르누아르 · 1874 · 현대 초상화
르누아르의 파리지앵
실제 여배우, 거의 천상의 파란색 드레스와 사라지는 배경: 르누아르는 인상주의가 현장에 들어오는 바로 그 순간에 앙리에트 앙리오를 현대 여성의 화신으로 변화시킵니다.
사람이자 사회적 인물
그림이 앙리에트 앙리오의 초상화라기보다는 라 파리시엔이라고 불리는 이유
묘사 된 여성은 익명이 아닙니다. 국립 박물관 웨일즈에서는 그녀를 Henriette Henriot,1863 년에서 1868 년 사이에 Odéon 의 여배우이자 르누아르의 빈번한 모델로 식별합니다. 그러나 선택한 제목은 그녀의 이름이나 직업을 유지하지 않습니다. 파리지앵 특정 인물을 즉시 읽을 수있는 도시 인물로 변화시킵니다.
이 구별은 Henriette 를 지우지 않습니다. 오히려 그림의 메커니즘을 설명합니다. 르누아르는 얼굴,자세 및 신뢰의 관계로 작업합니다; 대중은 패션,청소년 및 파리의 자신감의 이미지를받습니다. 개인 초상화는 캐리커처가되지 않고 사회 유형으로 미끄러집니다.
웨일스 박물관은 이 점을 강조한다: 제목은 작품이 개인만큼이나 하나의 범주를 대표한다는 것을 나타낸다. 이 파리 사람은 서사적 장면에 사로잡히지도 않고 전기적 소품으로 둘러싸여 있지도 않다. 그녀는 마치 도시 전체가 그녀의 드레스와 모자,장갑을 쥐고 있는 방식으로 요약된 것처럼 정확한 설정에서 벗어나 혼자 있는 모습을 보여준다.
오데옹의 전 여배우 앙리에트 앙리오.
초상화를 현대적인 도시 유형으로 확장합니다.
식별 가능한 환경, 직업 및 노골적인 이야기.
드레스, 태도, 외모 및 거의 실물 크기의 존재감.
이미지를 아래에서 위로 읽으십시오
파란색 드레스는 초상화를 장식하지 않습니다: 그것은 현대성을 구축합니다
파란색은 캔버스의 대부분을 차지합니다. 그러나 균일한 표면을 형성하지는 않습니다. 르누아르는 명확한 통로,더 차가운 그림자 및 빠른 터치를 병치하여 주름을 진동시킵니다. 드레스는 존재하고 동시에 거의 비물질적 인 것처럼 보입니다.
회색 - 파란색 배경은 어떤 거실도 묘사하지 않습니다. 그 한계는 특히 옷의 재료와 공간이 합쳐지는 것처럼 보이는 밑단 근처에서 불확실합니다. 이 선택은 세속적 인 초상화의 일반적인 사회적 단서 - 가구,커튼, 기둥 또는 풍경 -을 제거하여 모든 관심을 그림에 집중시킵니다.
얼굴은 드레스의 바닥보다 더 정의 남아 있지만 학술 초상화의 얼음 정밀도가 부족하다. 아마도 장갑을 제거하거나 다시 넣어 바쁜 함께 손을,일시적인 제스처를 소개합니다. 파리지앵은 동상처럼 포즈를 취하지 않습니다: 그녀는 두 움직임 사이에 중지 보인다.
생생한 비대칭성을 만들어내며 얼굴에 약간 자극적인 자신감을 불어넣어 줍니다.
얼굴 앞에서 시선을 사로잡아 의상을 실제 화보 소재로 변신시킨다.
장갑의 작은 몸짓은 포즈가 단단해지거나 의식적으로 변하는 것을 방지합니다.
드레스 밑에는 거의 보이지 않으며, 수증기 실루엣을 실제 땅과 연결합니다.
파리, 첫 인상파 전시회
1874 년, 라 파리시엔은 현대 회화를 바라보는 방식을 바꾼 전시회에 참가했습니다
그림은 곧 "인상 주의자"라고 불리는 그룹에 의해 공식 살롱과 독립적으로 조직 된 첫 번째 전시회에 등장합니다. 모네,드가, 피사로,르누아르, 세잔 등은 그곳에서 매우 다양한 작품을 보여줍니다. 그들의 단결은 지배적 인 시스템 밖에서 함께 전시하기로 한 결정보다 단일 공식으로 인한 것이 아닙니다.
