톱 100 - 표현주의
표현주의: 감정이 지배하는 100 개의 명화
뭉크와 엔소르에서 디 브뤼케, 데르 블라우에 라이터와 베크만까지: 색, 몸, 도시가 완벽하게 괜찮은 척하는 것을 멈추는 100점의 그림.
표현주의는 세상을 따라하지 않는다: 세상이 신경에 무엇을 하는지를 보여준다.하늘은 비명을 지를 수 있고,거리는 날카로워지고 초상화는 모델이 말하려고 계획했던 것보다 더 많은 것을 고백한다.
페인트가 볼륨을 높입니다
신경에서 본 세상
하나의 교리가 아닌 여러 가정에서 태어난 표현주의는 19 세기 말과 전간기 사이에 형태를 갖추었다. 뭉크와 엔소르가 그 길을 인도한다; 다이 브뤼케는 도시와 몸을 전기로 만든다; 데르 블라우에 라이터는 털어놓는다 색깔에는 영적인 임무가 있습니다; Beckmann 와 Soutine 는 1918 년 후에 충격을 머리말을 붙였습니다. 일반적인 실은 조리법이 아니라 결정입니다: 너무 정확한 닮음이 보다 적게 정확할 때 보이는 왜곡 감정.
표현주의는 현실에게 부드럽게 포즈를 취하라고 요구하지 않는다: 현실을 통과하고, 색칠하고, 외관 뒤에서 느꼈던 것을 인정하게 만든다.이미지로 전환
그림으로 작동합니다
전구체는 불안에 형태를 부여합니다
뭉크와 엔서는 1900년 이전에 풍경, 가면, 군중이 외모보다 더 진실한 감정을 전달할 수 있음을 보여줍니다.
#1
외침
1893 년에 그려진,비명은 보편적인 공황에 있는 Kristiania 의 피요르드 위에 산책을 응축한다. 성격은 하늘,물 및 도로가 울부짖는 소리를 일으키는 것을 보이는 동안 그의 귀를 덮는다. 뭉크는 더 이상 장소를 기술하지 않는다: 이는 즉시 인식할 수 있는 수단의 경제와 함께 현대 불안에 가시적인 형태를 제공합니다.
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#2
브뤼셀에 그리스도의 입성
Ensor는 팡파르, 배너, 명상을 꺼리는 카니발 군중 사이에서 현대 브뤼셀에 그리스도의 입구를 설치합니다. 1888년에 완성된 이 거대한 그림은 종교적인 장면을 다음과 같이 변화시켰습니다 정치적 풍자. 작은 그리스도는 거의 시크릿으로 전진; 사회는 전체 폭을 차지하고 훨씬 더 많은 소음을 낸다.
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#삼
밤
밤은 1 차 세계 대전 이후 Beckmann 이 심하게 화가 난 전선에서 돌아 왔을 때 태어났습니다. 너무 좁은 방에서 폭력은 몸을 비틀고 안심할 수있는 관점을 깨뜨립니다. 1918-1919 의 작업은 하나를 말하지 않습니다 구체적인 에피소드: 그것은 집 자체를 함정, 평화를 찾지 못한 채 전쟁에서 벗어나는 독일의 잔인한 이미지로 만듭니다.
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#4
군인으로서의 자화상
1915 년 키르히네르는 제복을 입은 자신을 묘사했는데 오른손은 상징적으로 잘려져 있었지만 잃지 않았습니다. 그의 뒤에는 스튜디오와 전쟁으로 위협받는 화가의 삶을 회상하는 누드가 있습니다. 따라서이 자화상은 하나가 아닙니다 의료 문서이지만 더 이상 창작을 할 수 없을까 봐 두려워하는 예술가의 심리적 평가입니다.
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#5
구성 VII
구성 VII 는 오랜 그림과 연구의 준비 끝에 1913 년 뮌헨에서 그려졌다. 칸딘스키는 홍수,부활 및 최후의 심판의 메아리를 읽을 수있는 이야기에 넣지 않고 순환시킨다. 형태는 충돌하고, 용해되고, 다시 태어나십시오: 여기서 추상화는 폭풍의 규모로 감정적 인 경험이됩니다.
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#6
청마 I
프란츠 마크는 1911 년 푸른 말 I 을 그렸는데,그 순간 동물은 그에게 세상을 바라보는 인간의 시선에서 벗어나는 수단이 되었다. 푸른색은 영적인 가치를 지니고 있으며,말의 곡선은 언덕에 반응하고 자연은 형성되는 것처럼 보인다 단일 유기체. 결과는 Der Blaue Reiter 를 발표하면서 발현의 단맛을 유지합니다.
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#7
죽음과 어린 소녀
죽음과 처녀는 1915 년,Schiele 가 징집되어 Wally Neuzil 과 헤어지고 Edith Harms 와 결혼 한 해입니다. 포옹은 이별에 맞서 싸우는만큼 작별 인사와도 같습니다. 시트는 돌 바닥이되고,the 시체가 매달려 있고 제목은 친밀한 이야기를 거의 중세 시대의 장례식 장면으로 변형시킵니다.
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#8
마돈나
1894 년과 1895 년 사이에 뭉크는 삶의 프리즈라고 부르는 사이클에서 마돈나를 그렸다. 그 인물은 황홀경,모성 및 실종 사이를 진동한다; 그녀의 붉은 후광은 깔끔한 전례 액세서리가 아니다. 이 모호함은 스캔들을 일으킨다 뭉크는 여성의 이상을 감각적이고 불안한 존재로 대체하기 때문에 매력적입니다.
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#9
베를린의 거리
베를린의 거리는 1914 년 이전에 키르히네르가 그린 도시 장면에 속합니다. 우아하고 지나가는 사람들은 날카로운 원근감과 산성 색상으로 압축되어 실제로 만나지 않고 서로를 지나갑니다. 큰 도시는 하나가됩니다 아무도 어디에 있는지 잘 알지 못하더라도 모두가 서두르는 것처럼 보이는 욕망, 상업, 고독의 극장.
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#10
여섯 번째 결혼 기념일에 자화상
1906 년,폴라 모더존-베커는 자신이 임신하지 않았을 때 셔츠를 입지 않은 채 주권적 중력으로 배를 잡고 있는 자신을 그렸다. 이 작품은 부르주아 초상화의 관습을 벗어난 예술가이자 여성으로서의 정체성을 확증한다. 그녀 오늘날 예언적인 것처럼 보입니다: 다음 해에 화가는 딸이 태어난 직후 사망했습니다.
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#11
동물의 운명
동물의 운명은 1913 년에 완성되었다가 1917 년에 화재로 부분적으로 소실되었다. 마크는 모든 존재가 열렬한 고통임을 알리는 문장을 뒷면에 썼다. 사슴,말, 나무는 구성에서 부서진다 묵시적인; 베르됭에서 화가가 죽은 후, 이 동물 재앙은 종종 전쟁의 예감으로 읽혔습니다.
