톱 100 - 표현주의
표현주의: 감정이 지배하는 100 개의 명화
뭉크와 엔소르에서 디 브뤼케, 데르 블루 라이터와 베크만까지: 색, 몸, 도시가 완벽하게 괜찮은 척하는 것을 멈추는 100점의 그림.
표현주의는 세상을 따라하지 않는다: 세상이 신경에 무엇을 하는지를 보여준다.하늘은 비명을 지를 수 있고,거리는 날카로워지고 초상화는 모델이 말하려고 계획했던 것보다 더 많은 것을 고백한다.
회화 는 볼륨을 높입니다
신경에서 본 세상
하나의 교리가 아닌 여러 가정에서 태어난 표현주의는 19 세기 말과 전간기 사이에 형태를 갖추었다. 뭉크와 엔소르가 앞장서; 다이 브뤼케는 도시와 육체를 전기화한다; 데르 블라우에 라이터는 색깔에 영적인 사명을 맡긴다; 베크만과 수틴은 1918 년 이후 충격을 연장한다. 공통의 실은 조리법이 아니라 결정이다: 너무 올바른 유사성이 감정보다 덜 정의로울 때 보이는 것을 왜곡하는 것.
표현주의는 현실에게 부드럽게 포즈를 취하라고 요구하지 않는다: 현실을 통과하고, 색칠하고, 외관 뒤에서 느꼈던 것을 인정하게 만든다.이미지로 전환
그림으로 작동합니다
전구체는 불안에 형태를 부여합니다
뭉크와 엔서는 1900년 이전에 풍경, 가면, 군중이 외모보다 더 진실한 감정을 전달할 수 있음을 보여줍니다.
#1
외침
1893 년에 그려진,비명은 보편적인 공황에 있는 Kristiania 의 피요르드 위에 산책을 응축한다. 성격은 하늘,물 및 도로가 울부짖는 소리를 일으키는 것을 보이는 동안 그의 귀를 덮는다. 뭉크는 더 이상 장소를 기술하지 않는다: 그는 즉시 인식할 수 있게 된 수단의 경제와 더불어 현대 불안에 눈에 보이는 형태를 준다.
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#2
브뤼셀에 그리스도의 입성
Ensor 는 팡파르,배너 및 명상을 꺼리는 카니발 군중 사이에서 현대 브뤼셀에 그리스도의 입구를 설치합니다. 1888 년에 완성 된이 거대한 회화 는 종교 장면을 정치적 풍자로 변형시킵니다. 작은 그리스도는 거의 시크릿으로 전진합니다; 사회는 전체 폭을 차지하고 훨씬 더 많은 소음을냅니다.
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#삼
밤
밤은 1 차 세계 대전 이후 Beckmann 이 심하게 화가 난 전선에서 돌아 왔을 때 태어났습니다. 너무 좁은 방에서 폭력은 몸을 뒤틀고 어떤 안심시키는 시각도 깨뜨립니다. 1918-1919 의 작품은 특정 에피소드를 말하지 않습니다: 그것은 집 자체를 함정,평화를 찾지 못한 채 전쟁에서 나오는 독일의 잔인한 이미지로 만듭니다.
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#4
군인으로서의 자화상
1915 년 키르히네르는 제복을 입은 자신을 묘사했는데,오른손은 상징적으로 잘려나갔지만 잃지는 않았다. 그의 뒤에는 스튜디오와 전쟁으로 위협받는 화가의 삶을 회상하는 누드가 있다. 따라서 이 자화상은 의학 문서가 아니라 더 이상 창작을 할 수 없을까 두려워하는 예술가의 심리학적 평가이다.
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#5
구성 VII
구성 VII 는 오랜 그림과 연구 준비 끝에 1913 년 뮌헨에서 그려졌다. 칸딘스키는 홍수,부활 및 최후의 심판의 메아리를 읽을 수있는 이야기에 넣지 않고 순환시킨다. 형태는 충돌하고 용해되고 다시 태어난다: 여기서 추상화는 폭풍의 규모로 감정적 인 경험이된다.
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#6
청마 I
Franz Marc painted Blue Horse I in 1911,when the animal became for him a means of escapeing the human gaze on the world. 블루는 그에게 영적인 가치를 지니고 있으며,말의 곡선은 언덕에 반응하고 자연은 하나의 유기체를 형성하는 것처럼 보인다. 그 결과는 Der Blaue Reiter 를 발표하면서 발현의 달콤함을 간직하고 있다.
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#7
죽음과 어린 소녀
죽음과 처녀는 1915 년으로,Schiele 가 징집되어 Wally Neuzil 과 헤어지고 Edith Harms 와 결혼 한 해입니다. 포옹은 이별에 맞서 싸우는만큼 작별 인사와도 같습니다. 시트는 돌로 된 땅이되고 시체는 달라 붙으며 제목은 친밀한 이야기를 거의 중세 시대의 장례식 장면으로 변형시킵니다.
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#8
마돈나
1894 년과 1895 년 사이에 뭉크는 삶의 프리즈라고 부르는 사이클에서 마돈나를 그렸다. 그 모습은 황홀경,모성 및 실종 사이를 오간다; 그녀의 붉은 후광은 깔끔한 전례 액세서리가 아니다. 이 모호함은 매혹적인만큼 스캔들,뭉크는 관능적이고 불안한 존재로 여성의 이상을 대체하기 때문이다.
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#9
베를린의 거리
베를린의 거리는 1914 년 이전에 키르히네르가 그린 도시 장면에 속한다. 우아하고 지나가는 사람들은 날카로운 시각과 산성 색상으로 압축되어 실제로 만나지 않고 서로를 지나간다. 대도시는 아무도 어디에 있는지 잘 알지 못하더라도 모두가 서두르는 것처럼 보이는 욕망,상업 및 고독의 극장이됩니다.
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#10
여섯 번째 결혼 기념일에 자화상
1906 년 Paula Modersohn-Becker 는 그녀가 주권적 중력으로 배를 잡고 셔츠를 입지 않았을 때 임신 한 자신을 그렸다. 이 작품은 부르주아 초상화의 관습을 벗어난 예술가이자 여성으로서의 정체성을 확증합니다. 오늘날 그녀는 예언 적 인 것처럼 보입니다: 다음 해,화가 딸의 탄생 직후에 사망했습니다.
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#11
동물의 운명
동물의 운명은 1913 년에 완성되었고,그 후 1917 년에 화재로 부분적으로 파괴되었다. 마크는 모든 존재가 열렬한 고통임을 알리는 문장을 뒷면에 썼다. 사슴,말과 나무는 종말론적인 구성으로 부서진다; 베르됭에서 화가가 죽은 후,이 동물의 재앙은 종종 전쟁의 예감으로 읽혔다.
