르누아르 · 음악, 친밀감 및 공식 인정
피아노를 치는 어린 소녀들: 르누아르가 교훈을 조화로 바꾸는 그림
1892 년,악보에 기대어 있는 두 어린 소녀가 프랑스 국가가 구입한 르누아르의 첫 번째 그림의 주제가 되었다. 달콤함 뒤에는 오래 작업한 구도가 숨겨져 있다.
이 가이드는 오르세 미술관 버전을 다양한 변형과 구별하고 피아노, 손, 색상 및 장식의 역할을 분석한 다음 충실한 재현을 선택하는 방법을 설명합니다.
올바른 독서
평화로운 장면이지만 르누아르 경력의 주요 작업입니다
그림은 똑바로 선 피아노 앞에 두 어린 소녀를 보여줍니다. 하나는 키보드에 앉아 그녀의 손을 키 근처에 놓았습니다; 다른 하나는 악보쪽으로 기울어집니다. 역사적인 사건과 닮은 것은 없습니다. 콘서트도없고,청중도없고, 식별 가능한 거장도 없습니다. 그러나이 작품은 결정적인 위치를 차지합니다: 1892 년 프랑스 국가는 룩셈부르크 박물관을 위해 르누아르에서 구입 한 후 살아있는 예술가들에게 헌정했습니다.
이 인정은 모티브에 주어진주의를 부분적으로 설명합니다. 르누아르는 삶에서 가져온 즉흥 연주를 전달하지 않습니다. 그는 여러 그림,그림 및 연구에서 무대를 차지하고 인물,피아노 및 장식 간의 관계를 수정하며 자연 스러움과 건축 사이의 균형을 추구합니다. 메트로폴리탄 박물관은 공식 작곡 이전 또는 그 주변에서 개발 된 5 가지 준비 버전을 설명합니다.
주제는 겸손하지만 그 구조는 야심적입니다. 두 몸은 컴팩트 한 덩어리를 형성합니다; 흰색 악보는 눈을 사로 잡습니다; 어두운 피아노는 전체를 안정시킵니다; 의복의 빨강,커튼의 녹색 및 따뜻한 피부색이 빛을 순환시킵니다. 르누아르는 내부를 색상 협정으로 취급합니다.
1891 -1892 · 국가 컬렉션에 진입
왜 국가는 마침내 르누아르에게 그림을 주문하는가?
이미 인정받은 화가를 위한 늦은 봉헌식입니다
1890 년대 초 르누아르는 50 세에 육박하고 있었다. 그는 상인,수집가 및 일부 대중에게 오랫동안 알려져왔다. 그러나 오르세 미술관의 공지에 따르면 그의 친구들과 아마추어들은 여전히 프랑스 국가의 공식 구매가 부족한 것에 분노하고있다.
1891 년 말 또는 1892 년 초에 행정부는 룩셈부르크 박물관을 대상으로 한 작품을 제작하도록 요청했습니다. 이 박물관은 그 때 특별한 역할을합니다: 루브르 박물관에 작품이 들어갈 가능성이 있기 전에 살아 있거나 최근에 사망 한 예술가를 제시합니다 국가 역사에서 그들의 위치를 확인합니다.
르누아르는 최근 그림의 몇 가지 장점을 요약 한 주제를 선택합니다: 젊은 여성 인물, 교양있는 인테리어, 일상 활동, 관대 한 색상 및 안정적인 구성. 선택은 터치의 자유를 포기하지 않고 인상파 시작의 도발적인 성격을 피합니다.
구매는 1892 년 9 월에 공식화되었다. 그 후 그림은 룩셈부르크에서 루브르 박물관으로,그 다음에는 Jeu de Paume 으로 옮겨졌고,1986 년 오르세 미술관에 배정되었다. 이러한 제도적 궤적은 국내 장면을 프랑스 미술사의 이정표로 변화시켰다.
이미지의 평온함은 주의를 의미하지 않습니다: 르누아르는 친숙한 주제가 박물관 그림의 야망을 전달할 수 있음을 증명합니다.