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#12
생명의 춤
삶의 춤은 여름 밤의 중심을 여행하는 커플을 중심으로 욕망의 세 시대를 구성합니다. 뭉크는 충실한 기억보다는 상징적 인 장면을 구성하기 위해 감상적인 경험을 재개합니다. 흰색 드레스, 빨간색과 검은 색 성가 무죄, 열정과 애도: 아무도 아주 가볍게 춤을 추지 않는 바닥에 전체 감정적 인 전기가 들어 맞습니다.
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#13
출발
르 데파르는 나치 정권이 그를 가르침에서 쫓아간 1932 년에서 1935 년 사이에 그려진 베크만의 첫 번째 대형 삼부작을 연다. 측면 패널에는 고문과 감금이 쌓인다; 중앙에는 가족이 a를 타고 바다를 건너간다 거의 왕실의 빛. Beckmann 은 단 하나의 설명을 거부하지만 탈출은 분명히 다시 정복 된 존엄성의 형태를 취합니다.
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#14
거리에 다섯 명의 여자
거리에 다섯 여자와 함께,Kirchner 는 베를린의 산책로를 신경 프리즈로 변화시킵니다. 길쭉한 실루엣,날카로운 모자 및 메이크업으로 가려진 얼굴은 지나가는 사람들에게 거의 위험한 우아함을 선사합니다. 1913 년에 그려진 이 작품은 현대의 광경을 담아내면서 흠잡을 데 없는 진열장 뒤에 숨겨진 사회적 긴장감을 드러낸다.
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#15
피살리스와 함께한 자화상
실레는 1912 년에 이 자화상을 그렸는데,머리와 몸통을 모든 몸짓을 더욱 가파르게 만드는 빈 공간으로 둘러싸고 있었습니다. 붉은 피살리스는 각진 얼굴의 얼굴에 깨지기 쉬운 구두점으로 기능합니다. 작가는 그의 아첨을 추구하지 않습니다 모델, 그것은 그에 대해 이후 좋은: 그는 자신의 몸을 불안 정한 영역으로 검사합니다.
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#16
노란 소
1911 년에 그려진 노란 암소는 곡선이 움직임을 확장하는 풍경 속으로 도약합니다. 마크는 쉽게 색상을 영적,감정적 특성과 연관시킵니다; 노란색은 여기에 빛나고 거의 즐거운 에너지를 가져옵니다. 동물은 동물학 연구도 아니고 시골 환경도 아닙니다: 그것은 여전히 조화를 이룰 수 있는 세계의 민감한 척도가 됩니다.
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#17
즉흥 연주 28(두 번째 버전)
즉흥 연주 28 은 문자 그대로의 서사에서 해방 된 그림에 대한 칸딘스키의 연구에 속합니다. 1912 년에 제작 된 두 번째 버전은 보트,파도, 대포 및 산 표지판을 다채로운 추력과 혼합합니다. 보기 파편을 인식하면 시대의 소음에 교차된 기억처럼 즉시 파편을 잃습니다.
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#18
줄거리
1890 년에 그려진 L'Intrigue 에서 가면은 대중적인 소문의 분위기 속에서 한 여성과 그녀의 동반자를 껴안습니다. Ensor 는 Ostend 의 가족 상점에서 이러한 액세서리에 대해 알고 있었지만 기념품보다 더 많이 만들었습니다 카니발. 숨겨진 얼굴은 벌거 벗은 얼굴보다 더 무분별한 것처럼 보이며,좋은 역설과 부부에게는 꽤 나쁜 소식입니다.
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#19
사춘기
사춘기는 벌거 벗은 십대를 침대 가장자리에 놓고 팔은 그녀의 몸 앞에 교차시킵니다. 그것의 불균형 한 그림자는 두 번째 존재처럼 벽에 서 있습니다. 뭉크는 생물학적 나이를 덜 불러 일으키기 위해 1890 년대에이 주제를 다시 다루었습니다 심령 문턱 만: 자기 발견은 지시없이 무거운 침묵으로 여기에 도착합니다.
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#20
자화상 1912
Jawlensky 는 뮌헨 시대의 절정에 1912 년에이 자화상을 그렸습니다. 두꺼운 윤곽과 대담한 색상은 특징을 묘사 할뿐만 아니라; 그들은 얼굴에 거의 상징적 인 권위를 부여합니다. 러시아 화가는 결합합니다 현대적인 색채의 자유를 지닌 신성한 이미지의 정면성으로, 자신의 머리를 영적 실험실로 만듭니다.
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#21
푸른 말의 탑
1913 년에 그려진 푸른 말의 탑은 한때 프란츠 마르크의 가장 유명한 작품 중 하나였다. 나중에 나치의 "퇴폐 예술" 전시회에 전시된 국립미술관을 위해 인수된 이 작품은 2 차 대전 이후 사라졌다 전세계적으로. 그 기념비적인 구성은 컬러 사진과 복제를 통해서만 알려져 있으며,이는 그 아우라를 강화시킵니다.
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#22
에르나 실링의 초상화
에르나 실링은 베를린과 스위스에서 키르히너의 삶을 공유합니다. 이 1913 년 초상화에서 그녀의 길쭉한 얼굴,모자 및 옷은 모델의 친밀감과 세련미를 모두 불러 일으키는 깨끗한 표면으로 단순화됩니다 도시. Kirchner 는 대도시의 각진 극장을 포기하지 않고 진정한 동반자를 그립니다.
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#23
추기경과 수녀(카레스)
추기경과 수녀, 또한 라 Caresse라는, 1912 년 훨씬 덜 편안한 레지스터 클림트의 키스를 전치. 실레와 월리는 모델 역할을; 빨간색과 검은 색 포옹은 금지, 딱딱하고 거의 보인다 고통스러운. 클림트의 금이 봉투를 약속한 곳에서 실레는 양심의 가책, 각도 및 결과를 가지고 욕망을 들여보냅니다.
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#24
녹색 재킷에 여자
그린 재킷의 여자는 Macke 패션,창문과 현대적인 여가를 관찰하는 산책 장면에 속한다. 그림은 그의 동료와 화가를 구별 매일 부드러움을 잃지 않고,화려한 블록에 눈에 띄는 더 괴롭힌다.표현주의는 그러므로 차분한 목소리로 말할 수 있다; 색은 여전히 대화를 이끌어가는 역할을 한다.
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#25
명상
Jawlensky 는 그의 말년을 쇠약하게하는 관절염에도 불구하고 거의 매일 그려지는 작은 명상에 바쳤습니다. 얼굴은 특별한 정체성이없는 아이콘에 가까운 몇 개의 어둡고 빛나는 밴드로 축소됩니다. 이 반복은 산업적이지 않습니다: 각각의 작은 변화가 전체의 분위기를 수정하는 내부 검색을 수반합니다.
발견하다 →Die Brücke는 도시와 시체를 긴장 상태로 만듭니다
Kirchner, Pechstein 및 Schiele는 안심할 수 있는 포즈를 끊습니다; 거리, 작업장, 초상화는 현대성이 결코 유지되지 않는 긴장된 공간이 됩니다.
