생트아드레스의 테라스, 모네가 본 근대의 여름

시각적 분석

이 테라스가 왜 동시에 깊고 거의 평평해 보이는가

시점은 높은 곳에 놓여 있으며, 아마 가족 저택의 윗층에서이다. 단일 소실점으로 향하는 고전적 원근법을 펼치는 대신, 모네는 테라스, 바다, 하늘을 겹쳐 놓는다. 지평선은 높다. 정원의 표면은 위에서 내려다보이며, 배들은 거의 측면으로 나타난다. 여러 각도가 공존함으로써 미묘한 긴장이 생겨난다. 공간은 인식되지만, 동시에 캔버스 위의 형식 배치로서도 작품을 지각한다.

두 개의 큰 깃발은 결정적인 역할을 한다. 오른쪽의 프랑스 국기와 왼쪽의 빨간색과 노란색 깃발은 무대를 커튼처럼 에워싼다. 깃대의 수직선은 수평 띠를 가로지르며 리듬을 더한다. 배들의 마스트는 이 움직임을 더 작은 규모로 되풀이한다. 이처럼 모네는 과장된 제스처 없이 잔잔한 하루를 생동감 넘치는 구도로 바꾸어 놓는다.

이 그림은 단순한 바다의 풍경이 아니다——깊이감을 잃지 않으면서 공간을 어떻게 평면화할 수 있을지에 대한 실험이다.

일본 판화로의 시선

더 메트는 이 구성을 클로드 모네와 그의 주변 미술가들이 수집했던 채색 일본 판화와 연결 짓는다. 영향은 이국적인 의상이나 물건에 있지 않다. 그것은 높은 시점의 프레이밍, 넓은 평면, 가장자리에 의한 요소의 잘림, 표상의 장식적 가치에서 읽힌다. 클로드 모네 본인도 당시의 대략적인 용어에 따라 이 작품을 깃발을 단 『중국풍』 그림이라 일컬었다고 한다.

클로드 모네가 일본 이미지에 품은 경외는 여기서 하나의 방법이 된다. 꽃들은 식물학적인 연구로 다뤄지지 않고, 빨강, 노랑, 흰색의 점이 된다. 인물들은 수직의 액센트처럼 배치된다. 미니어처 선박은 항해 활동을 서술하는 데 그치지 않는다——해안선의 선을 균형 잡고 깃대들의 리듬을 이어간다.

더 밝은 색채, 여전히 구조를 갖춘

첫 인상파 전시회 칠 년 전, 모네의 필촉은 1870년대 작품보다 더 절제되어 있다. 특히 의상과 가구에서 그러한 경향이 뚜렷하다. 그럼에도 특정 영역은 이미 반짝인다. 꽃다발, 잔디, 바다 위 반사, 그리고 연기는 더 빠르고 끊어진 듯한 터치로 구축되었다. 또렷한 파란색, 빛나는 녹색, 강렬한 빨간색이 그림에 고유한 광채를 부여한다.

빛은 형상을 지우지 않고 위계를 매긴다. 전경의 푸르스름한 그림자는 하늘에 응답한다. 어두운 의상은 정원을 안정시킨다. 드레스, 돛, 구름의 흰빛은 구도를 관통하는 참조의 사슬을 만든다. 이러한 절제가 색채의 풍부함에도 불구하고 이미지가 읽히도록 유지되는 이유를 설명한다.

전환기의 회화

인상주의 이전에도, 그 원리는 이미 자리 잡고 있었다

이 캔버스를 완성된 인상주의로 읽고 싶어질 것이다. 그러나 그것은 탐구의 단계에 속한다. 인물들은 신중히 배치되어 있고, 윤곽은 단단히 남아 있으며, 전체 구성에는 모네가 나중에 완화할 엄격함이 있다. 미래를 예고하는 것은 균일한 외모라기보다는 일련의 결정들, 즉 현대적 여가를 그리는 것, 야외에서 작업하는 것, 태양의 대비를 받아들이는 것, 색에 구조적 역할을 부여하는 것이다.

이 작품은 또한 연작으로 사고하는 예술가를 드러낸다. 생트아드레스에서 모네는 시점, 기상 조건, 인간의 활동을 다양하게 변화시킨다. 나중에 건초더미, 포플러, 대성당, 수련이 이 방법을 체계화할 것이다. 1867년에 이미 그 원리는 존재한다. 장소는 결정적 이미지를 갖지 못한다. 그것은 시간, 조수, 하늘, 그리고 그것을 점유하는 사람들과 함께 변한다.

테라스는 결국 여러 세계를 연결한다. 보호받던 정원은 가족과 피서지에 속한다. 바다는 상업, 어업, 여행으로 열린다. 깃발들은 국가적 음을 도입하고, 구성은 일본풍 이미지를 차용한다. 이 중첩은 엽서를 피한다. 모네는 그 현대성이 훨씬 광범위한 시각적·문화적 교환에 의거하는 지역적 장면을 만들어낸다.

이것이 이 그림이 여전히 지금 같은 이유다. 그것은 먼저 휴가와 빛의 감각을 주고, 이어서 띠와 기호, 색채의 거의 추상적 구성을 드러낸다. 즉시 그것을 사랑할 수 있으며, 그럼에도 오랫동안 계속 발견할 수 있다. 이 이중의 접근성이 미술관에서도 사적인 실내에서도 힘을 가지는 이유를 설명한다.