친밀감 · 정밀 · 존재감 · 명작
훌륭한 걸작품인 100가지 작은 형식
몇 십 센티미터면 세계를 담기에 충분할 때
모나리자의 높이는 80cm 미만이고 레이스메이커는 겨우 24인치입니다. 그러나 이 그림들은 우리의 시각적 기억을 형성했습니다. 이 그림들의 촘촘한 스케일은 보는 사람을 더 가깝게 만들고 몸짓을 강화하며 모든 세부 사항을 이벤트로 변화시킵니다.
기념비성이 없는 위대함
걸작은 벽을 차지할 필요가 없다
분류에는 칠해진 표면의 가장 큰 문서화 된면이 100cm 를 초과하지 않는 그림이 포함됩니다. 그림,인쇄물, 사진 및 조각품은 제외됩니다. 작은 양면화,삼부화 및 제단화는 그들의 디자인이 면밀한 관찰을위한 페인트 된 물체의 디자인으로 남아있을 때 허용됩니다.
규모를 줄이는 것이 야망을 감소시키지는 않는다: 작은 형식은 화가가 세상을 응축시키도록 강요한다.
각 이미지와 각 버튼은 작품에 정확히 해당하는 알파 복제 시트를 엽니다. 표시된 치수는 박물관이나 컬렉션에 보관된 원본과 관련이 있으며 상점에서 제공되는 복제 크기는 아닙니다.
순위를 입력합니다모든 인치가 중요한 백 개의 그림
모나리자, 별이 빛나는 밤, 진주 귀걸이를 한 소녀 또는 인상, 떠오르는 태양은 명성이 평방 미터의 문제가 아니라는 것을 증명합니다.
#1
모나리자
거의 움직이지 않는 얼굴은 5 세기 동안 시선을 유지하기에 충분했습니다. 레오나르도는 스푸마토의 윤곽을 부드럽게하고,그 모습을 바위 풍경에 연결하고,어디를 보느냐에 따라 미소가 바뀌게합니다. 1503 년경에 시작되어 화가의 마지막 해까지 계속 된 포플러 패널의이 초상화는 레오나르도와 함께 프랑스로 향합니다. 그의 명성은 그의 기교에 크게 기인하지만,이미 존경받는 작품을 세계 아이콘으로 변화시킨 1911 년의 비행에도 기인합니다.
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#2
별이 빛나는 밤
생레미 위,반 고흐의 하늘은 천장 역할을 하지 않는다: 회전하고,부풀어 오르고,큰 발광 조류 속에서 별들을 운반한다. 검은 노송나무는 침묵의 마을을 별들과 연결하고,노란 달은 작은 창문에 반응한다. 밤은 눈에 보이는 에너지가 된다. 종탑조차도 어떻게 침착함을 유지할 수 있을지 궁금해하는 것 같다.
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#삼
진주 귀걸이를 한 소녀
그것은 아마도 식별 된 사람의 초상화가 아니라 trony: 상상 된 얼굴과 의상에 대한 연구입니다. 어린 소녀는 깊이없는 배경 앞에서 입술을 벌리고 돌아 서서 돌아갑니다. 유명한 "보석"은 두 개의 가벼운 파편에 의해 렌더링되며 실제 진주가 아닌 모방 일 수 있습니다. 유명한 "보석"은 두 개의 가벼운 파편에 의해 렌더링되며 실제 진주보다는 모방 일 수 있습니다. 파란색과 노란색 터번은 모양을 강화하기 위해 일상적인 네덜란드 생활에서 인물을 멀리 이동시킵니다.
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#4
인상, 떠오르는 태양
르아브르의 항구는 오렌지색 태양과 몇 개의 실루엣이 간판으로 축소된 청회색 안개에서 나옵니다. 1874 년 루이 르로이는 인상,솔레일 레반트라는 제목을 조롱하고 무의식적으로 "인상주의자"라는 이름을 붙였습니다. 모네가 비평가들이 그를 비난했던 덧없는 성격을 정확하게 가정했기 때문에 조롱 공식은 운동의 이름이 되었습니다.
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#5
세계의 기원
쿠르베는 제목이 아이러니하게도 세계의 차원으로 넓어지는 해부학적 정확성으로 여성의 성기를 구성합니다. Khalil-Bey 를 위해 1866 년에 그려진 세계의 기원은 대중의 시야에서 오랫동안 숨겨져 있으며 커튼 뒤에 숨겨져 있다가 다른 그림 뒤에 숨겨져 있습니다. 그 역사는 1995 년 오르세 미술관에 들어가기 전에 개인 소장품,비밀, 당혹감 및 매혹을 번갈아 가며 나타납니다. 그 역사는 1995 년 오르세 미술관에 들어가기 전에 개인 소장품,비밀, 당혹감 및 매혹을 번갈아 가며 나타납니다. 그 역사는 1995 년 오르세 미술관에 들어가기 전에 개인 소장품,비밀, 당혹감 및 매혹을 번갈아 가며 나타납니다. 스캔들은 살롱의 스캔들이 아닙니다: 그것은 실제로 노출시키지 않고 이미지를 소유하기 위해 발명 된 1 세기 이상의 전략에 있습니다.
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#6
에르민을 든 여인
1490 년 레오나르도는 프레임 외부의 존재를 마주보고 세실리아 갈레라니를 그렸다. 담비은 손의 움직임,모델의 상태 및 그녀의 이름에 대한 연극에 반응하며 초상화를 단순한 수수께끼로 축소하지 않습니다. 담비를 가진 여인은 궁정 초상화에 드문 심리적 이동성을 소개합니다: 얼굴은 생각하고 듣고 반응합니다. 얼굴은 생각하고 듣고 반응합니다. 그림은 더 이상 단지 묘사되지 않습니다; 그녀는 관계의 중간에 놀란 것 같습니다.
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#7
구름바다를 고민하는 여행자
뒤에서 본 사람은 능선이 나오는 안개 바다 위의 바위 위에 서 있습니다. 1817 년경에 그려진 프리드리히의이 희귀 한 대형 수직 형식은 그러나 보는 사람이 자신의 위치를 정확히 차지하거나 자신이 보는 것을 알 수 없습니다. 따라서 Rückenfigur 는 단순한 영웅 대용품이 아닙니다: 그것은 우리와 풍경 사이의 모습을 개입시켜 명백한 정복을 거리와 불확실성의 경험으로 변화시킵니다.
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#8
미국 고딕
갈퀴를 가진 남자와 여자가 네오 고딕 양식의 집 앞에 서서 건축물의 선만큼 가파르게 서 있습니다. 1930 년에 출판 된 후 American Gothic 은 긴축에 대한 경멸적인 캐리커처로 본 많은 아이오와 주민들을 짜증나게했습니다. Grant Wood 는 풍자와 경의 사이의 모호함을 유지하여 불일치가 명성을 유지하도록합니다.
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#9
우유 짜는 여자
하인은 빵으로 둘러싸인 용기에 우유를 부어 넣습니다. 베르메르는 그녀의 몸짓을 더욱 격리시키기 위해 벽에서 벌집 홀더와 바구니를 지웠습니다. 팔 근처에 작은 천공이 표시된 소실점은 시선을 그녀보다 약간 아래에 놓고 기념비적 인 부스러기와 빵 껍질은 침묵에 거의 촉각 밀도를주는 빛나는 터치로 만들어집니다.
