추상 미술: 색이 혼자 사고하는 유명한 그림 100점

추상 미술이 왜 그토록 매력적인가?

추상 미술은 단순히 더 적은 것을 표현하는 것이 아니다: 그림에게 다른 일을 하도록 요청한다. 형태, 색, 리듬, 균형이 더 이상 반드시 탁자, 풍경, 얼굴을 묘사하는 데 쓰이지 않는다. 그 자체가 주제가 된다. 이는 엄청난 변화이다: 캔버스는 더 이상 세계로 통하는 창문을 보여주지 않고, 자신만의 법칙, 긴장, 때때로 기하학적 유머 감각을 가진 세상이 된다.

바실리 칸딘스키는 이러한 전환에서 중심적인 역할을 한다. 그의 구성, 즉흥곡, 원들은 색에 거의 음악적인 힘을 부여한다. 우리는 형태만 바라보는 것이 아니라 속도, 화음, 충돌, 호흡을 느낀다. 칸딘스키는 회화를 시각 악보처럼 다루지만, 누군가가 매우 강하게 진동하는 무언가를 이해하기 위해 음표를 읽을 줄 알 필요는 없다.

피에트 몬드리안은 다른 길, 즉 더 간결하지만同样 과감한 길을 간다. 그의 검은 선, 그리고 백색, 적색, 청색, 황색의 직사각형은 본질적 조화를 추구한다. 모든 것이 단순해 보이지만, 눈이 알아차리면 각 비율이 중요하다. 몬드리안은 격자 자체가 20년 동안 명상한 것처럼 보이게 하는 재주를 가지고 있으며, 이는 직사각형에게는 여전히 존경할 만한 성과이다.

카지미르 말레비치는 추상을至上주의로 밀어붙이며, 검은 사각, 흰색 위의 흰색, 그림이 닻을 끊은 듯 떠다니는 형태들을 그린다. 그에게 이미지는 더 이상 장면을 이야기하지 않는다: 상태, 긴장, 때로는 현기증을 제안한다. 엄격하지만 비어 있지는 않다. 침묵은 무게를 가질 수 있다, 특히 그것이 벽에 잘 걸려 있을 때.

파울 클레, 로베르 들로네, 테오 반 되스뷔르흐, 소피 퇴베르-아르프, 힐마 af 클린트, 쿠프카, 포포바, 로드첸코는 추상이 한 가지 기분만 가진 것이 아니라는 것을 보여준다. 시적일 수도, 영적일 수도, 수학적일 수도, 즐거울 수도, 엄격할 수도, 빛날 수도, 단순히 실험적일 수도 있다. 클레의 추상은 몬드리안처럼 말하지 않고, 들로네는 말레비치처럼 회전하지 않는다. 이는 인원이 많은 가족이지만, 식탁은 반드시 흥미로울 것이다.

인테리어에서 추상 미술은 특별한 힘을 가진다: 주제보다 분위기에 더 잘 어울린다. 기하학적 구성은 공간을 구조화하고, 색의 추상은 공간에 활기를 불어넣으며, 더 부드러운 작품은 호흡을 가져다준다. 그림이 반드시 이야기를 강요하지는 않는다; 공간을 열어준다. 저녁 식사를 감시할 초상화를 초대하고 싶지 않을 때, 표현력 있는 벽을 원한다면 이것은 실용적이다.

이 톱은 추상이 진짜 동력이 되는 작품을 우선시한다: 자율적 형태, 조직된 색, 시각적 리듬, 영적 또는 기하학적 탐구. 일부 이미지는 오르피즘,至上주의, 구성주의 또는 초기抒情 추상에서 온다. 모두 같은 위대한 모험을 이야기한다: 닮아야 한다는 의무로부터 회화를 해방시키고, 그것이 닥치를 베끼는 것을 멈추자마자 말할 거리가 엄청나게 많다는 것을 발견하는 것.

추상 예술 탐험

방향을 틀지 않고 관람을 계속할 수 있는 유용한 입구 몇 가지.