역사 독서보이지 않는 건축
구성은 얼굴, 손, 악보의 삼각형으로 함께 유지됩니다
| 요소 | 이미지의 기능 | 무엇을 볼 것인가 |
|---|---|---|
| 양쪽 머리 | 그들은 그룹을 닫고 관심을 집중시킵니다. | 피아니스트의 프로필은 동반자의 기울어진 얼굴에 반응합니다. |
| 파티션 | 이는 그림 사이의 명확한 초점을 형성합니다. | 흰색 페이지는 얼굴을 분리하면서 눈을 하나로 묶습니다. |
| 업라이트 피아노 | 어두운 기하학은 장면의 기초를 제공합니다. | 수평 키보드와 수직 가장자리는 공간을 구성합니다. |
| 팔 | 그들은 음악과 열쇠로 눈을 이끈다. | 대각선은 단일 이중 초상화의 고요함을 피합니다. |
| 꽃다발과 커튼 | 그들은 유연한 모양과 가구의 엄격함을 균형. | 꽃, 직물 및 잎은 바닥이 숨을 쉬게합니다. |
흰색을 보세요
악보는 액세서리가 아닙니다: 그림의 중심 빛입니다.
대각선을 따라가세요
외모, 어깨, 팔뚝은 견고한 대칭을 이루지 않고 수렴됩니다.
검정색의 무게를 측정합니다
피아노는 따뜻한 색상을 유지하고 장면이 수증기가되는 것을 방지합니다.
정지된 조치입니다
르누아르는 작품의 시작도 끝도 보여주지 않는다: 그는 우리가 해독하는 순간을 그린다
얼굴보다 손이 행동을 더 잘 알려줍니다
앉아있는 소녀는 콘서트 연주자의 강조를 가지고 연주하지 않습니다. 그녀의 몸은 악기에 가깝게 남아 있으며 그녀의 관심은 키와 페이지 사이에 나누어져 있습니다. 두 번째 인물은 박수를 치기 위해서가 아니라 독서를 따라가기 위해 몸을 숙입니다. 그녀는 학습 파트너가됩니다.
제스처의 이러한 경제는 장면을 신뢰할 수있게합니다. 르누아르는 특정 음악 구절을 설명하려고하지 않습니다. 그는 중간 순간을 선택합니다: 우리는 메모를 검토하고,다시 조치를 취하고,우리는 아마도 손을 놓을 때까지 기다립니다. 그림의 침묵은 가능한 음악으로 충전 된 상태로 유지됩니다.
신체는 서로 가깝지만 그들의 관계는 연극적이지 않습니다. 시선의 직접적인 교환은 그들의 공모를 설명하지 않습니다. 이것은 악보에 대한 공통된 방향을 포함합니다. 책은 제 3 의 배우,물질적 대상 및 심리적 중심이됩니다.
재생산에서는 따라서 손이 결정적입니다. 너무 날카롭거나 해부학 적이라면 인위적으로 배치 된 것처럼 보입니다. 너무 흐릿하면 행동이 사라집니다. 읽을 수있는 제스처와 부드러운 터치 사이의 전환이 유지되어야합니다.
소리 없는 코드
빨간색, 녹색, 흰색, 검정색: 팔레트가 피아노 대신 음악을 재생합니다
레드는 리듬을 설정합니다
서있는 소녀의 옷은 즉각적인 따뜻함을 소개합니다. 그것의 빨강은 균일하지 않습니다: 그들은 분홍색,주황색, 갈색 및 때로는 보라색쪽으로 미끄러집니다. 이 변형은 드레스가 고립 된 장식 표면이되는 것을 방지합니다.
커튼의 녹색과 배경은 대위법을 구성합니다. 빨간색과 녹색은 서로를 강화하지만 르누아르는 피부 톤,머리카락 및 크림 톤으로 반대를 부드럽게합니다. 합의는 공격적으로되지 않고 살아 있습니다.