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#10
아르놀피니 배우자
1434 년 얀 반 에이크는 부르주아 인테리어를 시각적 수수께끼로 변형시켰다. 볼록 거울,신발, 개,오렌지 및 창문의 빛은 단 하나의 해석을 강요하지 않고 단서를 배가시킨다. 아르놀피니 남편들은 또한 동일한 응집 공간에서 유리,모피, 금속 및 피부를 렌더링하는 오일의 능력을 보여준다. 아르놀피니 남편들은 또한 동일한 응집 공간에서 유리,모피, 금속 및 피부를 렌더링하는 오일의 능력을 보여준다. 여기의 초상화는 동시에 사회적 존재,기억 및 상징적 구성이 된다.
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#11
더 나이트 카페
나이트 카페는 불안정한 관점에서 당구 테이블,테이블 및 피곤한 고객을 잠급니다. 반 고흐는 벽의 빨간색과 천장의 녹색 및 램프의 노란색 후광을 대조하여 고의적으로 공격적인 색상으로 방을 거의 아픈 분위기로 만듭니다. 아무도 들어가고 싶어하지 않는 것 같습니다. 가구도 똑바로 서는 것이 그다지 안전하지 않은 것 같습니다.
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#12
오베르 쉬르 우아즈 교회
빈센트 반 고흐의 "오베르 쉬르 우아즈 교회"는 회화의 가장 유명한 풍경에 전념하는이 경로의 79 위를 차지합니다. 이 작품은 야외,인상주의 및 현대 빛에 전념 한 장에 속합니다. 그 연대는 1890 년입니다; 그것의 보존 또는 다큐멘터리 참조는 오르세 미술관입니다. 풍경은 단순한 설정으로 취급되지 않습니다: 구호,하늘, 물,건축, 식물 및 가능한 인물은 거리,빛 및 시간의 경험을 구성합니다. 각 호는 수학적 상금 목록이 아닌 장르의 이야기를 구성합니다.
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#13
세례자 성 요한
"성 장 밥티스트"에서는 그림 소재를 사용하여 표면,거리 및 강도를 구별합니다. "성 장 밥티스트"의 종교적 주제는 관객에게 작용하는 것만큼이나 관객에게 작용하도록 의도된 제스처와 조명의 건축물이 됩니다. 1513-1516 년경에 제작된 이 그림은 레오나르도 다빈치의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "성 장 밥티스트"의 경우 이미지의 명성은 따라서 우리가 그 제작의 정확성을 잊어서는 안됩니다.
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#14
폭풍
군인과 아이에게 모유 수유를하는 여성은 번개가 방금 갈라진 하늘 아래 개울에 의해 분리되어 서 있습니다. 조르조네는 명확한 내레이션을 거부하고 분위기를 인물,유적 및 도시 사이의 진정한 연결 고리로 만듭니다. 1506-1508 년경에 그려진 The Tempest 는 풍경이 자율적 인 존재를 강력하게 부과하는 최초의 작품 중 하나입니다. 1506-1508 년경에 그려진 The Tempest 는 풍경이 자율적 인 존재를 강력하게 부과하는 최초의 작품 중 하나입니다. 그 신비는 해독하기위한 단일 기호에서 오는 것이 아니라 증언에 동의하지 않고 모든 것이 중요 해 보이는 정확성에서 비롯됩니다.
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#15
단층애의 행복한 기회
The Happy Chances of the Escarpolette 는 조각상,장미 및 단풍이 사랑 게임에 연루되는 로코코 정원 위에 젊은 여성을 배치합니다. Fragonard 는 드레스,신발 및 풍자가 같은 가벼움으로 날아갑니다. 장식은 배경이 아닙니다: 비밀을 보호하고 외모를 정리하며 18 세기에는 숲조차도 매우 바쁜 사회 생활을 할 수 있음을 증명합니다.
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#16
천문학자
천문학자는 Jodocus Hondius 에 의해 편집된 천구를 만지고 신성한 영감을 찾는 것에 열려있는 Adriaan Metius 에 의해 책을 참고한다. 물에서 구한 모세의 그림은 배경에서 섭리와 지식의 아이디어를 강화할 수 있다. 1668 년으로,캔버스는 지리학자에게 자연적인 대응물을 형성한다: 하나는 하늘을 연구하고,다른 하나는 지구를 측정한다.
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#17
노란 그리스도
노란 그리스도는 브르타뉴 시골에,기도하는 여인들과 가을 색의 나무들 사이에 십자가 처형을 놓습니다. 고갱은 모양을 단순화하고 평평한 지역을 둘러싸고 그리스도의 몸에 주변 들판의 노란 색을 부여합니다. 신성한 것은 역사적인 예루살렘이 아닌 현대적인 장소에 뿌리를두고 있습니다. 계절,신앙 및 그림은 동일한 다채로운 언어를 사용합니다.
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#18
죽은 그리스도에 대한 애가
만테냐는 "죽은 그리스도에 대한 애도"관점을 돌로 밀어 붙이고 고대를 물리적으로 현존하게 할 때까지 짧아졌으며 장식의 단순한 역할을 거부하는 각도로 작품은 1480 년경으로 거슬러 올라갑니다. 보존 장소: 브레라 피나코테카,밀라노.
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#19
골목길
베르메르는 델프트 기념비를 그리지 않고 평범한 두 개의 정면을 그립니다. 얼룩에 흡수된 아이들과 여성들을 웅크리고 있습니다. 벽돌과 균열,관절은 정확하게 관찰되지만,시각은 미묘하게 재구성됩니다. 이 작품은 국내 유지 보수와 이웃에 특이한 존엄성을 부여합니다. 이 작품은 국내 유지 보수와 이웃에 특이한 존엄성을 부여합니다. 하늘에서 오는 빛은 불연속적인 벽을 연결하고 특정 거리를 도시의 차분한 기억으로 변화시킵니다.
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#20
라 포르나리나
팔찌에는 "Raphael Urbinas"라는 서명이 새겨져 있으며 모델 뒤에있는 머틀은 비너스와 사랑을 불러 일으 킵니다. 젊은 여성은 겸손한 비너스의 몸짓을 유지하면서 가슴을 발견합니다. 화가의 연인으로 추정되는 마르게리타 루티와의 동일시는 매력적인 전통으로 남아 있지만 현대 문서에서는 입증되지 않았습니다. 기관 고시는 1519 년에 작품을 배치하여 국립 고대 미술관에 보관합니다.
이 재생산 →를 참조하십시오독자, 학자, 신성한 인물 및 카페 캐릭터는 설정이 제스처와 외모를 조이기 때문에 강렬 해집니다.
#21
압생트
카페에서 두 인물은 실제로 같은 공간을 공유하지 않고 나란히 남아 있습니다; 여자 앞에서 압생트의 유리는 공공 고독의 창백한 중심이됩니다. 드가는 1875-1876 년에 그 장면을 그렸지만 1893 년 런던 전시회는 알코올 중독과 프랑스의 쇠퇴를 둘러싼 도덕적 스캔들을 되살 렸습니다. 모델 인 여배우 Ellen Andrée 와 조각가 Marcellin Desboutin 은 그들이 연기 한 캐릭터로 착각하여 드가가 자신의 명성을 지켜야 할 정도로 작품을 보는 사람이 다음 테이블에 앉은 것처럼 느껴서 아프다.
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#22
모피가 있는 자화상
스물여덟에 그려진 이 자화상은 당시 특히 그리스도의 형상과 관련된 정면성을 채택한다. 뒤러는 자신을 신격화하지 않는다: 그는 예술가의 창조적 힘이 새로운 지적 존엄성을 가질 자격이 있다고 단언한다. 직접적인 시선,얼굴의 대칭,모피에 놓인 손과 라틴어 비문은 그의 외모를 작가의 선언으로 변형시킨다. 머리카락과 의복의 신중한 실행은 그럼에도 불구하고 개별 관찰에서 이미지를 유지한다.