파리지앵 이 현대성은 야외에서 그려진 풍경으로 구성 될뿐만 아니라 현대 의류,도시 생활,프레임 및 실제 모델의 존재와 관련이 있음을 기억하십시오. 초상화는 큰 형식을 유지하지만 전통적으로 대표되는 사람에게 사회적 비중을 부여했던 관습 중 일부를 버립니다.
당시의 비평가는 거의 보이지 않는 발목 부츠, 경사진 모자 및 드레스의 빛나는 파란색을 발견했습니다. 그가 미소 나 교태에 대해 농담을 할 때조차도, 그는 그 인물을 기억에 남는 것으로 만드는 것을 정확하게 묘사합니다: 그림은 전기를 말하기 전에 현대적인 외관을 부과합니다.
단 하나의 드레스를 넘어선 모델
변태의 파트너 헨리에트 앙리오
Henriette Henriot 를 "파란 옷을 입은 여인"으로 줄이면 이야기의 일부를 잃게됩니다. 르누아르는 여러 의상,프레임 및 기후로 그녀를 그립니다. 그녀는 어린 소녀,사교계 여성,복장 도착자 캐릭터 또는 그룹 내에서 나타날 수 있습니다. 이 반복은 그녀의 정체성을 지우지 않습니다; 반대로,그것은 그들의 협력의 표현 유연성을 보여줍니다.
르누아르 모델에 대한 최근 연구는 이름과 궤적을 볼 수 있도록해야 할 필요성을 강조합니다. 예술가는 교환 가능한 실루엣보다는 친척이나 아는 사람들과 가장 자주 작업합니다. Henriette 에서 무대의 경험은 아마도 그림을 직장에서 여배우의 초상화로 변형시키지 않고 의상과 포즈와의 관계를 촉진했을 것입니다.
에서 파리지앵,극장 세트가 나타나지 않습니다. 드레스는 변장이 아닌 사회적 의상으로 작용합니다. 따라서 그림은 두 번의 동시 독서를 필요로합니다: Henriette Henriot 를 인식하고 Renoir 가 일반 제목으로 대중에게 발표하기로 선택한 이유를 이해합니다.
파리에서 웨일즈까지
Henri Rouart, Gwendoline Davies 및 La Parisienne의 카디프 도착
1874 년 발표 이후 이 작품은 산업가이자 예술가이자 드가의 절친한 친구인 앙리 루아르 의 컬렉션에 들어갔다. 웨일스 박물관은 그곳에서 폴 시냐크 와 같은 예술가들의 존경을 받고 있다고 회상한다. 이 구절은 인상주의와 연결된 수집가와 화가들의 네트워크에 그림을 배치한다.
그웬돌린 데이비스는 1913 년에 그것을 샀다. 그녀의 여동생 마가렛과 함께 그녀는 웨일즈를 위해 놀라운 컬렉션을 만들었습니다. 그 그림은 1952 년에 유증으로 박물관에 들어갔다. 따라서 그의 경력은 독립적 인 파리 전시회,역사적 인상파 컬렉션 및 웨일스 자선 프로젝트를 연결합니다.
박물관은 정확한 치수를 제공합니다: 높이 163.2cm, 너비 108.3cm, 캔버스에 유채. 이 규모는 원본 앞에서 생성 된 효과를 설명합니다. 그림은 작고 친밀한 초상화가 아닙니다; 그것은 물리적으로 방문자의 공간을 차지합니다.
- 1874년: 파리 첫 인상파 전시회.
- 루아르 컬렉션: 그림은 예술가와 가까운 환경에서 순환됩니다.
- 1913년: 그웬돌린 데이비스의 인수.
- 1952년: 유산을 통해 웨일스 국립 컬렉션에 등록됩니다.
