 나누며 세심한 세상을 바라 보는 방식을 나타냅니다. 마티스는 따라서 세부 사항을 곱하지 않고도 모델의 성격을 응축 할 수 있습니다: 몇 줄이면 이마,시선 및 머리의 일반적인 구조를 분명히 표현할 수 있습니다. 초상화는 관찰과 단순화 사이의 유익한 긴장을 기반으로합니다. 안경은 조르주 베송의 눈에 보이는 정체성에 속하지만 얼굴에 배치 된 거의 작은 건축물 인 구성 도구가됩니다. 이미지는 주장하면서 인간의 근접성을 유지합니다 그형태의자율성. 이이중모습 - 안경을통한모델의모습,그의모델에있는화가의모습 - 은작품에지적인생동감을부여합니다.
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#42
블루 오달리스크
파란색 오달리스크는 제목이 발표한 지배력이 전체 인식을 구성하는 장식의 중앙에 서 있습니다. 열린 흉상,올려진 팔,긴 밝은 스커트는 넓은 실루엣을 구성하고 배경의 기하학적 분할로 긴장감을 줍니다. 보석과 벨트는 무게를 줄이지 않고 몸을 강조하는 반면 파란색은 살의 톤 주위에 신선한 분위기를 조성합니다. 마티스는 장식을 사실적인 깊이로 취급하지 않습니다. 장식된 벽,바닥 및 인물은 색상과 윤곽으로 결합되어 동일한 장면을 공유하는 경향이 있습니다. 포즈는 친밀하게 유지되지만 거의 상징적인 가독성은 공공의 힘을 부여합니다. 따라서 그림은 결합됩니다 무심함과 구성: 모델은 자유롭게 행동할 수 있는 것처럼 보이며, 각 색채 관계는 모든 것을 확고한 균형으로 유지하는 데 도움이 됩니다.
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#43
그레타 프로조르의 초상
그레타 프로조르의 초상화는 익명의 여성형이 아닌 지명된 사람에게 관심을 집중시킨다. 이 정밀함은 마티스가 두 가지 요구 사항을 함께 유지하도록 한다: 모델의 특이성을 보존하고 얼굴,자세 및 의복을 매우 독단적인 그림 조직에 복종시키는 것. 그레타 프로조르의 존재는 인식과 변형 사이의 균형에서 탄생한다. 그러한 초상화에서 색상은 사실 뒤에 추가된 장식이 아니다. 캐릭터에 기여하고,샷을 분리하며,얼굴에 전통적인 모델링이 부드럽게 했을 강렬함을 줄 수 있다. 마티스는 캐릭터에 참여하지 않고,샷을 분리하고,얼굴에 전통적인 모델링이 부드럽게 했을 강렬함을 줄 수 있다. 마티스는 캐릭터에 참여하지 않고,샷을 분리하고,얼굴에 전통적인 모델링이 부드럽게 했을 강렬함을 줄 수 있다. 마티스는 모델의 삶을 말하지 않으며; 그는 만남을 구성한다. 시청자는 하나를 받는다 이름, 태도, 외모. 그러나 성격은 항상 그것을 나타내는 눈에 보이는 표시보다 더 크다는 것을 받아들여야 합니다.
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#44
워크숍, 콰이 생 미셸
워크샵,quai Saint-Michel 은 같은 제목으로 두 공간을 함께 제공합니다: 화가가 일하는 내부 장소와 그를 도시에 고정시키는 파리 사이트. 이 이중 속성은 구성에 특별한 역동성을 부여합니다. 워크샵은 그 물건,표면 및 친밀감을 제공합니다; 부두는 순환,빛 및 벽 너머의 도시 풍경을 제안합니다. Matisse 는 다른 것에 대해 하나를 선택하기보다는 내부와 외부 사이의 경계를 이용합니다. 창문,개구부 또는 단순히 빛의 방향은 이러한 세계가 차이를 없애지 않고 의사 소통 할 수 있도록합니다. 따라서 작품은이 이후로 관찰 된 도시에 관한 것만큼 침실 작업에 대해서도 많이 말합니다 침실. 화가는 자신의 일상 환경을 시각 도구로 변환: 작업장은 전망대가되고,파리는 눈에 띄지 않고 그림에 들어갑니다.
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#45
노란색 오달리스크
Yellow Odalisque 에서 제목이 붙은 색상은 의복이나 배경을 식별하는 데에만 사용되는 것이 아닙니다. 전체의 온도를 조절하고 옷감과 장식품 중에서 인물이 눈에 띄는 방식을 결정합니다. 노란색은 즉시 눈을 사로 잡은 다음 몸의 선쪽으로 인도하며 그 나머지 포즈는이 그늘의 빛나는 에너지와 대조됩니다. 마티스는 따라서 실내를 유색 협정의 장으로 변형시킵니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 실내가 동상처럼 고립되는 것을 방지합니다. 각 표면은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 스스로를 고립시키는 것을 방지합니다. 각 표면은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 스스로를 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 스스로를 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 스스로를 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 스스로를 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 스스로를 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 장식은 동상처럼 자신을 고립시키는 것을 방지합니다. 인물은 무게와 평온을 유지하지만 어떤 끊임없이 그녀의 주위에 순환 보인다. 노란색은 물질이되었다 빛보다 프로젝터처럼 행동.
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#46
두 개의 오달리스크 중 하나는 옷을 벗은 장식용 배경과 바둑판입니다
두 개의 오달리스크는 모티프로 포화된 내부를 공유합니다: 하나는 옷을 벗고 다른 하나는 옷을 입으며,이 차이는 시각적 대화를 구성합니다. 장식적인 배경과 바둑판은 리듬을 배가시켜 신체가 결코 장식을 완전히 지배하지 못할 정도로 마티스는 자세,직물 및 기하학이 두 존재를 구별하기에 충분할 정도로 명시적인 서술없이 근접성을 구성합니다. 1928 년에 만들어진 54 × 65cm 크기의 캔버스에 유채가 두 존재를 구별하기에 충분합니다. 1928 년에 만들어진 이 바스켓 위의 유채는 54 × 65cm 크기의 캔버스에 유채가 모더나 뮤즈에 보존되어 있습니다. 바스켓보드는 규칙적인 측정을 제공하는 반면,도형과 주변 아라베스크의 곡선은 변형을 도입합니다. 바스켓보드는 규칙적인 측정을 제공하는 반면,도형과 주변 아라베스크의 곡선은 변형을 도입합니다. 바스켓보드는 규칙적인 측정을 제공하는 반면,도형과 주변 아라베스크의 곡선은 변형을 도입합니다. 바스켓보드는 규칙적인 측정을 제공하는 반면,도형과 주변 아라베스크의 곡선은 변형을 도입합니다. 바스켓보드는 규칙적인 측정을 제공하는 반면,도형과 주변 아라베스크의 곡선은 변형을 도입합니다. 바스켓보드는 규칙적인 측정을 제공하는 반면,도형과 주변 아라베스크의 곡선은 변형을 도입합니다. 바스켓보드는 규칙적인 측정을 제공하는 반면,도형과 주변 아라베스크의 곡선은 변형을 도입합니다. 바스켓보드는 규칙적인 측정을 제공하는 반면,도형과 주변 아라베스크의 곡선은 변형을 도입합니다. 바스켓보드는 규칙적인 측정을 제공하는 반면,도형의 곡선과 주변 아라베스크는 변형을 도입합니다 깊이는,그러나 그것의 표면의 동의에 의하여. 눈은 동일한 다채로운 대화의 2 개의 다른 문장 사이에서 처럼 odalisque 1 개에서 또 다른 한개에 통과한다.
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#47
리디아 델렉토르스카야의 초상화
리디아 Delectorskaya 의 초상화는 모델의 얼굴과 흉상에주의를 집중합니다. 마티스는 강한 경제성으로 특징을 다루며,표현을 구성하기 위해 색상과 윤곽의 반대를 남겨 둡니다. 정체성은 여전히 인식 할 수 있지만 세심한 모델링에 의존하지 않습니다: 눈의 배열,머리카락의 질량 및 신체의 보류를 통해 자신을 주장합니다. 이 단순함은 사람을 지우지 않습니다; 그것은 그 존재를보다 직접적으로 만듭니다. 배경은 모델을 깊은 공간에 설치하는 것이 아니라 시청자에게 더 가까이 가져갈 수있는 활성 표면 역할을합니다. 초상화는 따라서 친밀감과 상징 사이를 진동합니다. 리디아 Delectorskaya 는 일화나 사회적 속성으로 묘사되지 않는다: 단순화되었지만 확고한 그의 얼굴은 전체 그림을 뒷받침하기에 충분하다.
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#48
미스 마티스의 초상화
마드모아젤 마티스의 초상화는 먼저 모델의 이름 자체로 긴밀한 관계를 확인합니다. 그러나 마티스는 부드러운 가족 초상화의 함정을 피합니다. 그림은 다른 주제와 마찬가지로 엄격하게 고려됩니다: 얼굴의 방향,의복의 절단,신체의 위치 및 배경의 범위는 사고 구성에 참여합니다. 이 그림 거리는 존재감을 더욱 강하게 만듭니다. 시청자는 사적인 기억을받지 못하지만 가능한 애정이 관찰에서 결코 면제되지 않는 자율적 인 이미지입니다. 비인격적이되지 않고 특징을 단순화 할 수 있습니다; 색상은 얼굴을 녹이지 않고 자연 스러움에서 벗어날 수 있습니다. 그림은 보여줍니다 정확하게 마티스가 초상화에서 찾고 있는 것: 사람에 대한 모든 것을 말하는 것이 아니라, 사람을 우리 앞에 세울 수 있는 형태를 찾는 것입니다.
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#49
금붕어 워크숍
금붕어 작업장은 작업 공간을 자율적 인 세계로 변화시킵니다. 물고기는 물에 둘러싸인 신중한 움직임을 가져 오는 반면 작업장의 물건은 창조와 관찰의 영역에 속합니다. 침묵의 삶과 예술 활동의 이러한 대조는 장소에 특별한 집중력을 부여합니다: 아무것도 장관 인 것처럼 보이지 않지만 모든 것이 오랫동안 찾도록 초대합니다. Matisse 는 평화로운 관심이 필요하기 때문에 금붕어를 좋아합니다. 그들의 존재는 내부 중앙에 활기를 불어 넣고 역사를 필요로하지 않고 주변 색상을 연결합니다. 그러면 작업장은 인구가 많은 시선 실험실보다 전문적인 환경이 덜합니다 그들의 모양 및 관계를 위해 선택한 목표. 물고기는 그들의 동봉한 공간에서 자전한다; 그들 주위에, 반대로 회화는 표면의 모든 가능성을, 이제까지 장소의 고요를 끊기 없이 연다.