피아노는 어둡고 결코 비어 있지 않습니다
가구 조각은 까만 구획을 형성할 수 있었습니다. 르누아르는 갈색,녹색 및 파란 반사로 그것을 생기시킵니다. 키보드 열쇠,악보의 가장자리 및 손은 이 질량을 중단합니다. 피아노는 basso continuo 같이 작용합니다: 안정되어 있는,깊은, 전체에 근본.
페이지의 흰색은 순수하지 않습니다. 따뜻한 그림자,색깔의 회색 및 주변 빛을받습니다. 이 변조는 페인트 된 사본에 필수적입니다. 광학 백서는 갑자기 나머지 장면에서 점수를 분리합니다.
마지막으로 윤곽은 투과성을 유지합니다. 머리카락은 배경과 섞이고 접힌 부분은 통로로 구성되며 피부는 이웃 색상을받습니다. 통일성은 톤의 순환보다 닫힌 드로잉에서 덜 나옵니다.
19 세기 국내 문화
피아노는 음악이 교육의 일부인 부르주아적 내부에 무대를 배치합니다
악기는 사회적 표시이기도 합니다
19 세기의 풍요로운 인테리어에서 피아노는 콘서트만을위한 것이 아닙니다. 그것은 가족의 사교성,교육 및 사적인 회의에 속합니다. 그 존재는 경작 된 공간,공부에 전념하는 시간 및 악기를 소유하는 데 필요한 물질적 수단을 나타냅니다.
어린 소녀들의 음악적 실천은 성별 및 계급 기대와도 관련이 있습니다. 규율,감수성 및 가정 성취를 중요하게 생각합니다. 그림은 전적으로 자연스러워 보일지 모르지만 사회적 학습을 나타냅니다: 몸을 잡고,읽고, 듣고,공통 문화에 참여하는 방법.
르누아르는 그러나 도덕적 이미지의 실증적인 어조를 피한다. 권위주의적인 교사도,고통스러운 운동도,가족에 대한 감탄도 보여주지 않는다. 두 어린 소녀는 그들만의 세계를 형성한다. 교육은 눈에 보이는 의무라기보다는 공모로 변한다.
Musée de l'Orangerie 는이 주제가 또한 17 세기와 18 세기에 그려진 음악 장면의 오랜 역사에서 비롯되었으며 Manet,Degas 또는 Cézanne 과 같은 동시대 사람들이 채택했다고 회상합니다. 따라서 르누아르는 국내 현대성을 고대 전통에 둡니다.
하나의 이미지, 여러 개의 그림
피아노를 연주하는 어린 소녀들의 버전이 왜 그렇게 많나요?
패턴의 반복은 르누아르가 성공적인 작품을 기계적으로 복사한다는 것을 의미하지 않습니다. 각 버전은 그가 그림을 이동하고,배경을 단순화하고,형식을 변경하거나 색상 관계를 테스트 할 수 있습니다. Met 는 공식 명령의 중요성으로 인한 준비 작업을 강조합니다; Orangery 는 적어도 6 개의 다른 버전의 주제를보고합니다.
두 소녀는 누구인가?
르누아르에게 그들의 정체성은 그들이 구현하는 관계 유형보다 덜 중요합니다
제목에는 이름이 나와 있지 않습니다. 박물관 기록에는 식별 된 초상화보다는 어린 소녀에 대해 이야기합니다. Orangery 는 르누아르가 그의 모델과 동일한 모델을 사용했을 수도 있음을 시사합니다 두 어린 소녀의 초상화1890년에서 1892년 사이에 그려졌지만 여전히 주의가 필요합니다.
이러한 정체성의 결여는 장면을 변형시킨다. 모델의 이름이 지어지면 그림은 먼저 특정 사람들의 기억으로 읽혀질 것이다. 반대로 일반적인 제목은 상황을 인식하도록 우리를 초대한다: 두 개의 가까운 나이,두 개의 보완적인 위치,공유 된 활동.
르누아르는 종종 다양한 포즈에서 같은 얼굴을 사용합니다. 실제 사람은 독자,음악가, 부케 소녀 또는 인테리어 인물이 될 수 있습니다. 모델은 존재감과 연속성을 제공하는 반면 화가는 그림 역할을 수정합니다.