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#23
전자책
"La Liseuse"에서 Jean-Honoré Fragonard는 완벽하게 보이는 일련의 결정을 통해 눈을 이끌고; 그림 소재는 가장 조용한 영역에 무게를 부여합니다; 리듬은 온도에 온도를 부여합니다.
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#24
메두사
"메두사"에서는 그림 재료를 사용하여 표면,거리 및 강도를 구별합니다. "메두사"의 경우 화가는 이야기,구성 및 재료를 자세한 설명보다 먼저 존재하는 이미지로 응축합니다. 1597 년경에 작성된이 그림은 Caravaggio 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "메두사"의 경우 따라서 이미지의 명성으로 인해 제조의 정확성을 잊어서는 안됩니다.
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#25
작은 바커스가 아프다
아픈 작은 Bacchus 는 고대 이상을 즐겁게 방해하는 창백한 입술과 녹색 안색을 가진 몇 가지 포도를 들고 있습니다. Caravaggio 는 병의 기간 동안 자신의 반성을 사용하여 와인의 신을 여전히 작업장 천을 입은 환자로 변형 시켰다고합니다. 1593 -1594 년경에 만들어져 보르게세 미술관에 보관 된이 그림은 자화상이자 정물화이며 열병에 화장을 거부하는 사실주의의 초기 시연입니다.
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#26
창문에 있는 E-reader
드레스덴에서 완성된 복원은 베르메르가 벽에 그린 위대한 큐피드를 드러낸 후 뒷손으로 덮었다. 이 사랑의 신은 그 편지가 감상적인 관계에 관한 것임을 확인시켜준다. 창문은 독자의 얼굴을 은밀하게 반사하는 반면,녹색 커튼과 카펫은 그녀 주변의 공간을 닫는다. 메시지의 비밀은 그리하여 실제 주제가 된다.
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#27
저울을 가진 여자
여자는 최후의 심판의 표현 앞에 빈 저울을 들고 있습니다. 여전히 움직이지 않는 쟁반은 영혼의 측정,절제 또는 내적 검사를 불러 일으킬 수 있습니다. 조각과 진주는 신성한 심판에 직면 한 지상 상품 인 테이블 위에 놓여 있습니다. 베르메르는 그러나 명확한 도덕을 전달하지 않습니다: 얼굴을 둘러싼 빛은 물질적 균형에 영적 깊이를 부여합니다.
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#28
기벳 위의 까치
"The Magpie on the Gibet"에서 구성은 도로,건물 및 인물을 집단 서사의 일부로 배포합니다. "The Magpie on the Gibet"에 대해 사물,의상 및 태도는 장면에 쉬운 그림 같은 것에 저항하는 진실을 제공합니다. 마지막으로 "The Magpie on the Gibet"은 기후,일 및 기억이 궁극적으로 동일한 표면을 공유한다는 것을 보여줍니다.
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#29
바커스
"Bacchus"에서,전체 기념비적 인 조직과 밀접한 세부 대화. "Bacchus"에서 신화 또는 우화는 신체,색상, 욕망 및 변태에 대한 매우 자유로운 연구를 승인합니다. 1596 년경에 작성된이 그림은 Caravaggio 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Bacchus"의 경우 장면은 한 번의 읽기에 저항 할만큼 충분한 모호성을 유지하면서 즉시 접근 할 수 있습니다.
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#30
지리학자
지리학자는 손에 나침반을 들고 지도 위로 몸을 기울인 다음 발견의 순간에 있는 것처럼 올려다봅니다. 빛이 종이 앞에 그의 이마에 도달하여 반사되는 부분에 눈에 보이는 모양을 부여합니다. 지도,지구본 및 책은 United Provinces 의 상업적,과학적 확장을 불러일으킵니다. 서명 및 날짜가 1669 년으로 작성된 이 작품은 더 명상적인 자세를 반복하지 않고 The Astronomer 를 완성합니다.
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#31
편지를 읽고 있는 파란 옷을 입은 여인
여자는 편지에 완전히 흡수 된 혼자 서있다. United Provinces 의 큰지도는 지리적 거리를 방으로 가져 와서 부재중인 특파원을 상상할 수있게 해줍니다. Vermeer 는 불필요한 창문과 가구를 제거하여 울트라마린 블루,불 붙은 배와 손에 장면을 집중시킵니다. 윤곽선의 약간 흐릿한 컷은 사진의 순간보다는 내면의 관심을 반영합니다.
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#32
바보들의 배
Hieronymus Bosch 의 The Ship of Fools 는 박물관의 밀도를 이해하기 위해 루브르 박물관에서 볼 수있는 그림 중 하나입니다. 그것은 초상화,재료, 세부 사항 및 서사적 발명 사이에서 루브르 박물관 컬렉션에서 북부 학교의 중요성을 상기시킵니다. 루브르 공지는 작품을 회화 부서와 연관시킵니다; 표시된 기술은 나무에 기름 (참나무) 이며 선택한 날짜는 창조/제조 날짜: 15 세기 4 분기 (1475 - 1500) 입니다.
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#33
노송나무와 별이 있는 길
반 고흐는 구불구불한 길 사이에 검은 노송 나무,두 여행자와 초승달이 동반 된 별을 놓습니다. Saint-Rémy 의 늦은 풍경은 같은 맥동으로 지상과 천체의 움직임을 결합합니다. 길은 하늘과 함께 회전하는 것처럼 보입니다. 여행자는 다행히도 같은 속도로 별을 따라갈 필요없이 전진합니다.
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#34
구스타프 클림트의 다나에
Danaé는 거의 정사각형 형식으로 접혀 허벅지가 가슴과 붉은 머리카락을 잡아 당겨 위쪽 모서리를 차지합니다. 비옥 한 제우스가 보라색 베일과 원형 모티프를 가로지르는 황금 비. 클림트는 방이나 연속적인 이야기를 묘사하지 않습니다: 신화는 닫힌 형태로 응축되어 한 번에 잠,포기 및 변태를합니다. 1907-1908 년에 제작 된이 작품은 에로티시즘과 장식의 연관성을 분리 할 수 없을 정도로 밀어 붙입니다.
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#35
과일 바구니를 가진 소년
과일 바구니를 가진 소년은 식물 방종없이 관찰 된 포도,무화과, 사과 및 잎의 풍부한 뒤에 젊은 모델을 배치합니다. 드러나지 않은 어깨,바구니의 모양과 무게는 과일을 과숙하게 익히는 관능미를 그림에 부여하여 이미 위태롭게 만듭니다. 1593 -1595 년경에 그려져 보르게세 미술관에 보존 된이 초기 작품은 우화보다 훨씬 덜 신중하게 노화되는 실제 신체와 사물에 대한 카라바조의 취향을 알립니다.
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#36
알바의 마돈나
톤도에서는 마리아,예수, 세례 요한이 작은 갈대 십자가 주위에 주문합니다. 성모님의 시선은 수난의이 표시에 초점을 맞추고 아이들은 그것을 조사합니다. 광범위한 풍경과 식별 가능한 식물은 종교적인 징조에게 이탈리아 시골의 구체적인 빛을 제공합니다. 카탈로그에는 1510 이 남아 있으며 국립 미술관이 현재 위치로 표시되어 있습니다.
