Quand Monet a-t-il peint Les Coquelicots ?

Claude Monet peint le tableau en 1873, pendant son séjour à Argenteuil.

Où la scène des Coquelicots se situe-t-elle ?

Le paysage se trouve dans les environs d’Argenteuil, une commune proche de Paris.

Qui sont la femme et l’enfant dans le tableau ?

Selon le musée d’Orsay, le groupe du premier plan représente probablement Camille Doncieux et leur fils Jean, âgé d’environ six ans.

Pourquoi voit-on deux groupes de personnages ?

Les deux paires structurent la diagonale. Elles peuvent représenter quatre promeneurs ou suggérer le même groupe à deux moments de sa descente.

Pourquoi les coquelicots sont-ils si grands au premier plan ?

Monet privilégie la sensation visuelle : les grandes taches rouges rapprochent le champ du spectateur et rythment la composition.

Les Coquelicots ont-ils été exposés en 1874 ?

Oui. L’œuvre porte le numéro 95 à la première exposition impressionniste, du 15 avril au 15 mai 1874.

Où voir Les Coquelicots aujourd’hui ?

Le tableau est conservé au musée d’Orsay à Paris et appartient aux collections nationales depuis la donation de 1906.

Quel format choisir pour une reproduction des Coquelicots ?

Son format horizontal convient aux murs larges ; au-dessus d’un meuble, visez environ deux tiers de sa largeur.

아르장퇴유 · 1873 · 색으로 산책

양귀비클로드 모네의

경사진 들판, 두 개의 실루엣, 여름 하늘과 몇 개의 붉은 색 터치가 온 눈을 몰아 낼만큼 강력합니다: 모네는 가족 나들이를 야외 실험실로 바꾸고 인상주의의 가장 사랑받는 이미지 중 하나로 변모시킵니다.

클로드 모네아르장퇴유카밀과 진오르세 미술관

빨강은 템포를 설정한다꽃은 하나씩 묘사되지 않습니다: 그들의 접촉은 필드를 강조하고 시선을 전진시킵니다.

1873년테이블의 날짜

50×65.3cm공식 치수

아르장퇴유교외 풍경

오르세 미술관재고 RF 1676

대각선두 그룹의 인물이 현장으로의 하강을 구성합니다.

두 구역꽃의 붉은색은 초원의 청록색에 반응합니다.

자유로운 터치페인트 자국은 계속 보이고 활성화됩니다.

명확한 그림1874 년 첫 인상파 전시회에서 발표.

단순한 장면, 매우 구성된 그림

양귀비는 왜 그렇게 유명해졌나요?

주제는 즉시 접근 할 수있는 것처럼 보입니다: 여성과 어린이는 꽃으로 뒤덮인 언덕을 내려갑니다. 화려한 것도,역사적인 이야기도,엄숙한 자세도 없습니다. 그러나이 단순함은 색,리듬 및 움직임이 함께 작동하는 학술 조직의 결과입니다.

모네는 우리를 들판 앞에,아직도 파노라마 앞에 놓듯이 놓지 않는다. 그는 그것을 건너라고 우리를 초대한다. 붉은 반점은 왼쪽 아래 가장자리에서 시작하여 파도가 올라 실루엣에 합류한다. 경사는 시각적인 길이 된다. 그림은 산책에 대해서만 말하는 것이 아니다: 그것은 눈에 걷는 느낌을 만들어낸다.

오르세 미술관은 두 가지 색상의 영역을 강조합니다: 하나는 빨간색이 지배하고 다른 하나는 청록색이 지배합니다. 그들의 대비는 상세한 그림에 의존하지 않고 깊이를줍니다. 전경에있는 양귀비는 심지어 가정 된 거리에 비해 의도적으로 큰 모네는 식물의 정확성보다 지각 적 영향을 선호합니다.

꽃은 풍경을 장식하지 않습니다. 그들은 그것의 구두점,움직임과 거의 음악이됩니다.

다른 제목산책인물의 움직임을 강조하는 것입니다.

캔버스에 유채빠른 터치와 반복이 눈에 띄는 표면입니다.