#26
샬롯 쿠르트의 초상화
Max Pechstein 은 베를린의 Die Brücke 에 합류 한 직후 인 1910 년에 Charlotte Cuhrt 를 그렸습니다. 초상화는 세속적 인 포즈,밝은 드레스 및 단순화 된 윤곽을 결합했지만 색상은 장식적인 공손함을 거부합니다. 모델은 완벽하게 보입니다 세션의 마스터; 화가는 부르주아적 우아함을 매우 둔감한 반음계 구성의 구실로 사용합니다.
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#27
죽음과 가면
죽음과 가면은 상당히 논리적인 결론을 향해 엔소르의 카니발을 밀어붙인다: 죽음조차도 참여하기를 원하게 된다. 해골,천, 거짓 얼굴은 희극과 위협의 경계를 없애버린다. 이 위장된 사회에서 해골은 거의 유일한 정직한 캐릭터로 보이며, 이는 살아있는 사람들에 대한 칭찬이 아닙니다.
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#28
가족들은
가족은 1918 년에 완성 된 실레의 마지막 위대한 그림 중 하나입니다. 작가는 스페인 독감이 부부를 데려 가기 직전에 Edith 와 상상의 아이와 함께 자신을 묘사합니다. 구성은 없을 집을 약속합니다 장소 없음; 이 회고적 지식은 세 몸의 근접성에 잊기 어려운 중력을 부여합니다.
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#29
불안
불안은 1894 년 칼 요한 애비뉴에서 저녁 군중을 점령하고 붉은 하늘 아래에 설치. 창백한 얼굴은 피요르드 풍경이 그들 뒤에 열리면서 시청자를 향해 전진. 뭉크는 공공 산책로를 변환합니다 감정적 인 전염에서: 아무도 달리지 않지만 전체 그림은 출구를 찾고있는 것처럼 보입니다.
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#30
여자의 머리
이 여성의 머리는 Jawlensky가 얼굴의 건축에 초상화를 집중시키는 방법을 보여줍니다. 눈, 코, 입은 스테인드 글라스나 아이콘을 연상시키는 윤곽선으로 분리되어 있으며 색상은 에서 해방됩니다 카네이션. 모델은 여전히 존재하지만,그 유사성은 무엇보다도 내면의 강렬함을 위한 출발점 역할을 합니다.
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#31
턱시도를 입은 자화상
Beckmann 은이 1927 자화상,손에 담배와 정면 시선에 턱시도를 채택합니다. 우아한 의복은 긴장을 가리지 않습니다; 그는 바이마르 독일에서 최전선으로 돌아온 화가의 공개 이미지를 구성합니다. 몇 년 후,나치는 그를 퇴보한 사람으로 묘사했습니다. 그때 드러나는 자신감은 더 전투적인 풍미를 띠게 됩니다.
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#32
블루 라이더
블루 라이더는 같은 이름의 그룹이 설립되기 훨씬 전인 1903 년에 그려졌습니다. 한 라이더가 숲과 산 사이의 움직이는 지점까지 거리를 줄인 채 초원을 빠르게 건너갑니다. 칸딘스키는 여전히 풍경을 보존하지만, 색상과 리듬은 이미 설명적인 세부 사항보다 중요해지기 시작했습니다.
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#33
터키 커피
터키 커피는 1914 년 봄 Paul Klee 와 Louis Moilliet 와 함께 Macke 가 튀니지를 여행하면서 나온 것입니다. 인물,그림자 및 건축물은 빛으로 목욕 된 다채로운 샷으로 구성됩니다. 쉬운 이국주의가 문에 남아 있습니다: Macke 는 뒤로 물러서 있습니다 무엇보다도 그가 전선에서 죽기 몇 달 전에 그의 그림을 새롭게 한 광학적 경험이었습니다.
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#34
조각된 의자 앞에 있는 Fränzi
Die Brücke 예술가들이 자주 그린 젊은 모델 Fränzi 는 조각 된 의자 앞에 앉아 있습니다. Kirchner 는 얼굴을 단순화하고 드레스덴에서 존경했던 유럽 외 예술에서 영감을 얻은 가파른 모양으로 꾸며줍니다. THE tableau는 그룹의 실험적 자유와 이러한 현대성이 물려받은 식민지 견해를 모두 증언합니다.
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#35
아픈 아이
뭉크는 십대에 결핵으로 죽은 여동생 소피를 기억하기 위해 수십 년 동안 돌아옵니다. 아픈 아이에서 긁어 내고 재 작업 한 그림은 장면 자체만큼이나 연약 해 보입니다. 초연 중 1886 년 전시, 이 법안은 충격; 그러나, 그것은 그의 기억의 예술의 기초 중 하나가 될 것입니다.
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#36
파란색으로 표시된 콰피
마틸데 폰 카울바흐의 별명인 콰피는 베크만의 아내이자 필수 모델 중 하나가 된다. 이 푸른 초상화에서 그의 차분한 자신감은 두꺼운 윤곽과 좁은 공간에 저항한다. 화가는 동반자를 변신시키지 않는다 수동적 상징: 그녀는 무대를 아주 잘 아는 사람의 권위로 시청자를 바라본다.
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#37
호랑이
1912 년에 그려진 호랑이는 주황색,검은색 및 녹색 각도로 동물을 응축시킵니다. 마크는 고양이의 자연주의적인 유연성을 추구하지 않습니다; 그것은 덮칠 준비가 된 포함 된 힘을 눈에 띄게 만듭니다. 입체파는 틀을 제공하고 색상은 그것을 제공합니다 긴장감, 그리고 호랑이는 결국 표본이 아닌 에너지로 캔버스를 차지하게 됩니다.
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#38
녹색 얼굴을 가진 소녀
녹색 얼굴을 가진 소녀에서 Jawlensky 는 불가능한 색상을 사용하여 초상화를 더 많이,덜 인간적으로 만들지 않습니다. 얼굴은 확고한 윤곽으로지지되는 녹색,빨간색 및 파란색의 어코드가됩니다. 이 자유는 Matisse 를 회상합니다 그러나 정면 부동성과 시선의 집중은 이미 젊은 여성을 화가의 미래의 신비로운 머리에 더 가깝게 만듭니다.
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#39
벗겨진 황소
수틴은 렘브란트와 직접 대화하면서 1920 년대에 여러 개의 쇠고기 시체를 그렸습니다. 그는 고기를 자신의 작업장으로 가져와 변색되었을 때 그 색을 되살려 이웃의 큰 절망에 빠지게했습니다. 붉은 물질, 파란색과 노란색은 도살 모티브를 점심 식사 전에는 솔직히 권장되지 않는 활기차고 호화로운 그림체로 변형시킵니다.
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#40
자화상
Marianne von Werefkin 은 1910 년경에 고정된 시선과 어두운 색으로 형성된 얼굴로 자신을 묘사합니다. Ilia Repin 의 전 학생이었던 그녀는 뮌헨에서 그림을 다시 시작하기 전에 Jawlensky 를 지원하기 위해 경력을 중단했습니다. 이 자화상은 예술가이자 중심 이론가가 Blaue Reiter 모험으로 돌아왔음을 확증합니다.