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#37
대공의 마돈나
지금 어두운 배경은 아마 라파엘로의 죽음 이후에 수정되었을 것이다; 그것은 마리아와 아기의 실루엣을 강조한다. 성모는 이미 수난을 감지한 것처럼 억제된 중력으로 몸을 지탱한다. 이 그림은 특히 그것을 높이 평가한 토스카나의 페르디난트 3 세 대공에게 그 이름을 빚지고 있다. 이 그림은 1506 년으로 되어 있다; 그 참고 컬렉션은 Galerie Palatine 이다.
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#38
세 가지 은혜
세 명의 여성 누드가 얽혀 서서 황금 사과를 들고 있는데,아마도 헤스페리데스에게 바쳐진 사과일 것이다. 라파엘로는 조각과 로마 화폐로 유명한 고대 그룹을 각색한다. 몸체는 작은 패널을 움직임과 아름다움에 대한 원형 연구로 변형시키기 위해 얼굴과 등을 번갈아 가며 배치한다. 기관 고시는 작품을 1504 -1505 행에 배치하고 샹티이의 콩데 박물관에 보존한다.
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#39
타히티의 여성
두 앉아 타히티어 여성은 차분한 모양과 음소거 색상의 건설이된다; 고갱은 관찰,장식 컨벤션 및 식민지 시선을 결합 오늘 의문을 제기해야합니다. 작품은 1891 일자입니다. 보존 장소: Musée d' Orsay,파리. 기술: 캔버스에 유채.
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#40
주디스 1세
주디스는 금색 배경 앞에 서서 흉상을 드러내고 눈을 반쯤 감고 입을 반쯤 벌리고 있습니다. 홀로페르네스의 머리는 오른쪽 하단 모서리에 부분적으로만 나타납니다: 모호하고 승리하며 관능적 인 존재에 이미지를 집중시키기 위해 성경의 설명은 최소한으로 유지됩니다. 커다란 목걸이는 얼굴과 몸을 거의 분리시키는 반면 양식화 된 나무는 공간을 평평하게합니다. 1901 년 클림트는 도덕적 인 여주인공을 시선의 힘을 지닌 현대 인물로 변화 시켰습니다.
이 재생산 →를 참조하십시오보쉬,브뤼겔, 클림트 그리고 말레비치는 작은 표면을 상징이 즉시 보이는 정신적 공간으로 사용한다.
#41
라파엘로의 자화상
라파엘은 직업이나 장식의 속성 없이 4 분의 3 으로 검은 옷을 입은 자신을 표현한다. 실루엣의 단순함은 서른일곱 살에 죽은 젊은 천재의 현대적 이미지를 확립하는데 도움이 되었다. 동일시는 우피치의 전통과 아테네의 학교에서 그의 얼굴과의 비교에 근거한다. 출판된 연대는 1506 년경이며 보존 장소는 피렌체의 우피치 갤러리이다.
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#42
도마뱀에 물린 소년
도마뱀에게 물린 소년은 고통이 얼굴을 통과하고 손가락을 긴장시키고 몸 전체를 밀어내는 두 번째를 포착합니다. 과일과 꽃 사이에 숨어있는 도마뱀은 매력적인 정물화를 작은 국내 함정으로 변형시킵니다. 1594 -1596 년경에 그려진 구성은 두 가지 인식 된 버전으로 존재합니다. 1594 -1596 년경에 그려진 구성은 두 가지 인식 된 버전으로 존재합니다. 런던 국립 미술관과 관련된 것은 이미 지속 포즈를 너무 짧은 반응으로 대체 한 Caravaggio 의 재능을 보여 주므로 여전히 진행중인 것 같습니다.
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#43
그리스도의 채찍질
피에로 델라 프란체스카는 수수께끼의 정밀도의 공간에서 주요 액션과 현대 인물을 분리; 차가운 빛은 지적 문제로 이야기를 변환합니다. 작품은 1455-1460 년 경에 날짜입니다. 보존 장소: 마르케 국립 미술관,우르비노. 기술: 패널에 템페라.
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#44
뤼겐 섬의 백악 절벽
세 인물은 뤼겐의 하얀 절벽 가장자리에 멈춰서 그 가지가 발트해를 향해 전망을 열어주는 두 그루의 나무로 둘러싸여 있습니다. 프리드리히의 결혼 후 1818 년경에 그려진 그림은 종종 여행 기념품으로 읽혀졌지만 인물의 정확한 정체는 여전히 논쟁 중입니다. 중앙 틈은 평화로운 산책을 방해합니다: 원하는 풍경은 빛나고 깨지기 쉽고 보기에 위험한 것으로 판명됩니다.
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#45
십자가 운반
십자가를 지고 거의 공간이없는 얼굴의 근접전에서 그리스도,성 베로니카와 그들의 박해자를 조여. 십자가는 grimaces 동안 구성을 가로 질러 도덕적 풍경으로 군중을 변환합니다. 겐트의 Schone Kunsten voor 박물관에 보존되어 있으며 일반적으로 1510 -1516 년경에 날짜,패널은 귀속 논쟁의 대상입니다; 문자 그대로 휴식을 남기지 않는 프레임과 함께 보쉬와 관련된 가장 눈에 띄는 이미지 중 하나로 남아 있습니다.
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#46
제비꽃 꽃다발이 달린 베르트 모리조
마네는 베르테 모리조를 검은색으로 칠하고,눈은 생기 넘치고 얼굴은 빛에 거의 먹힐 뻔했다; 세속적인 초상화는 보기 드문 강렬함의 심리적 만남이 된다. 작품은 1872 년으로 되어 있다. 보존 장소: 오르세 미술관 (파리).
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#47
생명의 시대
다섯 척의 배가 서로 다른 거리를 차지하는 동안 어린이를 포함한 다섯 명의 인물이 해안에 서 있습니다. 1834 년경에 그려진 그림은 존재의 단계를 항해의 단계와 명시적으로 연관시킵니다: 근접성,출발, 성숙 및 수평선. 먼 도시는 프리드리히의 고향 인 그라이프 스발트를 회상합니다. 그럼에도 불구하고 우화는 노인 화가가 몸,돛 및 바다로 시간을 측정하는 것처럼 보이는 구체적인 가족 상봉으로 구체화 된 채로 남아 있습니다.
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#48
다이앤이 목욕에서 나오고 있어요
"Diane Leaving the Bath"에서 François Boucher 는 인식 할 수있는 모티브를 시청 경험으로 변형시킵니다; 팔레트는 장면을 평평하게하지 않고 샷을 함께 가져옵니다; 구성은 명확한 장식적 긴장감을 유지합니다. 이 작품은 1742 년으로 거슬러 올라갑니다. 보존 장소: 루브르 박물관의 그림 부서.
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#49
설교 후 비전
설교 후의 비전은 비스듬한 줄기에 의해 브르타뉴인들과 분리된 붉은 들판에서 야곱과 천사의 투쟁을 드러낸다. 고갱은 성경적 사건을 실제 장면으로 그리지 않고 설교에서 태어난 정신적 이미지로 그린다. 하얀 머리 장식은 공동체의 비전을 정박시킨다. 이곳의 신앙은 풍경보다 더 생생한 공간을 열어주고,원근법의 지배를 훨씬 덜 받는다.
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#50
베르툼네
"Vertumne"에서는 그림 재료를 사용하여 표면,거리 및 강도를 구별합니다. "Vertumne"에서 신화 또는 우화는 신체,색상, 욕망 및 변태에 대한 매우 자유로운 연구를 허용합니다. 1591 년으로 작성된이 그림은 Giuseppe Arcimboldo 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "Vertumne"의 경우 따라서 이미지의 명성으로 인해 제작의 정확성을 잊어서는 안됩니다.