1906 년부터 기부Étienne Moreau-Nélaton은 해당 작품을 국가에 제공합니다.

캔버스를 단계별로 살펴보세요

여섯 가지 세부 사항으로 구성된 양귀비의 해부학

그림은 자발적인 것처럼 보이지만 그 균형은 정확한 결정에 기초합니다: 대각선, 반복, 크기의 대조 및 평온의 예비.

Claude Monet의 Les Coquelicots, 1873년 그림 전체 보기 — 클로드 모네, *양귀비*, 1873, 캔버스에 유채, 50 × 65.3 cm, 오르세 미술관, 파리.

경사

언덕은 오른쪽에서 왼쪽으로 내려갑니다. 이 기울기는 표면을 통행 가능한 공간으로 변형시키고 보행자의 움직임을 암시합니다.

주변 꽃

전경에서 붉은 반점은 엄격한 관점이 요구하는 것보다 큽니다. 그들의 존재는 다채로운 인상에 우선 순위를 부여합니다.

전에 그룹이

양산을 든 여인과 아이가 사다리 역할을 합니다. 옷의 흰색과 모자의 검은색이 밭의 진동을 안정시킵니다.

먼 무리

두 번째 쌍이 문장에 나타납니다. 그녀는 패턴을 반복하고 대각선을 다시 시작하며 가능한 연속적인 순간을 설정합니다.

집

붉은 지붕과 나무들이 수평선을 부드럽게 닫습니다. 이 작은 건축 랜드마크는 시골이 현대 도시 근처에 있다는 것을 상기시켜 줍니다.

하늘이

맑은 구름은 넓고 차분한 밴드를 차지합니다. 그들의 유연한 터치는 허브의 밀도를 균형있게 유지하고 구성이 숨을 쉬게합니다.

클로드 모네가 그린 범선이 있는 아르장퇴유 분지 — **인상파 연구소 아르장퇴유**들판과 마찬가지로 센 강에서도 모네는 여가, 자연, 산업 및 교통이 만나는 교외 지역을 관찰합니다.

1871 - 1878

Argenteuil: 기차에서 접근할 수 있는 시골 지역입니다

1871 년 영국에서 돌아온 모네는 아르장퇴유에 정착했다. 그곳에서 그는 열린 공간과 현대 생활의 흔적 사이에서 보기 드문 균형을 발견한다.

파리에 가까운 도시

철도는 마을에 쉽게 접근 할 수있게합니다. 보행자,보트 타는 사람 및 예술가는 네트워크를 포기하지 않고 수도를 떠날 수 있습니다.

매우 다양한 패턴

모네는 센 강, 범선, 다리, 눈 덮인 거리, 정원 및 들판을 그립니다 현대성은 풍경을 지우지 않습니다: 그것은 그것을 변형시킵니다.

듀란드-루엘의 지원

상인 폴 듀랑-루엘은 이 개발 시기에 동행한다. 그의 작품들의 구매와 배포는 모네가 그의 연구를 심화시킬 수 있도록 했다.

공유된 장소

르누아르,마네와 다른 예술가들이 이 지역에서 일하러 옵니다. 그들의 그림 사이의 대화는 현대 생활의 그림의 발명을 가속화합니다.

공식 초상화가 아닌 친척

카밀과 진: 누가 들판을 걷나요?

오르세 미술관은 우산을 들고 있는 여인과 전경에 있는 아이가 아마도 모네의 아내 카미유 돈시외와 그들의 아들 장일 것이라고 가리키고 있다. 1867 년에 태어난 장은 1873 년에 그림을 그릴 당시 여섯 살 무렵이었다.

"아마도"라는 단어가 중요합니다. 인물은 너무 작고 너무 자유로워서 정체성 초상화로 기능 할 수 없습니다. 그들의 그림 역할이 지배적입니다: 가벼운 드레스는 빛을 포착하고,우산은 명확한 원을 그리며,아이는 경사면에 간격을 표시합니다.