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#41
할레의 레드 타워
할레의 레드 타워는 키르히너가 마을 근처의 요양소에 머물렀던 1915년부터 시작되었습니다. 타워는 대각선과 돌을 가열하는 것처럼 보이는 빨간색으로 지어진 빈 도시 공간을 지배합니다. 건축물은 아무것도 제공하지 않습니다 안정적인 피난처: 동원과 위기로 지친 화가의 긴장된 상태를 반영한다.
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#42
찡그린 얼굴의 벌거벗은 자화상
여기 실레는 자화상을 찡그린 얼굴과 정면 누드 지점으로 밀어 넣습니다. 얇은 몸이 수축하고 피부가 색을 바꾸고 제스처는 영웅적인 포즈를 거부합니다. 전쟁 전 비엔나에서는 이러한 방식으로 노출됩니다 취약성은 관습과 충돌합니다; 또한 아첨하는 조명 없이도 아티스트를 자신만의 경험 분야로 만듭니다.
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#43
구성 VIII
작곡 VIII 는 작곡 VII 의 폭풍이 지나간 지 10 년 후인 1923 년 바우하우스에서 그려졌다. 원,선, 삼각형이 거의 음악적으로 정밀하게 분포되어 있다. 감정은 사라지지 않았다; 그것은 지금 을 통과한다 모양,크기 및 색상 간의 긴장. Kandinsky 는 테이블이 관리 형태가되지 않고 체계적 일 수 있음을 보여줍니다.
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#44
걷다
Walk 에서 Macke 는 여가 장면을 실루엣,나무 및 다채로운 표면의 리듬으로 변형시킵니다. 등장 인물은 명백한 드라마없이 풍경을 가로 지르지만 빛은 완전히 자신의 세계를 재구성합니다. 이 평온함 그녀의 표현주의를 구별합니다: 외치는 대신 색상은 공간을 열고 눈이 함께 걷도록 유도합니다.
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#45
꽃 모자와 자화상
Ensor 는 의식 초상화의 의식 패러디 인 화려한 꽃 모자를 쓰고 자신을 그립니다. 진지한 얼굴은 그것을 구성하는 거의 코믹한 꽃다발에 저항합니다. Ostend 에서 오랫동안 소외되었던 예술가는 따라서 자신의 것을 조직합니다 표창식: 학원에서 왕관을 가져오는 속도가 느린 경우 언제든지 직접 꽃을 선택할 수 있습니다.
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#46
핑크 스웨터 콰피
핑크 스웨터에서 Quappi 는 Beckmann 결혼 친밀감과 연극 구조를 결합한 초상화에 속합니다. 평평한 핑크색 영역,검은 색 윤곽 및 단단한 프레임은 모델에 즉각적인 존재감을 부여합니다. 의미에 감상적인 것은 없습니다 쉬움: 그림은 개성, 패션, 시대를 관찰하는 동시에 Quappi가 마지막 말을 지키도록 합니다.
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#47
블루 호스 II
Blue Horse II 는 1911 년에 Marc 의 동물 비전을 더 조밀한 구성으로 확장했습니다. 말은 마치 지구의 구조를 공유하는 것처럼 상징적 인 곡선과 색상의 풍경에서 구부러집니다. 파란색은 코트를 모방하지 않습니다 ; 화가가 단순한 외모보다 진실하다고 판단하는 내면의 삶을 확증한다.
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#48
키스
The Kiss 에서 두 얼굴은 거의 분리 할 수 없을 때까지 함께 섞입니다. 뭉크는 사랑이 항상 결합과 자기 상실 사이를 오가는 삶의 프리즈에서이 모티브를 작업합니다. 어두운 방은 외부 세계로부터 부부를 보호하고, 그러나이 완벽한 융합에 대해 불안한 것도 있습니다: 친밀감이 프로필을 먹어 치웠습니다.
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#49
마르셀라
Marcella 는 드레스덴 시대의 Kirchner 의 가장 유명한 초상화 중 하나입니다. 젊은 모델은 원시 색상과 어린 시절과 성인기의 범주를 방해하는 포즈로 제공됩니다. 이 작품은 연구를 드러냅니다 die Brücke 의 공식적이지만,오늘날에도 예술가와 마이너 모델 간의 관계에 대한 비판적 시각이 필요합니다.
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#50
스틸렌데 무터
Stillende Mutter 는 단순화되고 기념비적 인 구성의 중심에 모유 수유 어머니를 배치합니다. Modersohn-Becker 는 종종 모성을 위해 예약 된 일화적인 매력을 거부합니다: 무거운 볼륨,흙 투성이의 음색 및 정면성이 제공합니다 고풍스러운 위엄을 지닌 일상의 몸짓. 그림은 멀리서 조심스럽게 간직된 예쁜 우화가 아니라 살아 있는 육체에 대해 이야기합니다.
발견하다 →Der Blaue Reiter가 색상을 출시합니다
Marc, Kandinsky, Macke, Jawlensky 및 Werefkin은 동물, 얼굴, 풍경 또는 추상화에서 단순한 설명을 넘어서는 강렬함을 추구합니다.
#51
월리의 초상
월리 노이질은 실레의 동반자이자 모델로서 몇 년 동안 활동했다. 이 1912 년 초상화는 피살리스 자화상에 반응한다: 같은 밝은 배경,같은 꽉 짜여진 프레임,하지만 좀 더 차분한 존재감. 파란 눈과 머리카락 roux는 Wally에게 부부를 중심으로 구축된 낭만적인 전설에 저항하는 개성을 부여합니다.
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#52
알렉상드르 사하로프의 초상화
뮌헨에서 활동하는 러시아 무용수 Alexandre Sakharoff 는 Blaue Reiter 서클을 자주 방문합니다. Jawlensky 는 얼굴을 장면으로 만드는 강하게 양식화 된 특징과 색상으로 그림을 그립니다. 초상화는 춤 동작을 덜 기록합니다 오직 수행적 정체성: 메이크업, 룩, 아웃라인만이 모델을 거의 전례적인 모습으로 변화시킵니다.
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#53
여우
여우 빨간색,녹색과 파란색 패싯의 네트워크에서 1913 년에 그려졌다. 동물들은 기하학을 공유 할 때까지 식물에 맞게. 마크는 인간의 지배에서 자유로운 세계의 인식을 재발견하고 싶었다; 그러나 분열된 구성은 이미 화가를 데려갈 전쟁 직전에 위협적인 균형을 선언하고 있습니다.
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#54
즉흥 연주의 홍수
즉흥의 홍수는 칸딘스키가 1914 년 이전에 발전시킨 묵시적인 환상에 속한다. 비스듬한 선,어두운 덩어리,색깔의 폭발은 그것을 단계적으로 설명하지 않고 재앙을 암시한다. 성경의 주체는 하나가 된다 페인팅 원리: 파도 뒤에 새로운 시각적 질서가 나타날 수 있도록 모든 것을 물에 담가야 합니다.
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#55
큰 빛나는 진열장
위대한 빛나는 쇼케이스는 현대 도시에 대한 Macke 의 관찰에 속합니다. 유리는 상품,반사 및 지나가는 사람들을 겹쳐서 보는 사람과 눈에 제공되는 것 사이의 경계를 흐리게합니다. 예술가 소비를 다채로운 경험으로 변화시킵니다; 창문은 유혹의 역할을 하지만 그림은 다행스럽게도 변화를 유지합니다.