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#51
엘리자베타 곤자가의 초상화
우르비노 공작 부인 엘리자베타 곤자가는 이마에 전갈 모양의 보석을 달고 있다. 얼굴은 계속되는 풍경 앞에서 거의 냉담하게 평온하게 남아 있다. 이 작품은 라파엘로가 로마 경력의 미래 주인공인 카스틸리오네,벰보, 에밀리 피아를 만나는 궁정 서클에 속한다. 출판된 연대는 약 1504~1505 년이며 보존 장소는 피렌체의 우피치 갤러리이다.
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#52
빈도 알토비티의 초상화
빈도 알토비티는 어깨를 뒤집어 라파엘로라고 오랫동안 착각했던 금발 머리를 드러낸다. 은행가는 교양 있는 젊은 후원자였으며,나중에 메디치 가문에 반대했다. 흉상과 심장에 가까운 손의 움직임은 초상화를 전통적인 피렌체 남성 조각상보다 더 이동성이 있게 만든다. 흉상과 심장에 가까운 손의 움직임은 초상화를 전통적인 피렌체 남성 조각상보다 더 이동성이 있게 만든다. 제시된 예는 1515년경 워싱턴 국립 미술관에 기록되어 있다.
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#53
리틀 카우퍼 마돈나
작은 카우퍼 마돈나는 우리가 교회를 인식하는 우르비노의 풍경 앞에 마리아와 예수를 배치합니다. 아이의 손은 이상적인 건축물 내의 구체적인 세부 사항 인 모성 몸통을 잡습니다. 이름은 두 번째 라파엘 마돈나를 소유 한 카우퍼 가족에서 유래되었습니다. 이 그림은 1505 년경에 제작되었습니다; 그 참조 컬렉션은 워싱턴 국립 미술관입니다.
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#54
염세주의자
검은 옷을 입은 남자가 유리 후드 아래에서 세상에서 철수하고,작은 도둑은 지갑을 자른다. 비문은 세상의 불신앙을 비난하지만,이미지는 또한 자신이 다른 사람들에 대한 경멸로 보호 받고 있다고 믿는 사람을 비판한다. 캔버스에 템페라로 1568 년에 그려진 Misanthrope 는 원형 프레임을 정신적 거품으로 만든다: 도덕적 고립은 정확하게 사람을 장님으로 만드는 것이된다.
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#55
구두쇠의 죽음
구두쇠의 죽음은 천사가 지정한 십자가와 악마가 펴 놓은 지갑 사이에서 찢어진 남자의 마지막 순간에 일생을 집중시킵니다. 침대 발치에서 죽어가는 사람의 젊은 버전은 여전히 묵주를 들고 자신의 작품을 치웁니다. 워싱턴 국립 미술관은 패널에 1485 -1490 년경의 날짜를 정합니다; 보쉬는 자신의 선택을 내일로 연기하는 것이 불가능 해지는 당황스러운 순간보다 죽음을 덜 그립니다.
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#56
달을 바라보는 두 남자
"Old German" 양복을 입은 두 남자는 뿌리 뽑힌 참나무와 살아있는 전나무 근처에서 밀초를 싣는 달과 저녁 별을 관찰합니다. 1819 -1820 년에 제작 된이 장면은 야행성 관상과 정치적 맥락을 결합합니다: 이 복장은 복원하에 국가적,자유주의적 열망을 나타낼 수 있습니다. 그러나 프리드리히는 단 하나의 해석을 강요하지 않습니다. 죽은 나무,바위, 빛 및 교제는 기독교,정치적 또는 단순히 명상적 독서를 허용합니다.
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#57
모자에 여자
Amélie Matisse 는 얼굴,드레스 및 배경에 색상이 자유롭게 확장되는 사치스러운 모자를 착용합니다. 1905 년 Salon d' Automne 에서 작품이 전시 된 방은 소동을 일으켰습니다; 비평가 Louis Vauxcelles 는 거기에서 "fauves"라는 단어를 만들었습니다. 스캔들은 더 이상 안색이나 관찰 된 빛에 순종하지 않는 색상에서 비롯됩니다. 모자를 쓴 여성은 비판적 모욕이 몇 주 안에 운동의 지속적인 이름이 될 수있는 방법을 보여줍니다.
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#58
비타 베아트릭스
Beata Beatrix 는 Beatrice de Dante 의 죽음을 Elizabeth Siddal 에 대한 찬사로 바꿉니다. Rossetti 는 얼굴로 눈을 감고 양귀비를 손에 넣은 빨간 새를 놓고 비현실적인 빛으로 Florence 를 목욕시킵니다. 사랑,애도 및시는 문자 그대로의 그림없이 합쳐집니다. 다이얼에 표시된 시간은 계속됩니다; 전경에있는 여성의 경우,그것이 방금 그 성격을 바 꾸었습니다.
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#59
결석술
가짜 외과 의사는 환자의 머리에서 꽃을 추출; 비문과 액세서리는 경솔, 협잡과 광기를 비난. 수녀가 균형에 책을 운반하는 동안 개업의의 머리에 배치 깔때기는 지식의 표시를 반전; 보쉬는 치료한다고 주장하는 사람들이 광기를 공유하는 풍자를 구성.
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#60
남자의 초상 (자화상?)
Van Eyck 은 "붉은 터번을 가진 남자의 초상"에 기름,빛 및 재료가 거울,금속, 모피 또는 피부를 눈에 보이는 정보로 변형시키는 정밀도를 부여합니다. 이 작품은 1433 년으로 거슬러 올라갑니다. 보존 장소: 런던 내셔널 갤러리.
이 재생산 →를 참조하십시오패널 페인팅, 양면화, 클로즈업 초상화는 작품에 귀중한 물체의 물질적 존재를 부여합니다.
#61
붉은 광장
"붉은 사각형: 2 차원 농민 여성의 회화적 사실주의"는 그림의 계획에 더 많은 권위를 부여하기 위해 전통적인 관점을 무시합니다. "붉은 사각형: 2 차원 농민 여성의 회화적 사실주의"의 경우 추상화는 의미를 제거하지 않습니다: 리듬,색상, 재료 및 균형 사이에 재분배합니다. 1915 년부터 시작된이 그림은 Kazimir Malevich 의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다.
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#62
그리스도와 음란한 여인
그리스도께서는 간음죄로 기소된 여성 앞에서 땅에 글을 쓰시고,결국 그녀를 돌로 치는 것을 포기할 남자들에 둘러싸여 계십니다. Bruegel 은 마치 살아난 돌 부조처럼 그 장면을 거의 완전히 회색으로 칠합니다. 1565 년으로 작성된 이 작품은 그리스도의 빛나는 명료함과 고소 집단의 그림자를 대조합니다. "죄 없는 자..."라는 문구는 집단적 판단과 개인의 책임에 대한 명상이 됩니다.
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#63
거지
다섯 명의 절단 된 남성이 목발을 짚고 전진하고 때로는 사회의 다른 질서와 비교되는 헤드 기어를 착용합니다. 한 여성이 그릇을 들고 바닥에서 걸어 나갑니다. Bruegel 은 영웅화와 쉬운 캐리커처를 모두 피합니다: 신체,장치 및 움직임은 혼란스러운 정면으로 관찰됩니다. 1568 년으로 작성된 작은 패널은 정치적 또는 카니발 풍의 중요성에 대해 수수께끼로 남아 있습니다.