두 번째 그룹,더 높은 곳은 첫 번째 그룹과 닮았습니다. 어떤 사람들은 하강의 또 다른 순간에 같은 보행자를 하나의 이미지로 응축 된 시퀀스로 봅니다. 다른 사람들은 단순히 거기에서 네 사람을 읽습니다. 그림은 결정하지 않습니다 - 그리고이 모호함은 운동을 풍부하게합니다.

모네는 따라서 친밀한 것과 보편적인 것을 혼합한다. 카밀과 진은 여름 산책의 익명의 형태가되면서 그의 사랑하는 사람이 될 수 있습니다. 그 장면은 닫힌 일화로 바뀌지 않고 개인적인 것으로 남아 있습니다.

기억하려면: camille과 Jean의 동일시는 전경에 있는 그룹에 대한 가능성이 매우 높지만 두 그룹의 반복은 서사적 확실성이 아니라 시각적 해석으로 남아 있어야 합니다.

어린 시절의 장 모네, 1869년 클로드 모네가 그린 초상화 — **1869 년 장 모네**Les Coquelicots보다 4년 앞서 작가 아들의 좀 더 노골적인 초상화입니다.

아르장퇴유에 있는 예술가의 정원에 있는 카미유 모네와 아이 — **아르장퇴유 정원의 가족**모네에서 사랑하는 사람들은 종종 풍경의 중심에 빛의 존재가됩니다.

색채 전략

왜 빨간색이 필드 전체를 뛰어 다니는 것처럼 보입니까?

양귀비는 실제 표면적을 거의 차지하지 않지만 그림의 기억을 지배합니다. 그 효과는 채도,반복 및 녹색에 반대하는 방식 때문입니다.

색은 여행을 구축합니다

모네는 빨간색을 일련의 악센트로 배열합니다. 일부는 고립되어 있고 다른 일부는 함께 그룹화되어 있습니다; 가장 넓은 것은 전경에 있습니다. 눈은 이러한 불연속적인 표시를 자발적으로 연결하고 꽃무늬 띠를 재구성합니다. 따라서 깊이는 전통적인 관점에서와 마찬가지로 반점의 규모 변화에서 탄생합니다.

그들 주위에서 녹색은 결코 균일하지 않습니다. 건조한 노란색에서 파란색으로,올리브 녹색에서 거의 회색 톤으로 바뀝니다. 이 다양성은 필드가 수동적 인 배경이되는 것을 방지합니다. 빨간색과 녹색,반대 색상은 모네가 흰색,황토색 및 파란색으로 강도를 약화시키기 때문에 잔인한 반대를 일으키지 않고 서로를 강화합니다.

불규칙한 빨간색크기와 간격의 변화는 반복되는 장식 패턴이 아닌 생동감 넘치는 리듬을 만들어냅니다.

다중 녹색당풀은 노란색에서 파란색으로 바뀌며 동시에 빛, 그림자 및 깊이를 암시합니다.

스카이 블루위쪽 영역은 시각적 휴식을 제공하고 장면을 맑은 분위기로 유지합니다.

추상화를 향하여? 오르세 미술관은 전경의 불균형적이고 자율적인 반점이 시각적 인상에 우선 순위를 부여한다고 지적합니다. 그들은 꽃으로 남아 있지만 이미 순수한 회화 사건으로 기능합니다.

방법으로 야외

빛이 세상에 하는 일을 그리는 것

밖에서 일하는 것은 터치를 풀어 주지만,모네를 즉흥적으로 비난하지는 않습니다. 직접 관찰과 워크샵 반복은 동일한 과정에 속할 수 있습니다.

들판에서는 화가를 기다리지 않고 빛이 바뀝니다. 그림자는 미끄러지고,바람은 풀을 휘젓고 인물들은 움직입니다. 모네는 모든 것을 자세히 설명하는 대신 그것을 요약하는 눈에 보이는 터치로 반응합니다. 붉은 쉼표는 꽃이되고; 가벼운 마찰은 구름을 진동하게합니다; 몇 개의 어두운 선은 실루엣을 고정하기에 충분합니다.

그러나 우리는 반드시 한 번의 세션에서 완성되는 그림의 신화를 피해야한다. 인상주의는 모티브의 경험을 중요하게 생각하지만 예술가는 자신의 구성을 취하고 색상의 관계를 조정하며 구조를 통합 할 수 있습니다. 결과의 신선함은 회화 적 야망이지 반성의 부재의 증거가 아닙니다.