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#50
어린 소녀의 초상화
어린 소녀의 초상화는 마티스가 성인 모델에 주어진 것에 다른주의를 기울일 것을 요구합니다. 어린 시절은 미소도 아니고 매력적인 액세서리도 아닙니다: 비율,자세, 포즈를보고지지하는 방식을 기반으로합니다. 화가는 제조 된 심리학을 빌려주지 않고 모델의 단 하나의 존재를 추구합니다. 모양의 단순화는이 주제에 특히 적합합니다. 그것은 초상화에 실제 구조를 부여하면서 얼굴의 신선함을 보존 할 수있게합니다. 윤곽,의복 및 배경은 단순한 반주가 아닙니다; 그들은 그림의 규모와 균형을 확립합니다. 마티스는 따라서 초상화를 피합니다 달콤한. 젊은 사람은 접근 할 수있는 남아 있지만,아이들이 종종 브러시로 무장 한 성인에 반대하는이 매우 심각한 예비를 유지합니다.
발견하다 →직물, 창문, 포즈는 장식과 인물이 전경을 공유하는 아라베스크 문법이 됩니다.
#51
회색 바지와 오달리스크
회색 바지를 입은 오달리스크는 처음에는 색상이 겸손해 보이는 의복에서 그 성격을 끌어냅니다. 회색은 장식품과 경쟁하지 않습니다; 그것은 인물을 안정시키고 더 활기찬 인테리어 한가운데서 눈에 휴식을 제공합니다. 바지의 컷은 다리와 함께하며 포즈에 드레이프되거나 옷을 입지 않은 오달리스크와는 구별되는 유연한 충만함을 제공합니다. 마티스는 이러한 중립성을 부재가 아닌 스프링으로 사용합니다. 회색 주위에서 다른 톤은 강렬함을 얻을 수 있으며 패턴은 종지를 주장합니다. 인물은 이미지의 물리적 중심으로 남아 있고 장식은 대위법이 됩니다. 인물은 이미지의 물리적 중심으로 남아 있고 장식은 대위법이 됩니다. 인물은 이미지의 물리적 중심으로 남아 있고 장식은 대위법이 됩니다. 인물은 이미지의 물리적 중심으로 남아 있고 장식은 대위법이 됩니다. 그림은 이미지의 물리적 중심으로 남아 있으며 장식은 대위법이 됩니다. 그림은 이미지의 물리적 중심으로 남아 있고 장식은 대위법이 됩니다. 그림은 이미지의 물리적 중심으로 남아 있으며 장식은 대위법이 됩니다. 그림은 이미지의 물리적 중심으로 남아 있으며 장식은 대위법이 됩니다. 그림은 의복 디테일이 얼마나 변형될 수 있는지를 보여줍니다 장면의 균형: 바지는 모델을 장식할 뿐만 아니라 전체 구성에 차분한 느낌을 줍니다.
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#52
춤과 함께하는 정물
춤이 있는 정물화는 그림이 종종 분리되는 두 가지 체제를 결합합니다. 움직이지 않는 물체는 관심의 전경을 차지하는 반면,춤은 움직이는 몸과 집단적 리듬의 개념을 소개합니다. 마티스는 관상과 에너지 사이에서 선택하지 않습니다: 그는 사물의 안정성이 인물의 추진력에 반응하도록 같은 공간에 놓습니다. 이 만남은 정물화를 변화시킵니다. 과일,꽃병 또는 국내 물체는 더 이상 부피에 대해서만 연구되지 않습니다; 그들은 춤의 기억에 의해 운반되는 더 큰 순환에 참여합니다. 반대로 신체의 움직임은 물질적 기반을 얻습니다. 그림은 매우 구체적인 반사가됩니다 리듬: 어떤 도형은 움직이고,다른 도형은 배치된 상태로 유지되지만,모두 간격에 따라 달라집니다. 그러면 깔끔한 테이블도 시간을 이길 수 있습니다.
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#53
회색 팬티와 오달리스크
그녀의 편에 누워있는 odalisque 는 녹색 벨트로 고정 된 회색 팬티를 착용합니다. 맨 가슴과 교차 된 팔은 쿠션,꽃, 휘장 및 장식용 물건으로 둘러싸인 안정적인 모습을 구성합니다. 의류의 회색은이 풍요 로움을 진정시키는 반면 몸의 곡선은 줄무늬,격자 및 꽃 무늬가 아닌 모양의 캐비닛처럼 정리됩니다. 마티스는 그럴듯한 조각이 아닌 색상과 리듬을 가지고 있습니다. 각 요소에는 그럴듯한 조각이 아닌 색상과 리듬이 있습니다. 각 요소에는 그럴듯한 조각이 아닌 색상과 리듬이 있습니다. 각 요소에는 색상과 리듬이 있지만 아무도 그림을 녹여서는 안됩니다. 각 요소에는 그럴듯한 조각이 아닌 색상과 리듬이 있습니다. 각 요소에는 색상과 리듬이 있지만 아무도 그림을 녹여서는 안됩니다. 각 요소에는 그럴듯한 조각이 아닌 색상과 리듬이 있습니다. 각 요소에는 색상과 리듬이 있지만 아무도 그림을 녹여서는 안됩니다. 각 요소에는 색상과 리듬이 있지만 아무도 그림을 녹여서는 안됩니다. 각 요소에는 자신의 색상과 리듬이 있지만 아무도 그림을 녹여서는 안됩니다. 각 요소에는 자신의 색상과 리듬이 있지만 아무도 그림을 녹여서는 안됩니다. 각 요소에는 자신의 색상과 리듬이 있지만 아무도 그림을 녹여서는 안됩니다. 각 요소에는 자신의 색상과 리듬이 있지만 아무도 그림을 녹여서는 안됩니다. 각 요소에는 자신의 색상과 리듬이 있지만 아무도 그림을 녹여서는 안됩니다. 지속적인 에너지로. 이 반대는 작품에 밀도를 부여합니다: 모델의 부동성,직물의 이동성,제스처의 침묵,장식품의 끈질긴 대화.
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#54
노란색 페르시아 색상의 오달리스크
노란색 페르시아 드레스가있는 Odalisque 는 의복을 표현의 중심에 놓습니다. 드레스는 포즈를 강조하면서 몸을 덮고 노란색은 "페르시아"라고 묘사하는 패턴을보기 전에도 눈을 사로 잡습니다. Matisse 는 따라서 의상을 완전한 그림 표면으로 만들어 인물과 장식물을 혼동하지 않고 결합 할 수 있습니다. 페르시아어 참조는 모델을 중심으로 구축 된 스튜디오 우주에 속합니다: 직물,패턴 및 액세서리는 실제 장소를 문서화한다고 주장하지 않고 다른 곳에서 제안합니다. 그림의 관심은 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 발명에 있습니다. 그림의 관심은이 눈에 보이는 동양의 역사, 마티스는 의류가 건축이 되고 이국주의가 처음으로 색상을 배열하는 예술로 드러나는 인테리어를 구성합니다.
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#55
오달리스크, 레드 하모니
오달리스크에서 붉은 조화, "조화"라는 단어는 주제만큼 중요합니다. 붉은 색은 고립 된 세부 사항을 지정하지 않습니다: 그것은 인물을 감싸고 내부의 다양한 표면을 연결합니다. 이 색채 지배는 깊이의 차이를 줄이고 모델을 장식에 더 가깝게 만들고 전체에 거의 연속적인 따뜻함을 주며 몇 가지 대조만으로 변조됩니다. odalisque 는 정지 상태로 유지되지만 빨간색은 장면이 나른 해지는 것을 방지합니다. 색상은 직물,가구 및 신체를 통과하는 에너지처럼 작용합니다. Matisse 는 정지 상태로 유지되지만 빨간색은 장면이 나른 해지는 것을 방지합니다. 색상은 직물,가구 및 신체를 통과하는 에너지처럼 작용합니다. Matisse 는 정지 상태로 유지되지만 빨간색은 장면이 나른 해지는 것을 방지합니다. 색상은 직물,가구 및 신체를 통과하는 에너지처럼 작용합니다. Matisse 는 단 하나의 빨간색도 찾지 않습니다; 따라서 변형,이웃 및 중단을 재생합니다. 그림은 읽기 어렵습니다 인간의 모습이 광대하고 따뜻한 숨결의 균형점이 되는 다채로운 구조라기보다는 방 안의 포즈처럼 말이죠.
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#56
노트르담의 모습
노트르담의 전망은 대성당에 대한 신중한 설명을 제공하지 않습니다. 마티스는 건축과 도시 경관을 큰 분할로 축소하여 캔버스의 모든 센티미터를 지배하지 않고도 기념물을 인식 할 수 있습니다. 창문의 선,강 및 건물은 관찰과 추상화 사이에 거의 매달려있는 고의적 인 벌거 벗은 비전을 구성합니다. 이 구속은 기념물에 예상치 못한 힘을줍니다. 1914 년에 그려진 147,3 × 94,3cm 크기의 캔버스에 유채가 현대 미술관에 보존되어 있습니다. 그 큰 형식은 공간 절약 이미지의 역설을 강조합니다. 마티스는 공간을 채우지 않습니다: 그는 블루스,그레이 및 예비가 숨을 쉬게합니다 건축 표지판 주변. 노트르담은 시선의 기억에 의해 재건 된 도시의 안정된 요소보다 기념비적 인 별이됩니다.
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#57
빨간색 상자에 Odalisque가 있습니다
빨간색 상자가 있는 오달리스크는 닫혀 있고 컴팩트한 물체를 장면에 도입하는데,그 물체의 색상과 기하학은 모델의 곡선과 대조를 이룹니다. 상자는 그 내용을 드러내지 않고 주의를 끌게 됩니다. 시각적 구두점 역할을 합니다: 직물,가구 및 인물이 관계를 구성할 수 있는 작고 명확한 모양입니다. 마티스는 이 물체를 신비한 이야기의 열쇠로 변형시키지 않습니다. 그 기능은 주로 회화적입니다. 빨간색은 색채 에너지를 집중시키고 내부에 척도를 부여하는 반면,오달리스크의 포즈는 시간을 늘립니다. 정지 상태의 몸과 닫힌 상자 사이에서 이미지는 유연성과 강성,포기 및 예비의 균형을 유지합니다. THE 상자는 비밀을 유지합니다; 그림은 색상이 방 전체를 어떻게 담을 수 있는지 매우 명확하게 보여줍니다.