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#64
에체 호모
Ecce Homo 는 거의 사법적으로 건조 한 장면의 이름을 비문 아래,밀집 된 군중에게 그리스도를 선물 한다. 비난 제스처,비스듬한 눈빛 및 도시 건축은 고문에서 집단적 책임으로 관심을 이동 합니다. 여러 버전과 상태에서 알려진이 구성은 보쉬의 발명품이 원본,작업장 및 사본 사이에서 어떻게 순환 했는지를 회상 한다; 그 힘은 관객이 자신의 자리를 찾도록 강요하는이 군중에서 정확하게 나온다.
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#65
후안 데 파레하의 초상화
당시 여전히 법적으로 노예였던 벨라스케스의 조수인 후안 데 파레자는 주권적 자신감을 가지고 중립적인 배경 앞에 서 있습니다. 어두운 코트,흰 칼라,얼굴의 자유로운 손길은 모든 관심을 직접적이고,포함된 외모에 집중시키지만 그의 존엄성을 완벽하게 인식하고 있습니다. 인노켄티우스 10 세의 초상화 이전에 1650 년 로마에서 제시된 이 그림은 화가의 재능을 공개적으로 보여주는 역할을 했습니다. 벨라스케스는 몇 달 후 파레자를 석방했습니다; 그 후 그는 예술가로서 자신의 경력을 계속했습니다.
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#66
드레스덴 삼부작
드레스덴의 작은 삼부화는 좁지만 빛나는 실내에 성모와 아기,성인들을 한데 모았습니다. 반 에이크는 묵상에 영양을 공급하는 세심함으로 반사,돌, 직물 및 비문을 표시합니다. 친밀한 절단은 신성한 것에 근접한 인상을 증폭시킵니다.
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#67
회화를 우화한 자화상
Artemisia Gentileschi 는 단지 일하는 예술가를 보여주지 않습니다: 그녀는 전통적으로 여성으로 의인화 된 회화의 매우 우화 속으로 미끄러집니다. 몸은 캔버스,금 사슬 및 Iconologia 의 속성에 반응하는 풀린 머리카락쪽으로 기울어집니다. 아이디어는 훌륭하고 매우 실용적입니다: 주도적 인 역할을 제거하는 것은 불가능합니다.
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#68
바이올린을 연주하는 죽음의 자화상
바이올린을 연주하는 죽음과 함께 하는 자화상에서,아놀드 뵈클린은 아무도 초대하지 않았을 음악가에 의해 화가의 작업을 방해한다. 해골은 그의 어깨 뒤로 몸을 기울여 다가오는 끝의 사운드 이미지인 밧줄 하나를 문지른다. 뵈클린은 그러나 손에 붓과 팔레트를 쥐고 있다: 이 끈질긴 이웃을 마주한 예술가는 명쾌한 표정으로 반응하며 세션을 계속한다.
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#69
Duddingston Loch에서 스케이트를 타는 Robert Walker 목사
"스케이팅 장관"에서 헨리 Raeburn 는 명확하게 식별 된 주제에서 시작; 세부 사항은 재미있게 만들기에 충분할 정도로 읽기를 지연시킵니다; 색상은 전체에 온도를 부여합니다. 작품은 1795 년 경에 제작되었습니다. 보존 장소: 스코틀랜드 국립 미술관,에든버러.
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#70
막달라 마리아 읽기
"막달라 마리아 읽기"의 광채가 먼저 끌립니다; 신체,물체 및 힘의 선의 논리는 그 다음에 왜 남아 있는지 설명합니다. "막달라 마리아 읽기"로 Van der Weyden 은 태도와 선을 조여 시계에 걸맞은 정밀도로 감정이 한 인물에서 다른 인물로 흐르도록하지만 훨씬 덜 차갑습니다. "막달라 마리아 읽기"의 포즈,손 및 시선은 놀라운 의상으로 그 존재를 줄이지 않고 모델의 순위를 명확히합니다.
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#71
부서진 기둥
정형 외과 코르셋은 의료 갑옷처럼 몸통을 열고 척추 대신 골절 된 이온 척추를 드러냅니다. 피부에 분포 된 손톱은 얼굴의 정면 표현을 바꾸지 않고 통증을 볼 수있게합니다. 갈라진 풍경은 부상당한 몸을 연장시킵니다: 칼로에서 해부학과 영토는 동일한 입증 된 표면이됩니다. 선택한 날짜는 1944 년입니다; 출판 된 위치는 Museo Dolores Olmedo,Mexico 입니다.
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#72
라 그르누이예르
라 Grenouillère 에서 보트,반사 및 목욕객은 빠른 터치로 구축; 현대 레저는 미래의 인상주의 방법의 시험장 역할을한다. 작품은 1869 년 날짜입니다. 보존 장소: 메트로폴리탄 미술관,뉴욕.
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#73
은밀하게 키스하세요
"은밀에 의한 키스"에서 장 오노레 프라고나르는 알아볼 수 있는 모티프를 보는 경험으로 변형시킨다; 분위기가 약간의 자유를 취하는 동안 그림은 전체를 유지한다; 패턴은 유용하게 첫 번째 읽기를 지연시킨다.
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#74
미라플로레스 제단화
미라플로레스 제단화는 작은 조각 공간에서 그리스도와 동정녀의 관계의 세 순간을 펼쳐냅니다. 반 데르 웨이덴은 부드러움,고통 그리고 천상의 보상을 결합합니다. 각 패널은 정확한 감정이 교리에 접근할 수 있는 미니어처 예배당과 비슷합니다.
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#75
그린 레이
Amélie Matisse 의 얼굴은 이마에서 턱까지 내려 오는 녹색 밴드에 의해 공유됩니다. 한쪽은 따뜻한 분홍색과 노란색을 지배하고; 다른 쪽은 더 차가운 녹색을 지배합니다. 이 구분은 전통적인 의미에서 관찰 된 그림자를 반영하지 않습니다: 색과 반대로 볼륨을 구성합니다. 배경 자체는 모델의 존재를 더 현실적으로 만들지 않고 더 강렬하게 만드는 보라색,청록색 및 주황색 영역으로 조각 나지 않습니다.
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#76
농부와 둥지 도둑
한 농부가 둥지를 훔치느라 바쁜 남자를 가리키는데,그 자신이 도랑을 향해 걸어가는 것을 보지 못한 채 말이다. 속담은 둥지가 어디에 있는지 아는 사람이 실제로 그것을 가져갈 줄 아는 사람과 맞붙게 하지만,브뤼겔은 잘못된 주의에 대한 교훈을 덧붙인다. 1568 년으로 거슬러 올라가면,그림은 인물의 자신감 넘치는 몸짓과 그의 발 바로 아래에 있는 위험의 차이로 유머를 구성한다.
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#77
만 순교자의 제단화
뒤러는 고문,풍경, 의상이 배가되는 우글거리는 장면에서 만 순교자들을 한자리에 모은다. 그는 비문을 들고 목격자들 사이에서 직접 미끄러진다. 집단 폭력은 우리가 군중 속의 각 운명을 바라볼 것을 요구하는 정밀도로 조직된다.
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#78
볼록 거울에 자화상
Parmigianino 는 볼록 거울에 비친 그녀의 모습을 관찰하고 곡률을 재현하는 돔형 패널에 그림을 그립니다. 확대 된 손은 전경을 차지하고 조각과 얼굴은 매너리즘 기교로 그 주위를 접습니다. 이 장치는 광학 제약 조건을 서명으로 변환합니다. 거울은 야망을 제외한 모든 것을 왜곡합니다.