그러나 모델을 보이지 않게해서는 안됩니다. 기울어 진 자세를 잡고 키보드에서 제스처를 반복하고 여러 세션을 지원하는 것은 이미지 생성에 기여합니다. 겉보기 부드러움은 또한이 육체적 인 작업에 의존합니다.
영웅적 인상주의 이후의 르누아르
1892년에 화가는 고전적인 건축과 다채로운 진동을 결합했습니다
피규어는 무게를 되찾았습니다
1870 년대의 매우 자유로운 연구와 1880 년대의 더 확고한 그림으로의 복귀 이후 르누아르는 합성을 추구했습니다. 신체는 안정적인 존재감을 가지고 있지만 윤곽은 밀폐되어 있지 않습니다. 색상은 계속해서 볼륨을 형성합니다.
이 그룹은 밀도와 균형을 통해 전통을 회상합니다. 두 인물은 거의 하나의 실루엣을 형성 할 수있었습니다. 그러나 드레스,머리카락, 꽃 및 커튼의 터치는 학문적 강성을 금지하는 이동성을 유지합니다.
장식은 방법이 된다
르누아르는 심각한 주제와 장식적인 즐거움을 반대하지 않습니다. 직물과 부케,피아노의 표면은 인식을 구성합니다. 이미지는 큰 질량의 코드처럼 멀리서 읽을 수 있으며,그 다음 색칠 된 터치와 구절로 가까이 파편됩니다.
이 이중 작업은 그림의 벽 강도를 설명합니다. 멀리서 빨간색,녹색, 검정색 및 흰색이 즉시 방을 구성합니다. 접근하면 피부 전환,나무 반사 및 생생한 윤곽을 발견합니다.
이 장면은 또한 더 기념비적이고 시대를 초월한 인물에 대한 르누아르의 늦은 관심을 알립니다. 일화는 사라집니다: 그들은 더 이상 1892 년의 두 십대 소녀가 아니라 공유 학습의 지속적인 이미지입니다.
르누아르의 성숙함은 인상주의를 포기한 것이 아니다; 그것은 색상에 형태의 견고성을 부여하려는 시도입니다.
문체적 독서르누아르의 음악 컬렉션
버전을 비교하고 매장에서 피아노 테마를 확장하세요
피아노에서 어린 소녀들
빨간색, 녹색, 검정색, 흰색의 균형이 잡힌 공식 버전입니다.
재생산 →를 참조하세요오렌지 온실 변형
그룹과 장식의 움직임을 측정하는 다른 프레임입니다.
재생산 →를 참조하세요Met 변형
화가의 준비연구를 통해 성공적인 구도를 이룬 작품.
재생산 →를 참조하세요피아노 레슨
학습은 더욱 명확해지고 수치 간의 관계가 변화합니다.
재생산 →를 참조하세요
피아노에서 여자
악기, 고독, 여성적 존재 사이의 또 다른 관계.
재생산 →를 참조하세요
이본과 크리스틴 레롤
보다 명확하게 묘사된 음악적 인테리어에서 두 가지 모델이 확인되었습니다.
재생산 →를 참조하세요재생산 및 장식
프레임, 색상 및 판독 거리에 따라 버전을 선택하십시오
크기가 아닌 버전으로 시작하십시오
변종은 상호 교환 할 수 없습니다. 일부는 수치를 더 조이고; 다른 일부는 장식이 숨을 쉬게하거나 피아노에 더 많은 무게를줍니다. 먼저 Orsay,Orangerie, Met 및 Hermitage 의 복제품을 비교 한 다음 형식을 선택하십시오.
수직 구성은 좁은 벽,두 책장 사이,콘솔 위 또는 사무실에 적합합니다. 거실에서는 더 큰 형식으로 그림을 단순한 빨간색과 녹색 지점으로 변형시키지 않고도 악보와 손을 읽을 수 있습니다.
검증 전에 4개 구역을 확인하세요
얼굴: 그들은 방향을 잃지 않고 온화하게 남아 있어야합니다. 점수: 결코 새하얗게 되어서는 안 된다. 피아노: 검정색에는 반사가 포함되어야 합니다. 드레스: 재료를 보존하려면 빨간색이 다양해야 합니다.