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#58
안락의자에 앉아 있는 오달리스크
안락의자의 오달리스크에서 좌석은 단순한 지지대가 아닙니다. 그 모양은 몸을 구성하고 포즈의 기울기를 조절하며 친밀하고 구성 된 공간을 모델에 제공합니다. 안락의자의 곡선은 인물의 곡선과 동반되거나 더 견고한 구조로 반대 될 수 있지만 주변 직물은 이러한 선의 유희를 확장합니다. 따라서 주제는 사람과 가구 사이의 정확한 관계를 기반으로합니다. 마티스는 따라서 안락의자가 모델을 선호하여 잊게 만들려고하지 않습니다; 그것은 그들의 볼륨을 결합하여 단일 조직을 만듭니다. 따라서 주제는 사람과 가구 사이의 정확한 관계에 의존합니다. 마티스는 사람들이 모델을 선호하여 안락의자를 잊게하려고하지 않습니다; 그것은 그들의 볼륨을 결합하여 단일 조직을 만듭니다. 따라서 주제는 사람과 가구 사이의 정확한 관계에 의존합니다. 마티스는 사람들이 모델을 선호하여 안락의자를 잊게하려고하지 않습니다; 그것은 그들의 볼륨을 결합하여 단일 조직을 만듭니다. 명백한 무심함은 지지대,무게 및 윤곽 사이의 신중한 균형에서 비롯됩니다. 장식은 장식품을 곱할 수 있지만 좌석은 구도를 접지시킵니다. 휴식을 단순한 멈춤이 아닌 형태가 되도록 허용하는 사람은 바로 그 사람입니다.
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#59
만틸라를 들고 있는 마티스 부인의 전신 초상화
만틸라와 마티스 부인의 전체 길이 초상화는 표현의 두 가지 매우 강한 징후를 결합: 전체 그림과 레이스 베일. 전체 길이 형식은 몸에 수직 존재를 제공,만틸라는 얼굴 프레임과 라인의 더 섬세한 네트워크를 도입. 마티스는 모델의 정체성,일반적인 실루엣과 의류의 세부 사항을 균형해야합니다. 이 진폭은 단순한 흉상 초상화와 작품을 구별합니다. 자세,의상 길이와 발 주위의 공간은 표현만큼이나 중요합니다. 만틸라는 우아함에 유효하지 않습니다; 그것은 얼굴,머리카락과 배경 사이의 전환을 만듭니다. 따라서 마티스 씨는 둘 다 가까이 나타납니다 이름으로, 그리고 포즈의 엄숙함으로 거리를 두었고, 이 중력이 의식으로 바뀌지 않았습니다.
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#60
팔을 들고 있는 오달리스크
팔을 치켜든 오달리스크는 복수형으로 마티스가 하나의 형상으로 탐구한 제스처를 넣는다. 여러 신체가 여기에서 머리 위나 뒤의 팔에 의해 생성된 개구부를 공유한다. 이러한 반복되는 호는 장면에 명확한 종지를 부여하며,각 포즈는 정확한 이중이 되지 않고 다음 포즈에 반응한다. 휴식은 조용한 안무로 변한다. 복수형은 또한 설정과의 관계를 수정한다. 형상은 공간을 공유하고 서로 분리되어 직물 중앙에서 자신의 존재를 유지해야 한다. 그런 다음 마티스는 간격,겹침 및 색상 에코로 재생할 수 있다. 그런 다음 마티스는 간격,겹침 및 색상 에코로 재생할 수 있다. 그런 다음 마티스는 간격,겹침 및 색상 에코로 재생할 수 있다. 마티스는 간격,겹침 및 색상 에코로 재생할 수 있다. 편안한 태도에서: 여러 몸을 연결하고 전체 표면을 주문하는 공통 구조가됩니다.
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#61
댄서, 검은 배경, rockery 안락 의자
댄서,검은색 배경,바위 안락 의자는 매우 특징적인 세 가지 요소를 결합합니다. 댄서는 움직임의 아이디어를 가져 오며,바위 안락 의자는 곡선 및 장식 된 가구의 아이디어를 가져 오며,검은색 배경은 반드시 행동에서 춤을 보여 주지는 않습니다. 따라서 Matisse 는 앉아서 쉬고있을 때 움직임으로 형성된 신체의 모습을 관찰합니다. 검정색은 윤곽에 특별한 선명도를 부여하고 그림과 좌석의 색상이 강도를 얻을 수있게합니다. 검정색은 윤곽에 특별한 선명도를 부여하고 그림과 좌석의 색상이 강도를 얻을 수있게합니다. 검정색은 윤곽에 특별한 선명도를 부여하고 그림과 좌석의 색상이 강도를 얻을 수있게합니다. 안락 의자의 두루마리는 댄서의 유연성을 확장하지만 장식적인 무게는 부동성을 회상합니다. 작품은 함유 된 에너지와 가구 사이의 이러한 대화를 기반으로합니다 오래된. 무대는 커튼도 극장 무대도 필요하지 않습니다: 몸과 의자 사이의 긴장으로 충분합니다.
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#62
빨간색 바지를 입은 오달리스크
빨간색 바지가 있는 오달리스크는 의류에 주요 색채 충전량을 제공합니다. 빨간색은 다리를 따라 포즈를 넓히고 내부 중심부에 따뜻한 영역을 설정합니다. 중성 드레이프와 달리 이 바지는 몸과 함께만 있는 것이 아닙니다. 눈을 끌어당기고 실루엣을 잘라내고 장식 패턴과 직접 상호 작용합니다. 단순한 색상 지지로 축소하지 않고 몸과 대화합니다. 따라서 Matisse는 의류를 구성 결정으로 만듭니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 인물은 평온함을 유지할 수 있지만 빨간색은 그림의 졸음을 방지하는 강도를 유지합니다. 이웃은 지배자를 성질 또는 부활. odalisque 는 휴식 것 같다; 그의 바지는 모든 사람을 깨어 유지하기 위해 끊임없이 작동합니다.
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#63
탬버린을 곁들인 오달리스크
탬버린이 있는 오달리스크에서 악기는 연주되고 있음을 반드시 보여주지 않고 음악을 소개합니다. 원형 모양은 신체의 곡선과 장식의 아라베스크에 대한 대위법을 제공합니다. 모델 근처에 배치된 탬버린은 액세서리,촉각 개체 및 리듬의 약속일 수 있어 포즈에 신중한 사운드 차원을 제공합니다. 개체의 둥글음은 또한 중앙을 안정시킵니다. 마티스는 쇼 스토리보다 이 제안을 선호합니다. 개체의 둥글음은 또한 중앙을 안정시킵니다. 마티스는 쇼 스토리보다 이 제안을 선호합니다. 그림,악기 및 직물은 윤곽과 색상 코드로 구성된 동일한 친밀한 공간을 공유합니다. 탬버린은 오달리스크를 무대 음악가로 변형시키지 않습니다; 가능한 맥동을 도입합니다 부동성. 그림은 따라서 실제 침묵과 상상 음악,나머지 신체와 악기의 원에 포함 된 에너지 사이의 균형을 찾습니다.
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#64
목련이 있는 오달리스크
목련이 있는 오달리스크는 휴식 중인 인물을 큰 화관이 자신만의 존재감을 갖고 있는 꽃과 연관시킵니다. 목련은 구석에 놓인 공손함의 꽃다발을 형성하지 않습니다. 그들의 볼륨,명확성 및 곡선은 몸과 대화하여 꽃과 인물이 동일한 유연한 움직임에 참여하는 것처럼 보일 수 있습니다. 통째로 숨을 쉬게 합니다. 마티스는 여성과 식물을 혼동하지 않고 이러한 근접성을 구성합니다. 모델은 무게,자세 및 시선을 유지하며; 목련은 또 다른 비늘,또 다른 리듬 및 다른 빛을 가져옵니다. 모델은 그녀의 무게,자세 및 시선을 유지합니다; 목련은 또 다른 비늘,또 다른 리듬 및 다른 빛을 가져옵니다. 내부는 살,꽃잎 및 직물 패턴 사이의 대응 공간이 됩니다. 그림의 관능 동양적인 이야기보다는 살아있는 형태 사이의 정확한 순환에서 비롯됩니다. 각각은 분명히 차분하고 구성에서 모두 활동적입니다.
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#65
시부레의 인테리어
Ciboure 의 인테리어는 바스크 지방이라는 곳에 국내 공간을 고정시킵니다. 제목은 Matisse 가 특정 방을 계획,개구부 및 사물의 조직으로 어떻게 변형시키는 지 관찰하도록 초대합니다. 내부는 그 자체로 닫혀 있지 않습니다: 외부 풍경이 카메라 밖에서 남아있을 때에도 그 빛과 색상은 환경의 흔적을 지니고 있습니다. 이러한 유형의 주제는 화가가 평범함과 건축이 공존 할 수있게합니다. 테이블,의자, 창문 또는 직물은 친숙함을 잃지 않고 구성의 축이 될 수 있습니다. 이러한 유형의 주제는 화가가 평범함과 건축이 공존 할 수있게합니다. 테이블,의자, 창문 또는 직물은 친숙함을 잃지 않고 구성의 축이 될 수 있습니다. 이러한 유형의 주제는 화가가 평범함과 건축을 공존시킬 수있게합니다. 테이블,의자, 창문 또는 직물은 친숙함을 잃지 않고 구성의 축이 될 수 있습니다. 테이블,의자, 창문 또는 직물은 친숙함을 잃지 않고 구성의 축이 될 수 있습니다. 테이블,의자, 창문 또는 직물은 익숙함을 잃지 않고 구성의 축이 될 수 있습니다. 이러한 유형의 주제는 화가가 평범함과 평범함을 만들 수있게합니다 방, 빛이 그것을 어떻게 나누는가, 그리고 침묵하는 물체가 어떻게 그 장소의 전체 경험을 조직하게 되는가.
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#66
바이올린에 인테리어
바이올린에 인테리어는 국내 공간에 침묵의 악기를 배치합니다. 바이올린은 어둡고 곡선 모양으로주의를 집중하지만 더 큰 가구,개구부 및 색칠 된 표면 세트에 속합니다. 마티스는 콘서트를 대표하지 않습니다: 그는 방 한가운데에 매달린 가능성처럼 음악가가 연주하지 않을 때 음악의 존재를 보여줍니다. 1918 년에 그려진 89 × 116cm 크기의 캔버스에이 유채는 Statens Museum for Kunst 에 보관되어 있습니다. 수평 형식은 악기가 고립 된 상징이되는 것을 방지하는 충만 함을 내부에 부여합니다. 눈은 선과 대비를 따라 바이올린과 나머지 장식 사이를 순환합니다. 침묵 그러면 진짜 소재가 된다: 우리는 멜로디를 들을 수 없지만, 모든 공간은 그것을 받아들일 준비가 되어 있는 것처럼 보인다.