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#79
십자가 처형과 최후의 심판의 양면화
"십자가 처형과 최후의 심판의 양면화"의 광채가 먼저 끌립니다; 몸체,물체 및 힘의 선의 논리는 그 다음에 왜 남아 있는지 설명합니다. Van Eyck 에서 "십면조 십자가 처형과 최후의 심판"은 빛을 거의 측정 가능하게 만듭니다: 반사,보석, 직물 및 피부는 주체에게 영적 중력을 부여하면서 구체적인 세계를 묘사합니다.
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#80
절망적인
쿠르베는 넓은 눈을 가진 절망에 등장하며,손은 머리카락에 움켜쥐고 얼굴은 보는 사람에게 가까이 밀려난다. 팔의 지름길과 정면 빛은 자화상을 물리적이고 거의 연극적인 모습으로 변화시킨다. 명함이 아니라 충격적인 자세를 취하는 세션이 편안하지 않은 것으로 추측된다.
이 재생산 →를 참조하십시오쿠르베에서 마티스, 뭉크, 반 고흐에 이르기까지 이젤 형식은 보다 직접적이고 개인적인 그림을 그리는 실험실이 되었습니다.
#81
세네카의 죽음
세네카는 네로의 명령에 따라 자신의 혈관을 열고,그의 반응이 장면을 조각내는 친척들에 둘러싸여 있다. 데이비드는 여전히 곧 정화할 바로크 양식의 풍요로움으로 대접하지만,철학과 스펙터클 사이의 긴장은 이미 그의 위대한 순교자들을 발표하고 있다. 이미지 뒤에 있는 대상을 찾기 위해: 1773,쁘띠 팔레,파리 그리고 122 × 155 cm.
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#82
벗겨진 황소
렘브란트는 가죽이 벗겨진 소를 십자가형의 중력으로 치료하여 동물 물질,살, 무게에 실존적 힘을 부여합니다. 이 작품은 1655 년으로 거슬러 올라갑니다. 보존 장소: 루브르 박물관,파리.
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#83
댄스 클래스
1870 년경 드가는 이 작은 나무 패널에서 처음으로 댄스 수업을 들었다. 아직 오페라 무대 뒤쪽으로 접근하지 못한 그는 자신의 작업실에서 모델들에게 포즈를 취한 다음 그 자리에서 관찰되는 장면과 같은 태도를 주문했다: 왼쪽에 앉은 학생들,중앙에 던져진 댄서,거울 근처의 고립 된 실루엣. 방의 귀머거리 갈색은 투투의 흰색과 몸짓의 정확성을 강조합니다.
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#84
찰스 1세의 삼중 초상화
Van Dyck 은 조각가를 대상으로 한 연구를 자율적 인 삼중 초상화로 변형시켜 관점의 변화를 통해 왕실의 정체성을 어떻게 구성 할 수 있는지를 보여줍니다. 이 작품은 1635-1636 년 경에 제작되었습니다. 보존 장소: Royal Collection. Technique: oil on canvas.
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#85
아그누스 데이
묶인 어린 양은 어두운 탁자 위에 홀로 놓여 있다. 주르바란은 정물화를 희생의 이미지로 변화시키는 정밀함으로 양모와 무게,부드러움을 되돌려 준다. 동물 모델은 매우 단순함으로 성찬 이미지가 된다: 진짜 어린 양은 희생을 바치기로 약속된 순수함을 즉시 지각할 수 있게 만든다.
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#86
과일 바구니
과일 바구니는 몇 가지 사과,무화과, 포도 및 마른 잎에 초상화의 중력을 부여합니다. 이상화 된 것은 없습니다: 과일은 반점을 지니고 잎은 말려 있고 빛은 성숙과 쇠퇴의 시작을 모두 묘사합니다. 1597 년 이후에 그려져 밀라노의 Pinacoteca Ambrosienne 에 보관 된이 작은 캔버스는 자율적 인 정물화의 창립 이정표 중 하나입니다. Caravaggio 는 스틸 바구니가 많은 시간을 보유 할 수 있음을 증명합니다.
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#87
다나에 다르테미시아 젠틸레스키
그녀의 아버지에 의해 잠겨 "다나에" 에서 다나에는 황금 비로 변환 목성을 수신하고 페르세우스를 디자인 할 것이다; 침대에 떨어지는 조각은 신성한 결합을 볼 수 있지만, 또한 기적, 욕망과 부 사이의 모호성을 도입. 날짜 1612 세인트 루이스 미술관에 부착, "다나에" 는 형식에 의해 구별된다, 그 출처와 이미지에 보이는 구성 선택; 문서화 된 속성.
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#88
토마스 모어의 초상화
"토마스 모어의 초상"에서는 중앙 제스처와 몇 가지 보조 응답을 중심으로 시선을 구성합니다. "토마스 모어의 초상"에서 시선의 자세,의복, 손 및 방향은 심리적 인만큼이나 사회적인 정체성을 구성합니다. 1527 년으로 거슬러 올라가는이 그림은 한스 홀바인 2 세의 발명을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "토마스 모어의 초상"의 경우 작품은 따라서 16 세기가 이미 의문을 제기 할 준비를하면서 규칙을 완성하는 방법을 알고 있음을 보여줍니다.
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#89
키스
"The Kiss"에서 Edvard Munch 는 정확한 관찰과 내면의 긴장감의 균형을 유지합니다. Munch 는 색상,기복이있는 선 및 좁은 공간을 심령 경험의 도구로 만듭니다. 풍경과 인물은 동일한 감정의 양면이 될 때까지 서로 반응합니다. 주제는 관찰과 상징을 결합합니다. 스케일의 윤곽,색상 및 관계는 이야기의 장면을 기억과 신화의보다 개방적인 경험으로 이동시킵니다. 1897 년 날짜의 작품은 지원에 대한 회화 기법으로 제시됩니다.
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#90
지베르니의 예술가 정원
지베르니의 예술가 정원은 모네가 살아있는 캔버스처럼 직접 구성한 장식을 마주하고 있는 모습을 보여줍니다. 붓꽃은 보라색 강을 그리고,나무는 빛을 걸러내고,길은 세심하게 관리된 풍성한 곳 아래서 사라집니다. 자연은 즉흥적으로 보이지만 정원사는 자신의 색깔을 어디에 두어야 할지 정확히 알고 있었습니다; 꽃조차도 어떤 면에서는 진로 계획을 가지고 있었습니다.
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#91
게, 등을 대고 누워
등을 대고 누워있는 게는 반 고흐로부터 뒤집힌 동물을 고립시킵니다. 그의 다리는 껍질 주위를 방사합니다. 빨강,녹색 및 푸른 색 그림자는 패턴에 예상치 못한 활력을줍니다. 특이한 각도는 복잡한 구조를 드러내기 위해 간단한 요리 연구를 기각합니다. 게는 어려움에 처한 것 같습니다; 구성은 다리에 완벽하게 떨어집니다.
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#92
캐롤라인 리비에르 양
캐롤라인 리비에르가 하얀 드레스와 긴 장갑,넉넉한 털로 감싼 채 가벼운 풍경 앞에서 포즈를 취하고 있다. 머리가 거의 너무 커 보이고,목이 늘어나고,매우 얇은 몸은 어른 초상화의 평상시 안정성을 거부한다. 이러한 불균형은 모델을 단순한 순수의 상징으로 변형시키지 않으면서 모델의 젊음을 강조한다. 이러한 불균형은 모델을 단순한 순수의 상징으로 변형시키지 않으면서 모델의 젊음을 강조한다. 1805 년에 그린 후 1806 년 살롱에서 부모님의 초상화와 함께 선보인 이 이미지는 표면이 완벽하게 차분하게 유지되면서 더욱 강해지는 기묘함을 간직하고 있다.