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#12
생명의 춤
삶의 춤은 여름 밤의 중심에서 여행하는 커플을 중심으로 세 가지 욕망의 시대를 구성합니다. 뭉크는 충실한 기억보다는 상징적 인 장면을 구성하기 위해 감상적인 경험을 재개합니다. 흰색,빨간색 및 검은 색 드레스는 순수함,열정 및 애도를 강조합니다: 감정적 인 전기 전체가 아무도 아주 가볍게 춤을 추지 않는 바닥에 맞습니다.
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#13
출발
르 데파르는 나치 정권이 그를 가르침에서 쫓아간 1932 년에서 1935 년 사이에 그려진 베크만의 첫 번째 대형 삼부작을 연다. 측면 패널에는 고문과 감금이 쌓인다; 중앙에는 famille 가 거의 왕실의 빛으로 바다를 건넌다. 베크만은 단 하나의 설명을 거부하지만 탈출은 분명히 다시 정복된 존엄성의 형태를 취한다.
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#14
거리에 다섯 명의 여자
거리에 다섯 명의 여자와 함께 키르히네르는 베를린의 산책로를 신경질적인 프리즈로 변화시킨다. 길쭉한 실루엣,날카로운 모자,화장으로 가려진 얼굴은 지나가는 사람들에게 거의 위험한 우아함을 선사한다. 1913 년에 그려진 이 작품은 흠잡을 데 없는 창문 뒤에 숨겨진 사회적 긴장감을 드러내면서 현대적인 광경을 포착한다.
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#15
피살리스와 함께한 자화상
실레는 1912 년에 이 자화상을 그렸는데,머리와 몸통을 모든 몸짓을 더 가파르게 만드는 공허로 둘러싸고 있었다. 붉은 피살리스는 각진 얼굴의 얼굴에 깨지기 쉬운 구두점으로 기능한다. 작가는 그의 모델에 대해 잘 알고 있기 때문에 아첨하려고 하지 않는다: 그는 자신의 몸을 불안정한 영역으로 검사한다.
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#16
노란 소
1911 년에 그려진 노란 암소는 곡선이 움직임을 연장시키는 풍경 속으로 뛰어든다. 마크는 쉽게 색상을 영적,감정적 특성과 연관시킨다; 노란색은 여기에 빛나고 거의 즐거운 에너지를 가져온다. 동물은 동물학 연구도 아니고 시골 환경도 아니다: 그것은 여전히 조화를 이룰 수 있는 세계의 민감한 척도가 된다.
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#17
즉흥 연주 28(두 번째 버전)
즉흥 연주 28 은 문자 그대로의 서사에서 해방 된 회화 에 대한 칸딘스키의 연구에 속합니다. 1912 년에 제작 된 두 번째 버전은 보트,파도, 대포 및 산 표지판을 다채로운 추력과 혼합합니다. 시선은 파편을 인식 한 다음 즉시 잃어 버립니다. 마치 당시의 소음에 의해 교차 된 기억처럼.
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#18
줄거리
1890 년에 그려진 The Intrigue 에서 가면은 대중적인 소문의 분위기 속에서 한 여성과 그녀의 동반자를 껴안습니다. Ensor 는 Ostend 의 가족 상점에서 이러한 액세서리에 대해 알고 있었지만 카니발 기념품보다 훨씬 더 많은 것을 만들었습니다. 숨겨진 얼굴은 벌거 벗은 얼굴보다 더 무분별한 것처럼 보이며,좋은 역설과 부부에게는 꽤 나쁜 소식입니다.
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#19
사춘기
사춘기는 침대 가장자리에 벌거 벗은 십대를 배치하고 팔은 그녀의 몸 앞에 교차합니다. 그것의 불균형 한 그림자는 두 번째 존재처럼 벽에 서 있습니다. 뭉크는 1890 년대에이 주제를 다시 채택하여 심령 문턱보다 생물학적 나이를 덜 불러 일으켰습니다: 자기 발견은 지시없이 무거운 침묵으로 여기에 도착합니다.
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#20
자화상 1912
Jawlensky 는 뮌헨 시대의 절정에 1912 년에이 자화상을 그렸습니다. 두꺼운 윤곽과 대담한 색상은 특징을 묘사 할뿐만 아니라; 그들은 얼굴에 거의 상징적 인 권위를 부여합니다. 러시아 화가는 신성한 이미지의 정면성과 현대 색채의 자유를 결합하여 자신의 머리를 영적 실험실로 만듭니다.
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#21
푸른 말의 탑
1913 년에 그려진 푸른 말의 탑은 한때 Nationalgalerie 를 위해 획득 한 Franz Marc. Acquired 의 가장 유명한 작품 중 하나였으며 나중에 "퇴폐적 인 예술"이라는 나치 전시회에서 보여졌으며 2 차 세계 대전 이후 사라졌습니다. 그 기념비적 인 구성은 컬러 사진과 복제를 통해서만 알려져 있으며,이는 그 아우라를 강화합니다.
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#22
에르나 실링의 초상화
에르나 실링은 베를린에서 그리고 스위스에서 키르히너의 삶을 공유합니다. 이 1913 년 초상화에서 그녀의 길쭉한 얼굴,모자 및 옷은 모델 친밀감과 도시의 세련미를 모두 불러 일으키는 깨끗한 표면으로 단순화됩니다. 키르히너는 대도시의 각진 극장을 포기하지 않고 진정한 동반자를 그립니다.
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#23
추기경과 수녀(카레스)
추기경과 수녀,또한 애무라고도 1912 년 훨씬 덜 편안한 레지스터로 클림트의 키스를 전치. 실레와 월리는 모델 역할을; 빨간색과 검은 색 포옹은 금지,뻣뻣하고 거의 고통스러운 것 같다. 클림트의 금 약속 봉투 어디,실레는 자신의 양심의 가책,각도와 결과와 함께 욕망하자.
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#24
녹색 재킷에 여자
녹색 재킷에 여자는 Macke 패션,상점 창 및 현대적인 레저를 관찰하는 산책 장면에 속한다. 그림은 색 블록에 눈에 띄는,그의 더 고통 동료와 화가를 구별 매일 단맛을 잃지 않고. 표현주의는 따라서 차분한 목소리로 말할 수있다; 색상은 여전히 대화를 선도 돌봐.
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#25
명상
Jawlensky 는 쇠약하게하는 관절염에도 불구하고 거의 매일 그려지는 작은 명상에 말년을 바칩니다. 얼굴은 특정 정체성이없는 아이콘에 가까운 몇 개의 어둡고 빛나는 밴드로 축소됩니다. 이 반복은 산업적이지 않습니다: 각각의 작은 변화가 전체의 분위기를 수정하는 내면의 검색을 동반합니다.
발견하다 →Die Brücke는 도시와 시체를 긴장 상태로 만듭니다
Kirchner, Pechstein 및 Schiele는 안심할 수 있는 포즈를 끊습니다; 거리, 작업장, 초상화는 현대성이 결코 유지되지 않는 긴장된 공간이 됩니다.