클로드 모네의 아르장퇴유 대초원 산책 — 아르장퇴유 · 산책로
사람이 거주하는 풍경

한 인물은 초원을 살아있는 경험으로 변화시키기에 충분합니다.

아르장퇴유 모네의 정원에 그려진 에두아르 마네 그림, 클로드 모네 그림 — 교환 · 아르장퇴유
일하는 화가들

예술가들의 근접성은 현대 생활과 빛에 대한 공통된 연구를 촉진합니다.

1885년 클로드 모네가 그린 지베르니의 필드 — 1885 · 지베르니
패턴은 계속된다

아르장퇴유 이후 들판과 꽃은 여전히 주요 실험 분야로 남아 있습니다.

꽃과 색에 대한 연구의 확장인 Claude Monet의 수련 — 지베르니 · 컬러
양귀비에서 수련까지

꽃은 점차 모네 그림의 가장 큰 원동력 중 하나가 되었습니다.

초원에서 선언문까지

본질적인 연대기

Poppies는 Argenteuil의 번영, 1874년의 집단적 모험, 인상주의의 점진적인 국가 컬렉션 진입을 연결합니다.

1871년

Argenteuil에 설치영국에서 돌아온 모네는 이 마을에 정착하여 1878년까지 그곳에 머물렀습니다.

1873년

양귀비 그리기이 그림은 상인 Paul Durand-Ruel의 지원을 받아 특히 유익한 시기에 탄생했습니다.

1874년 4월 15일

독립전시 개막Nadar의 이전 스튜디오인 Boulevard des Capucines에서는 약 30명의 예술가가 공식 살롱 밖에서 자신의 작품을 직접 선보입니다.

N° 95

카탈로그에 양귀비이 작품은 1874년 5월 15일까지 열린 첫 번째 인상파 전시회에서 이 제목으로 등장합니다.

1903년

모로넬라톤 컬렉션에티엔 모로-넬라톤은 뒤랑-뤼엘에서 근무한 후 여러 개인 소장품으로 작품을 인수했습니다.

1906년

국가에 기부수집가는 국립 박물관에 그림을 제공합니다. 1986 년에 개장하면 오르세 미술관에 배정됩니다.

테이블을 볼 수 있는 곳?

파리 오르세 미술관에서

이 그림은 국가 컬렉션에 속해 있으며 오늘날 박물관에서 가장 잘 알려진 인상파 풍경 중 하나입니다.

유명한 작품, 친밀한 형식

그것의 50 × 65.3 센티미터로, 양귀비 겸손한 차원의 캔버스로 남아 있습니다. 방에서 볼 때, 그것은 그 손길의 경제를 더 잘 드러냅니다: 인물은 작으며, 꽃은 빠른 표시이며 감각의 큰 부분은 색상 사이의 간격에 달려 있습니다.

다른 인상파 작품의 근접성은 또한 모네가 1874 년의 집단 모험에 배치 할 수 있습니다. 우리는 그를 르누아르,모리소, 피사로 또는 시슬리에 더 가깝게 만드는 것을 관찰합니다 - 그리고 그에게 속한 것: 조경의 구조 자체를 밝히는 단 하나의 능력.

RF 1676재고 번호.

1906년모로넬라톤 기부.

1986년오르세 미술관에 배정.

파리 7일인상파 컬렉션.

여름을 집으로

빨간색을 질식시키지 않고 재현을 선택하십시오

양귀비는 하늘과 연한 녹색 덕분에 충분한 공기를 유지하면서 방을 따뜻하게합니다. 그림은 밝은 공간에서 특히 잘 작동합니다.