녹청 처리된 골드 프레임은 역사적인 성격을 강조하고 배경의 녹색을 따뜻하게 해줍니다. 어두운 미국 케이스는 피아노의 질량을 확장하고 현대적인 인테리어에서 잘 작동합니다. 중간 목재는 특히 도서관이나 음악에 적합한 보다 국내적인 전환을 만들어냅니다.
너무 차가운 직사광선을 피하십시오. 따뜻한 측면 램프는 페인트 칠한 재료의 변형을 드러냅니다. 이 작품은 거실,침실, 사무실,음악실 및 독서 공간에 자연스럽게 적합합니다.
| 조각 | 권장 형식 | 프레임 | 원하는 효과 |
|---|---|---|---|
| 라운지 | 중간 또는 큰 수직 | 녹청 처리된 금 또는 어두운 나무 | 재배되고 따뜻하며 구조적인 존재감. |
| 도서관 | 중간 | 호두나무 | 독서, 악보, 가구 간의 대화. |
| 침실 | 소형 또는 중형 | 신중한 빛 또는 금 나무 | 과부하가없는 친밀한 분위기. |
| 음악 룸 | 큰 | 어두운 또는 미국 상자 | 악기 및 음악 연습을 통한 직접적인 에코. |
컬렉션 및 소스
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열 가지 구체적인 답변
피아노의 어린 소녀들에 대해 자주 묻는 질문입니다
르누아르는 언제 피아노에 어린 소녀들을 그렸나요?
오르세 미술관의 참조 버전은 1892 년으로 거슬러 올라갑니다. 르누아르는 이 기간 동안 동일한 모티브를 중심으로 여러 변형과 연구를 진행했습니다.
메인 보드는 어디에 있나요?
1892 년 프랑스 국가가 구입한 버전은 오르세 미술관에 속해 있다. 박물관 공지에 따르면 현재 극장에는 전시되어 있지 않다.
이 테이블이 왜 중요한가요?
이는 프랑스 국가가 르누아르 작품을 공식적으로 구매한 최초의 사례이며 이미 오랜 경력을 쌓은 후 제도적 인정을 받은 것입니다.
몇 가지 버전이 있습니까?
Met 는 다섯 가지 준비 버전을 언급하는 반면 Orangery 는 그림의 다른 버전을 적어도 여섯 가지보고합니다. 그 숫자는 그림,연구 및 변형이 어떻게 계산되는지에 달려 있습니다.
어떤 버전을 참조로 사용해야 합니까?
오르세 미술관 버전은 1892 년의 공식 구매에 해당하기 때문에 주요 역사적 랜드마크입니다. Met,Orangery 및 Hermitage 의 변형은 우리가 창조적 인 과정을 이해할 수있게 해줍니다.
대표되는 어린 소녀들은 누구입니까?
그들의 정체성은 확실하게 확립되지 않았습니다. L' Orangerie 는 르누아르가 그의 두 어린 소녀의 초상화에서 모델을 가져 왔을 수도 있지만 제목은 일반적인 것으로 남아 있다고 제안합니다.
르누아르는 왜 피아노를 선택했을까?
피아노는 음악,교육, 국내 문화 및 사회적 지위를 결합합니다. 어두운 기하학은 또한 작곡에 매우 강력한 구조를 제공합니다.
어떤 색상이 지배적입니까?
의복의 빨강,커튼의 녹색,피아노의 흑갈색과 악보의 색깔있는 흰색. 피부 톤과 머리카락이 이러한 대조를 연결합니다.
충실한 재생산을 인식하는 방법?
얼굴의 부드러움, 손의 가독성, 빨간색의 변형, 피아노의 반사와 악보의 따뜻한 그림자를 제어합니다.
어떤 프레임을 선택할까요?
녹청을 입힌 금 구조는 고전적인 발표를 위해 적당합니다; 어두운 나무 또는 미국 상자는 현대 실내로 피아노를 확장합니다.
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