#26
샬롯 쿠르트의 초상화
막스 페히슈타인은 베를린에서 디 브뤼케에 합류한 직후인 1910 년에 샬롯 쿠르트를 그렸다. 초상화는 세속적인 포즈,밝은 드레스와 단순화된 윤곽을 결합했지만,색상은 장식적인 공손함을 거부한다. 모델은 세션의 완벽한 마스터인 것 같다; 화가는 부르주아적 우아함을 그다지 유순하지 않은 반음계 구성의 구실로 사용한다.
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#27
죽음과 가면
죽음과 가면은 상당히 논리적인 결론을 향해 엔소르의 카니발을 밀어붙인다: 죽음조차도 참여하기를 원하게 된다. 해골,천, 거짓 얼굴은 희극과 위협 사이의 경계를 없애버린다. 이 위장된 사회에서 해골은 거의 유일한 정직한 인물로 보이며,이는 정확히 살아있는 자에 대한 칭찬이 아니다.
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#28
Famille
Famille 는 1918 년에 완성된 실레의 마지막 위대한 그림 중 하나이다. 작가는 스페인 독감이 부부를 데려가기 직전에 에디스와 상상의 아이와 함께 자신을 묘사한다. 구성은 일어나지 않을 집을 약속한다; 이 회고적 지식은 세 몸의 근접성에 잊기 어려운 중력을 부여한다.
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#29
불안
불안은 1894 년 칼 요한 애비뉴의 저녁 군중을 점령하고 붉은 하늘 아래에 설치. 창백한 얼굴은 피요르드 풍경이 그들 뒤에 열리면서 시청자를 향해 전진. 뭉크는 감정적 인 전염에 공공 산책을 바꿉니다: 아무도 실행되지 않습니다,아직 전체 그림 출구를 찾고있는 것 같다.
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#30
여자의 머리
이 여성의 머리는 Jawlensky 가 얼굴의 건축에 초상화를 집중시키는 방법을 보여줍니다. 눈,코 및 입은 스테인드 글라스 또는 아이콘을 연상시키는 윤곽선으로 분리되어 있으며 색상은 안색에서 해방됩니다. 모델은 여전히 존재하지만 그 유사성은 주로 내면의 강렬함을위한 출발점이됩니다.
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#31
턱시도를 입은 자화상
Beckmann 은이 1927 자화상에 턱시도를 채택,손에 담배와 정면 시선. 우아한 의류는 긴장을 가리지 않습니다; 그는 바이마르 독일에서 최전선으로 돌아온 화가의 공개 이미지를 구성. 몇 년 후,나치는 그를 타락한 것으로 묘사. 표시된 자신감은 다음 더 전투 풍미를 취합니다.
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#32
블루 라이더
블루 라이더는 같은 이름의 그룹이 창립되기 훨씬 전인 1903 년에 그려졌습니다. 한 라이더가 숲과 산 사이의 움직이는 지점까지 거리를 줄인 채 초원을 빠르게 건너갑니다. 칸딘스키는 여전히 풍경을 유지하지만 색상과 리듬은 이미 설명적인 세부 사항보다 더 중요해지기 시작했습니다.
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#33
터키 커피
터키 커피는 Paul Klee 및 루이 Moilliet 와 1914 년 봄 튀니지에 Macke 의 여행에서 온다. 인물,그림자 및 건축은 빛에 목욕 다채로운 샷으로 구성된다. 쉬운 이국주의는 문에 남아: Macke 특히 전면에서 그의 죽음 몇 달 전에 자신의 회화 를 갱신 광학 경험을 유지합니다.
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#34
조각된 의자 앞에 있는 Fränzi
Die Brücke 예술가들이 자주 그린 젊은 모델인 Fränzi 는 조각된 의자 앞에 앉아 있습니다. Kirchner 는 그의 얼굴을 단순화하고 드레스덴에서 존경받던 유럽 외 예술에서 영감을 받은 갑작스러운 형태로 얼굴을 제공합니다. 그림 는 그룹의 실험적 자유와 이 현대성이 물려받은 식민지적 견해를 모두 입증합니다.
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#35
아픈 아이
뭉크는 십대에 결핵으로 죽은 여동생 소피를 기억하기 위해 수십 년 동안 돌아왔다. 아픈 아이에서 회화 snapped and covered 는 장면 자체만큼이나 연약해 보인다. 1886 년 첫 전시회에서이 스타일은 충격적이었다; 그러나 그것은 그의 기억 예술의 기초 중 하나가 될 것입니다.
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#36
파란색으로 표시된 콰피
마틸데 폰 카울바흐의 별명인 콰피는 베크만의 아내이자 필수적인 모델 중 하나가 된다. 이 푸른 초상화에서 그의 차분한 자신감은 두꺼운 윤곽과 좁은 공간에 저항한다. 화가는 그의 동반자를 수동적인 상징으로 바꾸지 않는다: 그녀는 무대를 아주 잘 아는 사람의 권위로 보는 사람을 바라본다.
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#37
호랑이
1912 년에 그려진 호랑이는 동물을 주황색,검은색 및 녹색 각도로 응축시킵니다. 마크는 고양이의 자연주의적인 유연성을 추구하지 않습니다; 그것은 덮칠 준비가 된 포함 된 힘을 눈에 띄게 만듭니다. 입체파는 틀을 제공하고 색상은 긴장을 가져 오며 호랑이는 결국 표본이 아닌 에너지로 캔버스를 차지합니다.
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#38
녹색 얼굴을 가진 소녀
녹색 얼굴을 가진 소녀에서 Jawlensky 는 불가능한 색상을 사용하여 초상화를 더 많이,덜 인간적이지 않게 만듭니다. 얼굴은 확고한 윤곽으로 뒷받침되는 녹색,빨간색 및 파란색의 어코드가됩니다. 이 자유는 Matisse 를 회상하지만 정면 부동성과 시선의 집중은 이미 젊은 여성을 화가의 미래의 신비로운 머리에 더 가깝게 만듭니다.
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#39
벗겨진 황소
Soutine 은 Rembrandt. 와 직접 대화하여 1920 년대에 여러 개의 쇠고기 시체를 그렸습니다. 그는 고기를 자신의 작업장으로 가져 와서 변색되었을 때 색상을 되살려 이웃의 큰 절망에 빠지게했습니다. 빨간색,파란색 및 노란색 소재는 도살 모티브를 점심 식사 전에는 솔직히 권장되지 않는 활기차고 호화로운 그림 몸으로 변형시킵니다.
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#40
자화상
Marianne von Werefkin 는 1910 년 경에 고정된 시선과 어두운 색으로 형성된 얼굴을 나타냅니다. Ilia Répine, 의 전 학생이었던 그녀는 뮌헨에서 회화 를 인수하기 전에 Jawlensky 를 지원하기 위해 경력을 중단했습니다. 이 자화상은 예술가이자 중심 이론가가 Blaue Reiter 모험으로 돌아 왔음을 확인합니다.
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#41
할레의 레드 타워
할레의 레드 타워는 키르히너가 마을 근처의 요양소에 머물렀던 1915 년부터 시작되었다. 타워는 대각선과 돌을 가열하는 것처럼 보이는 빨간색으로 지어진 빈 도시 공간을 지배합니다. 건축은 안정적인 피난처를 제공하지 않습니다: 그것은 동원과 위기로 지친 화가의 긴장된 상태를 반영합니다.