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#67
니스의 인테리어
니스의 인테리어는 마티스가 침실이나 거실을 완전한 세계로 만드는 일련의 연구에 속합니다. 도시의 이름은 개구부에 대한 특별한 빛과 관심을 암시하지만 작업은 무엇보다도 인테리어 건축으로 남아 있습니다. 가구,벽, 직물 및 가능한 창문은 목록화 할 장식의 요소보다는 다채로운 계획처럼 서로 반응합니다. 주제의 강점은 단순함에 있습니다. 국내 공간이 사건을 설명하도록 강요하는 것은 없습니다; 그것은 분위기,측정 및 지속 시간을 스스로 수행 할 수 있습니다. 마티스 만이 분위기,측정 및 지속 시간을 수행 할 수 있습니다. 마티스는 방을 표면의 균형으로 변형 시키며 외부는 들어오는 빛이나 제공되는 전망을 통해서만 존재합니다. 멋진 그래서 그것은 단지 지리적 위치가 아닙니다: 제목은 색에 거주하는보다 명확하고 개방적인 방법의 열쇠가됩니다.
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#68
오달리스크 그린 헤어스타일
벌거 벗은 여자가 몇 개의 단단한 비행기로 축소 된 방에서 정면으로 서 있습니다. 어두운 덩어리로 수집 된 그녀의 녹색 머리카락은 거울에 나타나는 거의 검은 실루엣에 반응합니다. 황토색,분홍색 및 회색으로 형성된 피부는 바닥의 수직 띠와 모순되는 육욕적인 중력을 유지합니다. 땅에서는 둥근 상단과 누워있는 주전자가이 매우 직선 구조에 낮은 곡선을 도입합니다. Matisse 는 종종 그의 odalisques 와 관련된 학문적 우아함이나 동양적 탈출구를 찾지 않습니다. 몸은 뻣뻣하게 남아 있고,팔은 측면에 붙어 있으며,얼굴은 여전히 청록색 머리 장식 아래에 있습니다. 거울은 공간을 확장하지 않습니다: 그것은 하나에 닫습니다 디테일이 결여된 다크 더블. 벽의 빨간색, 바닥의 갈색, 흰색 줄무늬 사이에 있는 인물은 각 색상이 물체의 무게를 지닌 조용한 방에 노출된 것처럼 보입니다.
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#69
풍경: 빗자루
풍경은 깊은 원근감보다는 식물 덩어리의 연속으로 구성됩니다. 밝은 녹색,에메랄드 또는 푸른 빛이 거의 전체 표면을 차지하는 반면 분홍색과 연보라색 해변은 덤불 사이의 길을 열어줍니다. 창백한 파란색으로 설정된 하늘은 좁은 스트립 만 구성합니다. 오른쪽에있는 몇 개의 수직 줄기는 나무의 가장자리를 표시하고 눈을 사로 잡기에 충분합니다. 제목에 의해 발표 된 빗자루는 꽃별로 묘사되지 않습니다: 노란색 터치와 지형의 일반적인 진동에서 그 존재를 볼 수 있습니다. Matisse 는 직접적인 재료를 사용하며 때로는 얇고 때로는 더 충전되어 각 붓놀림을 보존 할 수 있습니다 그것의 방향. 전망은 어떤 기념물이나 캐릭터로 이어지지 않습니다. 그것은 지중해 언덕을 이웃 색상의 네트워크로 변형 시키며,신선함은 여전히 모티브의 관찰에 가깝습니다.
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#70
콜리우르에서 본 바다
높이에서 바다는 분홍색,녹색 및 크림색 지형 뒤에 빽빽한 파란색 띠처럼 보입니다. 보라색 줄기가있는 나무가 오른쪽을 차지하고 유연한 가지로 하늘을 자릅니다; 그 밝은 잎은 일종의 불연속적인 금고를 형성합니다. 아래로 내려 가면 일정한 깊이를 존중하지 않고 몇 개의 지붕과 경작 된 플롯이 서로 맞습니다. 해안은 큰 색상의 표시로 응축 된 것보다 덜 표현됩니다. 거의 수평 인 바다 파란색은 그럼에도 불구하고 대각선이 교차하는 구성에 평온함을줍니다. 거의 수평 인 바다 파란색은 그럼에도 불구하고 대각선이 교차하는 구성에 평온함을줍니다. 거의 수평 인 바다 파란색은 그럼에도 불구하고 대각선이 교차하는 구성에 평온함을줍니다. 거의 수평 인 바다 파란색은 그럼에도 불구하고 대각선이 교차하는 구성에 평온함을줍니다. 거의 수평 인 바다 파란색은 그럼에도 불구하고 대각선이 교차하는 구성에 평온함을줍니다. 거의 수평 인 바다 파란색은 그럼에도 불구하고 대각선이 교차하는 구성에 평온함을줍니다. 거의 수평 인 바다 파란색은 그럼에도 불구하고 대각선이 교차하는 구성에 평온함을줍니다. 그림자는 색상이 갈색이 아닙니다: 그들은 자정 파란색,보라색 또는 진한 녹색이됩니다. 그림자는 색상이 갈색이 아닙니다: 그들은 자정 파란색,보라색 또는 진한 녹색이됩니다. 땅의 분홍색 터치는 조명에 의지하지 않고 열을 눈에 띄게 만듭니다 자연주의자. 마티스는 관중이 수평선을 향해 열린 정원에서 콜리우르를 관찰하는 것처럼 먼 전망과 나무의 즉각적인 존재를 부여합니다.
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#71
베니스의 붉은 인테리어
꽃병과 과일이 담긴 둥근 받침대 테이블이 연속적인 빨간색 배경에 돋보입니다. 식탁보,벽 및 바닥은 같은 색으로 목욕 된 것처럼 보이지만 어두운 아라베스크는 그럼에도 불구하고 균일 해지지 않습니다. 왼쪽에는 창문이나 그림의 파편이 좁은 검은 색과 녹색 영역을 소개합니다. 노란색,흰색 및 파란색 물체는 그림자가 드리워지지 않은 컷 아웃 실루엣처럼 서 있습니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어지지,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어지지,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어지지,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어지지,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어지지,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어지지,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어 지지대,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어 지지대,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어 지지대,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어 지지대,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어 지지대,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어 지지대,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어 지지대,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어 지지대,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다. 레드 카펫은 따라서 단순한 액세서리가 아닙니다: 디자인은 전체 내부로 확장되어 지지대,벽 및 장식 사이의 선을 흐리게합니다 즉시 빨간색의 평평한 강도에 의해 취소. 과일과 꽃은 포화 공간의 호흡 포인트가되는 가구는 주변 표면과 같은 장식 리듬에 의해 생산 보인다.
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#72
탬버린을 곁들인 오달리스크(파란색 하모니)
오달리스크는 흰색과 빨간색 무늬가 박힌 파란색 매달린 앞에서 춤을 춘다. 그의 올려진 팔은 갈색 탬버린을 틀고,빨간색과 노란색으로 얼룩진 밝은 튜닉은 청록색 바지 위로 내려간다. 맨발은 꽃으로 뒤덮인 주홍빛 카펫 위에 놓여 있다. 오른쪽에는 어두운 꽃병과 작은 정물화가 머리카락과 눈의 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다. 오른쪽에는 어두운 꽃병과 작은 정물화가 머리카락과 눈의 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다. 오른쪽에는 어두운 꽃병과 작은 정물화가 머리카락과 눈의 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다. 오른쪽에는 어두운 꽃병과 작은 정물화가 머리카락과 눈의 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다. 오른쪽에는 어두운 꽃병과 작은 정물화가 머리카락과 눈의 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다. 오른쪽에는 어두운 꽃병과 작은 정물화가 머리카락과 눈의 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다. 오른쪽에는 어두운 꽃병과 작은 정물화가 머리카락과 눈의 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다. 오른쪽에는 검은 꽃병과 작은 정물화가 머리카락과 눈의 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다. 오른쪽에는 검은 꽃병과 작은 정물화가 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다. 오른쪽에는 검은 꽃병과 작은 정물화가 검은 악센트를 땅으로 연장시킨다 카펫. 마티스는 고정 된 얼굴이 신체의 안무 운동량과 대조되는 모델의 물리적 존재를 제거하지 않고 포즈를 벽 리듬으로 변형시킵니다.
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#73
코르시카 풍경
이 코르시카 풍경은 마티스의 가장 유명한 지중해 풍경의 생생한 색상에서 멀어집니다. 어두운 줄기가있는 나무는 황토색 공터를 구성하고 작은 실루엣이 교차합니다. 회색 녹색,갈색 및 파란색으로 칠해진 나뭇잎은 거의 연속적인 질량을 형성합니다. 중앙에는 밝은 나무와 몇 가지 노란색 터치가 빛을 끌어 당기는 반면 전경은 흙 같고 컴팩트하게 유지됩니다. 깊이는 나뭇잎의 중첩보다 기하학적 구조에서 덜 태어납니다. 윤곽은 단풍의 중첩보다 기하학적 구조에서 덜 태어납니다. 윤곽은 여전히 대기 변화에 세심한 촉감으로 용해됩니다. 윤곽은 여전히 대기 변화에 세심한 촉감으로 용해됩니다. 윤곽은 여전히 대기 변화에 세심한 촉감으로 용해됩니다. 윤곽은 여전히 대기 변화에 세심한 촉감으로 용해됩니다. 윤곽은 여전히 대기 변화에 세심한 촉감으로 용해됩니다. 윤곽은 여전히 대기 변화에 세심한 촉감으로 용해됩니다. 작은 보행기는 스케일을 제공하고 대기 변화에 여전히 세심한 특성을 강조합니다 덤불. 이 색채 구속은 순수한 색이보다 급진적 인 자율성을 취하기 전에 풍경의 전통과 대화에서 마티스를 보여줍니다: 여기,그것은 여전히 습도,그늘과 나무의 두께를 설명합니다.
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#74
앙티브의 보기
앙티브의 만은 긴 흰 구름이 가득한 보라색과 파란색 하늘 아래 뻗어 있습니다. 캔버스 바닥에서 오른쪽의 어두운 곶까지 곡선을 이루는 제방에 여러 척의 보트가 배열되어 있습니다. 거의 수직에 가까운 노란색 돛이 구성의 중심을 표시합니다. 멀리서 가벼운 건물과 언덕이 수평선에 섞여 있고 물에는 짧은 반사가 줄무늬가 있습니다. Matisse는 여기서 지형 가독성을 유지하지만 각 요소에 크게 단순화된 색상을 부여합니다. 부두는 검은색 테두리가 있는 넓은 크림색 띠가 됩니다; 바다는 투명한 파란색과 흰색 섬광을 병치합니다; 보트는 몇 개의 각진 선체로 축소됩니다. 곡선 해안 도로에서 깊은 눈을 소요, 다음 노란 돛은 전경에 다시 가져옵니다.보기는 따라서 사이트의 안정성과 세부 사항에 설명주의없이 적용 그림의 생동감을 결합한다.