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#56
청어 사우르를 놓고 싸우는 해골들
두 해골은 죽음이 터무니없는 다툼에 대한 매우 활기찬 맛을 유지하는 Ensor 의이 풍자에서 청어 사우르를 위해 경쟁합니다. 제목은 기만적 인 전환을 지정하는 프랑스어 표현에서 재생됩니다. 고대의 허영과 현대적인 농담인 이 작품은 육체에서 해방되더라도 인간은 여전히 말다툼을 할 이유를 찾는다는 사실을 상기시켜 줍니다.
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#57
카니발
카니발은 Beckmann 을 심오하게 변화시킨 전쟁 다음날인 1920 년부터 시작됩니다. 엔터테인먼트는 검은 색 윤곽선 뒤에 의상,신체 및 악기가 얽혀있는 컴팩트 한 무대가됩니다. 파티는 폭력을 지우지 않습니다 세상의; 그녀는 저녁을 계속할 만큼 충분한 화장을 하고 있는데, 이는 효과적이고 약간 불안합니다.
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#58
뱀파이어
뭉크는 먼저 사랑과 고통이라는 제목으로 이 포옹을 선물한다; 친구가 붙인 별명 뱀파이어는 결국 자리를 잡게 된다. 애매한 장면에서 위안과 흡수 사이에서 빨간 머리의 여자가 남자의 목 위로 몸을 기댄다. 거기 머리카락이 부부를 불꽃처럼 감싸고 시청자가 누가 누구를 구할지 결정할 수 있습니다.
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#59
거리에 두 여자
거리의 두 여성은 현대 데이트의 베를린 테마를 차지한다. 가까이에서 본 우아한 실루엣은 대각선과 불일치 색상으로 압축 된 공간에서 전진한다. 키르히너는 동안 패션을 포착합니다 바니시를 파괴하는 것: 거리는 너무 밝게 빛나는 장면처럼 보이며, 시선은 항상 호기심만큼 상업적입니다.
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#60
Der barmherzige 사마리터
Modersohn-Becker 는 착한 사마리아인의 비유를 단단한 책과 읽을 수 있는 몸짓으로 이루어진 고의적으로 단순한 언어로 바꾸어 놓았다. 종교적인 주제는 학문적 강조를 위한 구실이 되지 않는다; 그것은 연민을 다시 불러온다 두 몸 사이의 구체적인 행동. 작품의 현대성은 바로 화려한 장식이없는이 중력에 기인합니다.
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#61
죽은 도시
죽은 도시는 쉬엘레의 어머니의 고향인 크루마우를 침묵의 유기체로 변화시킨다. 위에서 본 꽉 막힌 집들은 어두운 물가에 떠 있는 듯하다. 도시의 풍경은 심령 초상화가 된다: 닫힌 창문, 부재한 거리와 빛바랜 색채가 건축물이 사라진 주민들을 기억하는 듯한 공동체를 이루고 있습니다.
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#62
투란도트 2세
Turandot II 는 Jawlensky 가 자율적 인 얼굴을 발명하기 위해 극장과 아이콘에서 빌린 머리에 속합니다. 전설적인 공주의 이름은 이국적인 거리를 가져 오는 반면 색상과 윤곽은 하나를 만듭니다 정면 존재. 초상화는 오페라를 말하지 않는다: 그것은 몇 가지 반음계 코드에 매력적인 성격을 집중시킨다.
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#63
갈대 속의 사슴
갈대 속의 사슴에서 마크는 동물을 보호하고 확장하는 식물에 새깁니다. 몸의 곡선은 줄기에 반응하고 색상은 현실적인 위장을 없애 내면의 조화를 만듭니다. 사슴은 그렇지 않습니다 관찰자에 놀라지 않음; 그는 관중이 일시적으로 손님으로 남아 있는 세계에 속한 것 같습니다.
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#64
뮌헨-슈바빙 성 우르술라 교회와
칸딘스키는 1908 년 성 우르술라 교회와 함께 뮌헨-슈바빙을 그렸는데, 이때 풍경이 묘사에서 눈에 띄기 시작했다. 집, 나무, 종탑은 남아 있지만 빛보다 색상이 강렬함을 더한다 자연 스럽습니다. 이 단계는 추상화가 일어나는 것을 보여줍니다. 그녀가 공식적으로 주소를 찾기 전에 말이죠.
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#65
동물원 I
동물원 I 은 방문자와 동물을 빛나는 반점의 네트워크로 변화시킵니다. Macke 는 현대 도시 취미에서 신체의 움직임보다 종의 목록에 관심이 적습니다. 동물원은 실험실이됩니다 케이지가 통로보다 적게 계산되는 색상, 교차된 시선 및 보는 사람들을 바라보는 이상한 즐거움.
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#66
특이 마스크
단수형 마스크는 거짓 얼굴이 숨기는 것보다 더 많은 것을 드러내는 인물을 엔소르에 모았습니다. 화려한 색상과 얼어붙은 표정은 카니발을 사교 모임으로 변화시킵니다. 모두가 역할을 합니다. 아무도 는 순진해 보이지 않으며, 시청자는 불행하게도 단순히 중립을 유지하도록 설계된 마스크가 없다는 것을 금방 이해합니다.
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#67
황혼의 아이들 - 오르쿠스
황혼의 아이들,때때로 Orcus 라는 이름과 관련이있는 것은 Beckmann 의 암스테르담 망명 기간에 속합니다. 수수께끼의 인물은 신화,연극 및 현대 경험 사이에서 좁은 공간을 차지합니다. 화가는 그것을 거부합니다 투명한 이야기; 등장인물이 우화에서 나온 것처럼 보일 때에도 어두운 유럽이 여전히 존재하는 정신적 장면을 구성합니다.
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#68
다리에 어린 소녀
다리 위의 어린 소녀들은 뭉크가 1901 년경에 그린 여러 버전이 있습니다. 난간은 깊고 드레스는 다채로운 스위트 룸을 형성하며 'Aasgårdstrand 의 풍경은 매달려있는 것처럼 보입니다. 모티브의 평온함 뒤에,the 관점은 기대를 만들어낸다: 이 어린 소녀들은 물을 바라보고, 그림은 이미 그들의 미래를 바라보고 있다.
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#69
현대 보헤미안
현대 보헤미아는 키르히네르가 대도시에서 자주 찾는 예술적,문학적 환경을 말한다. 인물,옷 그리고 인테리어는 자유만큼이나 포즈를 기반으로 집단 정체성을 구성한다. 그림은 관찰한다 참여와 거리감이있는이 현대성: 심지어 반란군도 때때로 의자를 선택하고 포즈를 취해야한다.
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#70
Drei Kinder mit Ziege im Birkenwald
염소와 함께 세 아이들은 Modersohn-Becker 에 익숙한 자작 나무로 걸어. 화가는 거의 시대를 초월한 장면을 만들 정도로 몸과 트렁크를 단순화합니다. 어린 시절은 달콤하지도 극화되지도 않습니다; 그녀는 항상 흠잡을 데가 없는 진지함, 동물, 신발을 갖춘 보르프스베데의 시골 풍경에 속합니다.
