인상주의의 떠다니는 실험실, 라 그르누이예르

시각적 분석

캔버스의 구성이 매우 빡빡할 때 캔버스가 움직이는 것처럼 보이는 이유는 무엇입니까

첫 번째 효과는 살아있는 장애의 효과입니다: 가장자리에 의해 절단 된 카누,작은 인물,불규칙한 나뭇잎 및 떨리는 반사. 그러나 모네는 전체를 확고하게 정리합니다. 인도교는 둥근 섬을 향해 이어지는 부드러운 대각선을 형성합니다; 중앙 트렁크는 수직 축을 만듭니다; 전경의 보트는 깊이를 향해 여러 경로를 엽니 다. 이러한 방향이 서로 반응하기 때문에 장면은 읽을 수 있습니다.

"카망베르"는 경첩의 역할을합니다. 그것은 목욕하는 사람,걷는 사람 및 오프 카메라 레스토랑을 함께 모으면서 더 먼 부분 근처의 물을 분리합니다. 원형 모양은 비스듬한 그림의 중간에 시선을 느리게합니다. 모네는 그것에 대해 세심한 그림을 그리지 않습니다: 몇 가지 어두운 질량,밝은 터치 및 실루엣은 그것을 식별하기에 충분합니다.

진짜 참신함은 빠르게 그림을 그리는 것이 아닙니다: 그것은 눈에 보이는 터치를 빛나는 감각과 동일하게 만들고 있습니다.

물, 표면 및 깊이를 동시에

학술 회화에서 반사는 종종 그 위에 놓인 물체를 확인하는 데 사용됩니다. 여기서는 거의 자율성을 얻습니다. 어두운 수직선은 나무를 확장합니다; 가벼운 접촉은 파편처럼 눈에 띕니다; 녹색,파란색, 흰색 및 갈색은 완전히 녹지 않고 병치됩니다. 가까이서 보면 표면이 조각난 것처럼 보입니다. 몇 걸음 떨어져 있으면 눈이 조각난 것처럼 보입니다.

이 방법은 모네가 본 것을 기계적으로 복사한다는 것을 의미하지는 않습니다. 그것은 선택하고 단순화하고 강조합니다. Met 는 뉴욕 캔버스의 치수를 제공합니다 - 74.6 × 99.7 cm - 그리고 1869 년부터 캔버스에 유채로 설명합니다. 수평 형식은 센 팔의 너비에 적합하지만 현장에서 신속하게 수행되는 연구를 위해 충분히 컴팩트합니다.

영웅이 없는 현대적 장면

주인공은 없습니다. 방문객들은 대화,산책 또는 수영에 몰두합니다. 이 선택은 필수적입니다: 작품은 예외적 인 사건에 대한 이야기를하지 않으며,집단적 인 경험을 기록합니다. 현대성은 정확하게 이러한 계층 구조의 부재로 인해 카누,드레스, 물 위의 그림자 또는 태양의 한 지점이 동일한 회화 적 강도를받을 수 있습니다.

국립 미술관은 모네의 연구를 인상주의를 향한 중요한 단계로 묘사합니다. 그것은 그들의 직접적인 실행,무대를 "청소"하는 것을 거부하고 도망자 효과를 번역하기 위해 빠른 손길을 사용하는 것을 강조합니다. "인상주의"라는 단어는 아직 1869 년에 공식적으로 형성된 그룹을 지정하지 않습니다; 첫 번째 독립 전시회는 1874 년에 열릴 것입니다. 그러나 논리는 이미 거기에 있습니다: 빛의 불안정성에 적응 된 글쓰기로 현재의 삶을,밖으로 그리는 것.

1869 가 변화시키는 것

야외 스케치에서 스스로 서있는 그림으로

라 그르누이예르의 범위를 이해하기 위해서는 현재의 명성을 잠시 잊어야 한다. 모네는 여전히 그의 연구를 더 야심찬 프로젝트의 단계로 간주한다. 그런 다음 전통적인 계층은 살롱을 위해 의도된 큰 그림에 유용하지만 미완성인 빠른 스케치를 반대한다. 그러나 보존된 작품은 정확하게 이 계층을 뒤집는다: 그들의 힘은 눈에 보이는 속도,반복, 단순화된 영역 및 첫눈의 신선함을 유지하는 방식에서 비롯된다.

이 소재는 이러한 진화를 동반합니다. 튜브에 준비된 색상은 운반을 용이하게 하는 반면,평면 브러시는 더 넓고 선명한 자국을 배치할 수 있게 해줍니다. 하지만 혁신은 도구에만 의존하지 않습니다. 이미지의 제작을 완전히 숨기지 않는 선택 때문입니다. 멀리서 보면 보트나 반사광이 되는 동안 터치는 터치로 남을 수 있습니다. 그런 다음 시청자는 패턴 재구성에 참여합니다.

모네는 아르장퇴유,역, 맷돌,성당 그리고 지베르니 분지의 관점에서 이 연구를 계속할 것이다. 라 그르누이예르에서,시리즈의 원리는 나중에처럼 아직 정리되지 않았지만,몇 가지 가벼운 조건과 여러 프레임을 비교하려는 욕구는 이미 실체적인 주제라기보다는 경험의 분야로 꼽힌다.

변화된 장소, 항상 활동적인 이미지

센 강변의 풍경이 바뀌었고,프랑스-프로이센 전쟁과 그 후 강의 발전으로 인해 유적지가 수정되었습니다. 이것이 바로 그림을 그토록 소중하게 만드는 이유입니다: 정확한 사진을 제공하지 않지만 장소,계절 및 사교성의 느낌을 유지하는 인상주의는 따라서 기억을 폐지하지 않습니다; 그는 깨지기 쉬운 순간에서 그것을 구성합니다.

충실함과 감각 사이의 이러한 긴장은 작품의 지속적인 현대성을 설명합니다. 장면은 여전히 알아볼 수 있지만 그 에너지는 화가의 몸짓과 그것을 관찰하는 사람의 시선에 달려 있습니다. 따라서 성공적인 재현은 가치의 위대한 관계,형식의 호흡 및 키의 성격을 존중해야합니다. 모든 것을 부드럽게하면 주제를 보존하지만 그림 경험의 필수적인 부분을 잃습니다.