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#75
Odalisque 좌석, 왼쪽 무릎 접힘, 장식용 바닥 및 바둑판
오달리스크는 소파에 옆으로 앉아 한쪽 다리는 녹색 드레스 아래로 접혀 있고 다른 쪽 다리는 발에 맨 채로 남겨져 있습니다. 보라색 액센트가 교차하는 어두운 흉상은 커다란 꽃 모티브가 달린 오렌지색 매달린 앞쪽에 눈에 띕니다. 빨간색과 흰색으로 교차된 바닥은 뒤쪽으로 날카롭게 솟아 있습니다. 오른쪽에는 과일 트레이와 작은 용기가 극장 소품처럼 좌석 가장자리를 차지합니다. 오른쪽에는 과일 트레이와 작은 용기가 극장 소품처럼 좌석 가장자리를 차지합니다. 공간은 세 가지 장식의 고의적 충돌 만남에 의해 구성됩니다: 카펫의 체커보드,카우치의 꽃무늬 밴드 및 커튼의 아라베스크. 그림은 세 가지 장식의 고의적 충돌 만남에 의해 구성됩니다: 카펫의 체커보드,카우치의 꽃무늬 밴드 및 커튼의 아라베스크. 그림은 세 가지 장식의 고의적 충돌 만남에 의해 구성됩니다: 카펫의 체커보드,카우치의 꽃무늬 밴드 및 커튼의 아라베스크. 그림은 의도적으로 충돌한 세 가지 장식의 만남에 의해 구성됩니다: 바둑판: 고의적으로 충돌한 세 가지 장식의 만남에 의해 구성됩니다 몸의 비틀림. 마티스는 따라서 휴식과 불안정성 사이, 모델의 나른한 자세와 그녀 주위를 곧게 펴는 것처럼 보이는 표면의 광학적 에너지 사이에 긴장을 얻습니다.
발견하다 →Collioure, Nice 및 마지막 국내 공간은 항상 다른 합의를 통해 동일한 질문을 다룹니다.
#76
콜리우르의 풍경
이 Collioure 풍경을 가로 지르는 명확한 길은 식물에 거의 삼켜집니다. 녹색,파란색, 노란색,분홍색 및 빨간색의 손길이 너무 많은 나뭇잎,꽃 또는 반사처럼 캔버스에 흩어집니다. 두 개의 구불 구불 한 줄기가 왼쪽에 서 있습니다; 중앙에서 연어 지역은 땅의 개구부를 암시합니다. 연속적인 윤곽은 식물,토양 및 먼 것들을 영구적으로 분리하지 않습니다. 구성은 그러나 열쇠의 움직임에 의해 함께 유지됩니다. 그러나 열쇠의 움직임에 의해 구성이 함께 유지됩니다. 연속적인 윤곽은 식물,토양 및 먼 것들을 영구적으로 분리하지 않습니다. 그럼에도 불구하고 구성은 열쇠의 움직임에 의해 함께 유지됩니다. 그러나 전경의 비스듬한 표시는 중앙 틈새를 향해 이어지는 반면,밀도 나뭇잎은 가장자리를 닫습니다. 마티스는 식물 다양성을 재현하지 않습니다: 정원이나 덤불의 감각을 반영합니다 빛으로 넘쳐납니다. 캔버스는 풍부한 것이 무거워지는 것을 방지하는 명확한 예비력과 호흡을 유지합니다. 풍경은 그림의 몸짓으로 동시에 관찰되고 재구성되고 애니메이션화되는 것처럼 보입니다.
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#77
창에서 보기
열린 창틀은 깊고 푸른 바다에 놓인 몇 가지 밝은 모양으로 축소 된 항구를 구성합니다. 보라색 잎과 청록색 직립은 그림 속의 그림처럼 전망을 잘라냅니다. 선반에는 두 개의 꽃병 - 하나는 창백한 파란색,다른 하나는 빨간색 - 어둡고 진홍색 꽃이 있습니다. 주황색 테이블이나 카펫이 개구부 바닥을 가로 지르며 손과 단편적인 물체도 나타납니다. 내부와 외부는 전통적인 관점으로 분리되지 않습니다. 파란색과 외부는 전통적인 관점으로 분리되지 않습니다. 바다의 파란색은 벽에 도달하고 꽃다발의 색상은 항구의 분홍색 건물에 반응합니다. 물체는 겹쳐진 평면에 떠있는 것처럼 보이지만 창틀 확고한 건축을 유지합니다. 마티스는 시력을 색상의 장치로 만듭니다: 먼 풍경,방 및 정물화는 뚜렷한 기능을 잃지 않고 동일한 빛을 공유합니다.
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#78
인테리어, 금붕어 항아리
블루스가 지배하는 방에서 작은 금붕어 항아리가 창문 앞에 놓인 받침대 테이블 위에 놓여 있습니다. 발코니,검은 그릴 및 건물의 분홍색 외관은 눈을 바다 스트립으로 인도합니다. 어두운 의자는 왼쪽으로 밀려납니다; 전경에서 녹색 좌석은 아래쪽 가장자리에 의해 잘립니다. 창과 의자의 수직은이 맨 장면을 구성합니다. 물고기,간단한 주황색 쉼표는 캔버스의 가장 활기찬 초점을 구성합니다. 물고기,간단한 주황색 쉼표는 캔버스의 가장 활기찬 초점을 구성합니다. 물고기,간단한 주황색 쉼표는 캔버스의 가장 활기찬 초점을 구성합니다. 물고기,간단한 주황색 쉼표는 캔버스의 가장 활기찬 초점을 구성합니다. 그들의 원형 수영장은 건축물의 직사각형과 개구부의 가파른 깊이와 대조를 이룹니다. 마티스는 물체를 곱하지 않습니다: 그는 큰 파란색 영역에 하나를 설치하도록 허용합니다 거의 야행성 침묵. 외부보기는 밝게 유지하지만,자연스럽게 방을 조명하지 않습니다; 그것은 추가 색상의 표면 역할을합니다. 그런 다음 항아리는 두 번째 창이되고,더 작고 투명하며 활기차게됩니다.
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#79
콜리우르의 전망
검은 줄기는 Collioure 의 전망 앞에 상승하고 좁은 불규칙한 창으로 풍경을 나눕니다. 그들의 가지 사이에는 파란색 언덕,노란색과 분홍색 집이 나타나고 전경에 붉은 땅의 스트립이 나타납니다. 잎은 두꺼운 윤곽으로 연결된 둥근 녹색 덩어리로 처리됩니다. 도시는 세부 사항에 설명되어 있지 않습니다: 나무의 화면 뒤에 파편으로 나타납니다. 이 조직은 풍경에 의도적으로 압축 된 깊이를 제공합니다. 줄기는 전경에 속하지만 어두운 선은 그림의 그래픽 프레임 워크로도 기능합니다. 줄기는 전경에 속하지만 어두운 선은 그림의 그래픽 프레임 워크로도 기능합니다. 먼 건물은 따뜻한 색상 덕분에 앞으로 나아가고 있습니다 산의 푸른 색이 물러가는 동안. 마티스는 따라서 거의 장식적인 건축물과 나무 아래를 걷는 느낌을 결합합니다. 자연은 콜리우레에서 중립적 인 설정 역할을하지 않습니다: 그것은 마을의 비전을 필터링하고 자르고 구두점을 찍습니다.
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#80
쾌적한, 인테리어
앉아있는 여성은 바다로 열리는 창문 근처에 놓인 테이블을 향해 몸을 기울입니다. 그녀의 머리는 명상적인 태도로 한 손에 얹혀 있습니다. 그녀 주위에는 방이 매우 밝은 흰색,라일락 회색 및 파란색으로 칠해져 있습니다: 커튼, 그릇, 타원형 거울 및 병은 잔인한 대비없이 서로 반응합니다. 파란색 셔터와 해군 밴드는이 평화로운 인테리어의 희귀 한 포화 악센트를 제공합니다. 테이블은 단일 각도에서 보이지 않습니다; 컵과 투수를 보여주기 위해 그 꼭대기가 일어납니다. 커튼과 창문의 수직이 균형을 유지하기 때문에이 약간의 불안정성은 장면을 방해하지 않습니다. 그림 자체는 창백한 조화에 흡수 된 것처럼 보입니다 침실. 마티스는 흰색이 결코 동일하지 않고 외부 개구부가 신선한 색상의 예비 역할을 하는 확산된 빛에 대한 연구로 가정의 순간을 변화시킵니다.
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#81
어린 소녀에게 인테리어
방은 꽃,과일, 가구 및 직물로 가득 차있어 중앙에 앉아있는 어린 소녀가 장식에 거의 몰두하는 것처럼 보입니다. 그녀의 가벼운 옷과 빨간 모자는 녹색,분홍색 및 노란색 중에서 눈에 띕니다. 전경에서 꽃 식탁보로 덮인 테이블은 과일 그릇을 맺습니다; 그녀 뒤에는 안락 의자,침대, 프레임 및 꽃다발이 공허를 남기지 않고 서로 어울립니다. Matisse 는 이러한 요소를 강력하게 우선시하지 않습니다. 어린이의 얼굴,쿠션, 프레임 및 꽃다발은 공허를 남기지 않고 서로 잘 맞습니다. Matisse 는 이러한 요소를 강력하게 우선시하지 않습니다. 어린이의 얼굴,쿠션 및 꽃병은 마치 각 패턴이 동일한 시각적 패브릭에 기여한 것처럼 비슷한 관심을받습니다. 기울어진 평면은 표면을 보이게하고 풍요의 인상을 강화합니다. 그러나,몇 줄 - 안락 의자 뒷면,침대 가장자리,오른쪽에 수직 직립 - 전체 분산에서 방지 내부는 색상의 순환에 의해보다 깊이에 의해 적은 구축,따뜻하고 불안정한 완전한 세계가된다.
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#82
니스(시카고 마티스)의 인테리어
큰 프랑스 창은 테라스와 바다에 침실을 엽니 다. 배경에서 작은 앉아있는 인물은 청록색 셔터 사이의 몇 가지 빛 선으로 축소 된 수평선을 바라보고 있습니다. 내부에는 드레이프 된 테이블이 지구본,책 및 작은 물건을 지니고 있습니다; 노란색 바구니가 전경을 차지합니다. 격자 분홍색 바닥과 노란색 벽지는 외부 파란색을 식히는 따뜻함을 방에 제공합니다. 깊이는 일련의 연동 프레임으로 강조됩니다: 캔버스의 가장자리,벽, 커튼,잎, 그 다음 해양 직사각형. 이 구조는 초상화를 만들지 않고 캐릭터로 이어집니다. 지구본과 바구니의 곡선은 건축을 부드럽게합니다 수직. 마티스는 따라서 바다의 거의 빈 공간과 방의 어수선한 친밀감을 대조. 오프닝은,그러나, 조화를 깨지 않습니다: 그것의 녹색과 파란색은 물체에 다시 나타나,근접과 먼을 연결합니다.