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#42
찡그린 얼굴의 벌거벗은 자화상
여기 실레는 찡그린 얼굴과 정면 누드의 지점에 자화상을 밀어 넣습니다. 얇은 몸은 계약,피부는 색을 변경,제스처는 어떤 영웅적인 포즈를 거부합니다. 전쟁 전 비엔나에서 취약성을 노출하는이 방법은 관습과 충돌; 그것은 또한 예술가를 자신의 경험 분야로 만들고,아첨하는 조명을 사용할 수 없습니다.
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#43
구성 VIII
작곡 VIII 는 작곡 VII 의 폭풍이 지나간 지 10 년 후인 1923 년 바우하우스에서 그려졌다. 원,선 및 삼각형이 거의 음악적으로 정밀하게 분포되어 있다. 감정은 사라지지 않았다; 그것은 이제 모양,크기 및 색상 사이의 긴장을 포함한다. 칸딘스키는 그림 가 관리 형태가되지 않고 체계적 일 수 있음을 보여준다.
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#44
걷다
Walk 에서 Macke 는 레저 장면을 실루엣,나무 및 다채로운 표면의 리듬으로 변형시킵니다. 등장 인물은 명백한 드라마없이 풍경을 가로 지르지만 빛은 자신의 세계를 완전히 재구성합니다. 이 평온함은 표현주의를 구별합니다: 외치는 대신 색상은 공간을 열어 눈을 초대하여 함께 걷습니다.
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#45
꽃 모자와 자화상
Ensor 는 의식 초상화의 의식 패러디 인 화려한 꽃 모자를 쓰고 자신을 그립니다. 진지한 얼굴은 그것을 구성하는 거의 우스꽝스러운 꽃다발에 저항합니다. Ostend 에서 오랫동안 소외 된 예술가는 따라서 자신의 인정식을 조직합니다: 아카데미가 왕관을 가져 오는 것을 지연 시키면 항상 꽃을 직접 선택할 수 있습니다.
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#46
핑크 스웨터 콰피
핑크 스웨터에서 Quappi 는 Beckmann 결혼 친밀감과 연극 구조를 결합한 초상화에 속합니다. 평평한 핑크색 영역,검은 색 윤곽 및 단단한 프레임은 모델에 즉각적인 존재감을 부여합니다. 쉬운 의미에서 감상적 인 것은 없습니다: 회화 는 개성,패션 및 시대를 관찰하는 동시에 Quappi 가 마지막 단어를 지키도록합니다.
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#47
블루 호스 II
Blue Horse II 는 1911 년에 Marc 의 동물 비전을 더 조밀한 구성으로 확장했습니다. 말은 곡선과 상징적 인 색상의 풍경에서 구부러져 마치 지구의 구조를 공유하는 것처럼 보입니다. Blue 는 코트를 모방하지 않습니다; 화가가 단순한 외모보다 진실하다고 판단하는 내적 삶을 긍정합니다.
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#48
키스
The Kiss 에서 두 얼굴은 거의 분리 할 수 없을 때까지 서로 섞입니다. 뭉크는 사랑의 Frieze of Life 에서이 모티브를 작동 시키며,사랑은 항상 결합과 자아의 상실 사이를 오갑니다. 어두운 방은 외부 세계로부터 부부를 보호하지만이 완벽한 융합은 또한 불안한 것을 가지고 있습니다: 친밀감은 프로필을 먹어 버렸습니다.
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#49
마르셀라
마르첼라는 키르히네르의 드레스덴 시대의 가장 유명한 초상화 중 하나입니다. 젊은 모델은 원시 색상과 어린 시절과 성인기의 범주를 방해하는 포즈로 제시됩니다. 이 작품은 Die Brücke 의 공식적인 연구를 드러내지만 오늘날에는 예술가와 미성년자 모델의 관계에 대한 비판적 시각이 필요합니다.
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#50
스틸렌데 무터
Stillende Mutter 는 단순화되고 기념비적 인 구성의 중심에 간호 어머니를 배치합니다. Modersohn-Becker 는 종종 모성을 위해 예약 된 일화적인 매력을 거부합니다: 무거운 볼륨,흙 투성이의 음색 및 정면 성은 매일의 몸짓에 고풍스러운 존엄성을 부여합니다. 그림 는 멀리 조심스럽게 보관 된 예쁜 우화가 아니라 살아있는 육체에 대해 말합니다.
발견하다 →Der Blaue Reiter가 색상을 출시합니다
Marc, Kandinsky, Macke, Jawlensky 및 Werefkin은 동물, 얼굴, 풍경 또는 추상화에서 단순한 설명을 넘어서는 강렬함을 추구합니다.
#51
월리의 초상
월리 노이질은 몇 년 동안 실레의 동반자이자 모델이었다. 이 1912 년 초상화는 physalis 자화상에 반응: 같은 빛 배경,같은 꽉 프레임,하지만 더 차분한 존재. 파란 시선과 빨간 머리는 월리에게 커플 주위에 구축 낭만적 인 전설에 저항 개성을 제공합니다.
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#52
알렉상드르 사하로프의 초상화
뮌헨에서 활동한 러시아 무용수 알렉상드르 사하로프는 블루 라이터 서클을 자주 방문했다. 자울렌스키는 얼굴을 장면으로 만드는 강하게 양식화된 특징과 색상으로 그림을 그린다. 초상화는 춤 동작보다는 수행적 정체성을 기록한다: 메이크업,시선 및 윤곽은 모델을 거의 전례에 가까운 유령으로 변형시킨다.
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#53
여우
Renards 는 빨간색,녹색 및 파란색 패싯의 네트워크에서 1913 년에 그려졌다. 동물들은 기하학을 공유 할 때까지 식물에 맞습니다. 마크는 인간의 지배에서 자유로운 세계에 대한 인식을 재발견하고 싶었다; 아직 분열 된 구성은 이미 위협 균형을 발표,전쟁의 전야에 화가를 멀리 운반 할 것이다.
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#54
즉흥 연주의 홍수
즉흥의 홍수는 칸딘스키가 1914 년 이전에 발전시킨 묵시적인 환상에 속한다. 비스듬한 선,어두운 질량,색깔의 폭발은 그것을 단계적으로 설명하지 않고 재앙을 암시한다. 성경의 주제는 회화 의 원리가 된다: 파도 뒤에 새로운 시각적 질서가 나타날 수 있도록 모든 것이 물에 잠겨 있어야 한다.
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#55
큰 빛나는 진열장
위대한 빛나는 쇼케이스는 현대 도시에 대한 Macke 의 관찰에 속합니다. 유리는 상품,반사 및 지나가는 사람들을 겹쳐서 보는 사람과 눈에 제공되는 것 사이의 경계를 흐리게합니다. 예술가는 소비를 다채로운 경험으로 변화시킵니다; 창문은 유혹의 역할을하지만 회화 는 불행히도 변화를 유지합니다.