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#71
은둔자들
Hermites 는 거의 빈 배경에 눌려 어두운 이중 인물로 Schiele 와 Gustav Klimt 를 함께 모았습니다. 1912 년에 그려진이 작품은 젊은 예술가의 독립을 확인하면서 주인에게 경의를 표합니다. 두 몸은 공유하는 것 같습니다 동일한 장례식 망토: 의식이라기보다는 야행성 횡단으로 제시되는 예술적 혈통입니다.
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#72
푸른 만틸라
Blue Mantilla 는 여성의 얼굴을 거의 신성한 구조로 만듭니다. Jawlensky 는 스페인 의류를 다채로운 프레임으로 사용한 다음 기능을 강력한 표시로 단순화합니다. 제목의 이국주의는 시선의 정면성보다 덜 중요합니다 : 피규어는 의상처럼 제공되지 않으며 색상이 권위를 부여하는 조용한 존재감을 부여합니다.
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#73
원숭이 프리즈
원숭이 프리즈는 길쭉한 구성으로 여러 동물을 움직이게 합니다. 마크는 해부학적 특성보다는 집단적인 리듬을 관찰하여 곡선을 한 몸에서 다른 몸으로 순환시킵니다. 이러한 연속성은 표현됩니다 통일된 본성에 대한 그의 꿈; 원숭이는 자신의 위치를 정당화하기 위해 인간을 모방하도록 요청받지 않습니다.
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#74
무르나우
무르나우에서 칸딘스키는 뮌터,야울렌스키, 베레프킨과 함께 단순화에 도움이 되는 풍경을 발견했다. 마을,교회 그리고 산은 명확한 윤곽으로 분리된 채색된 덩어리가 된다. 완전한 추상화 이전에 그려진, 이 견해는 감정적 인 온도를 변화시키면서 실제 장소가 어떻게 보존 될 수 있는지를 보여줍니다.
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#75
나무 아래 어린 소녀들
Young Girls Under the Trees 는 1914 년 이전에 Macke 가 그린 여가 장면에 속합니다. 드레스,나뭇잎 및 그림자가 스테인드 글라스 창문에 가까운 밝은 표면에 함께 모입니다. 현대 생활은 순간적으로 조화를 이루는 것처럼 보입니다 자연; 이 온화함은 화가가 전쟁이 시작될 때 아주 어렸을 때 죽었다는 것을 알 때 특별한 가치를 갖습니다.
발견하다 →전쟁 후 표현주의는 그 심각성을 바꾸었습니다
Beckmann, Soutine, Modersohn-Becker, Gerstl 및 그들의 이웃은 육체적 경험이 된 초상화, 망명, 기억 및 회화 자료를 통해 이 모험을 확장합니다.
#76
고통받는 여인
조난의 여인은 엔소르의 연극적이고 기괴한 우주를 사용하여 거의 도움이되지 않는 쇼의 중간에 어려움에 처한 인물을 넣습니다. 얼굴과 몸짓은 인기있는 무대에서처럼 혼란을 증폭시킵니다. 유머 남아 있지만 불편 함을 상쇄하지는 않습니다: Ensor에서 대중은 종종 문제의 일부입니다.
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#77
바 인 파리 /클라리지 바, 런던 /리츠 바 파리
베크만이 그린 이 바는 파리와 런던에 대한 여러 기억을 겹쳐 놓았습니다. 거울,고객, 가구는 공간이 그 자체로 물러나는 장면을 연출합니다. 망명은 경계하는 눈으로 세상의 사교성을 관찰합니다: 모두 가깝고, 실제로 접근할 수 있는 사람은 아무도 없으며, 음주로는 관점 문제를 해결하지 못합니다.
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#78
우울한
우울에서, 한 커플이 해변으로 멀리 걸어 동안 고독한 남자는 바다를 바라보고 뭉크는 정신적 풍경으로 낭만적 인 실망을 변환: 해안 라인은 얼굴을 확장하고 전 세계가 의 움직임을 따라 보인다 생각. 슬픔은 설명되지 않습니다; 그것은 지평선까지 공간을 구성합니다.
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#79
거울 속의 여자
거울을 가진 여자는 현대적인 친밀감에 설치하여 키르히네르에서 고대 모티브를 가져옵니다. 반사,신체 및 가구는 평화로운 관상을 방해하는 각도로 부서집니다. 거울은 이미지를 보장하지 않습니다 안정적인; 오히려 자신을 보려면 이미 여러 버전의 자신과 협상이 필요한 것처럼 관점이 배가됩니다.
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#80
Zwei Kinder auf einer Wiese sitzend
초원에 앉아있는 두 아이는 보프스웨데의 사람들에게 모더존-베커의 관심을 보여줍니다. 그 인물들은 무겁고,침묵하며, 매력적인 일화로 변하기보다는 지구에 통합되어 있습니다. 화가는 그들을 거부합니다 어린 시절의 감상적인 관습: 그 모델은 어른들이 종종 인식하는 것을 잊어버리는 모든 진지함과 함께 자율적인 존재감을 가지고 있습니다.
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#81
고뇌(죽음을 향한 투쟁)
고뇌,죽음의 투쟁이라는 부제가 붙은 고뇌는 지친 싸움을 닮은 포옹으로 두 인물을 짜냅니다. 실레는 몸을 뼈와 신경 구조로 그립니다. 근접한 곳에서도 취약합니다. 주제는 그렇지 않습니다 영웅적인; 전쟁이 이러한 긴장을 구체적으로 만드는 시기에 생존 자체를 노력으로 보여줍니다.
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#82
큰 여자의 머리 에 빨강
빨간색에 큰 여자의 머리는 기념비적인 규모쪽으로 Jawlensky 얼굴의 시리즈를 밀어. 빨간색 배경,눈과 윤곽은 마스크와 인간의 존재 사이에 긴장을 만듭니다. 단순화는 모델을 지우지 않습니다: 그녀는 거실에서 떠들지 않고 그림이 정면 만남의 역할을 할 수 있도록 보조 세부 사항을 제거합니다.
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#83
붉은 개
레드독은 마크가 세상을 보다 본능적으로 인식하고자 하는 다채로운 동물에 속한다. 레드는 몸의 에너지를 집중시키는 반면 풍경은 자세에 반응한다. 동물은 고정된 상징의 역할을 하지 않는다 수수께끼처럼 해독하십시오; 그것은 세심하고 환경에 완전히 설치된 색채의 힘이 됩니다.
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#84
빨간 반점 회화
레드 스팟 페인팅은 칸딘스키가 완전한 추상화의 가장자리에서 작업 한 1914 년부터 시작됩니다. 작은 붉은 색 영역은 선,떠 다니는 모양 및 가벼운 공간 사이의 긴장을 구성합니다. 제목은 세부 사항에 눈을 그립니다 그러나 그 일은 그 다음 그 주위에 현명하게 남아 있기를 거부한다: 전체 표면은 불안정한 균형에 참여한다.