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#83
Collioure(La Sieste)의 내부
깊은 각도에서 본 타원형 침대는 거의 방 전체를 차지합니다. 녹색 담요 아래에서 기대어있는 인물이 사라지고 붉은 옷을 입은 여성이 발코니에 서서 풍경을 바라보고 있습니다. 청록색 벽,열린 셔터 및 빨간색 바닥은 크고 매우 대조적인 샷을 구성합니다. 일부 기본 가구 조각 - 의자,받침대 테이블,가슴 -은 가정 공간을 식별하기에 충분합니다. 그림은 두 개의 반대 상태를 연결합니다: 전경에서 움직이지 않고 바깥 쪽을 향해 서 있습니다. 그림은 두 개의 반대 상태를 연결합니다: 여전히 전경에서 자고 바깥 쪽을 향해 서 있습니다. 침대의 곡선은 눈을 창문쪽으로 인도하지만 빨간색 실루엣은 문턱에서이 움직임을 멈 춥니 다. 비율과 관점이 의도적으로 왜곡됩니다 침대,발코니 및 외부 인물이 동일한 강렬로 공존하도록. 낮잠은 그러므로 친밀한 주제 일뿐만 아니라; 그것은 빛나는 개구부 주위에 따뜻하고 차가운 색상의 조직이됩니다.
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#84
니스의 인테리어, 낮잠 시간
흰 드레스를 입은 여성은 머리 위가 거꾸로 되어 있고 몸은 거의 완전히 편안해진 채 꽃 안락의자에서 잠을 잔다. 방은 두 개의 야자수가 나타나는 크림 셔터로 그녀 뒤에서 열린다. 커피 테이블 위에는 꽃병 근처에 그림책이 놓여 있다; 오른쪽에는 빨간 서랍장에는 꽃다발이 달려 있다. 파란색과 빨간색 카펫은 패턴이 교차된 가벼운 장식으로 이러한 요소들을 하나로 모았다. 잠자는 포즈는 극화되지 않았다. 파란색과 빨간색 카펫은 패턴이 교차된 가벼운 장식으로 이러한 요소들을 하나로 모았다. 잠자는 포즈는 극화되지 않았다. 가구의 수평선과 펼쳐진 책의 평온함과 어울리고,창문의 수직은 방을 안정시킨다. 드레스의 흰색,벽, 셔터는 분홍색에서 노란색까지 다양하여 빛이 부드럽다 감싸는. 마티스는 모델을 고립시키지 않고 모델의 존재를 유지합니다: 안락 의자의 꽃,카펫 및 꽃병은 마치 휴식이 전체 내부를 차지하는 것처럼 그녀 주위를 같은 색으로 순환합니다.
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#85
축음기에 내부
빨간색과 흰색 줄무늬 테이블이 전경으로 튀어 나와 과일,꽃병 및 축음기의 파빌리온으로 보이는 커다란 갈색 물체가 있습니다. 그 뒤에는 멀리있는 창문까지 여러 개의 방이 줄 지어 있습니다. 노란색 커튼,빨간색 카펫 및 장식 된 벽이 문턱의 연속을 형성합니다. 오른쪽에있는 축음기는 친숙한 액세서리로 가득 찬이 내부에 어둡고 현대적인 덩어리를 도입합니다. 깊이는 단일 소실점에 쉬지 않습니다: 각 테이블,카펫 또는 출입구는 자체 각도를 부과합니다. 깊이는 단일 소실점에 쉬지 않습니다: 각 테이블,카펫 또는 출입구는 자체 각도를 부과합니다. 깊이는 단일 소실점에 쉬지 않습니다: 각 테이블,카펫 또는 출입구는 자체 각도를 부과합니다. 깊이는 단일 소실점에 쉬지 않습니다: 각 테이블,카펫 또는 출입구는 자체 각도를 부과합니다. 깊이는 단일 소실점에 쉬지 않습니다: 각 테이블,카펫 또는 출입구는 자체 각도를 부과합니다. 깊이는 단일 소실점에 쉬지 않습니다: 각 테이블,카펫 또는 출입구는 자체 각도를 부과합니다. 그러나 식탁보의 밴드는 아래쪽으로 눈을 강력하게 이끈다. 그러나 식탁보의 밴드는 아래쪽으로 눈을 강력하게 이끈다. 그러나 식탁보의 밴드는 아래쪽으로 눈을 강력하게 이끈다. 그러나 식탁보의 밴드는 아래쪽으로 눈을 이끈다. 그러나 식탁보의 밴드는 아래쪽으로 눈을 이끈다. 천천히. 마티스는 따라서 음악 기계가 피사체를 지배하지 않고 가구,꽃 및 직물을 연속적인 시각적 오케스트레이션으로 결합하는 일련의 장식 된 표면으로 집을 무대에 올립니다.
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#86
에트루리아 꽃병의 내부
빨간색,파란색, 흰색 줄무늬 블라우스를 입은 젊은 여성이 과일로 뒤덮인 검은 테이블 뒤에 앉아 있습니다. 그녀 주위에는 커다란 화분이 어둡고 잎이 많은 덩어리를 형성합니다. 파란색과 흰색 줄무늬가 있는 에트루리아 꽃병이 얼굴 왼쪽에 서 있습니다; 오른쪽에는 투명한 투수와 주황색 가구 조각이 구성의 균형을 이루고 있습니다. 중앙 창은 밝은 색상의 수직 띠를 허용합니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다. 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 몇 줄로 그려진 얼굴과 손은 나뭇잎과 패턴의 네트워크에서 나옵니다 꽃병과 식물은 전체를 안정시킵니다. 마티스는 모델을 혼란스럽게하지 않고 정물화에 더 가깝게 만듭니다: 블라우스는 중앙에 활기를 불어 넣는 반면 오래된 꽃병은 수직적이고 차분하며 견고하게 구성된 모양을 제공합니다.
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#87
선바가 있는 인테리어
빛은 빛나는 것보다 더 다채로운 수직 막대의 형태로 방으로 들어옵니다. 파란색 셔터,흰색 패턴과 황토색 벽이있는 빨간색 걸이가 좁은 창 주위를 따라갑니다. 전경에서 줄무늬 안락 의자는 캔버스의 가장자리에 의해 절단됩니다; 작은 테이블과 몇 개의 물체가 직립 사이로 미끄러집니다. 개구부는 거의 풍경이 없으며 빛과 파란색 조각 만 드러납니다. 실제 주제는 밴드에 의한 내부의 조각입니다. 개구부는 거의 풍경이 없으며 빛과 파란색 조각 만 나타납니다. 실제 주제는 밴드에 의한 내부의 조각입니다. 각 수직은 확장 된 스크린의 블레이드처럼 너비,색상 및 재질을 갖습니다. 각 수직은 확장 된 스크린의 블레이드처럼 너비,색상 및 재질을 갖습니다. 각 수직은 확장 된 스크린의 블레이드처럼 너비,색상 및 재질을 갖습니다. 각 수직은 확장 된 스크린의 블레이드처럼 너비,색상 및 재질을 갖습니다. 각 수직은 확장 된 스크린의 블레이드처럼 너비,색상 및 재질을 갖습니다. 각 수직은 너비,색상 및 재질을 갖습니다 음소거. 마티스는 태양 광선을 환상적으로 칠하지 않고 태양을 느끼게합니다: 그는 병치 된 대비로 자신의 통로를 번역합니다. 따라서이 작품은 가구와 건축물이 색상의 리듬으로 축소되는 빡빡한 점수가됩니다.
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#88
앉은 캐릭터가 있는 인테리어
밝은 드레스를 입은 여성이 그리드 레드 바닥에,파란색 옷장 근처에 앉아있다. 그의 몸은 거의 기념비적 인 안정성으로 중앙을 차지하고; 손은 단순히 무릎에 휴식. 빨간 꽃다발은 타원형 거울에 반영되는 반면 보라색 벽과 흰색 문은 얕은 배경을 형성합니다. 얼굴,창백하고 정면은 장식의 대조에도 불구하고 침착하게 유지됩니다. 볼륨은 의도적으로 부드럽게됩니다. 드레스는 가구의 파란색 패널에 반응하는 접힌 부분이 거의 비어 있지 않은 큰 회색 녹색 덩어리로 펼쳐집니다. 거울은 실제로 방을 확장하지 않습니다: 꽃 뒤에 노란색과 분홍색 디스크를 제공합니다. 마티스는 따라서 그림을 배열합니다 꽃다발과 가구 같은 자율 모양, 색상의 알림으로 연결 모델의 좌석과 바둑판 바닥은 일화 나 서술 제스처없이이 국내 장면에 조용한 중력을 제공합니다.
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#89
노란색과 파란색 인테리어
내부는 광대한 노란색 배경과 테이블이나 카펫처럼 전경에 배치된 파란색 직사각형으로 나뉩니다. 꽃병,과일, 의자 및 식물은 두꺼운 검은 색 윤곽선으로 그려집니다. 커다란 노란색 단면 꽃병이 정물화를 지배하며 줄무늬 수박과 작은 상처가 동반됩니다. 오른쪽에는 아라베스크로 덮인 파란색 영역이 환상적 깊이를 만들지 않고 잎을 확장합니다. 노란색과 파란색 협정은 물체의 인식까지 제어합니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감싸는 반면 노란색과 파란색 협정은 물체의 인식을 명령합니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감싸는 반면 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감싸고 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감싸고 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감쌉니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감쌉니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감쌉니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감쌉니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감쌉니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감쌉니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감쌉니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감쌉니다. 파란색 쟁반은 갑자기 전진하고 노란색 벽은 곡선 다리로 테이블을 감쌉니다. 작은 모델링으로 뛰어난 선명도: 오버레이,윤곽 및 색상 변경 덕분에 공간을 읽을 수 있습니다. 내부는 가구가 비치되어 있고 거의 추상적으로 보이며 여전히 인식 가능한 물체로 구성된 구성처럼 보입니다.
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#90
정물화
이 작은 정물화는 주황색 테이블에 냄비,녹색 컵,과일 및 여러 개의 구겨진 직물을 함께 가져옵니다. 물체는 정확하게 둘러싸여 있지 않습니다: 그들은 거의 수채화 자유로 배치 된 분홍색,보라색, 노란색 및 청록색의 터치로 나타납니다. 수직 파란색 줄무늬가 오른쪽을 닫고 밝은 배경은 눈에 보이는 브러시 자국을 유지합니다. 전체는 그리기보다 색상 비율로 더 많이 함께 유지됩니다. 형식의 겸손은 연구의 성격을 그리는 것보다 색상 비율로 더 많이 결합합니다. 형식의 겸손은 연구의 성격을 강화합니다. 어떤 물건도 기념비적이지 않습니다; 심지어 꽃병이나 녹색 냄비가 식탁보와 리넨에 섞입니다. 그러나 몇 가지 어두운 악센트가 가장자리를 구성하고 장면이 발생하지 않도록합니다 용해. 마티스는 한 색이 다른 색과 접촉하면서 어떻게 변하는지 관찰합니다: 오렌지는 흰색을 따뜻하게 하고,파란색은 장미를 식히고,녹색은 중심을 구두점으로 만듭니다. 정물화는 장식적이지 않은 채 살아가는 집중된 시험의 장이 됩니다.