오프화이트 벽	전체를 너무 생생하게 만들지 않으면서 빨간색이 지배하게 하고 하늘의 크림색 뉘앙스를 드러냅니다.
세이지 그린 벽	그것은 초원을 확장하고 감싸는 조화를 만듭니다; 캔버스보다 더 녹색을 선택하세요.
천연 목재	라이트 오크, 등나무, 린넨은 주제별 장식에 빠지지 않고 주제의 시골 따뜻함을 표현합니다.
포맷	수평 비율은 소파, 찬장 또는 침대 위에 적합합니다 가구 너비의 약 3 분의 2 를 목표로하십시오.
프레임	미국 나무 상자는 화포를 현대화합니다; 광택이 없는 금 구조는 그것의 역사적인 상태를 강조합니다.
라이트	따뜻하고 확산된 조명은 빨간색을 냅니다. 색소를 변화시키는 직사광선을 피하세요.

손으로 그린 복제

양귀비 - 클로드 모네

여러 크기로 제공되는 유화에서 꽃의 대각선, 아르장퇴유의 빛, 열쇠의 진동을 찾아보세요.

복제 및 형식을 참조하세요

매장 둘러보기

컬렉션 사이를 계속 걸어보세요

아르장퇴유, 인상주의 풍경, 모네의 정원은 자연스럽게 이 작품의 색상과 주제를 확장합니다.

이 글의 작업

검증된 소스

그림을 깊게 하기 위해 그리고 1874

치수, 출처, 인물 식별 및 전시 이력은 오르세 미술관의 자원과 교차 확인되었습니다.

오르세 미술관

전체 공지: 구성 분석, Camille 및 Jean, 치수, 출처 및 전시회.

작품공지 보기

살롱의 기지

1874년 카탈로그의 항목 n° 95, 날짜, Nadar 워크숍 주소 및 개장 정보.

카탈로그 항목을 참조하세요

파리 1874

오르세 미술관 전시회는 창립 행사를 그 시대의 예술적, 사회적 선택에 배치합니다.

파리 탐험하기 1874

국립 미술관

아르장퇴유와 그 풍경의 현대적 변화에 관한 제도적 연구입니다.

Argenteuil에 대한 연구를 읽어보세요

자주 묻는 질문

모네의 양귀비 이해하기

그림의 날짜, 인물, 구성 및 보존에 대한 필수적인 답변입니다.

모네는 언제 레 코켈리코를 그렸나요?

클로드 모네는 1871년부터 1878년까지 살았던 아르장퇴유에 머무는 동안 1873년에 이 그림을 그렸습니다.

양귀비 장면은 어디에 있나요?

풍경은 모네 들판, 정원, 센 강둑 및 산업 현대성의 흔적을 제공하는 파리 근처 마을인 아르장퇴유 주변에 위치하고 있습니다.

그림 속 여자와 아이는 누구인가?

오르세 미술관에 따르면 전경에 있는 그룹은 아마도 모네의 아내인 카미유 돈시외와 1873년 6세쯤 된 그들의 아들 진을 상징할 것입니다.

왜 우리는 두 그룹의 캐릭터를 볼 수 있습니까?

두 쌍은 그림의 큰 대각선을 구성합니다. 그들은 네 명의 워커를 나타내거나 하강의 두 순간에 동일한 그룹을 제안 할 수 있습니다; 이 두 번째 독서는 해석으로 남아 있습니다.

양귀비는 왜 전경에 그렇게 큰가요?

모네는 엄격한 식물학적 관점보다 시각적 감각을 선호합니다. 커다란 붉은 반점은 보는 사람을 현장에 더 가깝게 만들고 그림에 리듬을 부여합니다.

양귀비는 1874년에 전시되었나요?

네. 이 작품은 1874 년 4 월 15 일부터 5 월 15 일까지 파리에서 열린 나다르의 이전 워크숍에서 조직된 첫 인상파 전시회에서 95 번 아래에 등장합니다.

오늘 Poppies를 볼 수있는 곳은 어디입니까?

그림은 파리의 오르세 미술관에 보관되어 있다. 1906 년 에티엔 모로넬라통의 기증으로 국립 소장품에 들어갔다.

Poppies 의 복제를 위해 어떤 형식을 선택해야합니까?

그것의 수평한 체재는 넓은 벽을 위해 적당합니다. 소파 또는 찬장 위,가구의 조각의 3 분의 2 에 가까운 폭은 일반적으로 조화로운 균형을 줍니다.