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#56
청어 사우르를 놓고 싸우는 해골들
죽음이 터무니없는 다툼에 대한 매우 활발한 취향을 유지하는 Ensor의 풍자에서 두 해골이 청어 꽁치를 놓고 경쟁합니다. 제목은 기만적인 기분 전환을 지정하는 프랑스어 표현에서 재생됩니다. 고대의 허영심과 현대의 농담 사이에서 작품은 육체에서 해방 된 경우에도 인간은 여전히 말다툼 할 이유를 찾는다.
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#57
카니발
카니발은 1920 년,심오하게 Beckmann 을 변경 전쟁 다음 날부터 시작됩니다. 엔터테인먼트는 검은 윤곽 뒤에 의상,몸과 악기가 얽혀있는 컴팩트 한 장면이된다. 파티는 세계의 폭력을 지우지 않는다; 그녀는 효과적이고 약간 불안 모두 저녁을 계속하기에 충분한 메이크업을합니다.
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#58
뱀파이어
뭉크는 먼저 사랑과 고통이라는 제목으로 이 포옹을 선물한다; 친구가 지어준 별명 뱀파이어는 결국 자리를 잡는다. 애매한 장면에서 위안과 몰입 사이에서 빨간 머리의 여자가 남자의 목 위로 몸을 기댄다. 머리카락은 부부를 불꽃처럼 감싸고,누가 누구를 구할지 관객이 결정하게 한다.
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#59
거리에 두 여자
거리의 두 여성은 현대 만남의 베를린 테마를 차지합니다. 가까이서 본 우아한 실루엣은 대각선과 불일치 한 색상으로 압축 된 공간에서 전진합니다. Kirchner 는 자신의 바니시를 파괴하면서 패션을 포착합니다: 거리는 너무 밝게 조명 된 장면과 비슷하며,시선은 항상 호기심만큼 상업적입니다.
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#60
Der barmherzige 사마리터
Modersohn-Becker 는 착한 사마리아인의 비유를 의도적으로 단순한 언어로 바꾸어 단단한 볼륨과 읽을 수있는 몸짓으로 만들었습니다. 종교적 주제는 학문적 강조를위한 구실로 작용하지 않습니다; 그것은 두 몸 사이의 구체적인 행동에 연민을 다시 가져옵니다. 작품의 현대성은 화려한 장식이없는이 중력 때문에 정확하게.
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#61
죽은 도시
죽은 도시는 쉴레의 어머니의 고향인 크루마우를 조용한 유기체로 변화시킨다. 위에서 본 꽉 막힌 집들은 어두운 물가에 떠 있는 것처럼 보인다. 도시의 풍경은 심령 초상화가 된다: 닫힌 창문,없는 거리와 빛바랜 색채는 건축이 사라진 주민들을 기억하는 듯한 공동체를 이룬다.
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#62
투란도트 2세
Turandot II 는 Jawlensky 가 자율적 인 얼굴을 발명하기 위해 극장과 아이콘에서 빌린 머리에 속합니다. 전설적인 공주의 이름은 이국적인 거리를 가져 오는 반면,색상과 윤곽은 정면 존재를 구성합니다. 초상화는 오페라의 이야기를 말하지 않습니다: 그것은 몇 가지 반음계 코드에 매력적인 성격을 집중시킵니다.
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#63
갈대 속의 사슴
갈대 속의 사슴에서 마크는 동물을 보호하고 확장하는 식물에 새깁니다. 몸의 곡선은 줄기에 반응하고 색상은 현실적인 위장을 없애 내면의 조화를 만듭니다. 사슴은 관찰자에게 놀라지 않습니다; 그는 관중이 일시적으로 손님으로 남아있는 세계에 속한 것 같습니다.
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#64
뮌헨-슈바빙 성 우르술라 교회와
칸딘스키는 1908 년 성 우르술라 교회와 함께 뮌헨-슈바빙을 그렸는데,그 때 풍경이 묘사에서 눈에 띄기 시작했다. 집,나무, 종탑은 남아있지만 색은 자연광보다 강렬함을 더 많이 쌓아 올린다. 이 무대는 공식적으로 주소를 찾기 전에 추상화가 도착하는 모습을 보여준다.
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#65
동물원 I
동물원 I 은 방문객과 동물을 빛나는 반점의 네트워크로 변화시킵니다. Macke 는 현대 도시 취미에서 신체의 움직임보다 종의 목록에 관심이 적습니다. 동물원은 우리가 통로보다 적게 계산되는 색상의 실험실이되고,교차 한 눈길과보고있는 사람들을 바라 보는 이상한 즐거움.
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#66
특이 마스크
Singular Masks 는 거짓 얼굴이 숨기는 것보다 더 많은 것을 드러내는 인물을 Ensor 에 모았습니다. 화려한 색상과 얼어 붙은 표정은 카니발을 사회 모임으로 변화시킵니다. 모두가 역할을하고,아무도 결백 해 보이지 않으며,시청자는 불행히도 단순히 중립을 유지하도록 설계된 마스크가 없다는 것을 빨리 이해합니다.
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#67
황혼의 아이들 - 오르쿠스
때때로 Orcus라는 이름과 관련된 황혼의 아이들은 Beckmann의 암스테르담 망명 기간에 속합니다. 수수께끼의 인물은 신화, 연극 및 현대 경험 사이에서 좁은 공간을 차지합니다. 화가는 투명한 이야기를 거부합니다; 그는 등장 인물이 우화에서 나온 것처럼 보일 때에도 어두운 유럽이 여전히 존재하는 정신적 장면을 구성합니다.
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#68
다리에 어린 소녀
다리 위의 어린 소녀들은 뭉크가 1901 년경에 그린 여러 버전이 있습니다. 난간은 깊숙이 이어져 있고,드레스는 다채로운 스위트 룸을 형성하고 'Asgårdstrand 의 풍경은 매달려있는 것처럼 보입니다. 모티브의 평온함 뒤에 원근법은 기대를 만듭니다: 이 어린 소녀들은 물을 바라보고 그림 는 이미 미래를 바라보고 있습니다.
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#69
현대 보헤미안
현대 보헤미아는 키르히네르가 대도시에서 자주 찾는 예술적이고 문학적인 환경을 말한다. 인물,옷 그리고 인테리어는 자유만큼이나 포즈를 기반으로 집단 정체성을 구성한다. 그림 는 참여와 거리감으로 이러한 현대성을 관찰한다: 심지어 반란군도 때때로 의자를 선택하고 포즈를 취해야 한다.
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#70
Drei Kinder mit Ziege im Birkenwald
염소와 함께 세 아이가 Modersohn-Becker 에 익숙한 자작 나무 십자가. 화가는 거의 시대를 초월한 장면을 만들 정도로 몸과 트렁크를 단순화합니다. 어린 시절은 달콤하지도 극화하지도 않습니다; 그녀는 항상 흠 잡을 데없는 진지함,동물 및 신발로 Worpswede 의 시골 풍경에 속합니다.