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#91
녹색 배경 구성
녹색 배경에는 검정,파랑, 흰색 및 노란색 컷 아웃 모양이 펼쳐집니다. 불규칙한 프리즈로 배열 된 식물 모티프는 나선,태양 머리 및 작은 톱니 모양의 실루엣과 번갈아 나타납니다. 수평선은 구성을 공유하지만 모양은 한 영역에서 다른 영역으로 순환하는 것처럼 보입니다. 균일 한 녹색과 평평한 종이의 대비는 가위 사고에서도 각 컷을 즉시 읽을 수있게합니다. 더 이상 방이나 풍경을 묘사하는 문제가 아니라 표지판의 어휘를 구성하는 문제입니다. 흰색 나선은 회전 중심을 제공합니다; 파란색과 검은 색 가지는 수직 추력을 제공합니다; 노란색 파편 악센트의 역할을한다. 마티스는 기계적 정렬없이,활성 비대칭을 유지한다. 배경은 공허가 아니다: 그 색상은 간격을 연결하고 모든 것을 호흡하게한다. 구성은 따라서 그림의 통일성과 절단 된 종이에 특정한 색상을 확인합니다.
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#92
인테리어, 꽃과 잉꼬
꽃과 과일이 가득한 테이블은 여러 방으로 열린 내부의 전경을 차지합니다. 왼쪽에는 제목에 의해 발표 된 잉꼬가있는 황금 케이지; 그녀 근처에는 흰색 꽃다발과 레몬 한 컵이 물건과 어울립니다. 갈색 커튼,빨간색 카펫 및 연속적인 문이 좁은 깊이를 구성합니다. 뒷방에서 볼 수있는 커다란 파란색과 흰색 꽃병은 수직으로 새장에 반응합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 풍요 로움에 명확한 구조를 제공합니다. 새들은 구성이 겸손하지만 새장은 테이블의 프레임과 장식 표면의 체인 오히려 균질 볼륨으로. 전경의 정물화,잉꼬와 방은 따라서 색상의 반복에 의해 애니메이션 같은 연속 공간에 속한다.
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#93
개에게 인테리어를
회색 개는 파랗고 녹색 체크 무늬 직물에 대하여 주둥이가 휴식하는 노란 테이블의 밑에 공에서 잔다. 그의 위,2 개의 화병 - 1 개의 단단한,파랗고 및 백색,다른 더 작고 꽃 - 곰 긴 녹색 분지. 빨강과 백색 책은 가장자리 가까이에 휴식한다. 분홍색 벽,꽃 및 빨간 지면으로 흩어져 있는 파란 커튼은 3 개의 큰 장식적인 지역을 구성한다. 동물의 조밀한 곡선은 화포의 정상에 거의 상승하는 줄기와 대조된다. 테이블은 이 운동 사이 경첩으로 봉사한다: 그것의 수평한 정상은 정물화를 나른다,그 발은 개를 짜맞추는 동안. 테이블은 이 운동 사이 경첩으로 봉사한다: 그것의 수평한 정상은 정물화를 나른다,그 발은 개를 짜맞추는 동안. 테이블은 이 운동 사이 경첩으로 봉사한다: 그것의 수평한 정상은 정물화를 나른다,그 발은 개를 짜맞춘다. 커튼과 도와 본은 물러서지 않는다; 그들은 모든 것을 함께 붙든다 표면의 장면. 마티스는 따라서 완전히 거주 내부의 리듬과 색상에 통합 개를 고립시키지 않고 동물의 휴식을 중앙 장소에 제공합니다.
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#94
빨간 인테리어에 녹색에서 어린 소녀
옅은 녹색 드레스를 입은 젊은 여성이 주황색 - 빨간색 인테리어에 앉아 무릎에 열린 책. 그 밝은 실루엣은 파란색 창문과 어두운 잎이있는 큰 식물 사이에 눈에 띕니다. 오른쪽에는 받침대 테이블에 파란색과 흰색 꽃병,컵과 접시가 있습니다. 작은 비스듬한 선으로 덮인 벽은 얼굴이 놀랍도록 여전히 남아있는 인물 주위에 지속적인 진동을 만듭니다. 드레스는 거의 모델링되지 않았습니다: 광대한 회색과 녹색 표면을 형성하며 몇 줄로 잘립니다. 늘어난 팔은 책을 받침대 테이블에 연결하는 반면 식물의 가지는 위쪽 공간을 차지합니다. 아래쪽의 빨간색은 강하게 전진하지만 창 파란색 모델 뒤에 더 시원한 예비를 엽니 다. 마티스는 따라서 행동을 이야기하지 않고 독서,정물 및 초목의 균형을 유지합니다. 집중은 강렬하게 다채로운 설정의 한가운데에 어린 소녀의 차분한 존재에 초점을 맞 춥니 다.
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#95
모로코 풍경 (아칸투스)
모로코 풍경은 거의 전적으로 아칸서스와 단풍에 의해 점유된다. 보라색과 분홍색 줄기는 밝은 지역을 향해 상승하는 동안 큰 짙은 녹색 잎은 전경에 겹쳐있다. 중앙에서 깊은 파란색 밴드는 벽,그림자 또는 수영장을 암시한다. 하늘은 라벤더와 부드러운 녹색의 몇 터치 호흡을 열어이 컴팩트 식물 뒤에 사라집니다. 마티스는 식물 정밀도로 각 식물을 구별하지 않습니다. 오히려 그는 모양의 가족을 구성: 직립 잎,둥근 술,비스듬한 가지와 수직 줄기. 모로코 색상은 균일 한 열에 의해 번역되지 않습니다; 차가운 녹색, 제비꽃과 파란색이 지배적이어서 정원에 그늘진 밀도를 부여합니다. 평평한 영역과 윤곽은 공간을 건조시키지 않고 단순화합니다. 보는 사람은 성장이 캔버스 전체를 채우는 것처럼 보이는 대산괴의 가장자리에 자신을 배치합니다.
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#96
빨간 인테리어, 파란 테이블 위에 정물화
둥근 파란색 테이블에는 꽃병과 붉은색 과일이 가득한 흰색 접시가 있습니다. 그 뒤에는 빨간색 벽이나 화면이 매우 강한 검은색 지그재그로 덮여 있습니다. 중앙에 좁은 창문이 열리고 두 개의 밝은 띠로 둘러싸인 여러 가지 색상의 정원이 열립니다. 왼쪽에는 노란색 메달과 작은 장식용 물체가 배경을 강조합니다. 전체는 빨간색과 파란색의 솔직한 반대를 기반으로 합니다. 왼쪽에는 노란색 메달과 작은 장식용 물체가 배경을 강조합니다. 전체는 빨간색과 파란색의 솔직한 반대를 기반으로 합니다. 정물화는 인식할 수 있는 물체를 유지하지만 실루엣의 집합체처럼 구성됩니다. 과일은 빨간색 디스크가 됩니다; 꽃,녹색, 노란색 및 파란색 섬광; 꽃병,회색 윤곽선이 있는 투명한 모양. 원형 테이블이 진정 충격. 마티스는 창을 더 밝고 조각난 세 번째 색상의 화음으로 만듭니다. 따라서 국내 공간은 긴장이 깊이와 에너지를 생성하기에 충분한 몇 개의 표면으로 응축됩니다.
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#97
부케
나무 의자에 놓인 녹색 투수에서 매우 높은 꽃다발이 솟아오릅니다. 장미,데이지 및 노란 꽃은 길고 얇은 줄기에 펼쳐져 있으며 일부는 거의 맨손으로 펼쳐져 있습니다. 회색 녹색 배경은 꽃 주위를 밝게하는 큰 브러시 움직임으로 작동합니다. 오른쪽에서 고립 된 작은 주황색 화관은 비대칭성을 강조하는 반면,붉은 색과 흰색은 꽃다발의 중심에 집중됩니다. 마티스의 밝게 둘러싸인 정물화와는 달리,이 꽃은 윤곽이 대기 중에 사라지게합니다. 꽃병은 산성 색상과 어두운 반점으로 단단하게 남아 있지만 위쪽 꽃은 녹는 것처럼 보입니다. 단순하고 수직 인 의자는 다음을 제공합니다 이 불규칙한 발달을위한 안정적인 기반. 구성은 꽃 자체만큼 줄기 사이의 간격에 많은 중요성을 부여합니다. 꽃다발은 연약하고 거의 분산되어 보이지만 놀라운 움직임의 통일성을 유지합니다.
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#98
프랑스 남부의 풍경
맑은 길은 검은 색과 울퉁불퉁 한 줄기가있는 올리브 나무 사이의 프랑스 남부의 풍경을 가로 지릅니다. 회색 녹색의 잎 덩어리가 양쪽에 있으며 중앙에 작은 노란색 꽃다발이 드러납니다. 멀리 갈색 언덕이 거의없는 하늘 아래 수평선을 닫습니다. 팔레트는 음소거되어 있습니다: 흙빛 녹색,회색, 갈색 및 일부 밝은 악센트가 눈부신 지중해 협정을 대체합니다. 구조는 나무 위에 놓여 있으며,그 곡선 가지가 길을 틀 짓고 거의 그 위에서 만납니다. 구조는 나무 위에 놓여 있으며,그 곡선 가지가 길을 틀 짓고 거의 그 위에서 만납니다. 그림자는 넓고 세부 사항없이 유지되며 전경에 높은 밀도를 부여합니다. 여기 Matisse 는 모티프에 대한 직접적인 관계를 유지하며 민감한 잎과 토양의 물질성의 변화. 풍경은 그림 같은 것을 추구하지 않습니다; 그것은 가뭄, 올리브 나무의 나이와 나무 사이의 통로의 겸손한 깊이를 반영합니다.