헷갈리지 않고 비교해 보세요
르누아르의 다른 현대 인물들을 마주한 파리지앵
| 일하다 | 그녀를 더 가깝게 만듭니다 | 무엇이 변하는가 | 분위기 |
|---|---|---|---|
| 더 로지 | 현대 패션, 사회적 존재, 공개 뷰 | 두 인물과 식별 가능한 연극 공간 | 세속적이고 서사적입니다 |
| 도시에서 춤을 | 대형 라이트 드레스, 도시적인 우아함, 거의 실물 크기의 인물 | 시체가 커플 동작에 잡혀 있습니다 | 구속과 의식 |
| 앤트워프에서 Irène Cahen 의 초상화 | 원단과 피부톤에 주목하세요 | 어린이 초상화, 더욱 친밀한 설정 및 정체성 표시 | 섬세하고 조용합니다 |
| 우산 | 파리의 패션과 도시의 현대성 | 군중, 공공 공간 및 여러 그림 시간성 | 밀집하고 도시적인 |
파란색을 평평하게 하지 않고 재현합니다
유화로 칠한 복제품이 보존해야 할 것
주요 도전은 파랑입니다. 너무 획일한 재생산은 장식적인 구획으로 복장을 변형시킵니다; 너무 대조 사본은 무겁게 만듭니다. 배경에 있는 단의 온도 변화,회색 통행,빛 반사 및 진보적인 용해를 보존하는 것이 필요합니다.
얼굴과 손은 더 정확한 정의를 요구하지만 사진 경도는 없습니다. 촉감이 눈에 보이도록 유지되어야하며 그림과 공간 사이의 전환은 유연하게 유지됩니다. 원래의 매우 수직적인 비율은 필수적입니다: 모자,발목 부츠 또는 드레스의 일부를 자르면 전체 길이의 초상화 효과가 파괴됩니다.
실내에서 그림은 밝은,회색, 진한 파란색 또는 따뜻한 베이지색 벽에서 잘 작동합니다. 그 수직성은 책장 근처 또는 좁은 가구 조각 위의 두 개구부 사이에 적합합니다. 무광택 금색,짙은 목재 또는 부드러운 검정색 프레임은 경쟁하지 않고 드레스를지지 할 수 있습니다.
- 형식: 수직성을 원본에 가깝게 유지하세요.
- 재료: 보이는 구절과 부드러운 전환을 찾으십시오.
- 프레임: 모자와 옷자락이 숨을 쉴 수 있는 단순한 프로필을 선호합니다.
- 매달려: 시각 중심을 천장의 캔버스 꼭대기가 아닌 눈높이에 놓습니다.
자주 묻는 질문
르누아르의 라 파리지엔에 관한 모든 것을 이해하세요
라 파리시엔에 묘사된 여성은 누구인가?
모델은 1863 년에서 1868 년 사이 오데옹에서 활약하며 르누아르를 위해 여러 차례 포즈를 취한 프랑스 여배우 앙리에트 앙리오이다.
왜 그림에는 그 이름이 없습니까?
제목은 사회 유형의 이미지로 개별 초상화를 변환: 현대 파리. 앙리에트는 식별 할 수 남아 있지만 그림은 더 일반적인 범위를 취득.
라 파리시엔은 언제 그림을 그렸나요?
르누아르는 1874 년에 그렸습니다. 같은 해 파리에서 열린 첫 인상파 전시회에서 선보였죠.
La Parisienne de Renoir는 어디에 있나요?
그림은 국립 박물관 카디프, 웨일즈에 보관되어 있습니다 박물관은 특별 방문 전에 방에 존재 확인 조언.
그것의 차원은 무엇입니까?
웨일즈 국립 박물관 공지에는 프레임을 제외하고 높이 163.2cm, 너비 108.3cm가 나와 있습니다.
파란 드레스가 왜 그렇게 중요할까?
캔버스의 대부분을 차지하고 색상,빛 및 촉감의 작업을 집중시킵니다. 그 윤곽은 부분적으로 배경에 용해됩니다.
La Parisienne 의 복제품을 선택하는 방법은 무엇입니까?
블루스의 색조, 전환의 유연성, 얼굴의 정확성 및 원래 수직 비율에 대한 존중을 확인하십시오.
La Parisienne에는 어떤 설정이 적합합니까?
매트 골드,다크 우드 또는 눈에 띄지 않는 블랙 프로파일이 드레스를 무겁게 하지 않고 받쳐줍니다. 최종 선택은 벽과 가구와도 상호작용해야 합니다.
0 댓글