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#71
은둔자들
Hermites 는 거의 빈 배경에 눌려 어두운 이중 인물로 Schiele 와 Gustav Klimt 를 함께 모았습니다. 1912 년에 그려진이 작품은 젊은 예술가의 독립을 긍정하면서 주인에게 경의를 표합니다. 두 몸은 같은 장례식 맨틀을 공유하는 것처럼 보입니다: 야행성 횡단보다 의식으로 덜 제시된 예술적 계보.
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#72
푸른 만틸라
블루 만틸라는 여성의 얼굴을 거의 신성한 구조로 만듭니다. Jawlensky 는 스페인 의류를 컬러 프레임으로 사용한 다음 기능을 강력한 표시로 단순화합니다. 제목의 이국주의는 시선의 정면성보다 덜 중요합니다: 인물은 의상처럼 제공되지 않으며 색상이 권위를 부여하는 조용한 존재를 부과합니다.
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#73
원숭이 프리즈
원숭이 프리즈는 길쭉한 구성으로 여러 동물을 움직이게합니다. 마크는 한 몸에서 다른 몸으로 곡선을 순환시키는 해부학 적 특수성보다는 집단 리듬을 관찰합니다. 이 연속성은 통일 된 본성에 대한 그의 꿈을 표현합니다; 원숭이는 한 번,자신의 위치를 정당화하기 위해 인간을 모방하도록 요청받지 않습니다.
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#74
무르나우
무르나우에서 칸딘스키는 뮌터,자울렌스키, 베레프킨과 함께 단순화에 도움이 되는 풍경을 발견했다. 마을,교회, 산은 날카로운 윤곽으로 분리된 다채로운 덩어리가 된다. 완전한 추상화 이전에 그려진 이 풍경은 감정의 온도를 변화시키면서 실제 장소를 어떻게 보존할 수 있는지를 보여준다.
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#75
나무 아래 어린 소녀들
나무 아래 어린 소녀는 1914 년 이전에 Macke 에 의해 그려진 레저 장면에 속합니다. 드레스,잎 및 그림자는 스테인드 글라스 창에 가까운 밝은 표면에 함께 모입니다. 현대 생활은 순간적으로 자연과 조화를 이루는 것처럼 보입니다; 이 달콤함은 화가가 전쟁이 시작될 때 아주 일찍 죽었다는 것을 알 때 특별한 가치를 갖습니다.
발견하다 →전쟁 후 표현주의는 그 심각성을 바꾸었습니다
Beckmann, Soutine, Modersohn-Becker, Gerstl 및 그들의 이웃은 육체적 경험이 된 초상화, 망명, 기억 및 회화 자료를 통해 이 모험을 확장합니다.
#76
고통받는 여인
고통의 여인은 거의 도움이되지 않는 쇼의 중간에 어려움에 인물을 넣어 Ensor 의 연극과 기괴한 우주를 사용합니다. 얼굴과 몸짓은 인기있는 무대에서처럼 혼란을 증폭. 유머는 여전히 존재하지만 불편 함을 상쇄하지 않습니다: Ensor 에서 관객은 종종 문제의 일부입니다.
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#77
바 인 파리 /클라리지 바, 런던 /리츠 바 파리
베크만이 그린 이 바는 파리와 런던의 여러 기념품을 겹쳐 놓았다. 거울,고객, 가구는 공간이 스스로 접히는 장면을 연출한다. 망명은 경계하는 눈으로 세상적인 사교성을 관찰한다: 모두가 가까이 있고,아무도 진정으로 접근할 수 없으며,음주는 원근법의 문제를 해결하지 못한다.
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#78
우울한
우울에서,한 부부가 해변으로 걸어가는 동안 고독한 남자는 바다를 바라 본다. 뭉크는 사랑에 대한 실망을 정신적 인 풍경으로 변화시킨다: 해안선은 얼굴을 확장시키고 온 세상은 생각의 움직임을 따르는 것처럼 보인다. 슬픔은 설명되지 않는다; 그것은 수평선까지 공간을 조직한다.
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#79
거울 속의 여자
거울을 가진 여자는 현대 친밀감에 설치하여 키르히네르에서 고대 모티브를 가져옵니다. 반사,신체 및 가구는 평화로운 관상을 방해하는 각도로 부서집니다. 거울은 안정적인 이미지를 보장하지 않습니다; 오히려 그것은 마치 자신을 바라 보는 것이 이미 여러 버전의 자신과 협상을 요구하는 것처럼 관점을 배가시킵니다.
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#80
Zwei Kinder auf einer Wiese sitzend
초원에 앉아있는 두 아이는 Worpswede 의 사람들에 대한 Modersohn-Becker 의 관심을 보여줍니다. 인물은 무겁고 조용하며 매력적인 일화로 변하기보다는 지구에 통합되어 있습니다. 화가는 어린 시절의 감상적인 관습을 거부합니다: 그녀의 모델은 어른들이 종종 인식하는 것을 잊어 버리는 모든 진지함과 함께 자율적 인 존재감을 가지고 있습니다.
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#81
고뇌(죽음을 향한 투쟁)
고뇌,죽음의 투쟁이라는 부제가 붙은 고뇌는 지친 싸움을 닮은 포옹으로 두 인물을 껴안는다. 실레는 몸을 뼈와 신경 구조로,근처에서도 취약하게 그린다. 주제는 영웅적이지 않다; 그것은 생존 그 자체를 노력으로 보여 주는데,전쟁이 이 긴장을 구체화시키는 시기에 말이다.
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#82
큰 여자의 머리 에 빨강
빨간색에 큰 여자의 머리는 기념비적 인 규모쪽으로 Jawlensky 얼굴의 시리즈를 밀어. 빨간색 배경,눈과 윤곽은 마스크와 인간의 존재 사이에 긴장을 만듭니다. 단순화는 모델을 지우지 않습니다: 그것은 그림 가 살롱 잡담없이 정면 만남의 기능을 할 수 있도록 보조 세부 사항을 제거합니다.
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#83
붉은 개
레드독은 마크가 세상을 보다 본능적으로 인식하고자 하는 다채로운 동물에 속한다. 레드는 몸의 에너지를 집중시키는 반면 풍경은 자세에 반응한다. 동물은 수수께끼처럼 해독될 고정된 상징의 역할을 하지 않는다; 그것은 색채의 힘이 되어 세심하고 환경에 완전히 설치된다.
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#84
그림 레드 스팟
그림 red Spot 은 칸딘스키가 완전한 추상화의 가장자리에서 작업했던 1914 년부터 시작되었다. 작은 붉은 색 영역은 선,떠다니는 모양 및 가벼운 공간 사이의 긴장을 정리한다. 제목은 세부 사항에 눈을 끌지 만 그 작품은 그 주위에 현명하게 남아 있기를 거부한다: 전체 표면은 불안정한 균형에 참여한다.