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#99
작은 파란색 인테리어
이 작은 파란색 인테리어는 원형 테이블,줄무늬 꽃병,식물 및 안락 의자에 거의 표시되지 않은 인물을 함께 제공합니다. 맑은 파란색 벽은 캔버스의 큰 부분을 차지하고 노란색,녹색 및 주황색 줄무늬가있는 창 또는 수직 패널로 중단됩니다. 전경에서 빨간색 테두리로 둘러싸인 흰색 테이블에는 접시와 일부 과일이 있습니다. 물체는 매우 좁은 공간에서 서로 눌려진 것처럼 보입니다. 파란색은 패턴의 다양성을 지우지 않고 방을 통합합니다. 가벼운 잎,단속 된 꽃병 및 하단의 줄무늬는 수직 진동을 가져 오는 반면 테이블과 안락 의자의 곡선은 전체를 부드럽게합니다. 그림,하나로 축소 얼굴과 몇 줄 떨어져, 독점적 인 중심이 아니다: 그것은 식물과 접시와 관심을 공유합니다. Matisse 따라서 표면, 윤곽과 신선한 색상의 컴팩트 한 균형으로 침실 코너를 변환합니다.
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#100
정물 피아니스트
검은 옷을 입은 피아니스트가 키보드에 손을 얹은 채 옆모습으로 똑바로 선 피아노 앞에 앉아 있습니다. 그녀 뒤에는 흰색 무늬가 달린 커다란 빨간색이 거의 벽 전체를 가득 채우고 있습니다. 전경에는 녹색 테이블이 과일 바구니,꽃병, 물병 및 여러 개의 흩어져있는 사과를 들고 있습니다. 갈색 안락 의자와 파란색 쿠션이 오른쪽을 닫아 무대 밀도 높은 친밀감을 선사합니다. 음악은 화려한 몸짓으로 표현되지 않습니다. 그것은 패턴의 리듬,노란색과 빨간색 과일의 교대,그리고 키보드의 흰색 건반의 반복으로 나타납니다. 드레스와 피아노의 검은 색은 애니메이션 교수형과 피아노 사이에 차분한 덩어리를 형성합니다 풍부한 정물화. 마티스는 음악가의 초상화와 사물을 서로 종속시키지 않고 공생하게 한다. 작품 전체가 색 관계로 번역된 소리 구성이 된다.
발견하다 →순위가 밝히는 것
백 작품, 자유로운 그림 그리기 세 가지 방법
이 루트는 니스의 황갈색 광채, 대형 작업장 및 인테리어를 연결합니다. 각 단계에서 Matisse는 선, 색상 및 표면 간의 관계를 더욱 활발하게 만들기 위해 세부 사항을 줄입니다.
컬러 빌드
그것은 형태를 채우지 않습니다: 그것은 비행기, 긴장 및 빛을 조직합니다.
패턴이 연결됩니다
직물, 벽지, 러그는 인물과 장식 사이의 경계를 없애줍니다.
라인이 응축됩니다
각 윤곽이 정확한 무게를 찾으면 몇 개의 곡선으로 충분합니다.
색상 타임라인
마티스를 따르는 다섯 가지 날짜
앙리 마티스는 섬유 산업이 특징인 지역에서 자랐으며, 그 모티프는 그의 전망과 지속적으로 동반되었습니다.
법학을 공부한 후 그는 파리로 이주하여 곧 구스타브 모로의 작업장에 합류했습니다.
Salon d'Automne에 전시된 Collioure의 그림은 야수파의 탄생에 기여했습니다.
지중해의 빛, 창문, 인테리어는 새로운 시대를 열어줍니다.
대대적인 수술 끝에 그는 그의 마지막 10년을 기념하는 컷 구아슈 종이를 개발했습니다.
깊이 있는 마티스
앙리 마티스: 거주 가능한 공간으로서의 색상
마티스는 법과 회복 후 그림에 도착한 후 파리에서 구스타브 모로의 스튜디오에서 훈련을 받았습니다. 그의 시작은 여전히 어둡고 옛 거장들에게 세심합니다. 남부에 머물면서 세잔,시냑의 발견과 후기 인상주의 연구는 점차 그의 팔레트를 옮깁니다. 색상은 현명하게 대상을 따르지 않습니다: 구성을 이끌기 시작합니다.
앙드레 드랭과 공유한 콜리우르의 1905 년 여름은 이러한 변화를 가속화시켰다. 열린 창문과 풍경 속에서 그림자와 빛은 때로는 자연스러운 시각과 모순되는 솔직한 색조를 띠고 있다. 거친 스캔들은 몇 년밖에 지속되지 않지만 지속적인 확신을 확립한다: 그림은 세상의 유순한 모방이 아니라 표면의 합의에 의해 하나로 뭉쳐진다.
생활,춤 및 음악의 행복은이 연구에 기념비적 인 규모를 부여합니다. 신체는 단순화되고,관점은 수축하며,색상은 광대 한 연속 필드를 형성합니다. The Dance 의 라운드는 정확한 스펙터클의 전사가 아닙니다; 그것은 다섯 개의 인물을 원형 에너지로 변형시켜 기억에 남을만큼 단순하고 결코 스틸 엠블럼이되지 않을 정도로 긴장됩니다.
1910 년대에 인테리어는 더욱 급진적이 되었습니다. 레드 워크샵은 벽,바닥 및 가구를 같은 주홍색 식탁보에 녹이는 반면,콜리우르의 Porte-fenêtre 는 어두운 직사각형과 색상의 밴드를 대조합니다. 마티스는 공간을 제거하지 않습니다: 그는 캔버스의 실제 표면과 제안 된 깊이 사이에서 다르게 재구성하도록 눈을 강요합니다.
니스에서는 1917 년부터 그의 그림이 대담함을 잃지 않고 느려졌습니다. 창문,안락 의자,스크린, 카펫 및 모델은 장식품이 인물만큼 많은 권위를 갖는 세계를 구성합니다. odalisques 는이 장식 실험실에 속합니다: 오늘날 그들은 동양 주의적 상상력에 대한 역사적인 시각을 요구하지만 의도적으로 연속 된 표면에서 직물과 신체가 서로 어떻게 반응 하는지를 보여줍니다.
마티스는 명백한 외관을 얻기 위해 오랫동안 일합니다. 루마니아 블라우스 문서화 된 예를 제공합니다: 연속 상태는 몇 개의 선과 세 개의 큰 색 화음을 선호하여 장식과 모델이 점차 제거되는 것을 보여줍니다. 이 단순함은 쉽지 않습니다; 각 요소가 필수 불가결해질 때까지 수행되는 엄격한 선택의 결과입니다.
컷 아웃 구아슈 종이는 마침내 같은 제스처로 그림과 색상을 결합합니다. 한 쌍의 가위는 페인트 칠 된 시트의 모양을 직접 추적 한 다음 파편을 고정하기 전에 이동하고 고정합니다. 왕의 슬픔은 콜라주의 불연속적인 리듬을 가정하면서 기념비적 인 그림의 폭을 유지합니다.
이 Top 100 은 다음 구절을 따릅니다: 야수파,큰 장식,초상화, 작업장,니스, 오달리스크,풍경 및 인테리어. 유명한 작품은 벤치 마크를 제공합니다; 덜 알려진 변형은 방법을 드러냅니다. Matisse 는 확실한 공식을 추구하지 않지만 눈이 인식하는 것과 색상이 가능하게하는 것 사이의 끊임없이 반복되는 균형을 추구합니다.
네 개의 읽기 키
장식에 색상을 줄이지 않고 마티스를 보세요
공간의 평평한 영역, 윤곽, 패턴 및 개구부를 동시에 따라갈 때 작품을 더 쉽게 읽을 수 있습니다.
표면을 비교합니다
두 개의 이웃 음영이 앞으로, 뒤로 또는 강화되는 방식을 관찰하십시오.
아라베스크를 따라가세요
윤곽선은 모양을 분리하지 않고도 얼굴, 팔, 패턴을 연결할 수 있습니다.
장식을 읽어보세요
직물이나 벽지는 필러가 아닌 구조로 작용합니다.
깊이를 테스트합니다
개구부는 조각을 연장하거나 모순되거나 그 자체로 평평한 영역이 될 수 있습니다.
검증 가능한 컬러북
백 번째 작업 후에 계속하십시오
공개 컬렉션을 통해 제목,날짜, 기술 및 치수를 확인할 수 있습니다. 색상은 무료일 수 있습니다; 작업 공지는 정확해야 합니다.
자주 묻는 질문
장식용 안개가 없는 마티스
야수파의 위치를 정하고, 니스 시대를 이해하고, 색상만큼 조심스럽게 선을 보는 데 필수적인 답변입니다.
앙리 마티스의 가장 유명한 그림은 무엇인가?
춤은 아마도 그의 가장 보편적으로 인정받는 이미지일 것이다. The Happiness of Living,The Red Trolley,The Green Ray,The Red Workshop and The Goldfish 역시 그의 색채 혁명을 가장 잘 요약한 작품들 중 하나이다.
마티스는 왜 야수파와 연관되는가?
1905 년부터 마티스와 몇몇 화가들은 지역적인 음색에서 분리된 대담한 색상의 작품을 전시했다. 평론가 루이 보셀은 "야수"라는 별명을 붙였다. 움직임은 짧지만 이 다채로운 자유는 그의 작품의 중심에 남을 것이다.
마티스는 색채나 그림을 선호합니까?
그는 그들에게 반대하기를 거부합니다. 그의 그림은 색을 통해 공간을 구성하는 반면,그의 그림은 형태를 표현적인 선으로 축소시킵니다. 늦게 잘라낸 논문은이 두 가지 연구를 하나의 제스처로 결합합니다.
직물과 패턴이 왜 그렇게 존재합니까?
마티스는 직물 지역에서 자랐으며 직물, 양탄자 및 장식용 물건을 수집했습니다. 그의 그림에서 이러한 패턴은 단순한 배경 역할을하지 않습니다: 표면을 활성화하고 인물을 환경에 연결합니다.
마티스의 니스 시대는 무엇을 가리키는가?
1917 년부터 니스에 정기적으로 설치된 마티스는 밝은 방,창문, 모형 및 오달리스크를 그렸습니다. 그는 평평한 아라베스크 건축을 버리지 않고 더 부드러운 빛을 탐구합니다.
잘린 종이는 어떤 곳을 차지할까?
1940 년대와 1950 년대에 이들은 주요 매체가 되었다. 마티스는 구아슈 잎을 직접 잘라내고 움직이는 모양으로 구성하는데,그는 이를 색으로 그리는 방법이라고 묘사한다.
Matisse 의 복제를 선택하는 방법?
The Dance 또는 The Red Trolley 는 벽을 강하게 구조화합니다; 금붕어와 니스의 내부는 더 명상적인 존재를 만듭니다. 형식과 지배적 인 색상은 사용 가능한 공간과 대화해야합니다.
왜 덜 알려진 작품들을 포함시킬까?
그들은 그의 연구의 연속성을 가시화합니다. 초상화,풍경, 워크샵 및 인테리어 변형은 마티스가 선,색상, 패턴 및 공간 간의 관계를 끊임없이 경험하는 방법을 보여줍니다.
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