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#85
패션: 밀리너 가게 앞 파라솔을 입은 여성
모자 가게 앞에 파라솔을 들고 있는 여성은 Macke 의 Fashion 시리즈에 속합니다. 쇼케이스,의류와 실루엣은 우리가 보는 것과 보여지는 것을 통해 정체성이 찾아오는 도시에서 서로 반응합니다. 장면은 여전히 가볍지만 정확한 구성은 현대 상업이 어떻게 이미지를 생성하는지 보여줍니다.
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#86
죽음의 무리를 쫓는 죽음 (Death Pursuing the Herd of Humans). 1896
인간의 무리를 추구하는 죽음에서 엔소르는 현대 사회를 위해 죽음의 춤이라는 중세적 주제를 다룬다. 해골은 그 존엄성을 거의 유지하지 못하는 밀집된 군중을 쫓아낸다. 풍자는 치열하고 매우 민주주의: 죽음에 직면하여 사회 계층은 갑자기 그 의미를 잃고 행렬에서 탁월한 위치를 잃게 됩니다.
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#87
중국 불꽃놀이 /The Dream (Small)
꿈이라고도 불리는 중국 불꽃놀이는 1920 년대 후반 베크만의 수수께끼 같은 인테리어에 속합니다. 인물,물체 및 빛의 폭발은 확실한 설명없이 장면을 구성합니다. 불꽃놀이는 할 수 있습니다 축하, 기억 또는 위협이 되기 위해; 모호함은 일상 공간을 무의식의 극장으로 변화시킵니다.
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#88
Alte Bäuerin mit Ziege - Dreebeen mit Ziege und Hühnern
염소와 닭을 동반 한이 늙은 농민 여성은 Worpswede 의 시골 세계에서 왔습니다. Modersohn-Becker 는 빈곤을 이상화하거나 그림 같은 세부 사항을 수집하지 않고 그에게 견고한 키를 제공합니다. 캐릭터는 에 속합니다 체중과 흙빛 범위별 풍경; 그의 일상생활은 페인트를 운반하기에 충분하다.
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#89
나무 4개
1917 년에 그려진 네 그루의 나무는 늦은 날 하늘 앞에 얇은 줄기를 늘어서 있습니다. 중앙에는 낮은 태양이 구성을 나누고 들판은 색상의 띠가됩니다. 실레는 풍경에 와 같은 긴장감을 적용합니다 인간의 몸: 각 나무는 고립 된 것처럼 보이지만 공통의 리듬은 세상이 무너지는 것을 막습니다.
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#90
성숙
성숙함은 Jawlensky의 늦은 머리에 속하며 아이콘에 가까운 정면 구조로 축소되었습니다. 제목은 내부 상태보다 정확한 나이를 덜 나타냅니다. 숨막히는 색상, 수직 코 및 단순화된 눈은 다음을 제공합니다 뮌헨 시대의 더욱 화려한 초상화 이후 안정을 되찾았습니다.
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#91
러시아 발레 I
러시아 발레 20 세기 초 발레 뤼스에 대한 유럽의 열정을 포착했습니다. Macke 는 쇼 보고서가 아닌 의상,제스처 및 음악을 다채로운 리듬으로 번역합니다. 댄서들은 거의 간판이되고, 하지만 장면의 추진력을 유지하세요; 그림은 누구에게도 방해가 되지 않고 맨 앞줄에 자리를 잡은 것 같습니다.
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#92
게부르트
게부르트,즉 탄생은 베크만이 유배 기간 동안 그린 위대한 우화에 속합니다. 친밀한 주제는 의미가 열려있는 몸과 표식으로 채워진 밀집 된 장면으로 변형됩니다. 탄생은 무죄를 약속하지 않습니다 간단함: 이미 역사와 갈등으로 가득 찬 세상에 새로운 삶을 소개합니다.
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#93
자작나무 속의 소녀
자작 나무에있는 소녀는 Modersohn-Becker 가 초상화와 풍경을 결합하는 모티프 중 하나입니다. 수직 줄기는 장면을 구조화하는 반면 아이는 진지하고 움직이지 않습니다. 화가는 산책을 이야기하지 않습니다; 그녀는 엽서 민속 없이 관찰되는 시골에서 몸이 장소처럼 느껴지게 만듭니다.
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#94
머리는 검정색과 녹색입니다
검은 색과 녹색 머리는 Jawlensky 에서 얼굴의 점진적인 감소를 보여줍니다. 두 가지 지배적 인 색상은 깊이,리듬 및 명상을 확립하기에 충분합니다. 검은 색은 단지 윤곽이 아니며 녹색은 피부 색조가 아닙니다: 함께, 그들은 초상화를 명상적인 이미지, 즉 단일한 사람과 보편적인 기호 사이의 중간으로 이동합니다.
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#95
마들렌 카스탱의 초상화
장식가이자 후원자 인 Madeleine Castaing 은 1920 년대부터 Soutine 을지지했습니다. 이 초상화에서 몸은 안락 의자,의복 및 얼굴의 곡선에 의해 긴장된 것처럼 보입니다. 닮음은 결코 희생되지 않지만 교차합니다 화가의 불안한 에너지만큼이나 모델의 기질을 드러내는 이동형 소재.
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#96
작은 페이스트리 요리사
르 쁘띠 파티시에 1920 년대에 Soutine 에 의해 그려진 젊은 직원의 시리즈에 속한다. 흰색과 빨간색 유니폼은 포즈에 의해 약간 변형 얇은 몸에 강한 구조를 제공합니다. 예술가는이 노동자를 부여 익명은 장식에 일반적으로 수반되는 뻣뻣함을 강요하지 않고 공식 초상화의 심각성을 보여줍니다.
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#97
세레의 풍경
세레에서 1919 년에서 1922 년 사이에 수틴은 집,도로 및 나무가 내부 추력에 종속 된 것처럼 보이는 풍경을 그렸습니다. 원근법이 흔들리고 모양이 뒤틀리지만 마을은 결코 완전히 사라지지 않습니다. THE 마치 지구가 너무 빨리 숨을 쉬는 것처럼 실제 장소는 물리적인 그림 체험이 됩니다.
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#98
쇤베르크 가족
리하르트 게르스틀은 작곡가 아르놀트 쇤베르크와 그의 빈 서클을 자주 방문하던 시기에 쇤베르크 가문을 그렸다. 재빠른 손길과 불안정한 빛은 종래의 가문 초상화와 결별한다. 이야기 곧 고통스러운 차례를 걸립니다: Gerstl은 1908년 그녀의 자살에 앞서 발생한 위기인 Mathilde Schönberg와 불륜을 유지합니다.
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#99
마틸데 쇤베르크
마틸데 쇤베르크는 게르스틀이 작곡가의 원을 뒤흔드는 열정적인 관계의 맥락에서 그린 것이다. 그러나 초상화는 쉬운 낭만적인 일화를 피한다: 신경질적인 물질과 집중된 얼굴이 주는 것이다 자율적 인 존재를 모델링하십시오. 다음에 무슨 일이 일어날 지 아는 것은 긴장감을 더하지만 그림은 스캔들없이 버틴다.