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#85
패션: 밀리너 가게 앞 파라솔을 입은 여성
모자 가게 앞에 파라솔을 들고 있는 여성은 Macke 의 Fashion 시리즈에 속합니다. 쇼케이스,의류 및 실루엣은 우리가 보는 것과 보여지는 것을 통해 정체성이 오는 도시에서 서로 반응합니다. 장면은 여전히 가볍지만 정확한 구성은 현대 상업이 어떻게 이미지를 생산하는지 보여줍니다.
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#86
죽음의 무리를 쫓는 죽음 (Death Pursuing the Herd of Humans). 1896
죽음의 무리 인간 추구에서 엔소르는 현대 사회를 위해 죽음의 춤이라는 중세 주제를 다룹니다. 해골은 그 존엄성을 거의 유지하지 못하는 조밀한 군중을 쫓아냅니다. 풍자는 격렬하고 매우 민주적입니다: 죽음에 직면하여 사회 계층은 갑자기 의미를 잃어 버릴뿐만 아니라 행렬에서의 탁월한 위치도 잃어 버립니다.
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#87
중국 불꽃놀이 /The Dream (Small)
꿈이라고도 불리는 중국 불꽃놀이는 1920 년대 후반 베크만의 수수께끼 같은 인테리어에 속한다. 인물,물체 및 빛의 폭발은 확실한 설명없이 장면을 구성한다. 불꽃놀이는 파티,기억 또는 위협이 될 수 있다; 모호함은 일상 공간을 무의식의 극장으로 변화시킨다.
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#88
Alte Bäuerin mit Ziege - Dreebeen mit Ziege und Hühnern
염소와 닭을 동반 한이 늙은 농민 여성은 Worpswede 의 시골 세계에서 왔습니다. Modersohn-Becker 는 빈곤을 이상화하거나 그림 같은 세부 사항을 수집하지 않고 그에게 견고한 키를 제공합니다. 캐릭터는 체중과 흙의 범위에 의해 풍경에 속합니다; 그의 일상 생활은 회화.를 착용하기에 충분합니다
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#89
나무 4개
1917 년에 그려진 네 그루의 나무는 늦은 날 하늘 앞에 얇은 줄기를 늘어서 있습니다. 중앙에는 낮은 태양이 구성을 나누고 들판은 색상의 띠가됩니다. 실레는 인체와 마찬가지로 풍경에 동일한 긴장감을 적용합니다: 각 나무는 고립되어 보이지만 공통된 리듬은 세상이 무너지는 것을 막습니다.
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#90
성숙
성숙은 Jawlensky 의 늦은 머리에 속하며 아이콘에 가까운 정면 구조로 축소되었습니다. 제목은 내부 상태보다 정확한 나이를 덜 나타냅니다. 숨막히는 색상,수직 코 및 단순화 된 눈은 뮌헨 시대의 더 화려한 초상화 이후 얼굴에 정복 된 안정성을 제공합니다.
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#91
러시아 발레 I
러시아 발레단 나는 20 세기 초 발레 뤼스에 대한 유럽의 열정을 포착했다. Macke 는 쇼 보고서가 아닌 의상,제스처 및 음악을 다채로운 리듬으로 번역합니다. 댄서들은 거의 간판이되지만 무대의 추진력을 유지합니다; 회화 는 누구에게도 방해가되지 않고 앞줄 좌석을 찾은 것 같습니다.
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#92
게부르트
게부르트,혹은 탄생은 베크만이 유배 기간 동안 그린 위대한 우화에 속한다. 친밀한 주제는 밀집된 장면으로 변모하며,그 의미는 여전히 열려 있는 몸과 표징으로 채워진다. 탄생은 단순한 순수함을 약속하지 않는다: 이미 역사와 갈등으로 가득 찬 세상에 새로운 삶을 소개한다.
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#93
자작나무 속의 소녀
자작나무 속의 소녀는 Modersohn-Becker가 초상화와 풍경을 결합하는 모티프 중 하나입니다. 수직 줄기는 장면을 구성하고 아이는 진지하고 움직이지 않습니다. 화가는 산책을 이야기하지 않습니다; 그것은 엽서 민속 없이 관찰되는 시골에서 우리가 장소에 대한 신체의 소속감을 느끼게 합니다.
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#94
머리는 검정색과 녹색입니다
검은 색과 녹색 머리는 Jawlensky 에서 얼굴의 점진적인 감소를 보여줍니다. 두 가지 지배적 인 색상은 깊이,리듬 및 명상을 확립하기에 충분합니다. 검은 색은 윤곽 일뿐만 아니라 녹색은 안색이 아닙니다: 함께,그들은 초상화를 명상 이미지로,단수 인물과 보편적 인 기호 사이의 중간으로 움직입니다.
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#95
마들렌 카스탱의 초상화
장식가이자 후원자인 Madeleine Castaing 은 1920 년대부터 Soutine 을 지원했습니다. 이 초상화에서 몸은 안락 의자,의복 및 얼굴의 곡선에 의해 긴장된 것처럼 보입니다. 닮음은 결코 희생되지 않지만 화가의 불안한 에너지만큼 모델의 기질을 드러내는 이동식 재료를 통과합니다.
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#96
작은 페이스트리 요리사
르 쁘띠 파티시에 1920 년대에 수탱이 그린 젊은 직원 시리즈에 속합니다. 흰색과 빨간색 유니폼은 포즈에 의해 약간 왜곡된 얇은 몸에 강한 구조를 부여합니다. 작가는 이 익명의 직원에게 일반적으로 장식에 수반되는 강성을 부과하지 않고 공식 초상화의 중력을 부여합니다.
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#97
세레의 풍경
세레에서 1919 년에서 1922 년 사이에 수틴은 집과 도로,나무가 내부 추력에 종속된 것처럼 보이는 풍경을 그렸습니다. 원근법은 흔들리고 모양은 뒤틀리지만 마을은 결코 완전히 사라지지 않습니다. 실제 장소는 마치 지구가 너무 빨리 숨을 쉬는 것처럼 회화, 의 물리적 경험이 됩니다.
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#98
Famille 쇤베르크
Richard Gerstl 는 작곡가 아놀드 쇤베르크와 그의 비엔나 서클을 자주 방문했던 기간 동안 famille 쇤베르크를 그렸다. 재래식 가족 초상화와 빠른 접촉과 불안정한 빛이 깨진다. 이야기는 곧 고통스러운 방향으로 전환된다: 게르스틀은 1908년 그녀의 자살에 앞서 발생한 위기인 마틸데 쇤베르크와 불륜을 유지한다.
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#99
마틸데 쇤베르크
마틸데 쇤베르크는 게르스틀이 작곡가의 원을 뒤흔드는 열정적인 관계의 맥락에서 그린 것이다. 그러나 초상화는 쉬운 낭만적인 일화를 피한다: 신경질적인 물질과 집중된 얼굴은 모델에 자율적인 존재감을 부여한다. 다음에 무슨 일이 일어나는지 아는 것은 긴장감을 더하지만, 회화 는 스캔들 없이 버티고 있다.