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#93
아침에 시골 풍경
평평한 시골은 숲,물 또는 도시의 실루엣으로 강조되는 아침 빛 아래 확장됩니다. 1822 년으로 작성되어 베를린에 보존 된이 작품은 아마도 하루의 순간에 전념 한 세트에 속할 것입니다. 프리드리히는 패턴을 단순화하여 어둠에서 빛으로의 전환을 볼 수있게합니다. 아침은 단지 한 시간이 아닙니다: 각 형태가 점차 세계에서 나오는 대기 구조가됩니다.
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#94
히에로니무스 홀츠슈허
"히에로니무스 홀츠슈허의 초상"의 중심에는 관상학,의상 및 태도가 모델의 사회적 정체성을 구성합니다. "히에로니무스 홀츠슈허의 초상"에서 르네상스 초상화는 특징을 유지할 뿐만 아니라: 모델이 후손에게 전달하고자 하는 계급,직업, 동맹 및 아이디어를 묘사합니다. 이 버전의 "히에로니무스 홀츠슈허의 초상화"의 경우 르네상스 초상화는 특징을 유지할 뿐만 아니라: 모델이 후손에게 전달하고자 하는 계급,직업, 동맹 및 아이디어를 묘사합니다. 이 버전의 "히에로니무스 홀츠슈허의 초상화"의 경우 설명의 정확성이 시선을 늦추고 각 액세서리에 전반적인 기능을 제공합니다.
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#95
창문이 열려있습니다, 콜리우르
Henri Matisse 에 의해 "열린 창,Collioure"는 회화의 가장 유명한 풍경에 전념이 경로의 순위 84 를 차지한다. 이 작품은 색상과 시선의 현대성에 전념 장에 속한다. 그것의 날짜는 1905; 그것의 보존 또는 다큐멘터리 참조는 워싱턴 국립 미술관입니다. 풍경은 단순한 설정으로 취급되지 않습니다: 구호,하늘, 물,건축, 식물과 가능한 인물은 거리,빛과 시간의 경험을 구성. 각 문제는 수학적 상금 목록이 아닌 장르의 이야기를 구성.
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#96
가시의 대관식
가시의 대관식은 그들의 물건이 폭력을 드러내기 전에 몸짓이 거의 정중 해 보이는 네 명의 사형 집행인의 원 안에 그리스도를 가두어 둡니다. 얼굴은 무작위로 캐리커쳐화되지 않습니다: 각각은 냉정함,아이러니 또는 잔인 함의 특정 형태를 제공합니다. 런던의 국립 미술관은 1510 년경에 그려진이 오크 패널을 보존하고 있으며,73,8 × 59 cm 로 장식이 없기 때문에 각 손이 끔찍하게 웅변을 발휘합니다.
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#97
사서
"The Librarian"에서는 물질적 정확성,지적 야망 및 매우 확실한 스펙터클 감각을 결합합니다. "The Librarian"의 경우 화가는 이야기,구성 및 자료를 어떤 상세한 설명보다 먼저 존재하는 이미지로 응축합니다. 1566 년경에 작성된이 그림은 Giuseppe Arcimboldo 의 발명품을 세기의 구체적인 연대기에 배치합니다. "The Librarian"의 경우 그림은 정확한 순서에 속하지만 시각적 장치는 첫 번째 목적지를 훨씬 뛰어 넘습니다.
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#98
불안
"불안"에서 에드바르 뭉크는 정확한 관찰과 내면의 긴장감의 균형을 맞춥니다. 뭉크는 색상,기복이 심한 선 및 좁은 공간을 심령 경험의 도구로 만듭니다. 풍경과 인물은 동일한 감정의 양면이 될 때까지 서로 반응합니다. 주제는 관찰과 상징을 결합합니다. 스케일의 윤곽,색상 및 관계는 이야기의 장면을 기억과 신화의보다 개방적인 경험으로 이동시킵니다. 1894 년 날짜의 작품은 지원에 대한 회화 기법으로 제시됩니다.
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#99
가브리엘 코트
가브리엘은 화가 피에르 오귀스트 꼬트의 딸로,친구이자 부그로 전 학생이었다. 1890 년에 만들어진 이 초상화는 모델의 생동감이 자율성을 부여하기 전에,처음에는 다른 구성을 위한 연구였을 것이다. 얼굴은 갈색 배경에서 나오며,사회적 액세서리 없이 리본과 가벼운 드레스는 우화와는 아주 거리가 먼 직접적이고 개성적인 모습을 밑줄로 그렸다.
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#100
나폴리 만 해전
베수비오,해안과 도시가 수평선을 구성하는 동안 갤리선과 범선이 나폴리 만에서 충돌합니다. Bruegel 은 이탈리아 여행에 대한 기억을 크게 상상의 정밀도를 지닌 해상 극장으로 변화시킵니다. 연기와 노와 선체의 선은 전투와 지형 사이에서 눈을 순환시킵니다. 풍경은 단순한 설정이 아닙니다: 인간의 폭력에 거의 지질 학적 규모를 부여합니다.
이 재생산 →를 참조하십시오출처 및 링크
일부 작은 상징적 형식
백 장의 카드와 마찬가지로 아래 링크는 Alpha Reproduction 저장소에 이미 있는 정확한 파일로 연결됩니다.
유니버설 아이콘
모나리자 - 레오나르도 다빈치79.4 × 53.4 cm: 루브르 박물관의 가장 유명한 이미지는 친밀한 차원의 그림으로 남아 있습니다.진주 귀걸이를 한 소녀 - 베르메르44.5 × 39 cm 패널에 집중된 얼굴, 빛 및 진주.인쇄, 떠오르는 태양 - 모네인상주의에 그 이름을 붙인 48 × 63 cm 캔버스.자주 묻는 질문
작은 형식에 대한 질문
치수, 유지되는 매체, 원본과 재생산 간의 차이에 대한 임계값: 필수 벤치마크입니다.
회화에서 작은 형식을 뭐라고 부르나요?
보편적인 임계값은 없습니다. 이 분류를 검증할 수 있도록 문서화된 가장 큰 면이 100cm 를 초과하지 않는 페인트를 선택했습니다.
왜 1 미터에 가까운 작품도 포함되는가?
약 1 미터의 이젤 그림은 큰 장식,역사 그림 및 기념비적 인 형식에 비해 크기가 적당하지 않습니다. 문턱에는 큰 캔버스를 제외하고 이러한 작품이 포함됩니다.
미니어처, 그림, 인쇄물이 포함되어 있나요?
아니요. 말뭉치는 그림으로 이루어져 있습니다. 그림,판화, 사진 및 조각된 물건은 아주 작을 때에도 폐기되었습니다.
왜 작은 형식이 그렇게 강력해 보일 수 있습니까?
그들은 당신이 자세히 볼 수 있도록 강요합니다. 공간의 감소는 대조,모습, 몸짓 및 상징적 인 세부 사항을 강화합니다; 구성은 아무 것도 쓸모 없게 남겨 둘 수 없습니다.
표시된 치수는 복제품의 치수입니까?
아닙니다. 문서화된 원본 작품의 치수입니다. 사용 가능한 복제 형식은 각 제품 시트에 별도로 표시됩니다.
이미지가 올바른 알파 플러그를 열 수 있습니까?
예. 제목,이미지, 링크 및 파일은 중복,잘못 명명 된 변형 및 거친 일치를 피하기 위해 별도로 검사되었습니다.
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