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#100
미리
티코 살리넨의 아내 미리는 핀란드 표현주의의 중심 모티브가 되었다. 화가는 선과 볼륨을 가혹하게 단순화시켜 시선의 폭력에 대한 논쟁을 촉발시켰다. 초상화는 정확하게 강력하게 남아있다 편안하지 않기 때문에: 그것은 우리가 형식적인 발명, 부부의 친밀감, 모델과 예술가 사이의 비대칭성을 함께 고려하도록 강요합니다.
발견하다 →작품들이 드러내는 것
100점의 그림, 3점의 지속적인 충격
백 개의 작품을 거쳐 표현주의는 더 이상 걱정스러운 얼굴들의 단순한 집합체와 닮지 않았습니다. 약속 없이 색이 도착해서 거실 한가운데에 앉아 있을 때에도,살아있는 경험을 우선시하는 방식이죠.
유사점은 판결이 아닙니다
초상화는 선을 비틀면서도 아침 거울보다 더 정확하게 조준할 수 있습니다.
색은 감정이 된다
빨간색, 녹색 및 노란색은 장면을 장식하지 않습니다: 그들은 온도를 직접 조절합니다.
풍경도 보인다
나무, 거리, 산은 화가의 내부 상태를 흡수하여 그를 관객에게 돌려보냅니다.
긴장감 있는 타임라인
현재의 상승을 따라가는 5개의 날짜
Kirchner, Heckel 및 Schmidt-Rottluff는 예술과 삶 사이의 거리를 단축하기로 결심하고 드레스덴에 그룹을 설립했습니다.
표현주의라는 용어는 비판적인 논쟁을 불러일으키고 있으며 더 넓은 감성을 지정하기 시작했습니다.
칸딘스키와 프란츠 마크는 뮌헨에서 색을 움직이는 생각으로 만드는 예술가들을 한자리에 모았습니다.
Blaue Reiter는 대중 예술, 음악, 아방가르드를 결합한 작업 선언문을 출판합니다.
전쟁은 집단들을 분산시킨다; 표현주의적 충동은 살아남고 어조를 바꾼다.
깊은 움직임
표현주의는 왜 그렇게 강렬하게 남아 있는가?
표현주의는 먼저 보이는 세계를 복사하려고 하지 않습니다. 그는 세상이 내면에서 일으키는 것을 보여주고 싶어합니다: 걱정,열, 외로움,열, 욕망,현기증. 색이 긴장되고 선이 왜곡되고 얼굴은 거의 심리적인 풍경이 됩니다. 항상 편안한 것은 아니지만,누구도 걸작이 쿠션처럼 행동해야 한다고 약속하지 않았습니다.
에드바르 뭉크는 두려움,사랑, 질병 또는 질투가 즉시 인식 할 수있는 형태를 취하는 이미지로 결정적인 길을 열어줍니다. 비명은 유명한 얼굴 일뿐만 아니라: 그것은 일반적인 진동,풍경입니다 캐릭터와 같은 경보를 듣는 것 같습니다. 뭉크는 감정이 건축, 하늘, 수평선, 심지어 기억조차 버릴 수 없게 될 수 있음을 보여줍니다.
독일에서는 Die Brücke 가 운동에 도시적이고 신경질적인 에너지를줍니다. Kirchner,Heckel, Schmidt-Rottluff 및 Pechstein 은 거리,작업장, 댄서,목욕하는 사람 및 인물을 산성 색상과 각도로 칠합니다 건조하고 거의 전기적 인 긴장감. 현대 도시는 더 이상 우아한 환경이 아닙니다: 그것은 육체적 인 경험이됩니다. 우리는 보도,외모, 조명,때로는 5 분을 소비하는 매우 합리적인 욕구를 느낍니다 침착한.
Der Blaue Reiter 는 또 다른 강렬함을 가져옵니다. Kandinsky,Marc, Macke,Münter 또는 Jawlensky 는 더 많은 내부,때로는 색상의 영적 힘을 추구합니다. 푸른 말,간소화 된 모양 및 솔직한 하모니는 그렇지 않습니다 단순히 피사체를 묘사하는 것이 아니라: 그들은 시각적인 음악을 찾고 있습니다. 캔버스는 거의 악보가 되고,광택이 나는 바이올린은 적고 심장 박동은 더 많아집니다.
에곤 실레와 오스카 코코슈카는 바니시 없이 인간의 모습에 진실을 부여합니다. 몸은 누워 있고,손은 악물고,눈은 실존적 계약의 작은 선을 읽은 것 같습니다. 이 그림은 불안할 수도 있지만 그녀는이 솔직함에서 그녀의 힘을 그립니다. 그녀는 취약성을 위장하지 않습니다; 그녀는 그에게 앞줄에 의자를 제공합니다.
장식에서 표현주의는 매우 특별한 존재감을 가지고 있습니다. 그것은 성격을 받아들이는 방에 적합합니다: 사무실,도서관, 냉정한 거실,간단한 통로로 남아있는 것보다 더 가치가있는 복도. A 표현주의 작품은 단지 벽을 치장하는 것이 아닙니다; 그것은 긴장감, 깊이, 때로는 아무것도 요구하지 않았지만 아주 잘했던 소파와의 약간의 조용한 대화를 만들어냅니다.
This Top 은 감정,표현 왜곡,강한 색채와 심리적 존재감이 중심 역할을 하는 이미지를 강조합니다. 어떤 작품은 어둡고,어떤 작품은 눈부시지만,모두 미지근함을 거부합니다. 표현주의는 그림이 월요일 아침보다 실내 드라마가 더 많은 것처럼 보일 때 그림이 편안하지 않고 아름답고, 혼란스럽지 않고 강렬하며, 그 자체에도 불구하고 재미있을 수 있음을 상기시켜 줍니다.
네 개의 읽기 키
색을 진정시키라고 묻지 말고 보세요
표현주의는 연속적인 긴장으로 읽혀진다: 선,색깔, 공간 및 시선은 보이는 것에 대한 공증 된 관찰보다는 민감한 진실을 구성한다.
트랙 강도
눈, 손, 태도는 설정이 말하기 전에도 감정을 집중시키는 경우가 많습니다.
온도를 측정한다
비현실적인 색조는 그림 속 분위기를 가장 정확하게 나타내는 지표일 수 있습니다.
불균형을 관찰한다
기울어진 관점과 압축된 형태는 환경을 합리적인 압력으로 변화시킵니다.
자료를 듣는다
임파스토, 스크래치 및 평평한 부분은 제스처의 물리적 흔적을 유지합니다.
민감한 라이브러리
아래를 내려다보지 않고 방문을 연장하세요
독일, 오스트리아, 노르웨이, 벨기에 박물관은 오늘날 한때 잔인하고 서투르거나 위험하다고 여겨졌던 작품들을 보존하고 있습니다. 그들의 이야기는 스캔들이 종종 그림보다 더 빨리 늙어간다는 것을 상기시켜 줍니다. 특히 그림이 걱정할 이유가 있을 때 더욱 그렇습니다.
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