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#100
미리
Tyko Sallinen, 의 아내 미리는 핀란드 표현주의의 중심 모티브가 되었다. 화가는 선과 볼륨을 가혹하게 단순화시켜 시선의 폭력에 대한 논쟁을 촉발시킨다. 초상화는 편안하지 않기 때문에 정확하게 강력하게 남아있다: 그것은 우리가 형식적인 발명,부부의 친밀감,모델과 예술가 사이의 비대칭성을 함께 고려하도록 강요한다.
발견하다 →작품들이 드러내는 것
100점의 그림, 3점의 지속적인 충격
백 개의 작품을 거쳐 표현주의는 더 이상 걱정스러운 얼굴들의 단순한 집합체와 닮지 않았습니다. 약속 없이 색이 도착해서 거실 한가운데에 앉아 있을 때에도,살아있는 경험을 우선시하는 방식이죠.
유사점은 판결이 아닙니다
초상화는 선을 비틀면서도 아침 거울보다 더 정확하게 조준할 수 있습니다.
색은 감정이 된다
빨간색, 녹색 및 노란색은 장면을 장식하지 않습니다: 그들은 온도를 직접 조절합니다.
풍경도 보인다
나무, 거리, 산은 화가의 내부 상태를 흡수하여 그를 관객에게 돌려보냅니다.
긴장감 있는 타임라인
현재의 상승을 따라가는 5개의 날짜
Kirchner, Heckel 및 Schmidt-Rottluff는 예술과 삶 사이의 거리를 단축하기로 결심하고 드레스덴에 그룹을 설립했습니다.
표현주의라는 용어는 비판적인 논쟁을 불러일으키고 있으며 더 넓은 감성을 지정하기 시작했습니다.
칸딘스키와 Franz Marc 는 뮌헨에서 색을 움직이는 생각으로 만드는 예술가들을 한자리에 모았습니다.
Blaue Reiter는 대중 예술, 음악, 아방가르드를 결합한 작업 선언문을 출판합니다.
전쟁은 집단들을 분산시킨다; 표현주의적 충동은 살아남고 어조를 바꾼다.
깊은 움직임
표현주의는 왜 그렇게 강렬하게 남아 있는가?
표현주의는 먼저 보이는 세계를 모방하려 하지 않는다. 그는 세상이 내면에서 자극하는 것을 보여주고 싶어 한다: 걱정,열, 외로움,열, 욕망,현기증. 긴장된 색,선 왜곡,얼굴은 거의 심리적 풍경이 된다. 항상 편안하지는 않지만,누구도 걸작이 쿠션처럼 행동해야 한다고 약속하지 않았다.
Edvard Munch 두려움,사랑, 질병 또는 질투가 즉시 인식 할 수있는 형태를 취하는 이미지로 결정적인 길을 열어줍니다. 비명은 단지 유명한 얼굴이 아닙니다: 그것은 일반적인 진동,캐릭터와 같은 경보를 듣는 것처럼 보이는 풍경입니다. 뭉크는 감정이 건축,하늘, 수평선 및 심지어 기억조차 버릴 수 없다는 것을 보여줍니다.
독일에서 Die Brücke 는 운동에 도시적이고 신경질적인 에너지를줍니다. Kirchner,Heckel, Schmidt-Rottluff 및 Pechstein 은 거리,작업장, 댄서,목욕하는 사람 및 인물을 산성 색상,건조한 각도,거의 전기적 인 긴장감으로 칠합니다. 현대 도시는 더 이상 우아한 설정이 아닙니다: 육체적 인 경험이됩니다. 우리는 보도,외모, 조명,때로는 평화롭게 5 분을 보내고 자하는 매우 합리적인 욕구를 느낍니다.
Der Blaue Reiter 는 또 다른 강렬함을 가져옵니다. Kandinsky,Marc, Macke,Münter 또는 Jawlensky 는 더 많은 내부,때로는 색상의 영적 힘을 추구합니다. 푸른 말,단순화 된 모양 및 솔직한 하모니는 주제를 묘사 할뿐만 아니라: 그들은 시각적 인 음악을 추구합니다. 캔버스는 거의 악보가되며 광택이 나는 바이올린이 적고 심장 박동이 더 많습니다.
Egon Schiele 그리고 오스카 코코슈카는 인간의 모습에 바니시 없이 진실을 준다. 몸은 길어지고,손은 악물고,눈은 실존적 계약의 작은 선을 읽은 것 같다. 이 회화 는 방해가 될 수 있지만,이 솔직함에서 힘을 끌어낸다. 그녀는 연약함을 위장하지 않는다; 그녀는 그에게 앞줄에 의자를 제공한다.
장식에서 표현주의는 매우 특별한 존재감을 가지고 있습니다. 그것은 성격을 받아들이는 방에 적합합니다: 사무실,도서관, 냉정한 거실,간단한 통로로 남아있는 것보다 더 가치가있는 복도. 표현주의 작품은 단지 벽을 차려 입는 것이 아닙니다; 그것은 긴장감,깊이, 때로는 아무것도 요구하지 않았지만 아주 잘했던 소파와의 약간의 침묵의 대화조차도 만듭니다.
This Top 은 감정,표현 왜곡,강한 색채와 심리적 존재감이 중심 역할을 하는 이미지를 강조합니다. 어떤 작품은 어둡고,다른 작품은 눈부시지만,모두 미지근함을 거부합니다. 표현주의는 회화 가 편안하지 않고 아름다울 수 있고,혼란스럽지 않고 강렬할 수 있으며,그 자체에도 불구하고 웃길 수 있다는 것을 상기시켜 줍니다. 칠해진 의자가 월요일 아침보다 내면의 드라마를 더 많이 가지고 있는 것처럼 보일 때 말이죠.
네 개의 읽기 키
색을 진정시키라고 묻지 말고 보세요
표현주의는 연속적인 긴장으로 읽혀진다: 선,색깔, 공간 및 시선은 보이는 것에 대한 공증 된 관찰보다는 민감한 진실을 구성한다.
트랙 강도
눈, 손, 태도는 설정이 말하기 전에도 감정을 집중시키는 경우가 많습니다.
온도를 측정한다
비현실적인 색조가 그림.의 분위기에 대한 가장 정확한 단서일 수 있습니다
불균형을 관찰한다
기울어진 관점과 압축된 형태는 환경을 합리적인 압력으로 변화시킵니다.
자료를 듣는다
임파스토, 스크래치 및 평평한 부분은 제스처의 물리적 흔적을 유지합니다.
민감한 라이브러리
아래를 내려다보지 않고 방문을 연장하세요
독일,오스트리아, 노르웨이 및 벨기에 박물관은 오늘날 한때 잔인하거나 서투르거나 위험하다고 여겨졌던 작품을 보존하고 있습니다. 그들의 이야기는 스캔들이 종종 회화, 보다 더 빨리 노화되며,특히 회화 가 우려 할만한 이유가있을 때 우리에게 상기시킵니다.
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